SÉRIES MANIA 2026 - Parte 2: Distopías

El mundo de las series continúa desplegándose en el festival Séries Mania, con la inauguración de su Foro Profesional Séries Mania Forum donde se presentan las últimas novedades de las plataformas de streaming y canales de televisión, mientras se proponen debates y encuentros profesionales sobre el estado actual del audiovisual. En el entorno del festival también se entregan algunos premios como el Premio Vidocq que desde hace siete ediciones otorga un jurado de profesionales de la seguridad a la mejor serie policíaca francesa del año. En esta ocasión, el premio ha recaído en La estación de las chicas perdidas (Disney+, 2025) por su "realismo y su sutil representación de una investigación criminal". También se han entregado los primeros premios del foro profesional. En Series Mania Buyers Upfront, que presenta una selección de proyectos a compradores internacionales, entre los que se encontraba la serie española In vitro (3Cat/HBO Max, 2026), la ganadora del premio del jurado ha sido la producción francesa R91 (M6, 2026), sobre una investigación criminal en el interior del portaaviones nuclear Charles De Gaulle (R91). Entre las sesiones de presentación Co-Pro para proyectos que buscan coproducción ha ganado la propuesta Red pants (10x60'), sobre la formación de una banda criminal femenina en los años setenta, que es el primer proyecto de Kirguistán que se ha presentado en Séries Mania, mientras que el premio SeriesMakers ha recaído en el proyecto canadiense Chacachá! (8x30') sobre una mujer cuya altísima presión arterial le lleva a buscar alivio en el baile latino, desatando el caos en su familia. El proyecto ha sido creado por Alison Fairweather Murray, directora de la película argentina Alison (2022). En la primera jornada de Séries Mania Forum, Audiovisual from Spain, que hoy ha ofrecido un desayuno a los profesionales, ha presentado su paquete de series propuestas para comparadores internacionales, entre ellas Las hijas de la criada (Atresmedia, 2026), Pura sangre (Mediaset, 2026), la tercera temporada de Citas Barcelona (Prime, 2023-), Ravalear (HBO Max, 2026), seleccionada en el Festival de Berlín y en Crossover Series, Millenial mal (Filmin, 2026), Day one (3Cat/Prime, 2026) y Por cien millones (Movistar Plus+, 2026). 

STEVEN MOFFAT Y SUE VERTUE: EL TÁNDEM IMPRESCINDIBLE

En una edición muy británica en la que hoy estará presente el creador Russell T. Davies, otro de los invitados destacados ha sido Steven Moffat (1961, Escocia), uno de los nombres fundamentales de la creación para la televisión inglesa de las últimas décadas, y a los que une la participación de ambos en diferentes etapas de la serie Doctor Who (BBC, 2005-). Pero con un acertado criterio, la organización de Séries Mania decidió que en la clase magistral de Steven Moffat también participara su esposa Sue Vertue (1960, Reino Unido), reconocida productora británica a través de su compañía Hartswood Films que heredó de su madre, la también productora de televisión Beryl Vertue. Entre los proyectos previos a su colaboración en la carrera de su marido Steven Moffat se encuentra la clásica comedia Mr. Bean (Prime Video, 1990-1995). El guionista y la productora se conocieron en 1996 en el Festival de Televisión de Edimburgo, como él mismo recordaba bromeando: "Yo solía acudir al festival para conocer mujeres, y me salió tan bien que acabé conociendo a Sue y ya no he podido volver nunca más para ligar". Aunque Sue Vertue comenzó a trabajar junto a Steven Moffat en sitcoms como Coupling (BBC, 2000-2004), ella nunca se ha involucrado en la etapa de Doctor Who, aunque pudo haberlo hecho: "Cuando retomé la serie después de Russel T. Davies, tenía que buscar un productor ejecutivo y por supuesto se lo pedí a Sue, pero ella me dijo que no. En realidad nunca le ha gustado mucho Doctor Who, pero lo cierto es que tenía que dirigir su productora e involucrarse en una serie como ésta requiere que le dediques todo tu tiempo durante un año, incluso en Navidad. Creo que convivir con una persona con la que al mismo tiempo estás trabajando en Doctor Who sería un error". Entre los éxitos en los que han colaborado juntos se encuentran sin embargo algunas de las series más destacadas de Steven Moffat: Sherlock (Prime, 2010-2017), Drácula (Netflix, 2020), Desde dentro (Netflix, 2022), La mujer del viajero en el tiempo (HBO Max, 2022) y Douglas is cancelled (SkyShowtimne, 2024). 

Sue Vertue destacaba que ambos tienen una forma muy parecida de abordar los proyectos, y aunque generalmente es Steven Moffat quien ejerce como showrunner, los dos tienen una participación completa en la producción que proviene de su etapa en las comedias de situación: "Quizás porque ambos procedemos de las sitcom, estamos acostumbrados a ir al set todos los días, seguramente porque tenemos esa costumbre de estar pendientes de si funcionan las bromas. Pero la gente piensa que es un poco extraño que estemos allí cada día. Sin embargo, funciona bien para nosotros y también para los actores, que pueden hacerte preguntas sobre algunos cambios del guión". A la pregunta del periodista Léa Veinstein, que ejerció como moderador, sobre por qué Sue Vertue no firma como co-showrunner, Steven Moffat respondió negando la mayor: "Showrunner es un término periodístico, no existe tal cosa. No aparece en ningún contrato ni aparece en los créditos. Se trata de un término periodístico para definir a un productor ejecutivo que también ha escrito el guión. En una producción bien hecha hay solo unos cuantos jefes, en este caso Sue y yo, y el director. Y la línea de autoridad se encuentra sobre todo en quién lleva razón en un tema determinado, quién tiene la mejor idea. Así que no se trata de una competición sobre quién manda". Respondiendo preguntas sobre la clásica serie Sherlock, que en cierta manera revolucionó la forma de acercarse al personaje, Steven Moffat contaba una anécdota sobre la elección de los dos protagonistas: "Cuando escogimos a Benedict Cumberbatch, en la BBC nos dijeron que les parecía un buen actor, pero también señalaron: "Bueno, está bien, pero nos prometiste un Sherlock Holmes sexy y él no lo es". Pero de pronto, cuando se puso el abrigo oscuro, algo pasó, se transformó. Mientras que Martin Freeman llegó después de haber visto a muchos candidatos para Doctor Watson. De hecho, uno de los primeros que barajamos fue Matt Smith, que luego interpretaría a Doctor Who. Pero pensamos que se parecía demasiado a Sherlock Holmes". A lo que Sue Vertue añadía: "Hicimos una prueba con Martin Freeman, pero estuvo muy cascarrabias, y pensamos que en realidad no estaba interesado en el personaje. Sin embargo, nos llamó después y nos dijo que quería hacerlo, así que le llamamos para las nuevas audiciones".  

La divertida clase magistral que duró más de una hora ofreció jugosas anécdotas sobre la forma de escribir de Steven Moffat, descrita por su esposa: "Steve tiene una forma muy ruidosa de escribir, porque él interpreta las voces de todos los personajes mientras está escribiendo. Y cuando escribía Doctor Who y tenía que poner las voces de los antagonistas era tan escandaloso que nuestro hijo le decía a sus amigos cuando le visitaban: "No os preocupéis, mi padre no está loco. Solo está escribiendo". También surgió la cuestión de introducir el humor en sus proyectos, incluso cuando se trata de dramas más serios. Según Steven Moffat: "Yo tiendo a pensar que, si una escena es aburrida, hay que introducir una broma. La alternativa sería mostrar a alguien triste mirando por la ventana. Entonces, mejor ve a por el gag. La vida real es divertida, el drama es lo que no es real. En el drama, si alguien está triste, se introduce la deferencia de que comience a llover y entonces el personaje parece más noble, con el pelo húmedo. En la vida real, si te estás despidiendo de tu persona amada, esperas desesperadamente que se largue ya porque tienes ganas de mear. La vida es una constante colisión entre cosas ridículas. La comedia es la verdad y el drama es la mentira. En Sherlock creo que una de las cosas que supimos captar bien es que, si lees las novelas originales, son divertidas. Hay una tendencia a tratarlo como un drama de época, muy serio, muy noble, pero en las historias originales Sherlock Holmes es muy divertido". Y uno de los asistentes también preguntó sobre la tendencia a escribir una narrativa no lineal, lo que el guionista también justificaba haciendo referencia a la vida real: "Cuando me preguntan sobre escribir historias de una manera no lineal, suelo hacer otra pregunta: ¿Cuál es el orden adecuado de una historia? Piensa en la historia de tu vida, en tu relación con tu mejor amigo. ¿Es tu punto de vista el orden correcto? ¿Recuerdas en orden tu primer encuentro, después el segundo y después el tercero? No, recuerdas un momento concreto, y después otro anterior, y luego otro posterior. Yo creo que las historias son falsos recuerdos, que el orden real de una historia está en el sentido de prioridad. Si cuentas una historia de varios personajes en un orden cronológico, ¿cuál es el punto de vista, el de un Dios que lo ve todo? Porque cada uno cuenta su propia experiencia. Por eso tiendo a escribir historias no lineales, porque creo realmente que es así como suceden. No hay un testigo astral que las coloque en el orden correcto. Para mí hablar de un orden cronológico me parece desconcertante". 

Uno de los proyectos más personales de Steven Moffat fue la miniserie Douglas is cancelled (SkyShowtime, 2024), que aborda el tema de la cultura de la cancelación y suscitó cierta controversia, porque él mismo estuvo envuelto en la vida real en algunas polémicas sobre cierto machismo en el tratamiento de los personajes femeninos en series como Doctor Who: "Para mí es una serie muy clásica que abunda en que una discusión solo se produce cuando las dos personas tienen la razón, al menos en sus propios términos. Madeleine es la heroína, a veces también es la estafadora. Douglas es un hombre decente, pero abierto a mirar hacia otro lado en el momento en que no debería hacerlo. La escribí primero como una obra de teatro. Yo había dejado Doctor Who y Sherlock al mismo tiempo, y realmente quería escribir teatro. Porque pensaba que todo el mundo querría ver una obra escrita por mí, y resulta que a nadie le interesó y ni siquiera fue representada. Algunos dijeron que yo no estaba cualificado para hablar sobre el movimiento MeToo". La última serie que ha escrito Steven Moffat y ha producido Sue Vertue es la comedia Number 10 (BBC, 2026), que hace referencia al número 10 de Downing Street donde reside el Primer Ministro británico, pero no la define como una comedia política: "Trata sobre un gobierno británico, pero no sabemos de qué partido se trata, como en Sí, primer ministro (BBC, 1986-1988). No sabes de qué partido son, y por lo que pude comprobar en mi trabajo de investigación, realmente no hay mucha diferencia entre unos y otros. Pero no se trata de una sátira. Toma la idea de que, sea cual sea el desastre que se origine, esta gente tiene la intención de encontrar la mejor salida. Realicé un extenso trabajo de documentación por primera vez en mi vida y hay muchas historias interesantes que se producen dentro de esa casa". Pero sobre todo destaca cierto carácter británico que está definido por ese portal de Downing Street: "Si nos comparamos con los gobiernos de otros países, lo que nos representa a los británicos es el Nº 10 de Downing Street. Ves a un lado el Foreign Office en su edificio gigante y poderoso, y luego ves esta calle pequeña, que parece una calle de una tienda de juguetes. Eso somos nosotros, eso es lo que somos. Es un edificio antiguo, los baños no funcionan a veces, el ascensor se atasca... Y dentro de una pequeña habitación donde se toman las decisiones importantes hay una espada, y si a alguien se le ocurre moverla, está rompiendo una ley ancestral. Esto es real. Pero no se trata de una serie sobre política, es una workplace dramedy". 

LAS SERIES MÁS DESTACADAS DEL FESTIVAL

Ethernel

Bélgica 2026 | RTBF, 6x45' | Episodios 1-2 | Panorama Internacional | ★★★★☆ 

Creada por Romain Renard, Olivier Tollet

Dirigida por Nicolas Boucart, Olivier Tollet

Desde su condición de historia noir con toques de ciencia-ficción, establece un mundo distópico en el que el logro de conectar con la muerte solo sirve para subrayar que el más allá es, por lo menos, tan deprimente como nuestra propia existencia. 

La producción audiovisual belga suele ofrecer propuestas interesantes, y este año está representada a través de tres destacadas series, como la esperada Ethernel (RTBF, 2026), que se estrena en su país a principios de abril, un thriller criminal de ciencia-ficción que plantea reflexiones sobre el duelo y la conexión con el más allá. Envuelta en una atmósfera de sociedad futurista pero atemporal, con una fotografía azulada que destaca la frialdad de los rascacielos, la historia comienza cinco años atrás cuando Anne (Noémie Schellens), la esposa del policía David Novack (Michaël Abiteboul) es asesinada durante un asalto a su casa. Él y su hija pequeña son testigos de su muerte mientras el asaltante consigue escapar. Años después, el mundo ha sido testigo de un descubrimiento sorprendente: Etherna es un revolucionario dispositivo que permite hablar con la conciencia de los fallecidos, que mantienen todos sus recuerdos hasta el último instante de su muerte, pero para poder contactar necesita escanear un objeto concreto que haya sido importante para la persona muerta. La Brigada Etherna es un departamento de la policía encabezado por David Novack que se encarga de buscar los objetos transicionales de las víctimas de crímenes, de manera que sus propias conciencias puedan servir como testigos ante la justicia para identificar a sus asesinos, y él se ha convertido en un experto en deducir a través de la escena del crimen cuál puede ser este objeto. Mientras tanto, él mismo no ha conseguido encontrar el objeto de transición que le conecte con Anne, y su hija Sam (Anaïs Barba de Calignon) no sale de casa, sufriendo una especie de agorafobia provocada por el trauma. La muerte de una acaudalada coleccionista belga pone a David en contacto con Lara Di Angeli (Edwige Baily), que trabaja para la Oficina Italiana de Lucha contra el Tráfico de Bienes Culturales, al haber desaparecido un cofre muy valioso. De esta investigación surgen algunas sorpresas, como la descripción del asesino con una marca en la cara que recuerda a la que tenía el causante de la muerte de Anne, lo que provoca que David se involucre en una investigación de la que sus superiores prefieren mantenerle alejado. Creada por Olivier Tollet y Romain Renard, que ha trabajado como músico en la serie María Antonieta (Movistar Plus+, 2024-2025), y se encarga también de una banda sonora claramente influida por las sonoridades de Vangelis para Blade Runner (Ridley Scott, 1982), pero demasiado intrusiva, Ethernel se enmarca dentro del denominado noir belga que ha surgido después de los éxitos internacionales de series como La tregua (La Une, 2015-2018) y Enemigo público (Prime, 2016), aunque introduciendo esa textura de ciencia-ficción que la diferencia. Es una historia que transcurre con un ritmo pausado, pero que establece las conexiones entre los personajes con una eficacia notable, mientras crea esta sociedad que de alguna manera ha cambiado su percepción respecto a la vida y la muerte al establecer una conexión mutua. 

Por ejemplo, Elsa (Alexia Depicker), la hermana de David, es una forense que conecta con la conciencia de los propios cadáveres a los que realiza la autopsia, entablando conversaciones sobre sus vidas mientras explora el interior de sus cuerpos. La serie aborda la investigación criminal como una obsesión personal del protagonista, del que su propio compañero Stephane Seghers (Gilles De Schryver) parece tener ciertas reticencias: "Lleva años persiguiendo a un fantasma que ni siquiera existe. Puede ser peligroso", le dice a sus superiores. Pero sobre todo establece una propuesta que reflexiona sobre la vida más allá de la muerte, presentando una especie de limbo en el que los fallecidos todavía son conscientes de su propia existencia y de su propia desaparición, a veces de forma dramática. Y algunas subtramas abundan en estas ideas casi filosóficas, como la que protagoniza Nathan (Jean Pierre Baudson), el padre de David que vive en su casa e imparte clases a su nieta Sam, puesto que ella ni siquiera va a la escuela. Consciente de que está cada vez más afectado por el alzheimer, Nathan busca la colaboración de la hija de un amigo para suicidarse con pastillas antes de que su memoria se vea cada vez más perjudicada; con la existencia de Etherna, si fallece con los recuerdos todavía claros, también permanecerá así cuando contacten con él: "Si no tomo medidas a tiempo, todos mis recuerdos, toda mi consciencia, desaparecerán para siempre", dice en el Episodio 2 (T1E2). Con algunos descubrimientos sorprendentes al final de este episodio, Ethernel plantea la existencia de posibles cultos que se desarrollan alrededor de los dispositivos y de la conexión con los muertos, estableciendo una sociedad que, lejos de sanar a través de la posibilidad de conocer más detalles sobre el más allá, parece haber derivado, desde este conocimiento, hacia una cierta melancolía existencial, en una conciencia de que después de la vida no existe un lugar mejor, sino uno que al menos es tan deprimente como el nuestro.  

The best immigrant

Bélgica 2025 | Streamz, 5x52' | Episodios 1-2 | Panorama Internacional | ★★★★☆

Creada por Raoul Groothuizen, Cristina Poppe

Dirigida por Michael Abay

Mirando de manera satírica a las políticas antiinmigración de las ideologías populistas que están impregnando Europa, la propuesta se construye como un drama que se esfuerza en encontrar el equilibrio entre la ironía y la denuncia social. 

Surgida a partir de la convocatoria de la llamada Academia Streamz, para presentar ideas de series nuevas cuya ganadora se aseguraría el desarrollo de su producción, la propuesta planteada por Raoul Groothuizen y Christina Poppe fue seleccionada finalmente para convertirse en una serie, en parte gracias a un concepto que está basado en cierta realidad actual, aunque llevándolo al extremo. Bélgica está gobernada por primera vez por el partido nacionalista Nueva Alianza Flamenca (N-VA), en un gobierno que necesitó siete meses de negociaciones tras las elecciones de 2024, y que se sostiene en cuatro formaciones políticas, con Bart de Wever como primer ministro, un nacionalista flamenco que ha tenido estrechos contactos con Carles Puigdemont. Su política de inmigración pasa por establecer condiciones más estrictas, pero no ha planteado, como otros partidos extremistas europeos, la deportación de inmigrantes, aunque el ambiente conservador actual está incluyendo en los programas electorales de algunos partidos iniciativas que serían inconcebibles hace años. The best immigrant (Streamz, 2025) plantea esta realidad distópica cuando el partido de extrema derecha VPV accede al gobierno y entre sus primeras decisiones está la deportación obligatoria de millones de inmigrantes, estén o no legalizados, pero con un objetivo claro, como se afirma en una conversación en el episodio Una oportunidad para quedarse (T1E1): "Los americanos, canadienses y europeos pueden quedarse. Incluso esos estúpidos hooligans ingleses. Está claro quienes quieren que se vayan". Y entre ellos se encuentra la pareja formada por Muna (Jennifer Heylen), una joven de origen sudanés adoptada por una familia belga, que es profesora de lengua flamenca en una escuela de primaria, y Jamal (Farouk Ben Ali), un profesor de gimnasia de origen libio. Como el resto de los trabajadores inmigrantes de la escuela en la que trabajan, son detenidos por la policía siguiendo una ley de emergencia de "pureza territorial", para iniciar un proceso de expulsión, cada uno a su país de origen, aunque eso suponga separarlos. Pero una productora de televisión avispada, Lauren Goossens (Charlotte Timmers) ha puesto en marcha un concurso titulado The best immigrant, una mezcla entre Gran hermano y El juego del calamar, en el que los concursantes pueden ganar una residencia permanente si superan las pruebas de nacionalidad flamenca que se les plantean: en los dos primeros episodios, se trata de preguntas sobre la lengua y la historia nacionales muy parecidas a las que se proponen en los exámenes de integración cívica que existen realmente en Bélgica, y que muchos han planteado que no superarían ni los propios belgas. Lauren encuentra en la pareja formada por Muna y Jamal a unos concursantes potencialmente atractivos para los espectadores, así que les propone participar en el concurso. The best immigrant está presentado por Nathan Lodewijks (Louis Talpe), un extremista que incluso llega a plantear en el episodio Visita importante (T1E3) por qué el concurso tiene que tener un título en inglés en vez de en flamenco, y co-presentado por Tarik Mousawi (Saïd Boumazoughe), quien comienza a tener conflictos éticos sobre su participación en esta farsa, aunque tampoco se puede permitir el lujo de enfrentarse a la productora por su propio origen familiar. 

De manera que The best immigrant se plantea como una sátira que toma elementos de la realidad para llevarlos al extremo, pero de una manera más dramática de lo que podría pensarse. Las características del concurso, con una convivencia grabada 24 horas por cámaras, podría haber dado lugar a una comedia, pero los creadores parecen tomarse en serio la realidad distópica que plantean. En su estreno el pasado mes de diciembre en la plataforma de lengua flamenca Streamz y posteriormente en la parte francesa a través de BeTV, la serie ha suscitado cierta polémica porque el líder del partido de extrema derecha Vlaams Belang, la acusó de pintar la imagen de "una Flandes racista gobernada por la extrema derecha para influir negativamente en los votantes", mientras desde la productora negaban que el gobierno propuesto en la serie estuviera inspirado en ese partido. La propia serie plantea al principio que "no está basada en hechos reales, sino en una realidad que nos afecta". Es cierto que algunos elementos pueden sonar a propuestas conocidas, como el lema "Flandes vuelve a ser nuestro" que remite inmediatamente al famoso "Make America Great Again" de la administración norteamericana. Y de hecho este tipo de consignas nacionalistas que no se creen ni siquiera quienes las convocan, acaban teniendo cierta permeabilidad en un sector de la sociedad. Lo más interesante de The best immigrant es cómo expone una perspectiva que ha pasado de ser totalmente inconcebible a convertirse en una realidad asumible por las sociedades occidentales. Las audiencias del concurso o la reacción de los ciudadanos belgas ante esta ley de emergencia expresan también cómo el apoyo silencioso es el peor cómplice de este tipo de políticas, y la postura de mantenerse al margen acaba siendo el impulso necesario para desarrollar las iniciativas más extremistas. También es cierto que el guión a veces cae en el retrato estereotipado y simplista, creando innecesarios antagonistas como un guardia de seguridad racista que tiene una obsesión sexual con una de las concursantes, Sarah (Mariam Hakobyan), llegando al extremo del abuso. Con una estética marcada por las luces de neón de la televisión, que parecen convertir la realidad en una imagen falsa, pero que a veces adopta una tonalidad parecida a sociedades distópicas como El cuento de la criada (HBO Max, 2017-2025), esta propuesta belga se centra en los concursantes y en cómo su realidad se ha transformado en un juego de entretenimiento en el que se plantea el concepto del "buen inmigrante", el que renuncia a sus orígenes y su cultura para adoptar completamente la cultura y la educación del lugar donde vive, como una especie de integración aparente y solamente superficial para satisfacer las políticas nacionalistas.

Queen of Mars

Japón 2025 | NHK, 3x90' | Temporada completa | Panorama Internacional | ★★★☆☆ 

Creada por Satoshi Ogawa | Escrita por Reiko Yoshida

Dirigida por Takegorō Nishimura

Una propuesta de ciencia-ficción insólita y desafiante que funciona como una interesante reflexión sobre las ambiciones colonizadoras interespaciales del ser humano y el futuro distópico que estamos construyendo.

Dentro de las actividades organizadas por la cadena pública japonesa NHK para conmemorar su centenario en 2025, se planteó la producción de una serie de televisión. Pero el director Takegorō Nishimura no imaginaba una historia ambientada cien años atrás, sino lo opuesto: una trama que se desarrollara cien años en el futuro. Así que la miniserie Queen of Mars (NHK, 2025), planteada en un formato de tres episodios de 90 minutos cada uno, aunque también se distribuye en el formato de seis episodios de 50 minutos, se desarrolla en 2125, cuando el planeta Marte ya ha sido colonizado y habitan en él unas 100.000 personas, muchas de ellas nacidas allí, sin haber conocido nunca la Tierra. El proceso de desarrollo del proyecto ha sido curioso, porque el primer paso fue encargar al autor de ciencia-ficción Satoshi Ogawa que escribiera una novela, sobre la que posteriormente la guionista Reiko Yoshida realizó la adaptación en forma de guión, de manera que hubo algunas fases en las que se estaba escribiendo el libro Queen of Mars (2025) al mismo tiempo que se desarrollaba la serie. Por tanto, la creación de la historia no ha sido exactamente una adaptación posterior, sino paralela. Se pueden encontrar algunas similitudes entre el concepto de esta serie y el que se plantea en la quinta temporada de Para toda la humanidad (Apple tv, 2019-), que se estrena a finales de marzo, porque también se sostiene en la rebelión de un grupo de habitantes de Marte que comprueban que han sido traicionados por sus representantes. En el Episodio 1 (T1E1), la rebelde Chip (Yukino Kishii), habla sobre la visión idealista de comenzar un mundo mejor desde cero tras la colonización de Marte, pero la imposibilidad de lograrlo por caer en los mismos errores de la vida terrestre: "La gente que vino al principio vivía en armonía sin nacionalidades ni razas. Éramos habitantes de un planeta difícil llamado Marte, y teníamos que trabajar duro para sobrevivir. Pero cuando llegó ISDA, los nombres se convirtieron en números. Y ahora tu madre quiere obligarnos a regresar a la Tierra". Marte está controlado de forma autoritaria por la Agencia de Desarrollo Espacial Interplanetario (ISDA), con implantes subcutáneos que funcionan como comprobantes de residencia y rastreadores de ubicación y un dispositivo intraauricular llamado Moby que proporciona traducción en tiempo real para eliminar las barreras de comunicación en un planeta caracterizado por su diversidad cultural. Pero todo se ha convertido en un negocio, y los implantes también sirven como forma de control de sus habitantes, por lo que un grupo de rebeldes ha decidido eliminar sus implantes y enfrentarse a la autoridad. La protagonista de la historia es Lili E1102 (Suri Lin), una joven ciega que es hija de Takima Suzuki (Rie Miyazawa), la responsable de la rama Tanegashima que controla ISDA. Nacida en Marte, acaba de superar las pruebas de adaptación para poder viajar a la Tierra, donde la espera el joven científico Shiraishi Aoto (Suda Masaki), con el que mantiene una relación sentimental a distancia. Pero antes de que pueda viajar, Lili es secuestrada por el grupo rebelde, que pretende utilizarla como intercambio para evitar los planes de ISDA: abandonar su presencia en Marte, elaborando un controvertido plan de repatriación para sus habitantes, debido a algunos fenómenos que desestabilizan la colonia, como los frecuentes martemotos. 

Otra trama paralela es la que protagoniza el biólogo Riki Kawanabe (Hidetaka Yoshioka), que trabaja para la empresa Whale Corporation, fundada por el engreído director ejecutivo norteamericano Luke Madison (Deyemi Okanlawon). Su misión es explorar los lugares inhabitados de la superficie marciana, que está reproducida en el desierto de Arabia Saudita, buscando algún tipo de elemento desconocido en el planeta terrestre. Pero sus antecedentes son controvertidos, ya que hace veintidós años canceló en la Tierra una rueda de prensa en la que iba a presentar el descubrimiento de un nuevo material, debido a las acusaciones de que se trataba de un fraude. Con asesoramiento del departamento científico de la cadena NHK, Queen of Mars ofrece una buena presentación de personajes en el primer episodio de una hora y media, para ir desarrollando una trama en la que se mezclan ciertas dosis de acción en un entorno de ciencia-ficción y de relaciones políticas entre las diferentes facciones que controlan y explotan las colonias en Marte, lo que puede hacernos recordar por momentos a series como The Expanse (Prime Video, 2015-2022). En su reflexivo planteamiento sobre la lucha por la autodeterminación de los habitantes de Marte, y por ser considerados ciudadanos del mismo nivel que los terrestres, enfrentándose contra el negocio de la explotación colonizadora, la serie propone algunos planteamientos interesantes. Pero se enfoca cada vez más en la naturaleza de un misterioso elemento que ha descubierto el científico Riki Kawanabe, y la capacidad del inmenso poder que despliega para modificar de forma trascendental el futuro de la Tierra y de Marte. Según sus responsables, el poder del misterioso objeto no se basa en una fantasía, sino que se trata de una extensión de la realidad científica tal como se entiende en 2025. Digamos que la propuesta más política va dejando paso, especialmente en el Episodio 3 (T1E3), a un planteamiento más cercano a la pura ciencia-ficción, lo que no resulta contraproducente, aunque se dejen algunos de los temas a un lado. Hay una buena representación del universo que rodea a la colonia marciana, aunque también es cierto que las posibilidades presupuestarias de un canal público son menores que las de una plataforma de streaming, y a veces se transmite cierta sensación retro por la modestia de la puesta en escena, especialmente en los entornos coloniales. Pero el director Takegorō Nishimura es lo suficientemente inteligente como para no querer ser demasiado ambicioso, de manera que buena parte de la acción se desarrolla en espacios cerrados donde hay un mayor control de la puesta en escena. Rodada entre Arabia Saudita y la región japonesa de Kantō para representar diversos paisajes marcianos, ha participado en los efectos visuales el técnico Katsurō Onoue, que ha trabajado en Shin Godzilla (Hideaki Anno, Shinji Higuchi, 2016). La serie también destaca por una variada banda sonora del compositor Yuta Bandoh (1991, Japón), responsable de la música de la serie de animación Kaiju No. 8 (Crunchyroll, 2024), que en este caso se decanta por una tonalidad más sinfónica. A pesar de una cierta tendencia a la construcción de personajes algo arquetípicos, Queen of Mars es una propuesta de ciencia-ficción insólita dentro de los márgenes de las televisiones públicas y funciona como una interesante reflexión sobre las ambiciones colonizadoras interespaciales del ser humano y el futuro distópico que estamos construyendo.

Les saturnides

Canadá 2026 | Unis tv, 6x12' | Temporada completa | Formatos Cortos | ★★★★☆ 

Creada por Neegan Sioui Trudel | Escrita por Jocelyn Martel Thibault

Dirigida por Neegan Sioui Trudel

Consigue construir una atmósfera de desasosiego a través de una historia inspirada en el confinamiento, para plantear preguntas relevantes sobre la condición humana en momentos de crisis de supervivencia. 

La delegación de Quebec ha llevado a esta edición de Séries Mania al mayor número de representantes que han viajado al festival francés, con más de 120 visitantes que acompañan a las tres producciones que compiten en diferentes secciones y a la serie que clausurará Séries Mania dentro de unos días, además de una presencia importante de propuestas audiovisuales en el Foro profesional. La primera que ha despertado atención es Les saturnides (Unis tv, 20206), una propuesta que se sitúa en una distopía en la que la normalidad se convierte en extrañeza cuando la aparición de misteriosas nubes provoca que los habitantes de Montreal no puedan conciliar el sueño. Aunque la premisa puede recordar a la reciente producción sueca Wake (Prime, 2026), la perspectiva no se coloca en el desarrollo de una historia de conspiraciones gubernamentales y catástrofes, sino que adopta un acercamiento más íntimo, y prácticamente durante toda la temporada, exceptuando los dos últimos episodios, tiene lugar en un único escenario, un apartamento de lujo al que Philippe (Rüdi Loup) ha llevado a su novia Camille (Rosalie Bonenfant), una madre protectora que, con ciertas reticencias, ha dejado a su hija pequeña Zoé (Marjorie Lalonde) en la localidad cercana de Saint-Anne junto a su padre Marc (Alex Bergeron). La aparición repentina de estas nubes y las consecuencias que provocan dejará aislada a Camille junto a su novio, pero al menos con la tranquilidad de que el insomnio solo afecta a la ciudad de Montreal. La conexión a través del móvil es el único medio de comunicación con su hija, pero la sociedad tal como la conocemos comienza a colapsar conforme pasan los días y la falta de sueño provoca comportamientos cada vez más violentos de los ciudadanos. Producida por una pequeña productora, Oraquan Médias, que aborda esta historia de una manera más íntima aprovechando las posibilidades que ofrece un bajo presupuesto, Les saturnides está inspirada en el aislamiento que provocó la pandemia del Covid-19 y cómo la sociedad asumió la existencia de un virus, estableció tendencias conspiranoicas y se enfrentó a un frenesí mediático en el que las fake news y las noticias reales se mezclaban, creando una percepción de incredulidad. Mientras Camille y Philippe se encuentran encerrados, la relación entre ambos se deteriora, afectando especialmente a la estabilidad psicológica del segundo, de manera que la serie que compite en la sección de Formatos Cortos adopta progresivamente el tono de un thriller que se va oscureciendo, mientras Camille consulta en internet los efectos secundarios del insomnio, como la irritabilidad, la falta de atención, las alucinaciones y la crisis cardíaca, que conforme pasan los días comienzan a formar parte de su propia realidad cotidiana. La situación de crisis se hace cada vez más evidente cuando Camille contacta con su vecino Maxime (Max Laferrière), que está solo con su hija, enfrentándose al insomnio permanente, mientras las noticias describen las medidas adoptadas por el gobierno, entre ellas el confinamiento de toda la ciudad, prohibiendo cualquier tipo de desplazamiento que no sea de emergencia. 

Les saturnides tiene una duración total de una hora y cuarto, pero está adecuadamente estructurada en un formato de episodios cortos que establecen una narrativa fragmentada y cada vez más cargada de tensión, lo que logra la cámara cercana de Neegan Sioui Trudel, cocreador de la serie y director. Un aspecto interesante de la historia es cómo introduce un comentario social sobre las comunidades indígenas, que son las primeras que denuncian que algo extraño está pasando debido a la falta de sueño, pero que no son escuchadas hasta que el problema se extiende a toda la sociedad. Neegan Trudel afirma que le interesa introducir esta falta de atención que tiene la sociedad canadiense hacia los problemas cuando solo afectan a las comunidades indígenas, a las que se desoyen sus reclamaciones, pero sin que esta denuncia sea una parte central de la historia, sino un entorno que está presente de una manera relevante sin necesidad de que la propia serie adopte los estereotipos de las producciones que parecen enfocarse principalmente en los temas indígenas. Como thriller psicológico, la serie funciona perfectamente, planteando al mismo tiempo cuestiones relevantes sobre la sociedad cuando se enfrenta a una crisis de supervivencia, como en una violenta escena que se produce en una farmacia en la que la falta de existencias de melatonina provoca una situación de tensión. Es interesante también situar la acción en un piso alto de un edificio desde cuyos amplios ventanales se puede ver toda la ciudad. Pero esta perspectiva no acerca sino que aísla cada vez más, hasta que los protagonistas deciden cubrir las ventanas con papeles de periódico para evitar la entrada de luz, lo que proporciona a la atmósfera de la historia una sensación de opresión cada vez mayor. La corta duración de la serie provoca que se establezca un ritmo constante en el que se amplifica una carga de suspense en torno a las consecuencias de la emergencia y el progresivo deterioro psicológico de Philippe. Aunque a veces el desenlace de algunos personajes pueda parecer más conveniente para el guión que realmente verosímil, Les saturnides se dirige hacia su conclusión con la suficiente seguridad como para plantear un final arriesgado y ambiguo que plantea preguntas relevantes sobre la maternidad y los sacrificios. 

Por cien millones se estrena en cines el 26 de marzo. 

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Películas mencionadas (disponibles en la fecha de publicación):

Blade runner se puede ver en Filmin, HBO Max, Movistar Plus+ y Prime.

Shin Godzilla se puede ver en Acontra+ y Filmin. 

 

SÉRIES MANIA 2026 - Parte 1: Tiempos difíciles

Como todos los años, nos acercamos al festival más destacado que se dedica en el mundo a las series para presentar las producciones internacionales que marcarán la temporada, y al mismo tiempo reflexionar sobre el estado del audiovisual a través de las conferencias y paneles de Séries Mania Forum, en un momento en el que se avecinan importantes transformaciones en el sector, con la posible compra de Warner Bros. por parte de Paramount Skydance, así como la fusión entre la británica All3Media, que presenta varias series en esta edición del festival, ya la compañía francesa Banijay Entertainment, que conformarán dos de los mayores conglomerados audiovisuales del mundo. Pero hay que estar atentos también a las consecuencias de la guerra de Estados Unidos e Israel contra Irán en las economías de países como Arabia Saudí, Qatar o Emiratos Árabes, de donde provienen buena parte de los fondos de inversión que han invertido en las grandes empresas audiovisuales del mundo. 

En un festival que ha elegido para su imagen promocional tres series destacadas de la pasada edición, la premiada miniserie española Querer (Movistar Plus+, 2024), la canadiense Empatía (Movistar Plus+, 2025) y la francesa El'sardines (Arte, 2025), todas ellas estrenadas en España, el primer fin de semana ha servido para presentar algunas de las destacadas producciones que compiten en esta edición, y aunque este año no se ha reflejado la gran repercusión de la producción hispana que recibió premios en 2025, con solo dos series seleccionadas, sí se ha demostrado el interés del público francés por nuestras series, con una muy buena acogida para Anatomía de un instante (Movistar Plus+, 2025), que participa en la Competición Internacional, con una amplia presencia encabezada por el productor José Manuel Lorenzo, el guionista Rafael Cobos y el director Alberto Rodríguez, y la catalana Sense filTRES (3Cat, 2025), que forma parte de la Competición de Formatos Cortos. Generalmente, el interés que despierta una producción en una rueda de prensa se mide por la cantidad de preguntas que surgen de los asistentes, y en el caso de Anatomía de un instante se percibió una gran curiosidad por parte de la prensa y espectadores, aunque algunos apuntaron que de cara al estreno de la serie en Arte France, aún no programado, sería necesaria una mayor contextualización histórica. Respecto a la relevancia de la historia en la actualidad, el productor José Manuel Lorenzo mencionó al filósofo recientemente fallecido Jürgen Habermas (1929-2026, Alemania): "Él decía que había que poner la razón en el centro del discurso. Y en esa época se consiguió que partidos opuestos hablaran y dialogaran para construir un futuro sin tener que condenar el pasado. Ese espíritu de la transición tiene mucho que ver con Jürgen Habermas y con algo que hoy se ha perdido. Hoy estamos en la ley del más fuerte". Mientras el director Alberto Rodríguez se refería al carácter pedagógico diciendo que "siempre tuvimos la intención de hacer una serie abierta, que el espectador pudiera seguir aunque supiera poco de Historia. Pedagógica no sé, pero ha sido muy abierta para acercarla a un público más joven y también a un público internacional". Coproducida por Arte France, que también participó en La Mesías (Movistar Plus+, 2023), Querer (Movistar Plus+, 2024) y Los años nuevos (Movistar Plus+, 2025), algunos de los éxitos de las series españolas en Séries Mania, una de las espectadoras destacaba la percepción desde Francia del buen momento de la producción española, a lo que José Manuel Lorenzo quiso reconocer el trabajo realizado por Domingo Corral dentro de su etapa al frente de la producción original de Movistar Plus+ y la apuesta decidida de Arte France por este tipo de coproducciones. Precisamente se ha confirmado estos días la incorporación de Domingo Corral a HBO Max como responsable de ficción española y su primera serie, una recreación sobre la desaparición de El Nani, que escribirá Rafael Cobos y dirigirá Alberto Rodríguez. También ha habido sesiones especiales para la inauguración con Los testamentos (HBO Max, 2026), la presentación del largometraje Peaky Blinders: El hombre inmortal (Tom Harper, 2026) y la decepcionante revisión francesa del personaje Lucky Luke (Disney+, 2026), una gran apuesta de Disney que ha recibido severas críticas negativas en Francia. 

Rueda de prensa de Anatomía de un instante (Movistar Plus+, 2025) en Séries Mania

SIMON HELBERG: EL ARTE DE CAMBIAR DE REGISTRO

Aprovechando la esperada serie The audacity (AMC+, 2026), que ha contado con la presencia de dos de sus actores, Billy Magnussen y Simon Helberg, Séries Mania programó este fin de semana un encuentro al que llamaron Masterclass con este último, que ha sido uno de los que mayor expectación ha suscitado en las últimas ediciones del festival, con largas colas que provocaron lentitud en el acceso al recinto. Una de las características de Séries Mania es que todas las actividades y proyecciones son gratuitas, pero esto también significa que hay que sufrir mucho tiempo de espera en los accesos a las conferencias y encuentros más populares. Simon Helberg (1980, California) ha conseguido generar un interés espectacular con su presencia en el festival, sobre todo por encarnar a uno de los personajes más emblemáticos de la historia de la televisión, Howard Wolowitz en The Big Band theory (HBO Max, 2007-2019), recordando en su encuentro con el público que estuvo a punto de perder esa oportunidad: "Cuando me propusieron participar en el piloto de la serie, mi respuesta fue negativa al principio. No me hace falta, ya he interpretado a demasiados nerds en mi vida y ahora trabajo con Aaron Sorkin". En 2007 él interpretaba un personaje recurrente en el drama sobre el mundo de la televisión Studio 60 on the Sunset Strip (NBC, 2006-2007), creado por Sorkin, pero a pesar de sus reticencias, cuando recibió una llamada directa de Chuck Lorre (1952, Nueva York), creador de algunas de las comedias más populares de la televisión, se embarcó en un proyecto que ocupó doce años de su carrera profesional: "Es extraño pensar que has tenido doce años para desarrollar el arco de un personaje. No creo que realmente hubiera un arco narrativo creado para Howard desde el principio. Honestamente, creo que el personaje comenzó simplemente como un tipo un poco sórdido, y algunos de los guionistas escribieron varios chistes sórdidos estupendos. Y entonces esos guionistas dejaron paso a otros guionistas que pensaron que quizás podrían hacerlo un poco más inteligente". La evolución de Howard Wolowitz desde un nerd algo creepy hasta un padre de familia tuvo también algunos paralelismos con la vida personal de Simon Helberg: "Al igual que yo iba madurando y tuve hijos, también en el personaje surgió el tema de la paternidad. Parece como si se hubiera ido filtrando mi vida de forma inconsciente, pero al mismo tiempo es la suerte de tener 300 episodios para desarrollar al personaje".  

© Séries Mania

También recordaba Simon Helberg en este encuentro que la química entre el grupo de actores funcionó casi de manera inmediata: "La dinámica de grupo depende mucho de la suerte. A veces conectas inmediatamente. Pero creo que los buenos actores son los que saben escuchar a los otros, los que extraen pistas del guión. Puedes tener una gran química desde el primer día, porque encuentras el ritmo de las escenas. Pero realmente nos sentimos muy cercanos como grupo". Su larga trayectoria en una misma serie le ha permitido también vivir plenamente la transformación del sector, marcando diferencias muy claras entre el sistema de producción actual y el que se desarrollaba en los años 2000: "Cuando rodamos series como The audacity, tienes toda estas páginas de guión con diálogos y diálogos, solo las ensayas quizás una vez, y entonces ruedas, y pasas a otra toma. Ni siquiera tienes tiempo de asimilar lo que has hecho. En cierto modo eso se ha perdido respecto a épocas anteriores. Cuando rodábamos The Big Band theory, antes habíamos ensayado como ocho o nueve veces, y al grabar delante de un público en directo, Chuck Lorre confiaba en que esos 300 espectadores representaban a toda la audiencia. Así que cuando una escena no funcionaba, confiaba en el criterio de los espectadores y muchas veces volvía a reescribir la escena poco antes de volver a rodar. Era una locura, porque hacíamos 24 episodios todas las temporadas". 

La carrera de Simon Helberg se ha consolidado como actor, sin embargo, lejos de su personaje más popular, sobre todo en largometrajes que le han permitido diversificar su talento, como Florence Foster Jenkins (Stephen Frears, 2016), junto a Meryl Streep y Hugh Grant, en el que encarnó al pianista Cosmé McMoon, demostrando su formación como músico, o en la producción francesa Annette (Leos Carax, 2021) de la que recuerda, desde su encuentro con el público francés, que incluso mintió sobre su conexión con Francia para poder conseguir el papel: "Era como si estuviéramos haciendo una obra de arte. Como si estuviéramos en la escuela de arte y lo hiciéramos porque lo amamos, un proyecto crudo y arriesgado. Me sentí tan cómodo en manos de Leos Carax, porque realmente es un auténtico autor, un auténtico visionario. Pero fue duro rodar en francés". En su búsqueda de personajes más complejos, Simon Helberg interpreta a uno de los secundarios en The audacity (AMC+, 2026-), uno de los genios que habitan el desquiciado Silicon Valley: "Estos personajes tienen bastantes defectos, pero intentan ser virtuosos hasta cierto punto. Sin embargo, vemos cómo el egoísmo interrumpe esa virtud, y eso es con lo que podemos identificarnos. Vemos cómo se corrompen. Siempre buscamos qué hace bueno a un personaje y qué es lo que busca. Y la gente en Silicon Valley busca la eficiencia, pero carece de humanidad y puede ser terriblemente deprimente. Martin descuida a su hija, claro, pero quizás salve las futuras relaciones padre-hija con su robot". El encuentro en Séries Mania concluyó con una anecdótica reunión de Simon Helberg con el actor de doblaje que le ha puesto su voz en Francia durante los doce años de The Big Band theory. 

LAS SERIES MÁS DESTACADAS DEL FESTIVAL

The audacity

Estados Unidos 2026 | AMC+, 8x60' | Episodios 1-3 | Competición Internacional | ★★★☆☆

Creada por Jonathan Glatzer

Dirigida por Lucy Forbes, Dan Sackheim

SXSW '26: TV Premiere 

Sustentada en la relación entre los dos protagonistas desquiciados, acaba fallando en  un entorno repleto de lugares comunes que no funciona a pesar de sus diálogos afilados, pero mejorando conforme las historias de los personajes se entrelazan. 

Esta temporada estamos viendo una tendencia significativa en los estrenos de las plataformas: producciones que despiertan interés por sus creadores o protagonistas, pero que acaban siendo decepcionantes, sin llegar a ser tan relevantes como lo que podrían sugerir los nombres de sus responsables. Es el caso de Rooster (HBO Max, 2026), Scarpetta (Prime, 2026), Vladimir (Netflix, 2026) o Mujeres imperfectas (Apple tv, 2026), que no pasan de una ligera medianía después de su visionado y tampoco van a ser especialmente recordadas. Aunque en menor medida, también es el caso de The audacity (AMC+, 2026-), la gran apuesta de AMC por ofrecer la oportunidad al reconocido Jonathan Glatzer (1969, New Jersey) para encabezar su propia serie, después de su participación en los equipos de guionistas de series tan emblemáticas como Better call Saul (Netflix, 2015-2022), Bloodline (Netflix, 2015-2017) y Succession (HBO Max, 2018-2023), por la que ganó el Emmy. Sobre el papel, esta visión mordaz y satírica en torno a las ansiedades y traumas de los cerebros que habitan el entorno de Silicon Valley tiene posibilidades de bucear en la profunda inestabilidad psicológica de quienes manejan el futuro tecnológico del mundo, y el tipo de poder que están atesorando sin que aparentemente nos demos cuenta: "Hypergnosis, mi empresa, recoge tus datos cada vez que haces clic en "acepto" y luego metemos todo eso en un algoritmo que haría sonrojar a la Ley Patriótica: todo, en todas partes y en todo el mundo. Te provocaría pesadillas saber la cantidad de empresas que tienen el mismo poder, o más, que la NSA", dice Duncan Park (Billy Magnussen) en el episodio El mejor de todos los mundos posibles (T1E1). Aunque su propio mundo parece estar desmoronándose debido a que la empresa de minería de datos de la que es director ejecutivo podría acabar en graves problemas debido a una filtración realizada por él mismo sobre una posible adquisición. Lo que además coincide con la crisis de su matrimonio con Lili Park-Hoffsteader (Lucy Punch), contribuyendo a su estado de desesperación y pánico. El único salvavidas al que se aferra son las sesiones con su terapeuta JoAnne Felder (Sara Goldberg), quien de alguna forma establece los límites morales y éticos a los que debería agarrarse. Aunque todo eso estalla cuando Duncan descubre un pequeño secreto de JoAnne: como terapeuta, utiliza el acceso a información privilegiada que le proporcionan sus clientes "multimillonarios llorones" para sacar beneficio económico a través de compras y ventas de acciones en los momentos más oportunos. De manera que ambos se convierten en improbables aliados/antagonistas para compartir esa información y solventar sus propios problemas. En los diálogos afilados que los personajes sueltan se pueden rastrear algunas influencias del trabajo de Jonathan Glatzer en Succession, bien por haber absorbido ese ritmo o porque él mismo lo aportó a la serie de Jesse Armstrong. El problema es que en The audacity no terminan de funcionar adecuadamente, sobre todo en los personajes secundarios que van conformando el entorno de los protagonistas, como el millonario Carl Bardolph (Zach Galifianakis) que alcanzó su fortuna gracias a los beneficios del spam y debe lidiar con sus ataques de ira, o el inventor Martin Phister (Simon Helberg) que pretende crear una Inteligencia Artificial terapéutica para adolescentes solitarios, a pesar de que él mismo tiene como hija a una adolescente solitaria a la que no presta demasiada atención, y que está casado con Anushka Bhattachera-Phister (Meaghan Rath), la Directora de Innovación Ética en Cupertino. La visión externa de este mundo caótico la aporta el veterano de guerra Tom Ruffage (Rob Corddry), cuyo objetivo es conseguir un contrato con una empresa tecnológica para digitalizar la base de datos de la Asociación de Veteranos, lo que introduce el tema de las estrechas relaciones de las grandes tecnológicas con el desarrollo militar. Para Tom Ruffage, conceptos como "beneficios cuantificables" que establecen las compañías con las que se reúne resultan casi insultantes: "Hay mujeres y hombres que han luchado para que nosotros estuviéramos aquí y viviéramos así. Hombres y mujeres que se pusieron en primera línea de fuego para defender el sistema socioeconómico en el que ustedes y sus empresas están prosperando".  

Es tan fácil rastrear las similitudes con personajes como Elon Musk o el reciente conflicto entre el Pentágono y la compañía de Inteligencia Artificial Anthropic, que resulta una ventaja para la serie que sus temas nos parezcan tan cotidianos. Pero en los tres primeros episodios de los que podemos hablar estas tramas individuales resultan desequilibradas, algunas con menos interés que otras, mientras el impulso principal lo conduce una divertida interpretación de Billy Magnussen, al que también veremos en la película The social reckoning (Aaron Sorkin, 2026), otra versión del mundo de Silicon Valley, y su entretenida interacción con Sara Goldberg, que nos recuerda a veces a su personaje en Barry (HBO Max, 2018-2023), aunque la comedia tome el tradicional camino del malentendido en episodios como Brillar intensamente (T1E2) lo que, en todo caso, no es suficiente para mantener el tono irónico de la historia durante mucho tiempo sin que parezca excesivamente monótono. Sobre todo cuando el ambiente y personajes que les rodea no pasa de ser el típico retrato de multimillonarios obsesionados con sus objetos de colección, envueltos en problemas sentimentales, infidelidades o hijos adolescentes que quieren independizarse de la influencia de sus padres sin dejar de beneficiarse de sus carteras. Si tuviéramos que describir The audacity solo por el entorno familiar de los protagonistas, parecería que estamos hablando de la segunda temporada de Vicios ocultos (Apple tv, 2025-) o de otras tantas series que funcionan bajo la misma premisa: los millonarios son idiotas. Hay que reconocer que la historia consigue cierto equilibrio y mejora a partir de la segunda parte de la temporada, cuando algunas de estas líneas narrativas se unen y las tramas de los personajes se entrelazan. Como suele suceder últimamente, la primera temporada transmite la sensación de que quiere establecer los parámetros para que una segunda temporada definitivamente los desarrolle, y de hecho ya ha sido confirmada su continuación por parte de AMC. Pero si hacen falta ocho episodios de una hora para colocar las piezas donde mejor funcionan es que hay algún problema grave en la narrativa. Lo que hay que reconocerle a Jonathan Glatzer es que su visión sobre Silicon Valley es lo suficientemente oscura como para resultar atractiva, y que tiene la capacidad para componer un grupo de personajes que, con sus más y sus menos, reflejan posibilidades de desarrollo más allá de sus inconsistentes retratos individuales. 

Proud

Polonia 2026 | HBO Max, 8x35' | Episodios 1-3 | Competición Internacional | ★★★★☆

Creada por Karol Klementewicz | Escrita por Karol Klementewicz, Monika Pęcikiewicz

Dirigida por Karol Klementewicz

Si bien cae en la representación estereotipada de la vida hedonista de un joven gay, emociona de una manera profunda a través de sus personajes, planteando una reflexión sobre las políticas discriminatorias de las leyes de adopción en Polonia. 

A pesar de que el productor y responsable de contenidos de HBO Polonia, Bogumił Lipski, destacaba que aunque se trata de una historia protagonizada por un joven homosexual, no hay una intención de adoctrinamiento, sino que se plantea una situación para que el espectador haga su propia reflexión, parece claro que Proud (HBO Max, 2026), que tiene previsto estrenarse a finales de año, es una propuesta arriesgada dentro del contexto de un país como Polonia con evidente cultura homófoba, especialmente desde las instituciones públicas. La serie comienza retratando a su protagonista Filip (Ignacy Liss) con ciertos estereotipos de una homosexualidad entregada al sexo fácil, los encuentros casuales en bares de ambiente y la participación en orgías que organiza incluso en la casa de su hermana Anka (Sylwia Boroń), con quien vive porque todavía no tiene un trabajo estable, solo participando como modelo en algunos reportajes y anuncios. Filip es un joven atractivo y egocéntrico, que se entrega a una vida de excesos sin demasiada planificación, pero cuyo mundo se derrumba cuando su hermana fallece repentinamente y debe ocuparse del cuidado de su sobrina Tosia, la bebé que ha quedado huérfana. Sin que el ex-novio de Anka y padre de la niña tenga la intención de ocuparse de ella, Filip toma la decisión de convertirse en un padre soltero, a pesar de su inexperiencia y de que la ley en Polonia prohíbe expresamente la adopción por parte de parejas homosexuales y especialmente de padres solteros gays: "Las estadísticas son claras. Pocos niños son adoptados por familias monoparentales. El año pasado, el éxito de las adopciones por hombres solteros fue cero. Y en tu caso, eres joven, soltero, sin un trabajo estable y tu orientación sexual no ayuda. Debes dejar de ser gay temporalmente. Los candidatos son evaluados por instituciones católicas", le dice un abogado en el Episodio 3 (T1E3). Pero Filip parece tener un sentimiento de protección hacia su sobrina (y de culpabilidad frente a la relación con su hermana), que le lleva a enfrentarse a esta paternidad que desconoce y suponemos que en los siguientes episodios a establecer una lucha contra las instituciones polacas que discriminan claramente por razones de orientación sexual. El creador y director de la serie, Karol Klementewicz se ha basado en la experiencia de su hermano cuando fue padre hace tres años, introduciendo aspectos de su propia vida personal, pero destacando que no pretende escandalizar: "Es la historia de un joven homosexual que quiere adoptar un bebé, pero sobre todo es una historia familiar que pretende hacer reflexionar sobre la condición humana. No quiero cambiar la manera de pensar de nadie, sino establecer un espacio de debate que nos permita ampliar nuestra perspectiva a través de la historia de un joven que simplemente está luchando por su propia felicidad y por la felicidad de su sobrina". 

Proud a veces puede caer en cierto retrato estereotipado de la comunidad gay a través de la representación hedonista del protagonista, pero cuando se enfoca en los personajes es cuando realmente consigue una emoción más profunda. Con una estética que parece influida por Euphoria (HBO Max, 2019-), especialmente en el primer episodio, retrata con acierto a un joven que se empeña en abordar la paternidad a pesar de su amplio desconocimiento, y que acaba adoptando la postura fácil de ganarse la confianza de su círculo cercano para que se ocupe de Tosia mientras él trata de mantener algo de la vida que tenía antes, sin darse cuenta de que en realidad no está afrontando el problema. Es interesante la construcción de Olek (Kamil Studnicki), un amigo de Filip que en realidad está enamorado de él, y que asume el cuidado de la bebé con la percepción de que es lo más cercano a una vida en pareja que podrá alcanzar con él. Pero cuando se siente decepcionado por Filip, también es el único capaz de mostrarle la realidad: "Ella necesita un padre, no un tío borracho. Estás sobrepasado por Tosia, así que necesitas a alguien que cuide de ella, preferiblemente gratis. No encajas en la figura de un padre. Has hecho una buena acción y te sientes mejor, ahora vuelve a la normalidad y afronta la verdad". En su formato de 35 minutos, Proud tiene el soporte de unos buenos personajes y de una dirección que sabe cómo retratar sus emociones, envuelta en la selección de una excelente banda sonora que incluye momentos especialmente emotivos como la introducción de algunos referentes de la cultura LGBTQI+, como el artista trans Kae Tempest (1985, Reino Unido), intérprete de spoken word, del que se incorpora su hermoso himno "Hold your own" (Mantente firme), incluido en su álbum The book of traps and lessons (2019, Republic Records), que enmarca un conmovedor final del Episodio 3: 

La felicidad, la marca, no es felicidad.

Somos más inteligentes de lo que creen que somos.

Nos toman por idiotas, pero ese es su problema.

Cuando nos comportamos como idiotas, se convierte en nuestro problema.

Así que mantente firme.

Respira hondo en una playa helada,

Saborea la sal de la amistad,

Observa el movimiento de un desconocido.

Mantente firme.

Y que así sea, 

Atrapando.

Etty

Francia, Alemania, Países Bajos 2025 | Arte, 6x52' | Proyección Especial | ★★★★★

Creada y escrita por Hagai Levi sobre los diarios de Etty Hillesum

Dirigida por Hagai Levi

Festival de Venecia '26: Fuera de concurso 

Una historia extraordinariamente relevante inspirada en los diarios de Etty Hillesum, pero descontextualizando históricamente su condición de víctima del holocausto para hablar de la pérdida de libertad y los autoritarismos en un sentido más universal. 

No suele ser habitual en los festivales de series que se proyecten las temporadas completas, incluso aunque se trate de miniseries. Hace unas ediciones en Serielizados Fest no se presentó Los años nuevos (Movistar Plus+, 2024) porque su director Rodrigo Sorogoyen pidió que se proyectara la serie completa, como lo había hecho en el Festival de Venecia, pero los organizadores no quisieron ajustar los horarios de proyección en sesiones de tanta duración. Pero el planteamiento de la miniserie Etty (Arte, 2025) requiere de un visionado total para ser percibida en su lograda complejidad, y de hecho surgió primero como una propuesta de largometraje que necesitó expandirse hasta una estructura de serie, pero el estreno en Israel el pasado mes de enero tuvo lugar en salas de cine dividido en dos películas de casi tres horas de duración cada una, y también en Francia se podrá ver en cines antes de su emisión a través del canal Arte a finales de mayo. Sin duda se trata de la mejor obra de Hagai Levi (1963, Israel), creador de las versiones originales de posteriores remakes norteamericanos e internacionales de En terapia (HBO Max, 2008-2010) y The affair (SkyShowtime, 2014-2019), de algunas ambiciosas producciones fallidas como el remake de la serie de Ingmar Bergman Secretos de un matrimonio (HBO Max, 2021) y cuya miniserie Our boys (HBO, 2019), basada en el asesinato real de un adolescente palestino a manos de un grupo de jóvenes israelíes, fue calificada por Benjamin Netanyahu como "antisemita". Su último proyecto se inspira en los diarios que escribió Etty Hillesum (1914, Países Bajos-1943, Auschwitz), una joven profesora que vivió en Ámsterdam durante la ocupación nazi, y los escribió entre 1941 y 1943, cuando murió en el campo de concentración de Auschwitz a los 29 años. Estos diarios y sus cartas comenzaron a ser recopilados en libros a partir de los años ochenta, y recientemente ha aumentado el interés por su lectura. En España se publicó Una vida conmocionada. Diario de Etty Hillesum (2007, Ed. Anthropos Editorial), pero actualmente solo está disponible El corazón pensante de los barracones. Cartas (2001, Ed. Anthropos Editorial). Una de las características más peculiares de la descripción que hace Etty Hillesum de su vida es la relación que mantuvo con el psicoquirólogo alemán Julius Spier, hasta el punto que su diario comienza diciendo: "El 3 de febrero de 1941, llegué al mundo", señalando la fecha en que le conoció como si toda su vida anterior no fuera importante. Esta relación fue tan estrecha y emocional que el deseo de Etty de mantenerse cerca de él fue la principal razón por la que acabó acudiendo voluntariamente al campo de concentración de Westerbork, y posteriormente terminó en el campo de exterminio de Auschwitz-Birkenau. Mientras Spier, como inmigrante judío alemán, no podía evitar la deportación, Etty Hillesum como holandesa tuvo la posibilidad de trabajar en el Consejo Judío de Ámsterdam, pero decidió acudir a Westerbork como asistente social, a pesar de que tuvo la oportunidad de escapar. La serie también comienza cuando Etty (una extraordinaria Julia Windischbauer) tiene 27 años y se encuentra estudiando en la universidad mientras trabaja como empleada doméstica pra Han Wegerif (Leopold Witte), un viudo de 62 años con el que mantenía una relación íntima. Pero no está exactamente ambientada en 1941, sino en una Ámsterdam actual, con una estética más cercana a los ochenta, que establece la historia de Etty dentro de una atemporalidad sugerente. Hagai Levi afirma que no quería que el holocausto desviara la atención sobre el relato personal de la protagonista, de manera que construye una especie de ucronía en la que Ámsterdam está ocupada por un régimen totalitario en un tiempo indefinido, no se ven las estrellas amarillas que señalaban a los judíos, pero los lugares públicos comienzan a marcarse con carteles que prohíben la entrada a los judíos, y solo hay algunas referencias a la gestapo o a la existencia de campos de concentración. Esta eliminación del contexto histórico consigue universalizar el mensaje, hablando del autoritarismo en un sentido más general, lo que es especialmente relevante en una época en la que se están aceptando los extremismos de perfil fascista con peligrosa normalidad. 

Cuando Etty decide someterse a terapia, le recomiendan las prácticas del profesor Julius Spier (Sebastian Koch), un alemán que desarrolla en Ámsterdam una práctica que mezcla la psicoterapia con la quiromancia. Una de las características de los diarios escritos por Etty Hillesum, el único referente que se tiene de la vida de su autora, es la espiritualidad que se desprende de ellos, cuestionándose el sentido de la vida conforme la opresión del autoritarismo se estrechaba en torno a la comunidad judía en Ámsterdam. En un espectacular comienzo sin diálogos del episodio The sky within me (T1E4), vemos una larga fila de ciudadanos desplazándose en bicicleta por las calles de Ámsterdam, mientras un tranvía pasa por su lado, reflejando la prohibición ya generalizada del acceso de los judíos a los lugares públicos. Pero pronto entendemos que ese amplio grupo de ciclistas se dirige hacia un almacén donde sus bicicletas son confiscadas por las autoridades para ser destruidas: "Todo lo que he perdido es algo menos que perder. Poco a poco estoy encontrando el coraje para dejarlo todo atrás. Cada cosa, cada norma. Toda convencionalidad, toda sensación de seguridad", escribe Etty Hillesum. La relación personal de ella con Julius Spier es también una salvación, una manera de dejar cierta atracción hacia la muerte en su estado depresivo, que se produce sin embargo cuando el odio se extiende progresivamente a lo largo de su propio entorno. Lo que consigue el espléndido guión de Hagai Levi es conformar su serie Etty como un reflejo de una mujer que se enfrenta a sus sentimientos entre Han Wegerif y Julius Spier, al mismo tiempo que su entorno se vuelve cada vez más peligroso y opresivo, una mirada íntima que se enmarca dentro de una generalidad asfixiante, lo que se convierte lentamente en un acto de resistencia. En algún momento, Etty sabe que incluso cuando le arrebatan todo (su hogar, su libertad, incluso su vida) aún conserva una esencia interior que no puede perderse. El descreimiento y la negación de lo que está ocurriendo se transforma en una necesidad de comprensión y solidaridad con quienes sufren más que ella misma, como trata de explicar a su amigo Max Polak (Chris Peters), quien le ofrece un trabajo en el Consejo judío para que evite el campo de concentración, pero no puede darle garantías para hacer lo mismo con Julius Spier. Ella justifica su decisión de rechazar la posibilidad de escapar en un diálogo emocionante sobre la espiritualidad que mantiene con Klaas Smelik (Gijs Naber), un amigo para el que Etty graba fragmentos de sus diarios en el programa de radio literario El hilo rojo, que sirve como recurso narrativo para la narración en primera persona de la historia. Pero a pesar de que la serie acoge con una mirada comprensiva las difíciles (y quizás equivocadas) decisiones que toma la protagonista, es la descripción de su crecimiento moral, emocional y psicológico la que eleva la historia hasta un nivel narrativo de profunda conmoción. Pero no se trata de un sacrificio en el sentido literal de la palabra, y el propio director evita la consideración de Etty Hillesum como una mártir que sabía que iba a morir cuando se dirigía a Westerbork a ayudar a los prisioneros, lo que está subrayado por la secuencia final cargada de una cierta esperanza, y está envuelto en la sutil pero muy presente banda sonora de Volker Bertelmann (1966, Alemania), ganador del Oscar por Sin novedad en el frente (Edward Berger, 2022), junto a Raffael Seyfried y Ben Winkler. De manera inteligente, el último episodio A bandage of many wounds (T1E6) se detiene donde se detienen los diarios de Etty Hillesum, justo antes de dirigirse al campo de concentración de Westerbork, con las últimas palabras de sus diarios: "En tiempos difíciles se suelen tirar por la borda, con un gesto despectivo, los logros espirituales de artistas que vivieron tiempos más fáciles. Se rechazan con la siguiente observación: ¿de qué nos sirve todo eso en estos momentos?", termina escribiendo Etty Hillesum: "Tal vez sea comprensible, pero es mezquino. Y terriblemente empobrecedor. Una quisiera ser un bálsamo derramado sobre tantas heridas".

Hundarna (Burden of justice)

Suecia 2026 | SVT, 8x45' | Episodios 1-5 | Panorama Internacional | ★★☆☆☆

Creada por Jens Lapidus | Escrita por Frans Milisic Wiklund

Dirigida por Lisa Linnertop

Tratándose de la gran apuesta del canal público sueco para esta temporada, acaba resultando una decepcionante muestra de drama legal que trata de pegarse a la realidad pero se construye sobre una previsibilidad constante. 

El escritor Jens Lapidus (1974, Suecia) es uno de los autores suecos más reconocidos a nivel internacional, con novelas publicadas en España como Dinero fácil (2006, Ed. Suma), que forma parte de la llamada Trilogía Negra de Estocolmo, convertida también en un tríptico cinematográfico desde Dinero fácil (Daniel Espinosa, 2010) que lanzó al mercado internacional al actor Joel Kinnaman, y posteriormente fue reiniciada como serie en Snabba cash (Netflix, 2021-2022). Otras producciones también han adaptado sus novelas, como el thriller inédito en España Top dog (TV4, 2020-2023) o Paradise City (Prime Video, 2025), y él mismo ha hecho incursiones en el guión, como en la serie Advokaten (Viaplay, 2018-2020), que no era exactamente un drama legal sino un thriller protagonizado por dos hermanos abogados. La experiencia, previa a su faceta literaria, de Jens Lapidus como abogado penalista le ha permitido conocer los entresijos del sistema judicial sueco, lo que está presente en algunas de sus novelas, en las que él mismo reconoce que pretende alejarse del tradicional nordic noir para acercarse más al estilo de escritores norteamericanos como James Ellroy (1948, California). De manera que Hundarna (Los perros) (SVT, 2026-), calificativo con el que se designa a los abogados penalistas que corren detrás de sus presas/clientes como si fueran perros de caza, parece el tipo de serie al que estaba destinada la trayectoria de Jens Lapidus, un drama legal que no se centra tanto en la construcción de una trama policíaca sino en una descripción más o menos realista de cómo funciona el sistema legal en Suecia. Y en cierta manera se podría considerar como un posible sustituto para el canal público de su serie estrella La delgada línea azul (Filmin, 2021-2024) en cuanto a utilizar un género que sitúa a sus protagonistas dentro del entorno policial/judicial, para reflejar los principales desafíos de la sociedad sueca enfrentada a la delincuencia. En este caso, los protagonistas son dos abogados amigos de la infancia que lideran una de las principales firmas de Estocolmo, Matsson & Moradi: Sasha Moradi (Arvin Kananian) y Kalle Matsson (Björn Bengtsson) son las caras visibles de un bufete de prestigio que debe lidiar constantemente con los cambios en las leyes que restringen cada vez más sus opciones para mantener la defensa de sus clientes, al mismo tiempo que deben enfrentarse a cambios en la sociedad que también impugnan sus posibles estrategias. Durante una cena familiar en el episodio "Making millions of money" (T1E2), la hija pequeña de Sasha le pregunta a su padre: "¿Por qué defiendes a un violador?", lo que acaba desembocando en una discusión familiar. Su mediático caso es el de un hombre de negocios al que una joven ha acusado de violarla mientras estaba bajo los efectos del alcohol, donde el concepto de consentimiento debe ponerse en tela de juicio para poder desarrollar la defensa del supuesto violador. Mientras tanto, Amir Ibrahim (Ken Ring), el conocido líder de una banda criminal, ha sido arrestado y los principales bufetes de Estocolmo esperan llevar su caso por la repercusión social que tiene. Finalmente, la defensa del criminal que ahora afirma llevar una vida legal ha sido asignada a Kalle Matsson, lo que establece cierto conflicto con Sasha, cuyos orígenes iraníes parecían hacerle más adecuado para un criminal de origen árabe de alto perfil. Entre estos dos casos fluctúan los primeros episodios de la serie, con una característica diferente a la de los habituales dramas legales; y es que los defendidos no son necesariamente personajes claramente inocentes, sino a veces todo lo contrario. Al bufete se incorporan otros personajes secundarios como Tilde (Tiril Eeg-Henriksen), una joven abogada que acaba de incorporarse al departamento penalista después de trabajar en servicios sociales, y que ayuda a Kalle en su defensa. 

Pero el más peculiar es Oscar (Kit Walker Johansson), que tiene algunos métodos poco ortodoxos para ganarse clientes, subiendo videos a Instagram y Tik Tok adoptando la jerga de los barrios marginales de Estocolmo como una manera de promocionarse entre los pandilleros, lo que acaba llevándole a la defensa de un joven adolescente que, sorprendentemente, parece estar implicado en una venganza callejera que ha saltado a los medios de comunicación. Las tramas por tanto hablan de sexismos, de machismos, de violencia callejera y de consentimiento dentro de un sistema judicial en el que importa menos cuál es la verdad que conseguir ganar los casos, y que conducen a los abogados a continuas contradicciones entre lo que pretenden inculcar a sus hijos y lo que defienden en los tribunales. Considerada por buena parte de la crítica sueca como una notable sustitución del excelente drama policial La delgada línea azul, sin embargo Hundarna, cuyo título internacional es Burden of justice (La carga de la justicia), nos parece que, a pesar de su pretendida mirada realista a la justicia, acaba cayendo en los tópicos más insufribles de la televisión actual. No solo por el estilo de cámara en mano siguiendo la estela de Succession (HBO Max, 2018-2023) que adopta la directora Lisa Linnertop (1978, Suecia), que acaba resultando bastante redundante, sino porque los paralelismos entre las vidas personales de los protagonistas y los casos judiciales que defienden resultan demasiado obvios. En el caso de Sasha, que lleva el caso de la supuesta violación, es un hombre que pasa por una crisis sexual con su esposa, mientras se entrega a la tentación de un flirteo en los baños de los tribunales con la fiscal de su caso. Mientras que Kalle, que comienza a defender a un criminal que asegura ser un buen padre de familia, se entrega con una convicción que le lleva a cruzar algunas líneas peligrosas y le provoca incluso malestar físico. Pero él mismo es un desastre en su entorno familiar: al tiempo que consigue éxitos en los tribunales, se olvida del cumpleaños de su esposa o de llevar a su hijos al partido de fútbol que les había prometido. Cuando uno de sus clientes presos se suicida, solo tiene un comentario para su ayudante Tilde: "No podemos salvarlos a todos", aunque en su interior está destrozado emocionalmente. La serie arrastra los tópicos uno detrás de otro, incluso en el retrato de los defendidos: independientemente de la culpabilidad del acusado de violación, se muestra claramente que pertenece a esa manosfera para la que darle un sí una vez es como dejar entrar a un vampiro en tu casa, ya no hay vuelta atrás. El único personaje que resulta más interesante es Oscar, el joven abogado que se involucra en las pandillas para conseguir clientes y que está interpretado con soltura y descaro por el actor Kit Walker Johansson, al que hemos visto como protagonista de Threesome (Pr1meran, 2021-2022). Su desesperado intento por defender al arrogante adolescente Ayub (un estupendo Seddik Radjai), se topa con una revelación sorprendente que cambia su estrategia de defensa en el episodio Har jag ditt samtycke? (Tengo su consentimiento?) (T1E4), que explora la naturaleza del consentimiento en otra de las tramas paralelas protagonizada por Sasha Moradi. Aunque también hay algunas dosis de lugares comunes, como cuando tiene una discusión tensa con su compañera de trabajo Miriam (Dona Hariri), a quien trata con desprecio por sus supuestos privilegios como mujer e inmigrante, pero en privado se hace una paja mirando su perfil en redes sociales. Hundarna es la gran apuesta de SVT para esta temporada, pero acaba siendo una decepcionante muestra de drama legal que trata de pegarse a la realidad pero se construye sobre la previsibilidad constante. 

Los testamentos se estrena en Disney+ el 8 de abril. 

The social reckoning se estrena en cines el 9 de octubre. 

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Películas mencionadas (disponibles en la fecha de publicación):

Annette se puede ver en Filmin.

Sin novedad en el frente se puede ver en Netflix. 

Dinero fácil se puede ver en Acontra+ y Filmin.