Estamos en época de listas de lo mejor y lo peor del año, una costumbre de la que es difícil sustraerse, envueltos en lo que ahora se denominan los Wrapped, como los que ofrecen plataformas como Spotify y HBO Max. Se trata de los resúmenes de lo que más hemos escuchado o visto en los últimos doce meses, las huellas de nuestro comportamiento que sirven también para hacer trabajar a los algoritmos. Mientras la crítica norteamericana elabora unas listas que en realidad deberían denominarse como las mejores series de Hollywood, dado su escaso interés en las producciones extranjeras, la atención estos días está, sin embargo, en la rumorología surgida de una reunión entre los ejecutivos de Warner Bros. Discovery y Paramount Global que podría ser el comienzo de una posible fusión entre dos compañías que no están en su mejor momento. Un acuerdo que, de producirse, será largo pero con el que muchos analistas no parecen demasiado contentos y la propia Bolsa de Nueva York ha acogido con pérdidas para ambas empresas. Lo que ha despertado de nuevo el debate sobre el fracaso del negocio del streaming y la discusión sobre si la solución a una evidente falta de competitividad con Netflix pasa por hacer empresas más grandes a través de fusiones o hacerse más pequeñas y dedicarse a la producción y distribución, dejando el negocio del streaming para quienes han sabido controlarlo como Netflix o aquellos que tienen suficiente músculo financiero como las tecnológicas Amazon y Apple. El analista Rich Greenfield, de LightShed Partners, comentaba esta semana en el podcast The Town (The Ringer, 2022-): "Hace diez años los que apostamos por el streaming nos equivocamos. No hay ningún problema en equivocarse. Pero en Hollywood nadie quiere tomar las decisiones difíciles: cerrar Paramount+, cerrar Peacock. HBO Max debería desaparecer y regresar a una marca de prestigio como HBO, garantizando la producción de contenidos de calidad". Una de las razones positivas para la posible fusión es que ésta proporcionaría un catálogo inmenso proveniente de dos productoras centenarias. Pero teniendo en cuenta que HBO Max y la mayor parte de las plataformas se han estado deshaciendo de contenidos poco rentables para evitar impuestos, no parece que sea la justificación más acertada para una fusión que también se enfrentaría a las reticencias de una administración Biden que no apoya este tipo de macro-fusiones. Y por eso el resultado de las elecciones de noviembre de 2024 puede ser también muy relevante.
En nuestro caso, este año hemos hecho un esfuerzo por cubrir los principales festivales de series que se celebran a nivel internacional, y nuestros resúmenes ofrecen una interesante perspectiva de las tendencias en producción que se están desarrollando en la actualidad, porque no solamente ofrecemos críticas de las nuevas producciones estrenadas, sino un seguimiento de los paneles y debates profesionales en torno a la industria audiovisual. Hemos hecho crónicas de Séries Mania en marzo, Crossover y Canneseries en abril, Conecta Fiction & Entertainment en julio e Iberseries & Platino Industria, Seriedagene y Serielizados en octubre. A partir de lo que hemos visto en estos festivales, ofreceremos en enero nuestra habitual lista de las Mejores Series Inéditas en España como adelanto de lo que podríamos ver a lo largo de 2024. Pero este año hemos preferido no elaborar un listado de las mejores series estrenadas en nuestro país durante 2023, sino que hemos querido destacar los que para nosotros son los mejores episodios que hemos visto.
La descripción de estos episodios tiene relación con las temporadas completas y su relevancia dentro de las historias. Los comentarios pueden contener información importante sobre el desarrollo de las tramas.
 |
Power play - A la caza del gansoTemporada 1 | Episodio 3 | FilminEscrito por Kristin Grue, Silje Storstein | Dirigido por André Chocron |
Comenzamos por uno de los últimos estrenos del año, la esperada serie noruega Power play (Filmin, 2023-), cuya primera temporada ha llegado esta semana (la segunda temporada se estrena en Noruega a principios de 2024). Esta incursión cargada de ironía en torno a las continuas crisis de identidad del Partido Laborista en los años setenta que provocó la elección de la primera mujer que fue Primera Ministra, es una inteligente sátira política que se eleva en episodios como éste. La propia historia sirvió a los guionistas para elaborar el habitual "episodio botella", aquél que se desarrolla generalmente en un solo escenario pero que tiene relevancia en la trama principal. En este caso, la decisión del Partido Laborista de realizar su campaña electoral en 1979 recorriendo Noruega en un tren permite concentrar a todos los personajes dentro de este espacio, pero la unión de políticos, periodistas y grandes cantidades de alcohol suele tener consecuencias desastrosas. "Solo falta una orquesta para que esto parezca el Titanic", dice una periodista a la protagonista Gro Harlem Brundtland (Kathrine Thorborg Johansen, en uno de los escasos momentos de tranquilidad que encontramos en el episodio A la caza del ganso (T1E3). Porque en medio del compadreo, el Ministro de Economía revela a un entrevistador una política fiscal que el partido quiere mantener oculta porque no es demasiado popular, lo que por supuesto se acaba publicando en los medios al día siguiente e influyendo en el resultado de las elecciones municipales de 1979. La acción se desarrolla solo dentro del tren, hasta el punto que la cámara permanece en él cuando los políticos se detienen en Lillehammer para llevar a cabo un acto de campaña, haciendo una transición temporal sobre un zoom in hacia un aparato de radio que ofrece las noticias del día. El viaje acaba en una fiesta de alcohol entre periodistas y políticos, pero sobre todo elabora de manera perfecta el primer momento de rebeldía de la protagonista, la toma de conciencia de que su posición en el partido siempre será secundaria y necesita dar un paso adelante, lo que se muestra en un plano secuencia en cámara lenta en el que ella recorre los compartimentos del tren rodeada de compañeros borrachos mientras suena "Va pensiero", el canto de los esclavos hebreos en la ópera Nabucco (1842) de Giuseppe Verdi.
 |
The Crown - RitzTemporada 6 | Episodio 8 | NetflixEscrito por Peter Morgan, Meriel Sheibani-Clare | Dirigido por Alex Gabassi |
Después de una primera parte demasiado centrada en una romantización de la figura de Diana de Gales, The Crown (Netflix, 2016-2023) ha vuelto a tomar impulso en una segunda parte que vuelve a centrarse en la figura de la reina. Y en algunos episodios recupera el espíritu de sus mejores momentos en las dos primeras temporadas, como en Ritz (T6E8) que vuelve a tener esa habilidad para mezclar hechos reales con momentos ficcionados en los que, a través de un personaje secundario en realidad se apunta un aspecto destacado de la personalidad de Isabel II. La historia se centra en la princesa Margarita (Lesley Manville) poco antes de cumplir 70 años, la última etapa de su vida en la que sufrió varios derrames cerebrales. El presente se mezcla con los recuerdos de la noche del 8 de mayo de 1945, el Día de la Victoria, en el que Isabel (Viola Prettejohn, extraordinariamente parecida a Claire Foy) y Margarita (Beau Gadsdon, quien ya la había interpretado en la primera y segunda temporadas) salieron a las calles de Londres para celebrar el final de la 2ª Guerra Mundial. Fue la última noche en la que Isabel pudo ser ella misma antes de convertirse en Isabel II. La salida nocturna parece real, y la propia reina la describió en una entrevista con la BBC en 2015 como "una de las noches más memorables de mi vida". También es cierto que acabaron en el Hotel Ritz, pero no se sabe si bailaron en el bar subterráneo Pink Sink en el que, como le indica un soldado a Isabel: "Aquí no hay oficiales ni soldados, sólo música". El Pink Sink del Hotel Ritz existió en realidad, y fue descrito por Matthew Sweet en su libro The West End Front - The wartime secrets of London's Grand Hotels (2012) como parte de la cultura underground homosexual de la época. Es un episodio excelente, escrito por Peter Morgan y Meriel Sheibani-Clare, que ha trabajado en las dos últimas temporadas de la serie, y dirigido por Alex Gabassi, que esta temporada también dirigió Persona non grata (T6E1). Hay momentos íntimos entre las dos hermanas, oportunidad para que dos grandes actrices, Lesley Manville e Imelda Staunton, desplieguen sus mejores recursos interpretativos, y termina con una hermosa secuencia en la que las hermanas regresan a Palacio en una de las despedidas de personaje más emocionantes de toda la serie. También establece un singular paralelismo con la realidad: al final del episodio se indica que la princesa Margarita murió plácidamente en la cama en 2002, una muerte parecida a la de la reina Isabel II en 2022. Cuando se anunció su fallecimiento se estaba rodando este episodio, por lo que la producción detuvo el rodaje como señal de respeto. Seguramente, si no se hubiera producido este hecho, que obligó a Peter Morgan a cambiar el guión del episodio final Sleep, dearie sleep (T6E10), hubiera sido un gran desenlace, pero se nota algo disperso, mientras que Ritz permanece como uno de los mejores momentos televisivos del año.
 |
Succession - La boda de ConnorTemporada 4 | Episodio 3 | HBO MaxEscrito por Jesse Armstrong | Dirigido por Mark Mylod |
------- Alerta Spoilers -------
En el eterno debate sobre si las series deben estrenarse para dar la posibilidad a los espectadores de hacer binge-watching (atracón de episodios seguidos) o es mejor el más tradicional método del estreno semanal, hay algunas que son una respuesta en sí mismas. Succession (HBO Max, 2018-2023) es un ejemplo, sobre todo porque el ruido que solía generar cada episodio semanal, especialmente en su última temporada, alimentaba el disfrute de la serie. El impactante Connor's wedding (T4E3) es mucho más rico dentro del contexto de su estreno semanal que viéndolo junto al resto de los episodios, y seguramente se han escrito sobre él más artículos que de ninguna otra serie en este año. Este decisivo episodio fue escrito directamente por Jesse Armstrong (1970, Gran Bretaña), el creador de Succession, y dirigido por Mark Mylod (1968, Gran Bretaña), que prácticamente se ha ocupado de la mitad de cada temporada desde el principio. El sentido del título de la serie cobra una dimensión especial cuando ya no es Logan Roy (Brian Cox) quien elegirá al sucesor de su reino, y la escenificación de su muerte es uno de los momentos más brillantes que ha dado la televisión en los últimos años. Separado de su familia, rodeado de aduladores y de los "mejores médicos del mundo", es un adiós silencioso que ni siquiera vemos, y que solo se muestra a través de una llamada de teléfono en el que se reflejan, de forma literal, los problemas de comunicación que siempre han tenido los hijos con su padre y entre ellos mismos. Kendall (Jeremy Strong), Shiv (Sarah Snook) y Roman (Kieran Culkin) demuestran su inmadurez cuando reciben la noticia, casi como adolescentes que no encuentran el tono adecuado cuando le dicen a su padre sus últimas palabras (en realidad, se les ha ocultado que están hablando con un muerto). Y esta representación de unos hijos incapaces de hablar y un padre que no escucha es absolutamente magistral. También es notable la música de Anthony Britell (1980, Nueva York), desde las sonoridades distorsionadas en la llamada telefónica fatídica hasta el tema final, que muestra el peso que tiene el personaje principal a través de un tema que siempre está presente, como comentamos cuando hablamos de la banda sonora. La temporada siguió manteniendo un nivel sobresaliente, y los tres últimos episodios son brillantes; America decides (T4E8), sobre una noche de elecciones en la que los poderes económicos tratan de influir en los resultados, Church and State (T4E9), en el que se describe el funeral, y por supuesto With open eyes (T4E10), un desenlace a la altura de lo que se podía esperar de una de las grandes series de HBO.
 |
The Bear - TenedoresTemporada 2 | Episodio 7 | Disney+Escrito por Alex Russell | Dirigido por Christopher Storer |
La segunda temporada de The Bear (Disney+, 2022-) dedica algunos de sus episodios a la evolución de sus personajes a través de su relación con diferentes restaurantes. En Sundae (T2E3), Sydney (Ayo Edebiri) trata de inspirarse para el nuevo menú recorriendo los restaurantes con comida más grasienta de Chicago, mientras que en Melón verde (T2E4), Marcus (Lionel Boyce) es enviado al restaurante del chef Luca (Will Poulter) en Copenhague para desarrollar sus capacidades en repostería. Para Richie (Ebon Moss-Bacharach), pasar una semana limpiando tenedores en uno de los restaurantes más lujosos de Chicago resulta una humillación. Piensa que Carmen (Jeremy Allen White) le ha enviado allí como una especie de castigo, pero a lo largo del episodio entendemos la verdadera razón. De toda la temporada quizás Peces (T2E6) es el más elaborado, con su hora de duración y sus estrellas invitadas, pero Tenedores (T2E7), al margen de aportar la calma tras la tormenta, cumple perfectamente con las características que hacen de The Bear una gran historia apegada a sus personajes. Richie aprenderá la disciplina de un restaurante con tres estrellas Michelin que tiene una lista de espera de 5.000 personas, y a lo largo de su experiencia, en medio de los rituales absurdos de los restaurantes de lujo, cobrará sentido la frase "Cada segundo cuenta" que aparece bajo el reloj de la cocina, y que también veíamos en el restaurante de Copenhague y en el de Nueva York en el que Carmen trabajó en la primera temporada. "Cada día es la puta Super Bowl", le dice Garrett (Andrew López), el ayudante de camarero que disfruta cada momento de su trabajo. Y de hecho, Richie se levanta cada día varios segundos más temprano, al comienzo del episodio a las 5:38 y al final a las 5:29. Es un excelente proceso de aprendizaje que se cierra cuando tiene la posibilidad de colocarse el traje ("parece una armadura") para servir una mesa. Que el padre de la chef Terry (Olivia Coleman) fuera militar, estableciendo una conexión con la estancia en el ejército de Richie, refleja su rigor con la disciplina. Como ocurre en muchos episodios, éste también tiene una intrahistoria muy interesante: el restaurante donde se rodó Tenedores (T2E7) es Eve, con dos estrellas Michelin, gestionado por el chef Curtis Duffy, que se encargó también de elaborar los platos que aparecen, y fue protagonista del documental For Grace (Mark Helenowski, Kevin Pang, 2015), en el que se mostraba cómo su deseo de tener el mejor restaurante del mundo acabó con su vida personal, provocando su divorcio y la separación de sus hijos. Al final el chef consiguió abrir el restaurante Grace, que logró tres estrellas Michelin en 2015 pero acabó cerrando dos años después por disputas con su propietario. Actualmente Curtis Duffy trabaja en el restaurante Eve de Chicago, con dos estrellas Michelin y menús de 400 dólares.
 |
La Mesías - Cantando bajo la lluviaMiniserie | Episodio 3 | Movistar+Escrito y dirigido por Javier Ambrossi, Javier Calvo |
Dentro de la estructura narrativa de la historia, el episodio Cantando bajo la lluvia (T1E3) supone un punto de inflexión importante en la serie La Mesías (Movistar+, 2023), no solo porque introduce el supuesto diálogo de Montse (Lola Dueñas) con Dios, que en realidad comienza como una escapatoria al entorno opresivo que ha construido a su alrededor su marido Pep (Albert Pla), sino porque se sitúa de una forma aislada entre los bloques de dos episodios que conforman la estructura general, formada por los episodios 1-2, 4-5 y 6-7, que podrían verse como un conjunto compacto. Como otros de los ejemplos que comentamos en esta lista, Cantando bajo la lluvia funciona perfectamente como un episodio aislado, que se puede visionar repetidas veces extrayendo diferentes detalles, pero al mismo tiempo supone una parte fundamental para entender el conjunto de la historia. Lo que han conseguido Los Javis con su última propuesta es elaborar una cuidada y compleja puesta en escena en la que se han dejado empapar por las influencias de su propia cinefilia, lo que al final ha contribuido a crear una serie sobresaliente que se alimenta de las referencias sin perder una personalidad propia. Ellos mismos han comentado en algunas entrevistas que este episodio tenía como punto de partida el cine español de los años setenta, especialmente El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973), pero también recuerda a películas como Cría cuervos (Carlos Saura, 76). Y en cierta manera conecta con la reflexión en torno al poder de las imágenes y la influencia de la televisión que establecieron en Veneno (Atresplayer, 2020), aunque en este caso la imagen reproducida desde una cinta VHS supone un aire de libertad en medio de un ambiente cerrado y opresivo. Mientras la madre se "libera" a través de la fe, los hijos lo hacen a través de la música, y en especial de la película Cantando bajo la lluvia (Stanley Donen, Gene Kelly, 1952), cuyos derechos costó varios años llegar a conseguir. Los directores han contado que tuvieron que dar muchas explicaciones porque los gestores del copyright estaban preocupados por el uso que se haría de las imágenes, teniendo en cuenta que la última vez que los vendieron para La naranja mecánica (Stanley Kubrick, 1971), fueron utilizadas en relación con momentos de violencia y cuando el personaje de Andie McDowell cantaba la canción principal en la escena de la violación. El prólogo muestra dos intentos de huida de lo que es a todas luces un secuestro, el de Montse (Ana Rujas) y el de su hijo Enric (Bruno Núñez), que termina con la canción "Take me to church" (2014) de Hozier, en la que el cantante comparaba a su amante con una religión absorbente, anticipando la reconversión en secta de la familia. Hay también segundas lecturas que interpretan la historia de La Mesías como una representación de la represión de la comunidad homosexual, y no por casualidad el videoclip de "Take me to church" precisamente denunciaba la represión de la comunidad gay en Rusia. Posteriormente, el episodio La cara de mi madre (T1E6) funciona como una especie de reverso de la representación de la familia, un reflejo en la actualidad en la que Montse (Carmen Machi) acabará perdiendo a los ojos de Enric (Roger Casamajor) el carácter represivo que tenía.
 |
Samurái de ojos azules - La historia del Ronin y su esposaTemporada 1 | Episodio 5 | NetflixEscrito por Amber Noizumi | Dirigido por Michael Green |
Una de las sorpresas de la animación más destacadas de este año ha sido Samurái de ojos azules (Netflix, 2023-), que construye una historia de venganza con un trasfondo histórico y crea uno de los conceptos visuales más artísticos que hemos visto. Netflix despidió a principios de noviembre a un tercio de su departamento de animación, reduciendo su producción original de 4/5 largometrajes de animación al año a solo 2. Pero los recortes los compensa con su colaboración con Skydance Animation y otras productoras que le permitirá mantener un flujo de unas siete películas distribuidas en 2024. La directora artística de la serie es Jane Wu, quien se encargó del primer y último episodios, mientras que ha tenido otros directores destacados como Alan Taylor o el propio Michael Green, creador del guión junto a su esposa Amber Noizumi, y responsable de La historia del Ronin y su esposa (T1E5), el episodio que refleja directamente los conceptos visuales de la serie. Para el diseño de los personajes principales, Jane Wu se basó en las marionetas del teatro Ningyo Johruri Bunraku, que precisamente surgió en el Japón del período Edo (hacia 1600) en el que se desarrolla la historia. Las representaciones podían llegar a durar hasta un día completo, y en 1955 fue nombrado por el gobierno japonés como Bien Cultural Inmaterial. Este episodio muestra la excelente escritura narrativa de la serie, estructurado en tres líneas temporales: la representación de una historia bunraku que conecta con el recuerdo del pasado de Mizu (Maya Erskine), que se muestra en flashback, y la emboscada que sufre la protagonista en la casa de té de Madame Kaji (Ming-Na Wen). La puesta en escena de las marionetas es absolutamente hermosa, utilizando las sombras de los titiriteros sobre fondos planos como una idea del destino que los personajes no pueden controlar. Al mismo tiempo, conocemos la relación de Mizu con Mikio (Byron Mann), un paria que acepta casarse con ella, mientras en el presente lucha contra los soldados en la casa de té, en escenas cargadas de esas excelentes coreografías que caracterizan a la serie. El desenlace del teatro bunraku establece un paralelismo con la protagonista como una especie de onryō, un fantasma de género femenino que adopta una forma física para llevar a cabo una venganza. El episodio tiene violencia, romanticismo, sexo y una narrativa cargada de fuerza, que define claramente al personaje principal: "El odio no era suficiente. Faltaba un ingrediente más: el amor... envenenado con la traición".
 |
Poker face - El síndrome de OrfeoTemporada 1 | Episodio 8 | SkyShowtimeEscrito por Natasha Lyonne, Alice Ju | Dirigido por Natasha Lyonne |
Aunque tardó varios meses en confirmar su estreno en Europa, Poker face (SkyShowtime, 2023-) se convirtió en una de las revelaciones del año, cuyos valores estaban asegurados por la colaboración entre Rian Johnson, que se encargó de dirigir los dos primeros y el penúltimo episodios, y Natasha Lyonne, que protagoniza la serie y dirigió El síndrome de Orfeo (T1E8), el que destacamos de toda la temporada. Quizás no sea el más divertido o el más intrincado de todos, pero sí es el que tiene una tonalidad más cercana al procedimental Colombo (SkyShowtime, 1971-1978), uno de los que inspiraron a los creadores de ésta, y sobre todo es un espléndido homenaje a las películas clásicas del género fantástico y de terror, como La casa maldita (The haunted house of horror) (Michael Armstrong, 1969), a la que hace una referencia directa el personaje de Arthur Liptin (Nick Nolte) cuando le dice a Charlie (Natasha Lyonne): "Bienvenida a la casa encantada del terror". La trama de misterio se refiere a una muerte ocurrida en el pasado en la que Laura (Cherry Jones), parece haber tenido una intervención destacada, mientras su antiguo socio Arthur siente el peso de la culpabilidad. Natasha Lyonne hace un excelente trabajo de dirección utilizando los primeros planos como si se tratase de un giallo italiano, y colocando a Laura siempre reflejada en algún objeto acristalado para mostrar su doble cara, como cuando le pide a Arthur que fabrique una réplica exacta del rostro de Max (Tim Russ) para poder pedirle perdón mirándole a los ojos, pero en realidad la quiere para acceder a su ordenador a través del reconocimiento facial. La música de Nathan Johnson (primo de Rian Johnson) tiene también reminiscencias del cine de terror clásico, y el homenaje a los efectos visuales artesanales está presente en el estudio de Arthur, cuyas marionetas y objetos fueron diseñadas por Phil Tippett, uno de los grandes creadores de efectos visuales de Hollywood, ganador del Oscar por El retorno del Jedi (Richard Marquand, 184) y Parque Jurásico (Steven Spielberg, 1994) y nominado otras cuatro veces. El título hace referencia a la película que está preparando Arthur Liptin, pero también al mito de Orfeo y Eurídice, desaparecida en el inframundo, con una destacada presencia de Medusa, que convertía en piedra a quienes la miraban a los ojos (la mirada de Laura en algunas escenas es tan oscura como la del monstruo). Poker face es una serie rica en referencias y muy entretenida en la descripción de sus dobles sentidos, pero El síndrome de Orfeo es uno de sus episodios más elaborados, cuyo desenlace directamente recuerda al cine de Dario Argento.
 |
Las gotas de Dios - LegadoTemporada 1 | Episodio 6 | Apple tv+Escrito por Quoc Dang Tran, Clémence Madeleine-Perdrillat, Alice VialDirigido por Oded Ruskin |
Si hay una serie que se puede considerar un hallazgo sorprendente este año es esta producción francesa que adapta del manga japonés Kami no Shizuku (2004), escrito por Yuko y Shin Kibayashi con dibujos de Shu Okimoto, que corre a cargo del escritor franco-vietnamita Quoc Dang Tran. Esta versión cambia notablemente la historia original modificando el sexo y la procedencia de una de las protagonistas, Camille (Fleur Geffrier), quien se enfrenta en una competición con el japonés Issei (Tomohisa Yamashita) por el legado del experto sumiller Alexandre Leger (Stanley Weber): una bodega formada por 87.000 botellas de vino con un valor de 100 millones de dólares. En la obra original, el fallecido era un famoso enólogo japonés y la historia se desarrollaba en el entorno de la cultura vinícola de Japón. Las gotas de Dios (Apple tv+, 2023) fue uno de los grandes estrenos del festival Séries Mania y consiguió seducir a los espectadores con su mezcla de drama familiar y estructura de misterio e intriga. Y Legado (T1E6) representa claramente ese tono cuando Camille decide viajar a Italia, a la región de Trentino, buscando un vino que refleje los sabores de los elementos que están presentes en el bodegón que representa una fuente de vidrio con melocotones, membrillos y flores de jazmín pintado por Fede Galizia (1578-1630, Milán), considerada una gran artista en su época y formada por su padre, el pintor renacentista Nunzio Galizia (1550-1621, Milán). El paralelismo entre Nunzio/Fede y Alexandre/Camille se remarca en este excelente episodio rodado en los hermosos Alpes italianos, en pequeños pueblos como Besenello, rodeado de bodegas familiares a los que la Guía de Vinos ha hecho más daño que favores: "¿Quieres que te diga cuántos han ido a la bancarrota por una valoración negativa de la Guía? ¿O cuántos han caído en la depresión y no se han recuperado? Docenas, y solo en esta región", le dice Elisabetta (Lidia Vitale) a Camille. Es un episodio que habla de los lazos familiares, el legado del título, en el que ya se ha producido una de las principales revelaciones de la serie respecto a Issei, quien tiene un gesto de honor al final del episodio, que se construye como una investigación que cambia completamente la actitud de la protagonista. La serie volvió a despertar el interés por la cultura vinícola, quizás reproduciendo algunos tópicos, pero aportando esa mezcla perfecta entre drama y suspense.
 |
The changeling - Stormy weatherTemporada 1 | Episodio 7 | Apple tv+Escrito por Kelly Marcel | Dirigido por Michael Francis Williams |
Una de las propuestas más controvertidas de 2023 adaptaba el libro de Victor LaValle The changeling (2017), una crónica sobre la paternidad y la maternidad que contenía altas dosis de misterio aunque durante su desarrollo mezclaba temas como las mitologías escandinavas, la brujería, la inmigración o el racismo, en una serie que seguramente tiene problemas de estructura narrativa, pero que contiene tantas capas de información y referencias culturales que a veces se asemeja más a una reflexión poética que a una historia narrativamente ordenada. The changeling (Apple tv+, 2023) está quizás alejada del tipo de televisión que estamos acostumbrados a ver, pero por eso mismo encuentra su principal virtud. Un caso claro de esta disonancia es el episodio Día de tormenta (T1E7), aunque es más apropiado llamarlo por su título original, Stormy weather, por la referencia a la canción de Harold Arlen y Ted Koehler que tiene una importancia principal. Por un lado, es una excelente crónica que se centra en el pasado de la madre de Apollo (LaKeith Stanfield), pero al mismo tiempo se siente "como si no terminara de encajar del todo con el resto de la serie", como comentábamos en nuestra crítica, aunque hay revelaciones importantes. Filmado con un sentido de la oscuridad y misterio de ensoñación por parte de Michael Francis Williams, el episodio comienza cuando Lillian (Adina Porter) regresa al Hotel Elk, un hostal sórdido que sobrevivió a la reurbanización de Times Square rodeado de locales de prostitución, salas porno y clubes nocturnos, que tiene en su intrahistoria el ser uno de los últimos hoteles de pago por hora de Nueva York. Como narrador, Victor LaValle afirma que "cien años reflejan la exitosa historia americana, considerando que éste es el hotel más asqueroso del mundo". Parte del episodio transcurre en 1981, con una referencia al espectáculo de Broadway Lena Horne: The lady and her music (1981, Qwest Records), que le valió a la cantante un premio Tony. El comienzo de la pandemia del SIDA también está presente a través del paciente 0 (en el travelling del final vemos que ocupa la habitación 0), a quien Lillian (Adina Porter/Alexis Louder) le canta "Stormy weather", que formó parte del concierto de Lena Horne. En una puesta en escena conscientemente teatral (animaciones proyectadas en las paredes, reflejos en los espejos y escenarios superpuestos para mostrar el pasado), Lillian reimagina su propia historia, a través del sentimiento de no pertenencia como inmigrante, pero también del peso de su relación con Brian West (Jared Abrahamson) que marcará la vida de su hijo Apollo. El episodio también hace referencia a la llamada "noche oscura del alma", un estado depresivo que muchas mujeres experimentan tras el parto y durante el cuidado de sus hijos, uno de los temas principales de la serie. Stormy weather es un espléndido ejercicio psicológico, complejo y lleno de capas narrativas que al adaptar de forma fiel las páginas del libro se convierte en una especie de poema visual absolutamente devastador, con una interpretación tan conmovedora de Adina Porter que le ha valido una nominación a los Globos de Oro.
 |
The last of us - Mucho, mucho tiempoTemporada 1 | Episodio 3 | HBO MaxEscrito por Craig Mazin | Dirigido por Peter Hoar |
Posiblemente se puede decir que este episodio es el que menos ha gustado de una de las series mejor valoradas del año, y de hecho en un resumen que publicaba hace unos días HBO Max España en sus redes sociales destacando las valoraciones que tenía The last of us (HBO Max, 2023-) en IMDb, Mucho, mucho tiempo (T1E3) aparecía como el segundo peor puntuado, aunque con un notable 8.1. Pero es un episodio excepcional, escrito por el creador de la serie, Craig Mazin (1971, Nueva York) y dirigido por el británico Peter Hoar, un habitual colaborador de Russell T. Davies que había dirigido su miniserie It's a sin (HBO Max, 2021) y este mismo año la espléndida Nolly (Filmin/Cosmo On, 2023). Como el anterior, el título original Long, long time hace referencia a una canción, escrita por Gary White, que se convirtió en un éxito para Linda Ronstadt dentro de su álbum Silk purse (1970, Capitol Records), por cuya interpretación fue nominada a un Grammy en 1971. El tema ilustra perfectamente una relación duradera: "He hecho todo lo que sé para hacerte mío, creo que voy a amarte por mucho, mucho tiempo". Según datos de Spotify, las reproducciones de la canción aumentaron un 5.000% después de la emisión del episodio y alcanzó el número 1 de ventas digitales el pasado mes de febrero, cincuenta años después de su lanzamiento. El episodio comienza con Joel (Pedro Pascal), todavía no muy convencido de su misión de acompañar a Ellie (Bella Ramsey), contándole cómo empezó la infección por cordyceps, revelando el comienzo de la epidemia el 26 de septiembre de 2003. Tras los primeros 15 minutos, hay un flashback hasta el 30 de septiembre de 2003 para el que el director utiliza una transición escalofriante, mostrando los restos de un vestido y una manta destrozados, y retrocediendo veinte años atrás para que veamos que el vestido era de una madre que envolvía con la manta a su bebé. Durante la evacuación forzosa, Bill (Nick Offerman) se mantiene escondido en su búnker, en cierta manera satisfecho porque su obsesión por hacer acopio de víveres y armas, fue una decisión acertada. Durante cuatro años sobrevive en solitario hasta que la llegada de Frank (Murray Bartlett), quien hace revivir sentimientos que nunca había mostrado. Ambos se convierten en una pareja que disfruta de su aislamiento, aunque Frank necesita mantener el contacto con otras personas, y acaba invitando a Joel y Tess (Anna Torv) a una agradable comida que les devuelve algo de los hábitos sociales que se han perdido. El flashback recorre diferentes momentos de la relación entre Bill y Frank hasta un último día que se ilustra con otro de lo momentos musicales destacados del episodio, con la siempre emotiva composición "On the nature of daylight" de Max Richter. Curiosamente, uno de los aspectos más criticados de Mucho, mucho tiempo es que no hace avanzar la trama, pero por el contrario es la historia de Bill y Frank la que impulsa definitivamente a Joel, como se describe en una carta: "Solía odiar a todo el mundo, y me alegraba que todos murieran. Pero estaba equivocado, había una persona que merecía ser salvada. Es lo que hice. Le salvé. Le protegí. Eso es para lo que hombres como tú y como yo estamos aquí. Tenemos una misión". Si este episodio describe un amor puro, que moldea y beneficia a ambos, en episodios posteriores como Resistir y sobrevivir (T1E5) veremos las imperfecciones de otro tipo de amor, lo que acaba conformando esa representación sólida del ser humano que construye la primera temporada.
 |
Reservation dogs - MaximusTemporada 3 | Episodio 2 | Disney+Escrito y dirigida por Tazbah Rose Chavez |
Como las grandes series, Reservation dogs (Disney+, 2021-2023) tiene la capacidad de elaborar episodios que son historias aparentemente independientes, centradas en determinados personajes principales, pero que en realidad tienen una relevancia importante para el desarrollo de cada temporada. El principal ejemplo de esto lo podemos encontrar en Maximus (T3E2), una continuación del viaje en solitario de Bear (D'Pharaoh Woon-A-Tai) que parece un mini relato aislado pero que en realidad marca algunos de los temas principales de toda la temporada y, por extensión, del final de la serie. Reservation dogs no ha tenido demasiado impacto en nuestro país, principalmente porque la propia Disney+ España no ha apostado por ella, estrenando las temporadas sin promoción y presentándolas sin doblaje, lo que sin duda ha influido en una menor repercusión. Escrito y dirigido por Tazbah Rose Chávez, quien también se encargó de un episodio en cada una de las dos temporadas anteriores, éste tiene como protagonista a Maximus (Graham Greene), un anciano que vive solo en una caravana mientras se prepara para la llegada de los hombres del espacio exterior. Maximus parece inspirarse en el cine de Alejandro Jodorowsky, como en ese comienzo en las llanuras de sal de Oklahoma o el túnel que recuerda a una escena de La montaña sagrada (1973). El director chileno también inspiró partes del episodio Donde la trama se complica (T2E8), en el que Big (Zahn McClarnon) sufría alucinaciones. La aparición de un conquistador español que murió sin haber sido bendecido aporta un divertido intercambio con Spirit (Dallas Goldtooth), pero sobre todo introduce el tema del pasado colonial y la represión a los nativos americanos. Maximus, que volverá a aparecer a lo largo de la temporada, cobrando una importancia decisiva, fue educado en uno de esos internados para niños indígenas cuyas consecuencias hemos visto en series como 1923 (SkyShowtime, 2022-) o Little bird (Crave, 2023), y posteriormente sometido a descargas eléctricas en un hospital psiquiátrico. En una escena, muestra antiguas grabaciones caseras de su juventud junto a un grupo de amigos que después se desarrollará en el episodio flashback La casa hecha de bongs (T3E5). De forma que el personaje interpretado por Graham Greene se convierte en una parte importante de la serie, con diálogos que hacen referencia a uno de los temas principales, mientras miran las estrellas, cuya imagen es solo un vestigio de algo que ocurrió hace años: "Para contemplar el universo, uno debe darle la espalda al futuro y fijarse en el pasado. Así funciona la naturaleza". Lo que es un excelente resumen del tema que vehicula la última temporada de una de las series más sobresalientes de los últimos años.
 |
Top boy - If we are not monstersTemporada 5 | Episodio 6 | NetflixEscrito por Ronan Bennett | Dirigida por William Stefan Smith |
Este año hemos tenido algunos finales notables de series que en cierta manera han visto la transformación del audiovisual: Happy Valley (Movistar+, 2014-2023), The Crown (Netflix, 2016-2023), Atlanta (Disney+, 2016-2022), La maravillosa Sra. Maisel (Prime Video, 2017-2023), Succession (HBO Max, 2028-2023) o Barry (HBO Max, 2018-2023) comparten incluso semejante período de tiempo, cerrando de alguna forma una etapa en la que la forma de producir y emitir las series ha cambiado radicalmente. También Top boy (Netflix, 2011-2023), una producción primero rescatada por el cantante Drake y después por Netflix, que ha ido creciendo a medida que pasaba el tiempo para terminar atrapando a sus personajes principales de nuevo en Summerhouse, el lugar en el que comenzaron y del que nunca han logrado escapar realmente. El último episodio es una lección de cómo construir el desenlace de un drama manteniendo las expectativas pero ofreciendo una tensión creciente. Su título original, If we are not monsters (T5E6), traducido en español Si no comes, te comen, hace referencia a un diálogo de Sully: "Si no eres un monstruo, te comen. Y yo nunca podré ser la comida de nadie". La conversación entre Sully (Kane 'Kano' Robinson) y Dushane (Ashley Walters) es la de dos monstruos que han dejado a su paso regueros de sangre, y se produce separados por un obstáculo físico que representa la imposibilidad de una conexión real entre ambos. A Top boy se la ha comparado muchas veces con The wire (HBO Max, 202-2008), pero tiene un tono de tragedia shakesperiana, de reyes de un imperio construido sobre la frágil base de la violencia que acaban viendo la destrucción de su propio legado. Rodear el desenlace de la historia con una rebelión contra la policía en Summerhouse a causa de las órdenes de desalojo provocadas por la especulación inmobiliaria no solo supone construir un contexto poderoso, sino elaborar un certero comentario social sobre cómo la política maneja los barrios conflictivos en las grandes ciudades. Aunque Netflix quería que la serie continuara más temporadas, afortunadamente Ronan Bennett, un escritor irlandés sobre el que hay una divertida referencia en la comedia Dreaming whilst black (BBC, 2023) con un personaje al que llaman "el tipo blanco que hace series de negros que ganan BAFTAS", decidió acertadamente que era el momento adecuado para terminarla. Y lo ha hecho con una temporada más violenta, más desesperanzada y más oscura que nunca.
 |
Barry - Entre psicópatas...Temporada 4 | Episodio 4 | HBO MaxEscrito por Taofik Kolade | Dirigida por Bill Hader |
------- Alerta Spoilers -------
La serie creada por Alec Berg y Bill Hader ha tenido siempre el problema, especialmente con la temporada de premios, de no encontrar un espacio cómodo en la comedia o en el drama. Tradicionalmente, los Emmy la han considerado una comedia, pero ciertamente las últimas temporadas, y especialmente la temporada final, están muy alejadas de ese concepto. Pero sobre todo, Barry (HBO Max, 2018-2023) tiene la capacidad de sorprender constantemente, y lo hace de manera muy contundente tomando un desvío radical en el episodio Entre psicópatas... (T4E4), que posiblemente se podría definir como el punto de giro más inesperado de este año. Venimos del acontecimiento más importante de la primera mitad de la temporada, la huida de Barry (Bill Hader) de la prisión de alta seguridad en la que se encontraba, después de un atentado contra su vida orquestado por el mismísimo Guillermo del Toro. Pero en realidad el personaje principal está ausente durante casi todo el tiempo de ejecución del episodio, dirigido como toda la temporada por Bill Hader. Lo que vemos son las consecuencias que tiene la noticia de su huida para todos los personajes que han estado relacionados con él, mientras como espectadores nos preguntamos a quién de ellos visitará primero para cobrarse su venganza. Por el camino, el guión tiene tiempo de parodiar nuevamente a Hollywood a través del entorno de Sally (Sarah Goldberg), cuando comienza a trabajar en una película de superheroinas dirigida por Sian Heder, la directora de CODA (2021) que se interpreta a sí misma como una de esas realizadoras de películas independientes que acaban dirigiendo superproducciones de "modelos con disfraces de Halloween y pantallas azules", en clara referencia a Chloé Zhao, que pasó de Nomadland (2020) a Eternals (2021). Y también ofrece uno de los desenlaces más sobrecogedores para la relación entre Hank (Anthony Carrigan) y Cristóbal (Michael Irby), que demuestra una vez más el gran talento de Bill Hader como director, no solamente en escenas más elaboradas, sino también en los momentos en los que tiene que centrarse en los personajes y utilizar el fuera de campo. Un travelling de acercamiento es seguido por un travelling de alejamiento que representa la separación, mientras la cámara se centra en la reacción de Hank frente a lo que está por suceder al otro lado de una puerta. Dos minutos antes de terminar el episodio, se produce un salto en el tiempo que se sitúa en el mismo desierto en el que se desarrollaban las fantasías de Barry en El mejor lugar del mundo (T4E2), en el que se imaginaba a sí mismo de niño y posteriormente envejeciendo junto a Sally en un lugar nuevo. Lo que introduce una perspectiva completamente distinta hacia el resto del final de la temporada.
 |
Blue lights - The Q wordTemporada 1 | Episodio 5 | Movistar+Escrito por Declan Lawn, Adam Patterson | Dirigida por Gilles Bannier |
La televisión pública inglesa BBC suele tener problemas para producir series convincentes situadas en Irlanda o Escocia, y generalmente recibe críticas muy severas desde los medios de comunicación de esos países. Pero Blue lights (Movistar+, 2023-) se convirtió pronto en un drama policial lo suficientemente complejo y bien armado como para convencer a todos, aunque también recibió sus dosis de quejas respecto a algunos acontecimientos poco realistas. Se trata de una de las grandes series policíacas estrenadas este año, y guarda ciertas similitudes y paralelismos con el drama sueco La delgada línea azul (Filmin, 2021-), que también se centra en los componentes de una patrulla, en ese caso en las calles de Estocolmo. Pero el entorno de un Belfast en el que aún no están curadas las heridas del período de violencia denominado "The Troubles", y la tensión que provoca patrullar unos barrios en los que cierta pasividad de la policía, por esto de no volver a despertar los demonios del conflicto, provocando que acaben dominados por grupos de delincuentes, aporta una atmósfera opresiva que marca completamente el trabajo de los patrulleros. Y The Q word (T1E5), que en España se ha traducido como La maldición del día "tranquilo", refleja perfectamente los elementos que hacen a la serie una propuesta diferente. Los creadores Declan Lawn y Adam Patterson, antiguos periodistas de investigación cuyo origen norirlandés les hace acreedores de una mejor comprensión de la historia, construyen un episodio que tiene el desarrollo perfecto para ir provocando los acontecimientos como una cadena de fichas de dominó. La prueba de tiro de Tommy (Nathan Braniff) provoca que la nueva compañera de Gerry (Richard Dormer) sea Jen (Hannah McClean), lo que tendrá una relevancia decisiva para el sorprendente desenlace. Mientras patrullan, Gerry impide que ella pronuncie "la palabra q" (quiet) en referencia a un día de patrulla "tranquilo" porque las zonas más peligrosas están siendo monitorizadas por los servicios especiales debido a una operación de alto perfil. Son lo que se denominan OOB (Out of Bound), zonas fuera de límites a los que la policía no debe acudir. En cierta manera, Tommy y Jen se convierten en satélites de Gerry que acabarán profundamente influidos por el policía más veterano, cuyo lema de vida es: "Estoy aquí para pasar un buen rato, no para pasar mucho tiempo". El trasfondo del pasado se refleja en una espléndida escena en la que Jen y Gerry aceptan la invitación de Happy Kelly (Paddy Jenkins), un hombre que tiene la pared del pequeño piso en el que vive, cubierta de recortes sobre las víctimas católicas de ataques del ejército inglés, como el Domingo Sangriento de 1972. "Me gusta recordar cosas", dice Happy. "Pero a veces hay demasiados recuerdos", le replica Gerry. "Supongo que tienes razón. Pero no puedo evitarlo. Simplemente no puedo". Esta conversación podría formar parte del excelente documental Young Plato (Declan McGrath, Neasa Ní Chianáin, 2021), que se desarrollaba en una escuela de Belfast, en la que un profesor optimista trataba de evitar que las huellas de la violencia del pasado acabaran afectando a los niños de una comunidad obrera que nunca la sufrieron, pero que están rodeados del dolor que permanece en sus calles. Hay un trasfondo en Blue lights que la convierte en una propuesta cargada de tensión, pero también de reflexión.
 |
Déjate ver - Ana & TasioTemporada 1 | Episodio 4 | AtresplayerEscrito y dirigido por Álvaro Carmona |
______________________________________
Películas mencionadas: El espíritu de la colmena se puede ver en FlixOlé.
Cría cuervos... se puede ver en Movistar+, Netflix y FlixOlé.
Cantando bajo la lluvia se puede ver en Filmin y HBO Max.
La naranja mecánica se puede ver en HBO Max.
El retorno del Jedi, Nomadland y Eternals se pueden ver en Disney+.
Parque jurásico se puede ver en Movistar+, Netflix, Prime Video y SkyShowtime.
La montaña sagrada se puede ver en Filmin.
No hay comentarios:
Publicar un comentario