SÉRIES MANIA 2023: Parte 2 - Entre podcasts y mentiras

Tras el estreno mundial ayer lunes de la serie española  Mentiras pasajeras (SkyShowtime, 2023), la delegación de nuestro país que se encuentra en el festival Séries Mania representada por Audiovisual from Spain presenta esta tarde la sesión Coming Next from Spain en la que se ofrecerá un avance de algunas series que se estrenarán este año como Los pacientes del doctor García (RTVE, 2023), Selftape (Filmin, 2023), Las pelotaris: 1926 (ViX, 2023), que por el momento solo se ha estrenado en Latinoamérica y Estados Unidos, Locos por Molière (TV3, 2023) y Sin huellas (Prime Video, 2023), que ya se puede ver en la plataforma. Hoy precisamente comienzan los encuentros y sesiones del Forum, la principal columna vertebral del festival Séries Mania, que reúne en Lille a los más destacados profesionales del mundo de la producción, la creación, el marketing y el desarrollo de las producciones en formato serial. En el Forum también se presentan series que no forman parte de la programación del festival, como las españolas La caza. Guadiana (RTVE, 2023-) y Las noches de Tefía (Atresmedia, 2023). 

Coming Next to Germany ha presentado hoy algunas de las producciones recientes en Alemania, como A thin line (Paramount+, 2023-), creada por Jakob Weydemann y Jonas Weydemann, productores de la película System crasher (Nora Fingscheidt, 2019), un thriller sobre ciberataques y cambio climático; Davos (SRF, 2024), una ambiciosa coproducción entre Suiza y Alemania que se desarrolla durante la I Guerra Mundial sobre una enfermera que se convierte en una agente para el servicio secreto alemán; The gryphon (Prime Video, 2023), está basada en la novela de Wolfgang Hohlbein, uno de los autores de ciencia-ficción más reconocidos, sobre tres jóvenes inadaptados que en los años noventa se introducen en un mundo fantástico llamado la Torre Negra, cuyo estreno está previsto para el 26 de mayo; Juni (Viafilm, 2023) cuyo rodaje terminó la semana pasada en Munich, sobre una mujer policía que trata de proteger a su hija, quien forma parte de un grupo de activistas cada vez más radicalizado; y I am Scrooge (2023), basada en la historia real de Arno Funke, un criminal que colocó una bomba en unos grandes almacenes en 1992, exigiendo 1 millón de marcos para desactivarla, y que a pesar de su vida criminal se convirtió en una figura simpática para los ciudadanos, que puso en jaque a la policía alemana. 

Pero, junto a los estrenos que comentamos en nuestras crónicas, hay también algunas secciones interesantes como la denominada Books and Podcasts, un repaso a algunas de las publicaciones recientes en torno al mundo de la televisión y una selección de Podcasts de ficción y documental, formato que se ha convertido en el origen de numerosas series recientes. De hecho, junto a las fichas técnicas de los podcasts seleccionados dentro del catálogo de Séries Mania hay un breve apunte titulado "3 razones para su adaptación en serie" que destaca elementos que podrían hacerlos merecedores de una traslación a la pantalla. Hace algunos meses dedicamos precisamente nuestra atención a los Podcasts y series, un repaso a algunos de los que recientemente han protagonizado esta transformación, como Apagón (Movistar+, 2022), The dropout (Disney+, 2022), The thing about Pam (Peacock, 2022) o Archivo 81 (Netflix, 2022). Entre los podcasts que se presentan en Séries Mania destacan Eliza, a robot story (Crowd Stories+, 2022), un cuento oscuro de ciencia-ficción sobre una robot que puede sentir, a la que pone voz Tanya Reynolds, una de las protagonistas de Sex education (Netflix, 2019-); Silencio (Bababam Originals, 2021) sobre la investigación de un hacktivista en torno a la clase política en 2037; el anunciado De Profundis (Audible, 2023), que también se desarrolla en el futuro, en 2174, en un mundo apocalíptico debido al cambio climático, que está narrado por la actriz Clémence Poésy, a la que hemos visto en Tenet (Christopher Nolan, 2021) y la miniserie La serpiente de Essex (Apple tv+, 2022); o Après les murs (RTBF, 2023), una comedia sobre un ladrón que en retrospectiva analiza las flaquezas del sistema de justicia belga. 

LAS SERIES MÁS DESTACADAS DE LA JORNADA

© Viacom International Inc.

Mentiras pasajeras

8x30' | 3 episodios visionados | Competición Internacional | ★★★☆☆ 

Creada por Nerea Castro | Argumento de Nerea Castro, Blanca Gómez, Pọl Cọrtecans

Dirigida por Félix Sabroso, Marta Font

La presencia española en Séries Mania es notable, con participación de producciones en las principales secciones competitivas, como ya comentamos en nuestra primera crónica. Pero la única que se incluye en la que podría definirse como sección oficial del festival es Mentiras pasajeras (SkyShowtime, 2023), una producción de El Deseo y Paramount que recientemente anunció la plataforma SkyShowtime que estrenará en España y Portugal a finales de año. Aunque El Deseo ya había producido la serie Mujeres (TVE, 2006), que también estaba dirigida por Félix Sabroso, en aquella ocasión junto a Dunia Ayaso, la implicación de Pedro Almodóvar como productor ejecutivo es más visible en esta ocasión, así como en la adaptación que preparan en formato serie de la película Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) para Apple tv+. Con Esther García como showrunner, la historia está basada en una idea de Nerea Castro, que escribió recientemente la película La cima (Ibon Cormenzana, 2022), con un argumento desarrollado por ella junto a Blanca Andrés Gómez y Pọl Cọrtecans, guionista de la película Sé quién eres (Pau Freixas, 2017) y de series como Benvinguts a la familia (TV3, 2018-2019) y Todos mienten (Movistar+, 2022), que acaba de comenzar el rodaje de su segunda temporada, con la que evidentemente esta serie comparte algunos planteamientos. 

Porque desde la secuencia de inicio en la que los principales protagonistas parecen sometidos a transformaciones estéticas, la propuesta reflexiona sobre la forma en que nuestra sociedad se obsesiona con huir de la naturalidad, una especie de síndrome en torno a la búsqueda de la perfección tomando el camino más corto. Lucía (Elena Anaya) es una profesional de la estética que tiene una especial habilidad para los rellenos intradérmicos y parece haber alcanzado el éxito dentro de su empresa, mientras que su marido Basilio (Hugo Silva) es un escritor que no ha publicado un libro desde hace veinte años y que espera la respuesta de su editorial sobre las primeras páginas de su próxima novela. Ambos están tan convencidos de que todo fluye positivamente en sus vidas que ella se compra un coche como auto regalo de cumpleaños y él renuncia a un programa literario de televisión el mismo día que a ella la despiden de su empresa acusada de espionaje industrial y a él le rechazan su novela. Pero ninguno de los dos está preparado para sincerarse, de forma que comienza una espiral de mentiras que irá haciéndose cada vez más difícil de detener. 

La serie comienza como una comedia hiperactiva en la que se refleja la experiencia del director de los dos primeros episodios, Félix Sabroso, quien recientemente fue jefe de contenidos de ficción de Mediaset, sobre todo en la trama protagonizada por Elena Anaya, que acaba formando un tándem especialmente logrado con Maite (Pilar Castro), la mejor amiga de Lucía, una especialista en cirugía plástica que se convertirá en su principal cómplice, sobre todo cuando pretende investigar a su compañero de trabajo Santi (Quim Gutiérrez), de quien sospecha que ha sido el responsable de su despido. Los tres episodios estrenados tienen buen ritmo y son generalmente entretenidos, aunque decae en el Tercero (T1E3), dirigido por Marta Font, como si las ideas comenzaran a agotarse, sobre todo en el desarrollo de la subtrama relacionada con Basilio y sus intentos por recuperar la inspiración empapándose de la cotidianidad fuera de su zona de confort, en la que también tiene relevancia la presencia de su madre (Susi Sánchez). Por el camino encontramos intervenciones de María León o Julián López, que interpreta a un investigador privado que parece salido de otra serie diferente. En La piel que habito (Pedro Almodóvar, 2011), la propia Elena Anaya interpretaba a una mujer que se sometía a los experimentos de un cirujano plástico para desarrollar un tipo de piel que pudiera sustituir a la piel quemada de su esposa. Mentiras pasajeras habla también de diferentes corazas emocionales que impiden la comunicación con el prójimo, barreras elaboradas por la falta de sinceridad que se interponen en las relaciones. Y aunque se desequilibra en la efectividad de la comedia conforme avanza la trama, tiene algunos puntos de apoyo robustos como una Elena Anaya divertida pero sobre todo una maravillosa Pilar Castro, actriz especialmente dotada para la comedia. 

© Caroline Dubois

Bardot

6x52' | 2 episodios visionados | Competición Francesa | ★★★☆☆ 

Creada por Danièle Thompson, Christopher Thompson | Dirigida por Christopher Thompson

La adaptación de la vida de Brigitte Bardot (1934, Francia), uno de los iconos del cine francés de las décadas de los sesenta y setenta, es una producción ambiciosa que está impulsada principalmente por France 2 y que cuenta con la participación de Netflix, donde posiblemente se podrá ver en el mercado internacional. Los dos primeros episodios presentan los inicios de la actriz en el mundo del cine, entre 1949 y 1959, especialmente durante el rodaje de la película Y Dios creó a la mujer (Roger Vadim, 1956). Posteriormente, la actriz protagonizaría títulos destacables como La verdad (Henri-Georges Clouzot, 1960), que ella misma considera la única película relevante de su carrera, o El desprecio (Jean-Luc Godard, 1963), hasta que en los últimos años ha protagonizado algunas controversias despreciando al movimiento #Metoo o mostrándose cercana a la ideología de Marie Le Pen. La serie está escrita por el matrimonio formado por Christopher Thompson, director de películas como En su punto (2021) y Danièle Thompson, que ha estado nominada al César por películas como La reina Margot (Patrick Chéreau, 1994) o La bûche, Cena de Navidad (Danièle Thompson, 1999) y al Oscar por el guión de Primo, prima (Jean Charles Tacchella, 1975). Y ciertamente hay una escritura sólida que trata de abordar los momentos más relevantes de los primeros años de la actriz, pero que se siente demasiado fría en su desarrollo, a pesar de hacer hincapié en sus relaciones amorosas. 

Mientras que el episodio Une enfant sage (T1E1) resulta demasiado acelerado, como si se quisiera llegar lo antes posible al momento de mayor resonancia de Brigitte Bardot (Julia de Núñez) como sex symbol, el segundo, titulado significativamente B.B. (T1E2), se centra más en el rodaje en Saint Tropez de la película Y Dios creó a la mujer, mostrando la relación abierta que mantuvo con su marido Roger Vadim (Victor Belmondo, hijo del actor Jean-Paul Belmondo) y el comienzo de su relación sentimental con Jean Louis Trintignant (Noham Edje), que también la protagonizaba. Uno de los aspectos más interesantes es la descripción de la repercusión que esta relación entre los actores tuvo en los medios de comunicación, iniciándose alrededor de la figura de Brigitte Bardot una cada vez mayor relevancia de la prensa rosa, que la convirtió en la protagonista de las portadas de revistas que vendían millones de ejemplares. Aunque el parecido físico es notable y destacable el esfuerzo de la actriz francesa de origen español Julia de Núñez, su encarnación de Brigitte Bardot carece de ese poder de seducción que siempre ha transmitido como sex symbol. Posiblemente debido en parte a un trabajo de dirección que resulta demasiado académico y traslada poca pasión.

© Eyal Efrati

Bardot

8x50' | 2 episodios visionados | Competición Internacional | ★★★★☆ 

Creada por Ron Leshem, Amit Cohen, Daniel Amsel | Dirigida por Along Zingman

Uno de los títulos más esperados del festival es Red skies (Reshet 13, 2023), porque se trata de un thriller co-creado por Ron Leshem, que fue el creador de la versión original israelí de Euphoria (HBO Max, 2019-) y más tarde se convirtió en productor de la versión norteamericana que ha triunfado en todo el mundo, junto a Amit Cohen, creador de la serie bélica Valley of tears (HBO Max, 2020), y dirigido por Alon Zingman, director de uno de los mayores éxitos internacionales de Israel, el drama familiar Shtisel (Netflix, 2013-2021). La historia se desarrolla en el año 2003, durante la segunda intifada que enfrentó a palestinos contra israelíes, y tiene como protagonistas a Ali (Amir Khouri) y Sa'ar (Maor Schwitzer), dos amigos desde la infancia que comparten su atracción por Jenny (Annie Shapiro), una joven norteamericana que se ha convertido en una compañía inseparable para ellos. Pero cuando se produce un ataque por parte de un francotirador contra un barrio judío, las sospechas del ejército israelí recaen en el hermano de Ali, y chantajean a Sa'ar para que utilice a su amigo para llevarles hasta el escondite del supuesto terrorista, lo que acabará provocando consecuencias inesperadas y dramáticas. 

La serie aborda la división que provoca en dos amigos el enfrentamiento armado entre israelíes y palestinos, pero también la imposibilidad de intentar mantenerse al margen del conflicto en una zona que es auténticamente de guerra. Y al situarse en los primeros años de la segunda intifada también rastrea el sentimiento de frustración por la incapacidad de rematar unas conversaciones de paz que parecían encaminadas hacia el entendimiento. Con un ritmo frenético desde el primer minuto, se trata de un thriller contundente y adictivo que funciona perfectamente hasta el sorprendente cliffhanger del segundo episodio, que traza el camino por el que se desarrollará la historia. Pero da la impresión de que no termina de abordar la cuestión política de una forma relevante, como si quisiera utilizarse como un trasfondo realista para crear un thriller de resortes más o menos tradicionales. Parece que los creadores están más pendientes de construir una historia de género que sea fácilmente trasladable a otros escenarios, siguiendo la estela de series adaptadas al mercado internacional como Prisoners of war (Keshet, 2009-2012), que después se convirtió en la base de Homeland (Disney+, 2011-2020) o Your honor (Movistar+, 2020-2023). Lo que finalmente le resta interés y le aleja de otras propuestas mucho más reflexivas como Our boys (HBO, 2019) o La lección (Filmin, 2022). Precisamente durante el festival el creador de esa miniserie, Hagai Levi, también responsable de The affair (SkyShowtime, 2014-2019) y Ron Leshem abordarán en un encuentro los retos a los que se enfrentan los creadores israelíes frente a la censura de su país. Red skies por ejemplo tuvo que ser aprobada tanto por el Mossad como por un comité ministerial. 

______________________________________

Películas y series mencionadas: 

The Gryphon se estrena en Prime Video el 26 de mayo. 

Mujeres se puede ver en RTVE Play. 

Bienvenidos a la familia se puede ver en Netflix y Prime Video. 

Todos mienten se puede ver en Movistar+.

Mujeres al borde de un ataque de nervios y La piel que habito se pueden ver en Netflix.

Y Dios creó a la mujer se puede ver en Filmin y Plex. 

El desprecio y La reina Margot se pueden ver en Filmin.

  

CPH:DOX 2023 - Parte 3: Esa extraña sensación de melancolía

Nuestra tercera crónica de CPH:DOX 2023 se centra en tres documentales destacados que desprenden una cierta sensación de melancolía, bien a través de historias del pasado con trasfondo insólito, bien en torno a un presente que parece orwelliano, en el que la vigilancia se convierte en el factor decisivo para el control de los ciudadanos, o simplemente desde una mirada observacional que tiene como eje central un sentimiento característico de la personalidad escandinava. 

Phantom Parrot

Kate Stonehill, 2023 | F:ACT Award | ★★★★☆

El hecho de que nuestros movimientos y hábitos estén sometidos a escrutinio constante a través de nuestra interacción con los dispositivos móviles es algo que tenemos asumido como inevitable en una sociedad que está cada vez más conectada tecnológicamente. Cada pulsación provocada por una decisión determina la forma en que se recopilan nuestros datos y el acceso que las empresas de tecnología tienen a nuestras vidas personales. Cada orden que damos a Alexa o Siri es recopilada en una base de datos sobre la que no tenemos demasiado poder de decisión. Pero que los gobiernos utilicen esta posibilidad de recopilar información para ejercer un control sobre determinados sectores incómodos de la sociedad es lo que resulta más escalofriante, y lo que convierte a Phantom Parrot (Kate Stonehill, 2023) en un documental imprescindible para entender a qué tipo de vigilancia real estamos sometidos. Al comienzo de la película, asistimos a un programa de entrenamiento de la empresa Magnet Forensics, que desarrolla softwares de investigación digital para clientes privados y gubernamentales, herramientas para el análisis de dispositivos electrónicos, donde el instructor explica una teoría que parece sensata: "Las normas del Instituto Nacional de Estándares y Tecnología dicen que debemos ser mínimamente invasivos. No dice que no podamos ser invasivos. Debemos ser mínimamente invasivos para preservar los derechos de las personas." El problema surge cuando son las propias leyes las que permiten una excesiva invasión en la privacidad de los ciudadanos. 

Con un formato de investigación que mantiene constantemente la atención del espectador, la directora Kate Stonehill elabora una inquietante reflexión sobre los límites de los sistemas de vigilancia, centrándose en la aprobación del Anexo 7 de la Ley de Terrorismo de Reino Unido aprobada por el partido laborista en el año 2000, con un solo voto en contra. Y resulta especialmente significativo que este anexo ya estuviera aprobado antes de que se produjeran los ataques del 11-S, permitiendo a la policía retener a un ciudadano en puertos y aeropuertos durante seis horas para interrogarlos, pudiendo solicitar el acceso a sus dispositivos electrónicos. Lo que hace el Anexo principalmente es dar a la policía la capacidad de arrestar a una persona que se niegue a proporcionar las contraseñas de su móvil o portátil. Pero, tratándose de una medida enfocada a los posibles sospechosos de terrorismo, ha acabado siendo una patente de corso para efectuar retenciones premeditadas de británicos de origen árabe y de periodistas o activistas especialmente relevantes. Phantom Parrot se centra en Muhammad Rabbani, director de la organización no gubernamental CAGE, dedicada a asesorar a personas afectadas por la guerra contra el terrorismo, como Ali Al-Marri, un residente estadounidense procedente de Qatar que pasó ocho años en prisiones de Estados Unidos sin ser acusado de ningún delito y denunció torturas por parte de agentes del FBI, proporcionando nombres y documentos que probaban que sus derechos habían sido conculcados. Cuando regresaba de Qatar, Rabbani fue retenido en el aeropuerto y se le solicitó las contraseñas de sus dispositivos móviles, a lo que se negó, afirmando que contenía información sobre otras personas que no podía compartir, por lo que se le acusó oficialmente según el Anexo 7, con la posibilidad de ser condenado varios meses de prisión. 

En el juicio posterior la policía reconoció que no había sido un interrogatorio aleatorio sino que Muhammad Rabbani había sido seleccionado, lo que refleja la forma en que el Anexo 7 puede ser utilizado para enfocarse en activistas incómodos. Su interrogatorio en el aeropuerto se muestra a través de una animación digital con siluetas y voces generadas por ordenador, lo que proporciona un tono casi orwelliano a la historia. Pero el caso de Rabbani sirve también para ampliar la mirada de forma inteligente hacia la revelación que proporcionaron los datos compartidos por Edward Snowden en torno a la NSA, en los cuales se ponía de manifiesto la existencia de un programa secreto del gobierno británico, denominado Phantom Parrot, que les permite rastrear dispositivos electrónicos y recopilar sus datos sin conocimiento de los afectados. Y en este punto el documental se conecta de forma clarificadora con la película Citizenfour (Laura Poitras, 2014) en el que se describían las revelaciones del ex-consultor Edward Snowden, o con el interesante Ithaka (Ben Lawrence, 2021), sobre la persecución del activista Julian Assange. Todos ellos reflejan un estado de control y vigilancia que proviene de los propios gobiernos y que convierten a los ciudadanos en culpables desde el primer momento. Volviendo a las sesiones de entrenamiento de Magnet Forensics, otro de los instructores afirma: "Mucha gente está preocupada por el gobierno. Algunos piensan que no debería tener acceso a nuestra información. Pero lo que puedo afirmar es que solo buscamos información específica relacionada con el crimen. Si es un caso de fraude, puedo acceder a tu información financiera, tus movimientos bancarios, tus cartera digital de criptomonedas... Pero no voy a mirar tus fotos personales. Si no es información relevante, no nos importa". El grado de credibilidad de esta afirmación puede ser puesta en entredicho, porque en 2022 el gobierno británico extendió el Anexo 7 a refugiados e inmigrantes que llegan en botes. 

The man who stole the scream

Sunshine Jackson, Nigel Levy, 2023 | Sesión Especial | ★★★☆☆

La figura del artista Edvard Munch (1863-1944, Noruega) está viviendo en los últimos meses una cierta recuperación no solo por la inauguración en 2021 del nuevo Museo Munch, a la que dedicamos una entrevista con el arquitecto español Juan Herreros, en nuestro podcast El ojo Inquieto, cuyo enlace podéis encontrar en la columna de la derecha, sino también por el estreno reciente de la película Munch (Henrik Martin Dahlsbakken, 2023), que a España llegará este mes de abril a través de la plataforma Filmin. Para los interesados en la figura de este pintor polifacético y atormentado, es muy recomendable el extraordinario documental-ficción Edvard Munch (Peter Watkins, 1974) una de las producciones más interesantes como renovación de la narrativa documental en la década de los setenta, aunque no está disponible en España. Su obra más internacionalmente conocida es "El grito" (1893), considerada como una de las piezas claves del expresionismo, inspiradora incluso de un emoji, pero también rodeada de un cierto malditismo ya que ha sufrido dos robos en los dos museos previos en los que se ha exhibido: en la Galería Nacional en 1994 y en el antiguo Munchmuseet en 2004, donde fue robado a punta de pistola. El documental The man who stole the scream (Sunshine Jackson, Nigel Levy, 2023), que se ha estrenado en una sesión especial, se centra en el primer robo, uno de los más insólitos de la historia de las sustracciones a obras de arte, y cuenta sobre todo con la participación del ladrón, Pål Enger, así como de la mayor parte de los implicados en la investigación, incluidos agentes especiales de Scotland Yard. 

La película, producida por el reconocido cineasta Asif Kapadia, ganador del Oscar por el documental Amy (2015) y director de otros títulos relevantes como Senna (2010) y Diego Maradona (2019), se sostiene en la entrevista concedida por Pål Enger, un entrevistado sin embargo no demasiado confiable, porque aporta declaraciones que a veces suenan a justificaciones o directamente relatos que tergiversan la realidad. De hecho, una de las principales decepciones es la de no haber podido contar con Bjørn Grytdal, cómplice de Enger desde que ambos robaban cuando eran jóvenes, que fue absuelto en el juicio por el robo del cuadro, ni de Jan Kvalen, el principal testigo de la policía contra Pål Enger, puesto que ambos rechazaron participar en la película. De forma que el documental asume el relato unidireccional para construir una entretenida aunque poco inventiva descripción de los hechos que se basa en las entrevistas a algunos de los que estuvieron de una u otra forma envueltos en la trama, desde un marchante de arte hasta los investigadores de la policía noruega y británica. El tono elegido se acerca a las comedias traviesas de los robos de guante blanco, desde El caso de Thomas Crown (Norman Jewison, 1968) hasta la reciente Operación Fortune (Guy Ritchie, 2023), utilizando algunas recreaciones y sobre todo alimentándose de un relato singular. 

Pål Enger fue en los años ochenta un futbolista adolescente que parecía tener futuro en el equipo del Vålerenga, pero pronto su interés se centró en las fiestas y el dinero fácil obtenido de robos a cajeros automáticos e incluso a una joyería situada en el centro de Oslo. Se aficionó a realizar robos espectaculares, pero también estaba interesado en la pintura (años después de salir de la cárcel, en 2011, incluso inauguró una galería de arte). Afirma que desde que visitó el Museo Nacional de Noruega en una excursión con su escuela, se sintió atraído por el cuadro de Edvard Munch, que solía visitar. Hasta que en 1988 decidió poner en marcha un plan para robarlo, aprovechando la evidente falta de medidas de seguridad con las que contaba el Museo. Tanto, que el cuadro se encontraba a solo un brazo de distancia de una ventana que daba al exterior, de forma que, rompiendo el cristal, se podía sustraer sin dificultad. Como si se tratara de una comedia absurda, en el primer intento Pål Enger se equivocó de ventana y acabó robando otro cuadro, "Vampyr" (1893/1894), que finalmente devolvió a la policía pensando que esta acción reduciría su condena; sin embargo, tuvo que cumplir cuatro años de cárcel. Mientras se encontraba en prisión, Noruega fue elegida sede de los Juegos Olímpicos de Invierno de 1994, de forma que pensó que el día de la inauguración en la sede de Lilyhammer, a las afueras de Oslo, sería una buena ocasión para intentar de nuevo robar "El grito". Solo esta parte de la historia merecía una película que sorprendentemente no se ha hecho hasta ahora, pero después hay negociaciones, enredos, traiciones, la implicación de Scotland Yard... The man who stole the scream se conforma con sustraerse a un relato ya de por sí sorprendente, consigue un buen ritmo pero se siente demasiado superficial en ocasiones, como un entretenimiento tan logrado como poco relevante.  

Vintersaga

Carl Olsson, 2023 | Dox:Award | ★★★☆☆

Las películas del director Carl Olsson (1984, Suecia) tienen un estilo muy determinado, una forma de encuadrar que establece siempre dentro de espacios determinados a la figura humana como eje central. En documentales previos como Patrimonium (2019), donde reflexionaba sobre el paso del tiempo, o Meanwhile on Earth (2020), que abordaba la industria profesional alrededor de la muerte, la cámara se coloca como observadora de escenas que ocurren delante de ella de una forma estructurada y equilibrada, que recuerda a los cuadros cinematográficos de Roy Andersson. Este estilo, que también se caracteriza por introducir un sentido del humor muy nórdico, regresa en su última película, Vintersaga (Carl Olsson, 2023) en la que se describe precisamente el estado de melancolía que caracteriza a la personalidad escandinava, especialmente en esa época invernal y apagada en la que se desarrolla. El planteamiento está basado en la canción "Vintersaga" (1984), del cantautor sueco Ted Ström, de la que no solo toma prestado su título, sino también esa estructura de relatos desconectados que ocurren en diferentes lugares y con distintos protagonistas. El propio Ted Ström se ha encargado de componer la banda sonora de una película que muestra 24 escenas principales protagonizadas por diferentes personajes que nunca se convierten en el centro del relato, excepto en los momentos en los que intercambian conversaciones generalmente triviales. 

Así, vemos a un grupo de jóvenes jugando al fútbol, a una pareja que no sabemos si se acaban de conocer hablando en un bar, a dos trabajadores conversando sobre la falta de fraternidad, a una conductora de camión hablando por teléfono, a un coche derrapando en una zona industrial, a dos amigas adolescentes hablando sobre maquillaje, a una pareja inyectándose heroína en un aparcamiento mientras hablan de matrimonio o a otra pareja practicando sexo en un pequeño apartamento. El director comenta que suele escoger los espacios para luego rellenarlos con acciones y personajes, de los que el espectador no recibe ninguna información. No sabemos nada de ellos, no hay antecedentes ni tampoco conocemos sus destinos. Se elaboran cuadros cinematográficos que tienen como nexo de unión el reflejo de la melancolía nórdica invernal, como en la canción de Ted Ström, rodeados de nieve, frío y semioscuridad. Carl Olsson describe como una de sus influencias la obra de la periodista bielorrusa Svetlana Aleksijevitj, ganadora del Premio Nobel de Literatura en 2015, que desarrolló su propio género literario, la "novela de voces", en la que explica la historia de la antigua Unión Soviética desde la perspectiva de la gente común. "A menudo se centra en el sufrimiento de las personas y la complejidad de amar el sufrimiento, que podría ser una definición de melancolía", dice el director. Vintersaga es, dentro de la aparente simpleza de su propuesta, un trabajo elaborado, milimétricamente estructurado y perfectamente encuadrado que consigue transmitir una extraña sensación de ausencia aunque esté poblado de personas. 

______________________________________

Películas mencionadas: 

Munch se estrena en Filmin el 14 de abril. 

Citizenfour se puede ver en Filmin y MUBI. 

Amy se puede ver en Prime Video. 

Senna se puede ver en HBO Max y SkyShowtime.

Diego Maradona y El caso de Thomas Crown se pueden ver en Filmin. 

Meanwhile on Earth se puede ver en Netflix y Truestory.

SÉRIES MANIA 2023: Parte 1 - Brian Cox vs. Logan Roy

El Festival Séries Mania se ha convertido por derecho propio en la cita más importante que se celebra en Europa dedicada al mundo de las series, no solo porque se adelantó a la explosión de interés por el formato que ha provocado la creación de secciones específicas en festivales de cine, que las consideraban un tipo de producción audiovisual menor, sino porque aglutina cada año un importante encuentro y foro de reflexión sobre el estado actual y futuro de las series. Hasta el punto de que también se ha contagiado de ese grado de saturación que ha surgido del streaming para programar un festival que resulta imposible cubrir en todos sus aspectos. Este primer fin de semana se han estrenado cuatro series y hemos asistido a las Masterclass de personalidades como el actor Brian Cox, que está a punto de estrenar la última temporada de Succession (HBO Max, 2022018-2023) y el director Cédric Klapisch, que ha dirigido la serie de inauguración de esta edición de Séries Mania, Ensalada griega (Prime Video, 2023), la continuación de uno de sus éxitos más notables, la película Una casa de locos (Cédric Klapisch, 2012), que ya tuvo dos secuelas: Las muñecas rusas (2005) y Nueva vida en Nueva York (2013), y que es un proyecto encargado por la plataforma estadounidense. Séries Mania se celebró por primera vez en París en 2010 cuando aún no había llegado la fiebre de las plataformas de streaming que revolucionó el nivel de producción de las series, y se ha convertido en el encuentro de referencia para medir el interés que han ido despertando en la última década. En 2018, se trasladó a la localidad de Lille donde celebró una novena edición con un aumento de presupuesto y de contenidos tanto en estrenos como en el Foro de encuentros. 

En 2023 se producirá a lo largo de la semana el estreno de 54 series dentro de sus diferentes secciones, de las cuales 32 son estrenos mundiales, entre las que se podrán ver producciones españolas como Apagón (Movistar+, 2022), La ruta (Atresmedia, 2022), Autodefensa (Filmin, 2022) y el estreno mundial de Mentiras pasajeras (SkyShowtime, 2023), la serie de Paramount y la productora de Pedro Almodóvar El Deseo que dirige Félix Sabroso, la única que compite en la Sección Oficial cuyo premio dedicidirá un jurado presidido por Lisa Joy, la creadora y guionista de Westworld (HBO, 2016-2022) y productora de The peripheral (Prime Video, 2022-). España también ofrece el martes 21 de marzo el encuentro Coming Next from Spain organizado por Audiovisual from Spain en el que se presentarán algunas de las series más destacadas para esta temporada, muchas de ellas estrenadas en la sección Pantalla TV del recién concluido Festival de Málaga: Los pacientes del doctor García (RTVE, 2023), Selftape (Filmin, 2023), Las pelotaris: 1926 (ViX, 2023), que por el momento solo se ha estrenado en Latinoamérica y Estados Unidos, Locos por Molière (TV3, 2023) y la recién estrenada en España Sin huellas (Prime Video, 2023). 

Cartel Internacional de Mentiras pasajeras (SkyShowtime, 2023)

Pero sobre todo hay un espacio importante en Séries Mania para el debate que ha atraído este año a un récord de 3.800 acreditados que asistirán a las actividades propuestas, destacando sobre todo la presencia de directivos como James Farrell, Jefe de originales internacionales de Amazon Studios, y Casey Bloys, presidente y director ejecutivo de HBO, a quien se adjudican algunos de los últimos éxitos de la plataforma a pesar de la turbulencia de la fusión con Discovery+, entre ellos The last of us (HBO Max, 2023-), y al que la revista Variety dedicó un interesante perfil hace una semanas: Variety (22/02/2023). Pero también están representadas con sus máximos directivos compañías como Banijay, BBC, eOne, Mediawan, NHK, Studiocanal, Sony Pictures, ITV Studios, Fremantle, Gaumont y Beta, que presenta una sesión especial de su ambiciosa serie El quinto día (Movistar+, 2023). A lo largo de esta semana dedicaremos crónicas en las que iremos desgranando algunos de los momentos más destacados de Séries Mania 2023 y comentando las producciones que se estrenan dentro de su programación. 

BRIAN COX MASTERCLASS

En la edición de Séries Mania de 2015, uno de los grandes estrenos fue la serie Succession (HBO Max, 2018-2023), con sus creadores y parte del reparto, entre ellos el actor Brian Cox. Ahora que está a punto de estrenarse la cuarta y última temporada, el círculo se cierra con la presencia del actor escocés como principal estrella de las primeras jornadas. Brian Cox asistió a la inauguración del festival junto a su esposa, la actriz alemana de origen iraní Nicole Ansari-Cox, que aprovechó el evento para mostrar un fular con las palabras: "Femme, Vie, Liberté (Mujeres, vida, libertad)", uno de los lemas de las manifestaciones que se han sucedido en Irán desde el año pasado en protesta por la situación de las mujeres en el país. La Masterclass de Brian Cox fue una distendida charla llena de anécdotas sobre su trabajo que duró una hora y media, y que fue moderada por Charlotte Blum, periodista y directora de la miniserie documental The art of television (OCS, 2017-). 

© Séries Mania

Brian Cox (1946, Escocia), actor reconocido en el teatro, donde ha dirigido también varias obras, y en el cine, mostró su especial predilección por William Shakespeare, al que considera "fundamental para un actor. Nadie puede ser actor si no ha interpretado a Shakespeare alguna vez", y recordaba sus primeros éxitos en televisión como la serie Deadwood (SkyShowtime, 2004-2006), creada por David Milch a quien considera un genio que "al final, tuvo bastantes conflictos con los directivos de HBO, que no estaban contentos con el tono teatral que tenían algunas secuencias". Pero a pesar de su experiencia en otros medios, el actor considera que las series actualmente facilitan su trabajo: "En teatro y cine funciona la estructura habitual de tres actos similares, pero en las series tienes un primer acto, un segundo acto interminable y un desenlace. Pero eso para un actor es oro, porque podemos invertir en nuestros personajes y hacerlos relevantes. Desgraciadamente las películas han perdido buena parte de la capacidad para contar historias sencillas, porque están llenas de superhéroes. Y la televisión ha tomado el relevo". 

También recordaba su trabajo con actores como Nicolas Cage en Adaptation. (Spike Jonze, 2002): "Nicolas Cage es un actor curioso, porque es mejor actor de lo que transmiten sus películas. Se ha dedicado a hacer muchas películas de mierda, pero es un gran actor". Mientras que a los directores los considera "animales muy interesantes. A veces van más allá de lo que el guión realmente necesita. Creo que los grandes directores son los que se ciñen al guión, como Laurie Anderson, con el que trabajé en teatro y cine, en películas como El ingenuo salvaje (1968), que es mi película favorita. Él entendía el sentido de confianza con el actor. Pero muchos directores quieren ser demasiado controladores". La dificultad de los personajes también fue comentada con un ejemplo: "El personaje que más me ha costado interpretar es el de un tipo que se llamaba Killearn en la película Rob Roy (Michael Caton-Jones, 1995), porque era una persona aborrecible y despiadada. Tanto que no sabía cómo interpretarlo, así que tomé como imagen la figura del ángel caído que es expulsado del paraíso. Eso me ayudó mucho". 

© Séries Mania - Arnaud Loots

Lo que lleva directamente a su papel en la serie Succession: "Creo que Logan Roy es uno de los personajes más incomprendidos de la televisión. Por supuesto que es despiadado, pero creo que la diferencia principal entre él y yo es que él es un pesimista y yo soy un optimista, creo que siempre se pueden solucionar las cosas. Logan es un romántico desilusionado, y todos los románticos desilusionados se acaban convirtiendo en personas profundamente cínicas". Sobre la diferencia entre algunos métodos de interpretación que surgió el año pasado a raíz de una entrevista con el actor Jeremy Strong, Brian Cox comentó: "Hay un libro muy interesante de Isaac Butler titulado "The Method: How the Twentieth Century learned to act” (2022), porque aborda la forma en que Stanislavsky desarrolló su modelo de interpretación durante el período de Stalin, y cómo llegó a los Estados Unidos, después de que el propio Stanislavsky descartó la memoria sensorial porque se interponía en la imaginación, que es la principal herramienta del actor. Cuando un actor se enfoca demasiado en sí mismo, se olvida del grupo con el que está trabajando. Yo no niego el talento de estos grandes actores jóvenes, pero a veces se olvidan del resto del reparto. Succession no sería un éxito si no tuviera un grupo de actores y actrices que funciona en conjunto".

Y terminaba afirmando sobre la despedida de su personaje: "Logan Roy fue un papel maravilloso, pero es solo una parada en el camino. No es el destino final. Sin embargo, va a ser difícil. No por mí, estoy bastante feliz de dejarlo, sino por otras personas. Tendré que trabajar más duro para persuadirlos de que en realidad solo soy un actor", mientras prepara su primer largometraje como director, Glenrothan, una historia sobre dos hermanos que administran una destilería en Escocia, y que se rodará este verano, en cuyo reparto iba a estar el actor Lance Reddick, fallecido hace unos días. 

LAS SERIES MÁS DESTACADAS DE LA JORNADA

© Foss Productions

Milky way

8x55' | 2 episodios estrenados | Competición Internacional | ★★★★☆ 

Escrita y dirigida por Vasilis Kekatos

La Competición Internacional se estrenó con una de las series más esperadas, no solo por tratarse de la primera producción griega que compite en el festival, sino también porque supone el debut en este formato de Vasilis Kekatos (1991, Grecia), uno de los jóvenes directores griegos con mayor proyección internacional, sobre todo tras conseguir en el Festival de Cannes la Palma de Oro al Mejor Cortometraje y la Palma Queer por su extraordinario corto The distance between us and the sky (2016), que tiene uno de los encuentros sexuales sin sexo más eróticos que se han visto en mucho tiempo. Algunos elementos de esta historia también están presentes en Milky way (MEGA, 2023), ya que su protagonista María (Corinna Dullaart) tiene una obsesión con la galaxia y la vía láctea, hasta el punto que cuando se siente estresada solo puede tranquilizarse mirando en su móvil videos de cometas cayendo. Ella vive en un pequeño pueblo griego de montaña donde tiene un grupo de amigas con las que ensaya coreografías y a su novio Tasos (Nikolakis Zeginioglou). Pero sus ambiciones sobre marcharse del pueblo y convertirse en bailarina se frustran cuando descubre que se ha quedado embarazada, y aunque recibe el apoyo de su familia y su entorno, de alguna manera comienza a sentirse más aislada y se encuentra más identificada con Joe (Konstantinos Georgopoulos), un joven estudiante que ha regresado con su padre después de vivir un tiempo en Atenas. 

En los dos primeros episodios presentados de una serie que está en proceso de postproducción y tiene previsto su estreno en octubre de este año, hay algunas evidencias del estilo que Vasilis Kekatos desplegó en su cortometraje, principalmente en los relatos que cuenta María sobre sí misma y su familia, en los que hay elementos de fantasía. Como cuando de niña admiraba a su padre porque trabajaba subiendo a postes eléctricos, imaginándolo como un astronauta que se elevaba por encima del resto del mundo, hasta que un accidente le obligó a retirarse de ese trabajo. O cuando recuerda cómo visitaba a su madre en la fábrica donde trabajaba, hasta que la pasión y la alegría se fue apagando, sustituida por el cansancio del trabajo y el refugio en la religión. Aunque no se produce del todo en los primeros episodios, la relación entre Joe y María se intuye que será cada vez más cercana, mientras se alternan sus historias personales, desde la relación de María con sus padres hasta los encuentros sexuales de Joe. El director Vasilis Kekatos se ha basado en su experiencia de adolescente en la isla de Cefalonia, donde el aburrimiento provocaba que solo la fantasía de galaxias lejanas y mundos diferentes fuera la única escapatoria. Aunque la temática pueda parecer común a muchas otras nacionalidades, no es habitual que la televisión griega se centre en protagonistas adolescentes, aquí retratados con una mirada optimista, en la que no hay grandes dramas pero determinados acontecimientos pueden cambiar el curso de la vida. Milky way está producida por Foss Productions en colaboración con MEGA TV y por el momento no tiene distribución internacional, aunque otras producciones del canal, como la espléndida Maestro (Netflix, 2022) se han estrenado en la plataforma Netflix. 

© Zindagi

Barzakh

6x58' | 2 episodios estrenados | Panorama Internacional | ★★★★★ 

Escrita y dirigida por Asim Abbasi

Otra de las producciones de resonancia internacional es la última serie dirigida por el cineasta británico-paquistaní Asim Abbasi, quien consiguió que su debut en el cine con el largometraje Cake (2018) fuera seleccionado como representante de su país para los Oscar, y posteriormente estrenó con gran éxito la serie Churalis (Zee5, 2020), que tenía como protagonistas a un grupo de mujeres que montaban una agencia de detectives, y mostraba por primera vez en la televisión paquistaní una relación lésbica y a un personaje transgénero. Con Barzakh (Zee5, 20223) propone un giro de tonalidad en una serie que tiene más elementos dramáticos y que contiene algunas de las imágenes más poéticas y hermosas que hemos visto en el festival. Protagonizada por dos de los actores más reconocidos del cine paquistaní, Fawad Kahn, quien interpretó un papel secundario en Ms. Marvel (Disney+, 2022) y Sanam Saeed, que fue una de las protagonistas de la película Cake, se trata de un drama que comienza cuando dos hermanos regresan a casa de su padre enfermo, pero empeñado en celebrar una boda con el amor de toda su vida. En realidad ella murió hace muchos años, pero el anciano espera la visita de su fantasma. Esta convivencia de los espectros con las personas vivas y el punto de vista de unos niños recuerda por momentos en su narrativa familiar a Fanny y Alexander (Ingmar Bergman, 1982), ofreciendo también una perspectiva poética que se refleja en la ambigua belleza del espléndido cartel de la serie, que reproducimos en esta crónica. 

Barzakh es la primera serie transfronteriza entre India y Pakistán que se estrena a nivel mundial, y también es la única representante del Sur de Asia en la programación del festival Séries Mania. Su rodaje se desarrolló en un espacio natural muy peculiar, el valle de Hunza, que ofrece un entorno particularmente hermoso con una vista de las montañas absolutamente espectacular al que el director sabe sacar partido. El primer episodio, The mad king and the crumbling castle (T1E1) comienza con un prólogo en formato 4:3 que muestra los antecedentes de la historia de amor del anciano Jafar (Salman Shajid), cuando se despide de su amante Mahtab (Anika Sulfikar) para tratar de conseguir un desarrollo profesional que le permita regresar con los medios suficientes como para darle la vida que merece. Casi de una forma premonitoria, ella le susurra al oído: "La historia de nuestras almas está unida a la magia de nuestra tierra". Este relato romántico se alterna con el presente, cuando en un lugar llamado significativamente Land of Nowhere, los dos hijos del anciano regresan, invitados a una boda que les parece sin sentido. Uno de ellos es padre soltero y el otro oculta su homosexualidad, pero se siente atraído por uno de los trabajadores de la mansión. Hay también un trasfondo relevante en el enfrentamiento entre el anciano y los habitantes del pueblo, porque ha construido su mansión encima de las tumbas de los ancianos del lugar, alrededor del árbol en el que vio por última vez a su amada. Barzakh es un cuento romántico y poético que conecta con la tradición de los relatos mitológicos sobre la vida y la muerte (no en vano el personaje interpretado por Sanam Saeed se llama Sherezhade), que se sostiene en las raíces de la cultura musulmana para construir una mirada mucho más universal. Los dos primeros episodios plantean unos conflictos que invitan a esperar de qué forma la sobrenaturalidad romántica se enfrenta a la sobrenaturalidad que reclama la tierra. 

© Fremantle

Little bird

6x60' | 2 episodios estrenados | Panorama Internacional | ★★★★☆ 

Creada por Jennifer Podemski, Hannah Moscovitch | Dirigida por Elle Máijá Tailfeathers

Cada país tiene algunas vergüenzas que ocultar, como los niños robados en España, y en el caso de Canadá se trata del racismo con el que ha venido tratando a los indígenas durante décadas, algo que no ha cambiado demasiado como ya comentamos cuando hablamos del documental inaugural del CPH:DOX 2023, Twice colonized (Lin Alluna, 2023). Se calcula que, entre 1863 y la muy próxima fecha de 1998, unos 150.000 niños de las llamadas Primeras Naciones fueron separados de sus familias por los Servicios Sociales de Canadá en base a una política de educación que ponía en duda la capacidad de los padres para cuidar de ellos. Pero en realidad se trataba de un plan de eliminación de la cultura indígena forzando el "blanqueamiento" de las costumbres de unos niños que acababan siendo adoptados por familias blancas. Fue un genocidio cultural que también acabó con la muerte de unos 6.000 niños en internados gestionados principalmente por la Iglesia Católica. En 2020, en la Escuela Kamloops, uno de los centros más grandes destinados a estos menesteres, se encontró una fosa común con los restos de 215 niños. Esta problemática es la base de la serie Little bird (Crave, 2023), una propuesta que levantará controversias cuando se estrene en Canadá y que cuenta con la participación en la producción del canadiense Jeremy Podeswa, director de series como Estación Once (HBO Max, 2022), El cuento de la criada (HBO Max, 2017-) o Boardwalk Empire (HBO Max, 2010-2014), entre muchas otras. 

Desde el momento en que se recuerda al comienzo de la serie que tanto en Canadá como en Estados Unidos los niños de familias indígenas han sido robados sistemáticamente durante más de 200 años, ya sabemos que va a ser un visionado especialmente difícil. El período comprendido entre los años sesenta y los ochenta se denominó "Sixties Scoop", y es el que se describe en dos líneas temporales. La protagonista Bezhig "Little bird" (Darla Contois), celebra su fiesta de compromiso junto a su madre Golda Rosenblum (Lisa Edelstein), una mujer judía que la adoptó cuando era pequeña, pero cuando toma conciencia de que sigue siendo despreciada por algunos miembros de la comunidad, surge la necesidad de saber más sobre su familia original. La trama alterna la búsqueda de Bezhig de sus raíces con la historia de cómo fue arrebatada a su madre por la policía y miembros de los servicios sociales, en escenas particularmente dramáticas. La serie ha sido creada por Jennifer Podemski, que de hecho comparte con la protagonista su condición de judía e indígena, y Hannah Moscovitch, guionista de Entrevista con el vampiro (AMC+, 2022-), y está dirigida en sus primeros episodios por Elle Máijá Tailfeathers, que recientemente dirigió los ocho episodios de Three pines (AXN, 2022), recientemente cancelada por Prime Video. Little bird es una propuesta de alto contenido dramático que se apoya principalmente en el desarrollo de los personajes y en una realidad especialmente dolorosa. 

______________________________________

Películas y series mencionadas: 

Succession temp. 4 se estrena en HBO Max el 26 de marzo. 

Selftape se estrena en Filmin el 4 de abril. 

Ensalada griega se estrena en Prime Video el 17 de abril. 

Three pines se estrena en AXN el 26 de abril. 

Apagón se puede ver en Movistar+. 

La ruta se puede ver en ATRESPlayer Premium.

Autodefensa y Fanny y Alexander se pueden ver en Filmin. 

Locos por Molière se puede ver en TV3 y Tivify. 

Sin huellas se puede ver en Prime Video. 

Deadwood se puede ver en HBO Max y SkyShowtime. 

Ms. Marvel se puede ver en Disney+.

Estación Once, El cuento de la criada y Boardwalk Empire se pueden ver en HBO Max.

Entrevista con el vampiro se puede ver en AMC+. 

Nueva vida en Nueva York se puede ver en Filmin y Acontra+. 

Adaptation. se puede ver en Movistar+. 

El ingenuo salvaje se puede ver en Filmin y Prime Video. 

Rob Roy se puede ver en MGM y Movistar+. 

CPH:DOX 2023 - Parte 2: Eso que llaman hogar

Nuestra segunda crónica del Festival de Documentales CPH:DOX 2023 se centra en la definición de hogar desde diferentes perspectivas el hogar arrebatado por la violencia, el que se establece como un lugar de protección y sentido de humanidad, pero también el que se convierte en una amenaza para quienes reivindican su propia identidad. Un recorrido por cuatro documentales notables que se presentan estos días en la programación del festival.

Disturbed Earth

Kumjana Novakova, Guillermo Carreras-Candi, 2021 | Artists & Auteurs | ★★★★☆

En nuestra crónica anterior hablábamos de Francesca y el amor (Alba Sotorra, 2022), como una de las representaciones españolas en la programación de CPH:DOX 2023, que se completa con la presentación de la película Pacifiction (Albert Serra, 2022) dentro de la sección Parafictions, que recoge títulos en los que el límite entre el documental y la ficción es muy indefinido. Y hablamos ahora de Disturbed earth (Kumjana Novakova, Guillermo Carreras-Candi, 2021), que tuvo su estreno mundial en el Festival de Sarajevo 2021 y en España dentro de la programación del Festival de Gijón y el Festival Play-Doc. Kumjana Novakova reside en Sarajevo donde dirige la muestra de documentales Pravo Ljudski Film Festival, que fundó en el año 2016, mientras que el español Guillermo Carreras-Candi ejerce como productor ejecutivo de la plataforma dedicada a cortometrajes documentales Playground, pero también tiene una conexión especial con los Balcanes, a los que dedicó su largometraje Tragovi (2010), sobre la juventud de Bosnia. Este último proyecto colaborativo aborda las consecuencias de uno de los episodios más crueles de la guerra de la antigua Yugoslavia, cuando Srebrenica fue objeto de la matanza de más de 8.000 personas, una realidad que fue mostrada en la película Quo vadis, Aida? (Jasmila Zbanic, 2020). Pero el interés de los directores se encuentra más en la ciudad actual, un lugar desolado y silencioso que aún está habitado por supervivientes de aquel genocidio. La película aglutina distintos rodajes a lo largo de cuatro años entre 2015 y 2019, desde que Guillermo Carreras-Candi y el director de fotografía Diego Romero Suárez-Llanos grabaron imágenes del vigésimo aniversario del genocidio en el que se enterraron restos encontrados de cadáveres de personas asesinadas en 1995. Es la tierra removida del título, aquella en la que se descubren todavía mediante imágenes aéreas el lugar donde se encuentran las fosas comunes en las que se enterraron los cuerpos de las víctimas.

Srebrenica se convierte así en un escenario que sigue recordando por sí mismo aquella masacre, con edificios destruidos, con terrenos baldíos en los que la supervivencia no consiste ya en escapar de los enemigos, sino en tratar de conseguir comida. Tras este prólogo, la mirada se centra en las personas, concretamente en tres supervivientes: Srećko vive con su hermano Mića en una colina, en una casa construida después de la guerra en el mismo lugar donde nacieron y se criaron hasta que fueron movilizados en 1992 y su casa fue incendiada. Mirza vive con su esposa en Potočari, en el mismo sitio donde nació, pero tanto su hermano como la mayor parte de los miembros de su familia y la de su esposa fueron asesinados. Y la anciana Mejra de 84 años vive entre Potočari y Srebrenica, en la casa en la que contrajo matrimonio; ella es la única superviviente de su familia, cuyo marido e hijos fueron asesinados. Hay una tonalidad poética en el retrato de estos protagonistas, cuyas vidas cotidianas son retratadas desde la observación con cierta distancia. La mayor parte de ellos vive de lo que produce la tierra, porque en Srebrenica y sus alrededores no hay trabajo. Tampoco hay diálogos ni entrevistas, sino una serie de reflexiones cortas que aparecen en pantalla, primero escritas por Kumjana Novakova y después al parecer sacadas de los propios pensamientos de los protagonistas a través de su experiencia sobre la vida y sobre la muerte. Hay un tono melancólico, que le da a las imágenes también una cierta tonalidad fantasmal, lo que se manifiesta principalmente en las imágenes caseras de los protagonistas, que muestran celebraciones con familias alegres que ahora han desaparecido. Pero también en la introducción de archivos protagonizados por el general Ratko Mladic, responsable de la matanza y condenado a cadena perpetua en 2017 por crímenes de guerra. La elección de esos fragmentos de momentos relajados resulta especialmente significativa en el entorno de un lugar sepultado entre las sepulturas de los muertos. 

Mrs. Hansen and the bad companions

Jella Bethmann, 2023 | Nordic:Dox | ★★★★☆

La historia de Inger Lise Hansen es una de esas crónicas de una cotidianeidad que se enfrenta a los arquetipos de la sociedad. A sus 80 años, ha convertido su villa de un pequeño pueblo de Dinamarca en un hogar para un grupo de inadaptados, esas "malas compañías" que menciona el título, que arrastran el estigma de las enfermedades mentales pero también la adicción a las drogas o un pasado en prisión. La casa de Inger tiene una especie de elegancia decadente que nos recuerda a aquella mansión decrépita que habitaban las primas de Jackie Onassis, madre e hija, en el documental Grey Gardens (Ellen Hovde, Albert Maysles, David Maysles, 1975). Después de levantarse de una cama situada en un amplio salón que ha convertido en espacio para que duerman tres personas más, vemos a la Sra. Hansen arreglarse el pelo en el espejo para transformarse en esa anciana amable cuya filosofía principal es pensar que todas las personas son buenas en el fondo. La directora Jella Bethmann, que es también encargada de la fotografía y montadora de la película, recorre con su cámara las estancias repletas de objetos que se amontonan en cada rincón, mostrando el interior de lo que sus habitantes denominan un hogar. El más permanente, y en el que más se centra el documental, es Martin Rasmussen, un ex-convicto que afirma que nunca ha vuelto a la cárcel desde que vive con Inger, pero que reconoce tener problemas para administrar el poco dinero que consigue. En un fragmento de la película, vemos cómo está ilusionado por haberse comprado un coche eléctrico para darse cuenta poco después de que no se puede permitir mantener un vehículo. 

Otros se han ido pero acaban volviendo después de un tiempo, como Tina Johansen, que intenta rehabilitarse de su excesiva afición al vodka, o Thomas Pedersen, que trata de recuperar las cenizas de su esposa para arrojarlas al río en una excursión que tiene un ambivalente tono de patetismo y dramatismo que refleja perfectamente la tonalidad general de la película. Otro de los acogidos por la Sr. Hansen es René Persson, que lleva 18 años viviendo en el sótano donde guarda todo tipo de pistolas de aire comprimido. En el centro principal se encuentra esta anciana que parece haberse convertido en una figura maternal para este grupo de personas que buscan un cierto sentido de protección, más psicológica que física. Y aunque la película no cuenta demasiado sobre la vida anterior de Inger, que solo se aprecia en viejas fotografías familiares llenas de polvo, ni en la razón por la que ha decidido renunciar al orden en su amplia villa, ofrece una conmovedora descripción del sentido de bondad y generosidad en el ser humano, que no está exenta de complicaciones. Es curioso ver la reacción de Inger cuando Martin le enseña un video en el que se ha grabado jugando con una pistola real a la ruleta rusa, solo porque algunos amigos le dijeron que no era capaz de hacerlo. Es una escena inquietante que muestra claramente las consecuencias de su inestabilidad psicológica, pero por parte de Inger solo recibe una pequeña reprimenda: "Podrías haber muerto", como una madre que acepta con resignación las travesuras de sus hijos. 

Los reflejos de esa casa decadente a través de pequeños detalles son utilizados también por la directora para marcar el paso del tiempo y el cambio de tono de Mrs. Hansen and the bad companions (Jella Bethmann, 2023), especialmente cuando la enfermedad hace acto de presencia y aparece una mirada más melancólica en el tercer acto. De alguna forma, cuando Inger tiene que realizarse diferentes pruebas médicas, es cuando se desestabiliza el grupo familiar, cuando se reflexiona sobre la vida y la muerte, y se toma consciencia de la inevitabilidad de un posible final. El peligro de que el epicentro de ese hogar que ha acogido a tantas personas repudiadas por la sociedad pueda desaparecer plantea un futuro incierto para todos, pero sobre todo expresa un profundo sentimiento de afecto que se representa en un bosque rodeado de niebla con Martin Rasmussen cantando "Love me tender" (1956), que Elvis Presley adaptó de una vieja canción sentimental de la Guerra de Secesión. Es un momento especialmente hermoso después de un viaje conmovedor que nos reconcilia con el ser humano. 

Queendom

Agniia Galdanova, 2023 | Next:Wave | ★★★★☆

Para la artista performance Gena Marvin, su hogar se ha convertido en el principal peligro para su vida. En un documental que la ha seguido durante cuatro años, entre 2019 y 2022, justo al comienzo de la invasión de Ucrania que se convirtió también en una amenaza para un determinado número de jóvenes rusos, se reivindica a través de sus creativos diseños y en recorridos a pie por las calles de Moscú ante la mirada curiosa pero también furiosa de los transeúntes. Queendom (Agniia Galdanova, 2023) se presenta de esta forma como un retrato que se amplía progresivamente hacia una mirada más colectiva, sin que realmente Gena Marvin se manifieste como una activista global en representación de un grupo de personas que no son aceptadas en su país, sino como una reivindicación de su identidad personal. A sus 21 años, ha decidido mostrar su transformismo y su no binarismo sin temor: "No me identifico con ningún género ni con ninguna tendencia sexual. Pero tampoco le tengo miedo a nada". Algo que podría parecer provocativo en algunas acciones como cuando reivindica su derecho a entrar en un parque público al que le niegan la entrada "por su seguridad" ya que se celebra un encuentro organizado por el ejército. Sin embargo, esta reivindicación del derecho a disfrutar como quiera de un espacio que es público revela al mismo tiempo la sinrazón de un Estado represivo. 

La directora Agniia Galdanova muestra en este documental producido por Igor Myakotin, nominado al Emmy por Bienvenidos a Chechenia (David France, 2020), algunas de las performances de Gena Marvin en grabaciones que la han hecho popular en las redes sociales, pero que habitualmente tienen un trasfondo de opresión y soledad, en espacios vacíos en los que se arrastra por el barro, o en los que camina perdida. Y sin embargo es reconocida en los ambientes artísticos, participando en una sesión de fotos para Vogue Rusia o en un desfile de moda en el que también su presencia desafía los cánones de la belleza de las modelos rusas. Su falta de temor se manifiesta cuando se enfrenta a quienes le miran con prejuicio, en un supermercado en el que los guardias de seguridad le invitan a salir porque está "molestando a los clientes", o discutiendo con una mujer que le increpa desde el balcón de su casa porque lleva plataformas. Algunos de sus amigos, sin embargo, manifiestan su terror por determinadas situaciones que han vivido envueltas en violencia, lo que sin embargo provoca una intención más contundente por parte de Gena Marvin de salir al día siguiente con uno de sus diseños por las calles o por el metro de Moscú. Pero esta reivindicación personal también tiene consecuencias como la expulsión de la Universidad en la que estudia. 

Los momentos más íntimos, y los más frustrantes, se producen cuando se relaciona con sus abuelos, con los que habla por teléfono desde Moscú o cuando regresa a su casa en Magadan, una ciudad de pescadores. Allí ayuda a su abuelo en las labores de pesca pero también vuelve a escuchar los comentarios que muestra la incomprensión sobre el tipo de vida que lleva o cómo está avergonzando a su familia. En realidad, parece haber un profundo sentimiento de amor por parte de sus abuelos, una especie de resignación que sin embargo, sobre todo por parte del abuelo, está llena de reproches, aunque traten de ser cariñosos, y de homofobia. El único momento en el que Gena expresa miedo realmente es cuando está a punto de producirse la invasión de Ucrania y trata de conseguir una visa para salir de Rusia antes de ser reclutado, consciente de que "entrar en el ejército supone la muerte para mí". Queendom es un retrato de una personalidad fuerte y valiente, que al mismo tiempo representa un activismo colectivo sobre la situación de la comunidad LGBTIQ+ en un país que ha dejado de ser un hogar para muchos jóvenes.  

Motherland

Alexander Mihalkovich, Hanna Badziaka, 2023 | Dox:Award | ★★★★★

Este temor por formar parte del ejército, esa comunidad destinada a defender una patria indefinida, se hace más contundente en el documental que presentan a competición los cineastas bielorrusos Alexander Mihalkovich y Hanna Badziaka. Al comienzo de la película se explican los antecedentes del relato que estamos a punto de ver, que se refieren a una práctica de abusos y novatadas a los reclutas que impuso el ejército soviético, denominada "dedovshchina", que significa novatada, pero que literalmente se traduce como "el reinado de los abuelos". Este ritual que se caracteriza por su extrema violencia se ha mantenido en los ejércitos de algunos de los países que pertenecieron a la Unión Soviética, como Bielorrusia. Y en un trabajo dotado de una mirada clarificadora y profundamente inquietante, se describen las consecuencias que algunas de estas novatadas han tenido en los hijos de madres como Svetlana, que busca justicia a través de un sistema administrativo que se convierte en cómplice de estos abusos. Su hijo murió según fuentes oficiales por suicidio, pero las heridas que tenía en su cuerpo levantaron las sospechas de Svetlana, especialmente después de encontrar a otras madres que también sufrieron pérdidas similares. Pero su intención de conseguir que los responsables sean llevados antes la justicia se encuentra con numerosos obstáculos sin que parezca tener un desenlace positivo. 

El otro protagonista de la película es Nikita, que representa precisamente a esos jóvenes a punto de ser reclutados para formar parte del ejército, los que presumiblemente sufrirán la dedovshchina. En Motherland (Alexander Mihalkovich, Hanna Badziaka, 2023), los directores muestran un entorno militarizado, con grandes carteles publicitarios sobre el honor y la patria, mientras se celebran actos públicos para conmemorar la heroicidad de los veteranos de guerra en el Día de la Victoria, con desfiles de tanques por las calles de la ciudad. Y sin embargo hay una cierta incredulidad frente a esta demostración de patriotismo gubernamental por parte del grupo de amigos de Nikita, cuando uno de ellos comenta: "Es un puto funeral, no hay nada que celebrar".  La película consigue crear una atmósfera opresiva, gracias a una excelente fotografía de Siarhiej Kanaplianik, quien trabajó en la anterior película de Hanna Badziaka, My granny from Mars (2017), y que utiliza predominantemente los tonos azulados, junto al diseño de sonido asfixiante creado por los noruegos Yngve Leidulv Sætre y Thomas Angell Endresen, que han trabajado recientemente en películas de género como Trol (Roar Uthaug, 2022) y Leave (Alex Herron, 2022). De forma que Motherland no solo se expresa a través de sus protagonistas sino también en una serie de capas cinematográficas que construyen un relato contundente. A lo largo de la película escuchamos fragmentos de cartas que están basadas en las cartas reales que envió el director Alexander Mihalkovich a su madre cuando realizó el servicio militar, lo que transmite otro nivel de comprensión de la realidad que se nos describe. 

La última parte del documental conecta con las protestas que tuvieron lugar en agosto de 2020 a raíz de la nueva reelección del político prorruso Aleksander Lukashenko como presidente, que ha estado en el cargo desde 1994. Las calles de la capital se llenaron esta vez de policías y militares para reprimir las manifestaciones, en las que la propia administración admitió haber utilizado fuego real para "defenderse". De alguna manera, estas imágenes rodadas en las propias manifestaciones y aportadas, entre otros, por un "director bielorruso anónimo en el exilio", según se indica en los títulos de crédito, reflejan esa cultura de la violencia que impregna no solo al ejército sino también a las fuerzas del orden, y que se ha heredado de la antigua Unión Soviética. Hay momentos de una brutalidad absoluta como el ataque de una manada de policías contra un coche en cuyo interior se encontraba una persona, una representación espeluznante de los resortes violentos de una dictadura disfrazada de democracia. 

______________________________________

Películas mencionadas: 

Pacifiction se puede ver en Filmin. 

Francesca y el amor se puede ver en Movistar+.

My granny from Mars se puede ver en dafilms.com

Trol se puede ver en Netflix.