Nuestro repaso a las series más destacadas entre los estrenos de octubre y noviembre, con una breve mirada a diciembre antes de nuestra próxima selección, nos acerca a un puñado de series que ofrecen una variada propuesta de contenidos, tanto procedentes de canales autonómicos españoles, como aquellos que llegan de mercados internacionales. Algunas plataformas más minoritarias a las que casi nadie presta atención a pesar de ser gratuitas y sin publicidad, como TV5 Monde+ y Arte España, ofrecen en estos dos meses algunas series destacadas que han pasado por festivales españoles e internacionales, mientras que la recuperación de uno de los thrillers políticos europeos más reconocidos de los últimos años invita a revisionar ese tipo de producciones de alta calidad que desgraciadamente eran más frecuentes hace unas décadas que en la actualidad.
Los siguientes comentarios se basan exclusivamente en el visionado de las temporadas completas de las series que destacamos y pueden contener información relevante sobre sus argumentos.
Pr1meran, 25 de septiembre-8 de octubre
España 2026 - 5x45'
Creada por Mikel Álvarez Sarriegi, David R. Losada sobre la novela de Belén Martínez
Dirigida por David R. Losada
Festival de San Sebastián '26: Premiere
La televisión vasca es uno de los canales autonómicos más activos en la producción de series, junto a la catalana 3Cat, y tiene algunos proyectos pendientes de estreno como las miniseries Aloka(h)iru (EiTB, 2026) y Estu (EiTB, 2026), que se presentaron en una sesión especial durante el Serielizados Fest, además de recientes estrenos como la comedia de situación Superra (Pr1meran, 2026), que transcurre en un supermercado, anticipándose a la comedia El supermercado (Movistar Plus, 2026) anunciada hace unas semanas como el próximo estreno de la plataforma de Telefónica, que también transcurre en un escenario parecido. Una de las líneas de producción más interesantes en las que se viene enfocando EiTB, sobre todo a través de su plataforma digital Pr1meran, es la del subgénero juvenil, produciendo historias que buscan un target más joven al que suele encontrarse en los canales públicos tradicionales, y tratando de alcanzar audiencias que se salgan de los perfiles adultos más habituales. Odol ilargia (Luna de sangre) (Pr1meran, 2026), que se ha ido estrenando semanalmente desde finales de septiembre, se enmarca dentro de este tipo de narraciones que tienen como protagonistas a personajes jóvenes, en la línea de anteriores propuestas como Desagertuta (Desaparecido) (Pr1meran, 2025). Basada en la novela Cuando reescribamos la historia (2019, Ed. Puck), escrita por Belén Martínez (1990, Cádiz), la trama principal sigue al joven Julen (Jon Muñoz) durante la fiesta de celebración del 10 aniversario de su promoción en el Instituto Bizenta Mogel, donde se reencuentra con algunos de sus antiguos amigos, como Melyssa (Nekane Otxoa), con la que ha seguido manteniendo el contacto. Pero también con otros que fueron en su día buenos amigos pero acabaron distanciándose debido a una situación dramática, como Ibai (Aritz Kortabarria), que acaba de salir de la cárcel. Durante una noche de luna roja, la premonición de un mendigo, una pesadilla que sufre Julen y el encuentro con Ibai acaban conformando una vuelta atrás en el tiempo en la que el protagonista se enfrentará a una segunda oportunidad para tratar de evitar que Ibai cometa un acto violento en el pasado que le llevará a la cárcel. Esta propuesta que introduce un matiz de género fantástico sirve a la historia para hablar de las decisiones tomadas y las consecuencias de éstas, construyendo un relato que aborda temas como la amistad, el amor y los temores que surgen alrededor de entornos que pueden resultar opresivos, aunque aparentemente sean integradores. Es interesante, porque no es habitual, que el protagonista Julen sea un joven homosexual que se siente atraído hacia uno de los alumnos del instituto, el deportista Markel (Sambou Diaby), aunque su identidad sexual no está utilizada como un elemento principal de definición del personaje. En una historia que está enmarcada dentro de un cierto toque fantástico, sin embargo las cuestiones más relevantes están abordadas desde una perspectiva realista. Odol ilargia es la primera serie dirigida por el cineasta David R. Losada, que ha dirigido largometrajes como Lady off (2018) y cortometrajes premiados como Mosquito (2023).
A pesar de algunos elementos destacables, la serie tiene problemas de equilibrio en la construcción de la narrativa y algunas interpretaciones de actores principales no consiguen dar a sus personajes la complejidad emocional que necesitan, quizás por el hecho de tratarse de jóvenes actores con escasa experiencia, aunque algunos como el actor vasco Sambou Diaby ya había participado en largometrajes como La isla de los faisanes (Asier Urbieta, 2024). Hay una intencionalidad en el trabajo de dirección de aportar un ritmo constante y cierto suspense a la trama principal, especialmente la que se refiere al objetivo de Julen para evitar que Ibai cometa el acto de violencia que le acabará llevando a la cárcel, pero los recursos son demasiado tradicionales y el desarrollo resulta demasiado previsible, sin conseguir alcanzar el nivel de sensibilidad con el que el libro abordaba los temas más complejos. Aunque la historia transcurre con una separación de diez años, entre la actualidad de 2025 cuando se celebra la fiesta del reencuentro de los antiguos alumnos, y el pasado que transcurre en 2015 cuando Julen tiene la posibilidad de reescribir la historia, no hay una diferenciación de puesta en escena en el entorno del instituto, lo que afecta a la verosimilitud de los escenarios. Aunque destaca la utilización de una banda sonora que mezcla composiciones originales de Elena Setién (1978, Donoastia-San Sebastián) y la introducción de canciones de bandas musicales vascas como Belako y 2zio. A pesar de sus defectos y esa tonalidad de bajo presupuesto que a veces destilan algunas producciones de televisiones autonómicas, Odol ilargia es una propuesta mucho más interesante y entretenida que otros thrillers juveniles que ha estrenado en los últimos años EiTB. De hecho, títulos como éste, que ha logrado una buena audiencia en el País Vasco, son una muestra del buen momento que vive la producción audiovisual en euskera, con largometrajes como Azken agurra (Último adiós) (Koldo Almandoz, 2026), compitiendo en el Festival de San Sebastián, las producciones de los hermanos Moriarti o las películas de género fantástico de Paul Urkijo.
HBO Max, 2 de octubre-18 de diciembre
Japón 2026 - 12x35'
Creada por Daisuke Hosaka sobre los relatos de Junji Itō
Dirigida por Atsuhiro Yamada, Yûta Shimotsu, Ryuta Kondo
Si en nuestra anterior entrega de series destacadas comentábamos el estreno de la producción taiwanesa Bloody smart (AMC+/Planet Horror, 2025), ahora nos acercamos a otra que traslada, en esta ocasión en forma de serie antológica, relatos cortos publicados por el autor de manga Junji Itō (1963, Japón). Se trata de un planteamiento parecido al de la antología de animación Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro (Netflix, 2023), pero en esta ocasión filmada en acción real, lo que le proporciona una textura mucho más inquietante. Como ya comentamos anteriormente, las adaptaciones en formato cinematográfico o de series han decepcionado generalmente a los seguidores del autor japonés por considerar que no consiguen captar la esencia de sus obras, que introducen comentarios sociales dentro de historias que suelen ser más inquietantes que terroríficas. Pero Strange: Relatos de Junji Ito para noches en vela (HBO Max, 2026), estrenada a nivel internacional sin demasiada promoción tras su estreno en Japón entre julio y septiembre de este año, es un acercamiento más que interesante a algunas de las historias más conocidas del autor, recopiladas en libros como Junji Ito Story Collection (2021) y Fragmentos de horror (2013-2014, Ed. Planeta Cómic). La editorial española tiene previsto publicar este mes de diciembre otras dos obras relacionadas con Junji Itō: Sensor (2018-2019, Ed. Planeta Cómics) y Junji Ito: un estudio profundo (2017, Ed. Planeta Cómic), que recoge un amplio estudio sobre la obra del autor publicado en una revista japonesa con motivo del 30 aniversario de la edición del manga Tomie. Entre las historias más conocidas que se reproducen en la serie se encuentran El muerto enfermo de amor (T1E1), La chica acosadora (T1E2), Tomie y el jersey de cuello alto rojo (T1E6) o El ladrón de rostros (T1E7). No sabemos si la emisión internacional de la serie finalmente incluirá el episodio The mansion of Phantom Pain, que en la televisión japonesa fue cancelado porque su protagonista, el actor Nijirō Murakami, uno de los principales de Alice in Borderland (Netflix, 2020-2025), fue acusado a principios de este verano de violencia doméstica contra su pareja, pasando a disposición judicial tras reconocer su culpabilidad. La antología incorpora a directores que están relacionados con el cine de terror, proporcionando una mirada personal a unas historias que juegan más con la atmósfera y la representación alegórica de los acontecimientos en relación con los comentarios sociales. El más conocido es Yûta Shimotsu, que el año pasado estrenó en el Festival de Sitges el thriller psicológico New Group (2025), y le acompañan Atsuhiro Yamada y Ryuta Kondo, que este año ha debutado en el largometraje con How to generate a perfect crime (2026). Pero todos han tenido la libertad para acercarse a las historias originales de la manera en que ellos han decidido, bien tratando de adaptarlas fielmente o bien desviándose para incorporar otros elementos que no estaban en la versión inicial. Esto también es arriesgado, especialmente frente a la generalizada decepción de los aficionados a los mangas de Junji Itō por el resultado de la mayor parte de sus traslaciones a la pantalla, ya sea en versión animada o de acción real.
También hay una cierta estructura diversa a lo largo de la temporada, con una misma historia dividida en tres episodios, El muerto enfermo de amor, que se desarrolla entre los episodios 1, 8 y 9, y dos relatos del autor japonés que se yuxtaponen en Tomie y el jersey de cuello alto (T1E6), en el que también se incluye Memories. Uno de los directores que más se acerca a las historias originales es Yûta Shimotsu, que ha comentado en algunas entrevistas que a veces tenía junto a la cámara los mangas originales para que la composición de la escena fuera lo más parecida posible. En episodios como La mujer sin costilla (T1E4), construye una historia de terror para hablar de la obsesión por los tratamientos de adelgazamiento que pueden llegar a ser excesivos, como la cirugía de extracción de las costillas flotantes para reducir la cintura, una práctica que se lleva a cabo en la realidad como una forma de cirugía estética radical, pero que puede provocar problemas de salud adyacentes. A pesar de que ha recibido críticas por no captar la atmósfera de las historias de Junti Itō, algo que ya es bastante habitual, Strange: Relatos de Junji Ito para noches en vela funciona adecuadamente como un colección antológica de terror que tiene una perspectiva mucho más amplia, y puede ser una buena introducción, incluso más apropiada que Uzumaki (HBO Max, 2024), al universo creado por este reconocido autor. En sus relatos, los límites entre el personaje protagonista y el antagonista a veces se difuminan, con un acercamiento a miedos personales, como la muerte o la guerra, a través de relatos que trasladan la complejidad psicológica de los personajes a la propia manifestación real de sus acciones. Quizás por eso es especialmente difícil adaptar sus obras a la pantalla, a pesar de que también estén representadas de una manera visual a través de los mangas. Esta antología es uno de los últimos intentos en hacerlo, y posiblemente uno de los más acertados, tomando como prevención el habitual desequilibrio que suele existir en las series antológicas cuyas historias son más o menos interesantes dependiendo de la temática y el desarrollo narrativo. Con una estética que parece emular a veces a la atmósfera que solían crear las clásicas películas de terror japonés de los años noventa como The ring (El círculo) (Hideo Nakata, 1998), también es cierto que se transmite la sensación en ocasiones de que una estética cyberpunk podría funcionar mejor que el habitual acercamiento ligeramente tradicional que se suele hacer de la obra de Junji Itō. A la espera de que llegue esa película o serie que consiga aglutinar buena parte de sus planteamientos visuales y narrativos, Strange: Relatos de Junji Ito para noches en vela es una de las propuestas más interesantes hasta la fecha.
Arte, 7 de octubre
Francia 2026 - 6x12'
Creada por Joseph Safieddine
Dirigida por Joseph Safieddine
Séries Mania '26: Premio de Estudiantes de la Région Hauts-de-France
El joven autor Joseph Safieddine (1986, Francia) ha venido publicando en los últimos años novelas gráficas que hablan sobre la experiencia de su familia procedente de Líbano, y especialmente la personalidad misteriosa de su padre, originario de Tiro, ciudad costera del sur de Líbano, que abandonó en 1975 después del estallido de la guerra civil. Pero, como el autor afirmaba en una entrevista, era un padre "que hablaba árabe pero nunca hablaba en árabe con sus hijos, que no mencionaba nada de lo que había sucedido antes de marcharse de Líbano, y eligió llamarse Stéphane cuando su verdadero nombre era Mustapha". Por eso, esta figura que para él resulta intrigante está presente en todos sus cómics, desde Les lumières de Tyr (2012) hasta su obra más conocida, Yallah bye (2017), que ganó numerosos premios. Su publicación más reciente ha sido Les fusibles (2023, Les Editions Dupuis), ilustrada por Cyril Doisneau, que a través de una historia de expatriación, desarraigo y transmisión de cultura e identidad, sigue inspirada por esta figura paterna que no ha revelado todos sus secretos… Él mismo se ha encargado de adaptar esta novela gráfica al formato de serie para Producciones Digitales de Arte, una línea editorial del canal Arte que está dedicada a realizar series de formato corto que se emiten tanto en su plataforma como en las redes sociales. La última hora (Arte, 2026) se estrena en España después de haber conseguido el Premio de Estudiantes en el pasado festival Séries Mania, y está compuesta por seis episodios que oscilan entre 10 y 14 minutos, con una duración total de 70 minutos. La historia es sencilla y transcurre exclusivamente en el interior de una casa familiar en Beirut durante una hora, la que tarda la embajada francesa en enviar un coche para trasladar a la familia al aeropuerto, mientras en las calles se están produciendo protestas violentas. Billie (Sawsan Abbès) es una joven arquitecta que viaja por primera vez a Líbano junto a su padre Mustapha (Mustapha Abourachid), quien se cambió el nombre por Stéphane cuando emigró a Francia. Pero las revueltas en las calles y el peligro de que las casas sean asaltadas se convierte en un riesgo, por lo que Billie llama a la embajada francesa para que le ayuden a salir del país. Durante la hora de espera, la joven reconecta con los miembros de su familia: su abuelo Bilal (Mounir Maasri), que ya sufre las consecuencias del alzheimer, y Georges (Abdelhafid Metalsi), que se ha encargado del cuidado del anciano, ante la ausencia de Mustapha. Entre éstos se establece un conflicto que representa las dos partes de la diáspora: los que se marchan y los que se quedan. Mustapha es el emigrante que ha estado enviando dinero a su familia pero no ha asumido la responsabilidad de estar presente, mientras Georges es la resiliencia, renunciando a una aparente vida mejor en el extranjero, pero también asumiendo una especie de resignación a vivir en un país continuamente atravesado por la conflictividad. Billie descubre los reproches continuos que se lanzan Georges y su padre Mustapha, hasta que aparece su vecina Zeina (Hiam Abbass) en La invitada sorpresa (T1E3), una antigua profesora de ambos que suele visitar y cuidar a Bilal, y que ha sido herida durante las manifestaciones. Adoptando un formato casi teatral que aborda las fracturas emocionales dentro de una familia en el interior de su propia casa, la miniserie se apoya en los diálogos, pero también en las miradas silenciosas, con una excelente fotografía ocre de Romain Prouveur, que es a la vez íntima y hogareña.
Billie descubre algunos aspectos desconocidos de su padre, quien siempre había subestimado sus estudios de arquitectura y sus dibujos, pero que en su infancia también desarrolló una afición por la ilustración, lo que para Billie es la constancia de una especie de legado artístico que su padre nunca quiso reconocer. Hay también algún descubrimiento nuevo a través de imágenes de archivo que abren cada episodio con escenas que recrean la infancia de Mustapha y Georges. Construyendo un hermoso drama intergeneracional, La última hora habla sobre la necesidad de reconectar y también sobre la identidad, anclada en las cicatrices del pasado y en la distancia, no solo física, que provoca el exilio. La presencia de esa figura paterna que siente orgullo por ser el nexo de unión entre dos generaciones, entre el Líbano destruido y ensangrentado por las guerras, y su hija, a quien ha querido proteger de las consecuencias de su dramática historia, revela sin embargo que esta protección está basada en la negación del pasado y en algunos secretos familiares. La serie se construye a partir de los diálogos y algunos descubrimientos que ofrecen a Billie una perspectiva más clara de sus orígenes, pero al mismo tiempo una visión más confusa de su identidad. La violencia de las calles, que nunca se muestra de forma directa, es una barrera que mantiene a esta familia en un espacio común en el que no hay lugar donde esconder los reproches del pasado. Y cuando Georges comunica su decisión de emigrar también, a pesar de las dificultades que puede suponer para un hombre ya maduro, el enfrentamiento con Mustapha se hace más contundente. A pesar de su escasa duración, la estructura de los episodios está adecuadamente diseñada, dando la sensación a veces de que reproduce también el formato narrativo de los cómics. Aunque, en ocasiones, rompe de manera demasiado brusca la emoción que provoca la historia, como en el final del conmovedor episodio Disputa entre hermanos (T1E4), que quizás hubiera merecido un momento de respiración antes de los créditos finales, como el que se produce en La verdad sale a la luz (T1E5). También destaca el uso de la canción "Nomad" (2022) en el último episodio, una muestra de la sonoridad exuberante que surge de la colaboración entre la vocalista siria Lynn Adib y el instrumentista libanés Ziad Haman, bajo el nombre Bedouin Burger, incluida en su primer álbum completo Ma Li Beit (2024, PopArabia). Con un reparto de actores conocidos como Mustapha Abourachid o la gran Hiam Abbass, a la que recordamos de series como Ramy (Lionsgate+, 2019-2022) o Succession (HBO Max, 2018-2023), esta pequeña historia se desarrolla entre diálogos precisos e interpretaciones ajustadas, aunque transmite la sensación de no desarrollar del todo una trama constreñida por su corta duración. El contexto de Oriente Medio como un espacio de inestabilidad sirve para subrayar la desconexión entre generaciones que tratan de encontrar un lugar emocional a través de la búsqueda de su propia identidad.
HBO Max, 16 de octubre
Estados Unidos 2026 - 8x50'
Creada por Brad Caleb Kane, Bryan Fuller sobre el guión de Victor Miller
Dirigida por Logan George, Celine Held, Michael Lennox, Quyen Tran
El conflicto por los derechos de propiedad de la historia y los personajes de la película de terror Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980) es uno de los más peculiares de Hollywood, que tardó en resolverse judicialmente varios años y tras el fallecimiento el pasado 30 de agosto del guionista Victor Miller (Nueva Orleans, 1940-2026), deja de nuevo a la saga cinematográfica a las puertas de una secuela que cierre el círculo creativo. Porque se han realizado hasta la fecha doce películas, y muchos aficionados esperaban la definitiva Viernes 13. Parte 13. En 1980, Victor Miller fue contratado por Sean S. Cunningham (Nueva York, 1941) como guionista para una película que nació al calor del éxito de La noche de Halloween (John Carpenter, 1978), pero sentó muchas de las bases del conocido como subgénero slasher. Sin embargo, el guionista se mantuvo al margen del resto de las secuelas, algunas de ellas producidas por el propio Sean S. Cunningham. Pero en 2016 decidió reclamar sus derechos de propiedad intelectual, lo que dio comienzo a una batalla legal que se resolvió en 2018 en un juzgado que le dio la razón al guionista, una sentencia posteriormente ratificada en un tribunal de apelaciones en 2021. Aunque fue un éxito legal para Victor Miller, el problema es que solo le otorgaba la propiedad intelectual sobre la historia de la primera película, en la que no aparecía el personaje de Jason (solo en una secuencia onírica cuando era niño), mientras que la imagen icónica de Jason Voorhees adulto con una máscara de hockey no se estableció hasta Viernes 13. Parte III (Steve Miner, 1982). Por tanto, el uso de estos elementos tan destacados de la franquicia permanecieron en manos de Sean S. Cunningham, pero éste no puede utilizar al personaje de la madre de Jason ni elementos de la primera historia. En realidad, el mayor obstáculo para una nueva secuela después del remake Viernes 13 (Marcus Nispel, 2009), producido por Michael Bay, es el desinterés de Sean S. Cunningham en continuar una franquicia que él consideraba prácticamente agotada. El anuncio de una precuela en formato de serie basada en el guión de Victor Miller para la película original, y con la implicación de Bryan Fuller, creador de Hannibal (Filmin, 2013-2015) y de Kevin Williamson, responsable de la franquicia Scream. Vigila quién llama (Wes Craven, 1996), bajo la producción de A24, ofrecía una oportunidad para resucitar la historia igual que Jason resucitaba en cada película. Pero la huelga de guionistas retrasó el proyecto y, a su término, ambos estaban fuera de él, aunque a Bryan Fuller se le sigue acreditando como autor de la historia. Fue sustituido por Brad Caleb Kane, guionista de series como Tokyo vice (HBO Max, 2022-2024) y el reinicio It: Bienvenidos a Derry (HBO Max, 2025-), aunque por primera vez ejerciendo como showrunner. Esta turbulenta producción y los cambios de responsables pueden explicar algunas inconsistencias, la desaparición de personajes importantes como Grace Snell (Gwendolyne Sundstrom), prácticamente protagonista de los episodios Sangre nueva (T1E4) y Mátalos, mamá (T1E6) y ciertos cambios de motivación por parte del personaje principal. Pero hay suficientes elementos de fanservice como para satisfacer a los seguidores de la franquicia cinematográfica, con títulos que recrean los de las primeras secuelas: Parte 2 (T1E2) en referencia a Viernes 13: 2ª parte (Steve Miner, 1981), Parte III (T1E3) en referencia a Viernes 13. Parte III (Steve Miner, 1982), Último capítulo (T1E8) en referencia a Viernes 13. 4ª parte: Último capítulo (Joseph Zito, 1984) y Un nuevo comienzo (T1E4) en referencia a Viernes 13 V: Un nuevo comienzo (Danny Steinmann, 1985). Antes de que Jason adquiriera poderes sobrenaturales en Viernes 13. 6ª parte: Jason vive (Tom McLoughlin, 1986), se enfrentara a Freddy Krueger en Freddy contra Jason (Ronny Yu, 2003) e incluso abrazara la ciencia-ficción en un futuro distópico en Jason X (James Isaac, 2001).
Al contrario que en el caso de Carrie (Prime, 2026-), el concepto de Crystal Lake (HBO Max, 2026) no trata de abordar la historia desde una actualización, sino conectar directamente a la serie con la primera película, con escenas que directamente recrean el comienzo de Viernes 13, que los directores Logan George y Celine Held reproducen de manera fiel en una de las secuencias de Sangre nueva (T1E5), que transcurre en el campamento Camp Crystal, o una escena final que también hace referencia a la primera película. La estela de esta franquicia ha inspirado también a la reciente Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma (Jane Schoenbrun, 2026), una interesante reflexión sobre los resortes del género y sus obsesiones sexuales. La historia comienza en 1971, modificando la línea temporal de la película original, en la que la muerte de Jason se produce en los años cincuenta. Pero es una intención clara de trasladar la atmósfera inquietante de una década en la que las estructuras sociales norteamericanas construidas en años anteriores acabaron siendo desmanteladas a raíz de las secuelas de la guerra de Vietnam y los conflictos sociales. Aunque no se menciona directamente, no parece casual que la trama principal se desarrolle en 1972, el mismo año en el que se produce el escándalo del Watergate. Este ambiente de sospechas y desconfianza forma parte del trasfondo de la evolución del personaje de Pamela Voorhees (Linda Cardellini) tratando de recuperarse de la desaparición de su hijo Jason (Callum Vinson), pero también con las secuelas psicológicas de una experiencia traumática que se narra en el episodio retrospectivo Viernes... (T1E7). Sin duda, el universo de la franquicia cinematográfica ha ofrecido tantas derivadas a la historia de Jason que resulta bastante plausible la intrahistoria que se construye a partir de su nacimiento, dotando a la serie de esa tonalidad de película de terror tan característica de los años ochenta. Y con la presencia de Hamish Linklater como Elias Wittering, un actor que se está especializando en protagonizar flashbacks, nominado al Emmy por su participación en la comedia de terror La maldición de Widow's Bay (Apple tv, 2026-). La serie también asume su condición de slasher y es generosa en sangrientas escenas gore, que resultan más espeluznantes por el uso de efectos prácticos diseñados por Dave Presto, cuya recreación de los músculos, ligamentos y tendones no solo reproduce la textura de las películas de los ochenta, sino que mejora el aspecto visual de los efectos CGI tan usados en el género actualmente que parecen caricaturas. Mientras Pam trata de sobrellevar el duelo por su hijo, algunas muertes ocurridas en los alrededores provocan una investigación del sheriff Levon Brooks (William Catlett) y su hermana periodista Brianna (Devin Kessler), de manera que la serie también hace referencia a ese tipo de periodismo de investigación que se reflejaba en películas como Todos los hombres del presidente (Alan J. Pakula, 1976). Se trata de un ejercicio de nostalgia con elementos de fanservice que al mismo tiempo amplía la trama central para conectar con la historia original. Y lo hace con especial eficacia, aunque a veces el desarrollo narrativo parezca deambular entre un género y otro sin una consistencia perfecta. Jason adopta un papel secundario, trasladándose todo el peso del protagonismo hacia su madre, y el trabajo de Linda Cardellini es sobresaliente en la forma de transmitir la desesperación, el dolor y, sobre todo, la rabia que los traumas que experimenta acaban despertando en ella. Aunque conecte con la primera película, hay una intención del creador de continuar su historia a lo largo de más temporadas, aunque nunca veamos a Jason llevando la famosa máscara de hockey.
3Cat/HBO Max, 19 de octubre-2 de noviembre
España 2026 - 8x40'
Creada por Marc Crehuet, Alejandra Guimerà
Dirigida por Marc Crehuet
Serielizados Fest '26: Mención Especial
Como generalmente los países nórdicos suelen adelantarse a nuestras propuestas más originales, hace unos años se estrenó la serie noruega Made in Oslo (Sundance TV, 2022), que se desarrollaba en una clínica de fertilidad en la que la protagonista Elin (Pia Tjelta) se enfrentaba a su propio deseo de ser madre, aportando algunos planteamientos éticos en torno a las diferentes formas de llevar a cabo la fecundación in vitro y cierta obsesión por ser madres en una sociedad en la que la decisión de la maternidad llega cada vez más tarde, siendo la reproducción asistida una solución más o menos garantizada. La experiencia personal del guionista Marc Crehuet (1978, Santander) y su pareja, la productora Alejandra Guimerà, con esta forma de fecundación despertó su interés en contar una historia que aborda un tema propicio para la comedia. Y la forma de hacerlo es a través de una serie que desde el principio asume su condición como una propuesta relativamente tradicional, pero que al mismo tiempo es lo suficientemente inteligente como para no tomarse en serio su propio género y usar los recursos más clásicos para crear una historia que acaba siendo tan sencilla y aparentemente inofensiva como irónica e incisiva. Que In vitro (3Cat/HBO Max, 2026) no se tome en serio a sí misma, con personajes como Héctor (David Verdaguer), un médico impermeable a las emociones que se esconden tras el deseo en los pacientes de la clínica Ginestia, que parece sacado de una versión catalana de House (SkyShowtime, 2004-2012), permite reconocer como recursos irónicos algunos de los planteamientos que se desarrollan a lo largo de la temporada. Como ese discurso moralizante al final del episodio La ilusión (T1E1) o el giro de guión que provoca el desenlace en La implantación (T1E6). Al tratarse de una propuesta que utiliza la comedia desde una perspectiva más distanciada, en cierta manera casi teatral en algunos de los planteamientos que utiliza, provoca que estos desvíos resulten menos convencionales. No se trata exactamente de una parodia de los dramas médicos, pero sí es una comedia que sabe exactamente cuáles son los caminos más efectivos para encajar las piezas de un guión que se construye sobre los convencionalismos valiéndose de ellos. También puede resultar un poco exagerada esa empatía naif que tiene la bióloga Blanca (Bruna Cusí), que comienza a trabajar en la clínica Ginestia después de fracasar en un experimento que no sale del todo bien. El contraste entre la cercanía de Blanca con los pacientes y el cinismo del embriólogo Héctor construye la columna vertebral de la historia, pero alrededor también hay algunos personajes interesantes, que asimismo reproducen los elementos clásicos de la comedia: el director y heredero de la clínica, Andreu (Alain Hernández), con una visión comercial que a veces no encaja con la ética profesional de los médicos, la veterana ginecóloga Ángela Veiga (María Pujalte), que se aferra a su puesto a pesar de que ya está perdiendo su capacidad para conectar con las nuevas generaciones de futuras madres, y la hermana de Blanca, Cristina (Diana Gómez), que siente la llamada de la maternidad en un momento en el que no se encuentra en la misma sintonía con su pareja Enric (Peter Vives). La serie podría haber sido una colección de casuísticas de los diferentes procesos de fecundación asistida, pero aunque aborda temas como la ovodonación, el turismo reproductivo y la epigenética, no se siente como una recolección de casos, sino que se centra más en la relación entre los dos protagonistas.
El director y guionista de largometrajes como El rey tuerto (2016) y de series como El vecino (Netflix, 2019-2021), conoce bien los entresijos de la comedia y los utiliza para crear una serie "feel good" que introduce algunas reflexiones, no demasiado profundas, sobre los nuevos modelos familiares, desde los matrimonios LGBT a las maternidades monoparentales. Pero lo hace de una forma orgánica, sin que resulten forzados los diferentes retos a los que se tienen que enfrentar los protagonistas en cada episodio, como una especie de procedimental médico, pero construido de una forma transversal, de manera que los procesos de fecundación de algunos pacientes se desarrollan a lo largo de varios episodios, al tiempo que otros comienzan y terminan en el mismo, como el de un donante de esperma que ha fallecido antes de firmar un documento decisivo en El consentimiento (T1E3). La fórmula de la comedia catalana viene funcionando bastante bien en las audiencias de las emisiones lineales en TV3, y en el caso de In vitro ha conseguido mantenerse como líder de audiencia durante la emisión de sus episodios semanales, incluidos los dos últimos a principios de noviembre, consiguiendo para el canal autonómico una cuota del 15,2% de share, a pesar de estar disponible en la plataforma 3Cat en Cataluña y en HBO Max en el resto de España. Una fórmula de coproducción que ha dado buenos resultados a la televisión catalana, y que proporciona una oportunidad para que sus contenidos con mayores expectativas puedan ser visionados en todo el territorio español. La serie también ha contado con el respaldo promocional de Serielizados Fest, que la incluyó en la sesión de inauguración y en competición en la Sección Nacional, aunque recibir una Mención Especial del jurado cuando uno de sus guionistas es Víctor Sala, co-director del festival, provoca una imagen un tanto extraña. En todo caso, no es demérito de una serie como In vitro, que consigue ser una comedia digna, lo suficientemente liviana como para resultar entretenida sin llegar a ser superficial, y que desde el planteamiento inicial en una clase de Primaria en la que la profesora pregunta a los alumnos "¿de dónde venimos?" y casi todos hacen referencia a fecundaciones asistidas, plantea que la sociedad ha madurado lo suficiente como para asumir diferentes formas de maternidad sin que resulten contradictorias.
TV5Monde+, 19 de octubre
Canadá 2025 - 8x40'
Creada por Bernard Dansereau, Étienne-Piérard Dansereau, Annie Piérard
Dirigida por Stéphane Lapointe
Montecarlo '25: Sección Oficial Ficción
Serielizados '26: Panorama
La primera temporada de The capture (Movistar Plus+, 2019-), antes de caer en el absurdo más absoluto con su segunda y tercera temporadas, alertaba sobre las posibilidades de cambiar la percepción de la información a través de la manipulación digital. Lo que no está tan alejado de nuestra realidad, como se demostró en las elecciones generales de Eslovaquia en 2023, que ha recibido la denominación de "caso Eslovaquia" como un ejemplo de cómo las falsas informaciones podrían haber cambiado el curso de la campaña electoral. En aquellas elecciones se enfrentaban Robert Fico, político populista que prometía condenar las sanciones económicas de la Unión Europea contra Rusia y dejar de contribuir al apoyo militar de Ucrania, y el candidato proeuropeo Michal Šimečka. Un día antes de la jornada de reflexión, sin embargo, se publicó un audio de este último supuestamente hablando con un periodista sobre la posibilidad de preparar un fraude electoral, que acabó definitivamente con sus posibilidades de cara a las elecciones, finalmente ganadas por Robert Fico (quien sufrió un grave atentado en 2024). Los expertos argumentan que sería desproporcionado asumir que la aparición de este audio falso (al parecer creado por IA con la influencia de Rusia) fue la única razón por la que Michal Šimečka perdió las elecciones, pero lo cierto es que el caso surge como una alerta importante frente a las posibilidades de modificar el curso de una jornada electoral a través de la desinformación y las filtraciones de videos fake. La familia de guionistas canadienses formada por Bernard Dansereau, su pareja Annie Piérard y su hijo Étienne Piérard-Dansereau, que prácticamente anticiparon la llegada del coronavirus al producir un año antes la miniserie Épidémie (TVA, 2020) sobre un virus que se propaga en Montreal, se ha inspirado en el "caso Eslovaquia" para escribir la serie L'indetectable (Deepfake) (TV5 Monde, 2025), una mezcla entre drama familiar y thriller político que comienza cuando la candidata Françoise Parent (Lynda Johnson) del partido Option Québec, se encuentra a una semana de las elecciones encabezando las encuestas. Pero las redes sociales difunden un video tomado en un taxi en el que ella, visiblemente bebida, hace referencias racistas al taxista de origen inmigrante que conduce el coche. Ante el escándalo que provoca esta filtración, Françoise Parent afirma que se trata de un deepfake que reproduce su imagen y su voz, pero que no es ella, aunque los especialistas consideran que el video es demasiado real y perfecto como para tratarse de una falsificación digital, lo que afecta directamente a las posibilidades electorales de la candidata. El título original de la serie, L'indetectable, hace referencia a la posibilidad de que exista una tecnología tan avanzada que se puedan elaborar videos falsos indetectables, lo que acabaría provocando una auténtica amenaza para nuestra sociedad.
La serie plantea por un lado la ambigüedad de una situación en la que no sabemos qué es real y qué es falso, mientras la familia de la candidata política se divide entre quienes creen que puede ser una campaña del candidato oponente y los que consideran que no es posible crear un deepfake que no se pueda detectar. L'indetectable pasó por la Sección Oficial del festival de Montecarlo en 2025 y por la sección Panorama de Serielizados Fest este año, pero se puede visionar completa en la plataforma de promoción francófona TV5 Monde+, accesible en todo el mundo, y con subtítulos en numerosos idiomas como el español. La historia propone de esta forma una mezcla entre drama familiar y thriller político-tecnológico que aborda cuestiones relevantes e inquietantes sobre las posibilidades de la desinformación. La única que realmente piensa que puede ser un video falso es Stéphanie (Sophie Nélisse), una joven osteópata reservada que comienza a investigar una startup de IA generativa, de financiación dudosa, que parece tener alguna relación con el otro candidato a las elecciones. Puede haber algunas decisiones de guión algo convenientes y poco creíbles, como que Stéphanie, que se revela como la principal protagonista, pero que no tiene conocimientos de informática profundos, consiga infiltrarse en la startup como responsable de la contabilidad, quizás para dar mayor protagonismo a la actriz Sophie Nélisse, que ha conseguido una repercusión internacional después de participar en Yellowjackets (Movistar Plus, 2021-2026). Su pareja Patrice (Xavier Malo) es un periodista de investigación que comienza a seguir los pasos de la desaparición de un renombrado científico de un país árabe ficticio llamado Daji Saeed (Younes Bouab), que es secuestrado por unos compatriotas con la intención de llevarlo de regreso a su país. Para llegar hasta él, el grupo utiliza también el deepfake de la voz de su hija, supuestamente retenida. De manera que, entre relaciones familiares complicadas, unas elecciones comprometidas, una empresa de IA que supuestamente está enfocada en el mundo del cine, pero que cuenta con fondos económicos dudosos y un secuestro que tiene resultados imprevisibles, L'indetectable acaba siendo un thriller tenso y bien elaborado, aunque a veces tramposo. La última parte de la temporada acaba demasiado enroscada en su condición de thriller y no termina de profundizar en los temas que aborda, aunque propone una interesante reflexión sobre las nuevas tecnologías y las consecuencias de su uso fraudulento.
Netflix, 20 de octubre-22 de diciembre
Japón 2026 - 10x25'
Creada por Yaro Abe
Dirigida por Ryo Yoshida, Joji Matsuoka, Seitaro Kobayashi, Satoko Yokohama, Atsuhiro Yamashita
Sin apenas promoción internacional y de forma casi inesperada, porque solo se había conocido la noticia unos meses antes, ha regresado con su sexta temporada una de las series más veteranas de Netflix, y en cierta manera uno de los últimos recuerdos de lo que intentaba ser la plataforma de streaming en sus comienzos, un catálogo que uniera comercialidad con calidad. La cantina de medianoche (Netflix, 2009-2026) tuvo un proceso parecido al de series como Top boy (Netflix, 2011-2023) cuando la plataforma rescataba o adquiría los derechos de series internacionales, al mismo tiempo que se implicaba en la producción de sus siguientes temporadas. Se trata de una producción del canal MBS en Japón, consiguiendo un gran éxito en su país durante sus primeras tres temporadas, emitidas entre 2009 y 2014. Dos años después del estreno de la tercera, Netflix Japón compró los derechos para su emisión internacional y se implicó en la producción de las dos siguientes temporadas, llamándola Midnight diner: Tokyo stories (Netflix, 2016-2019), al mismo tiempo que incorporaba a su catálogo las tres temporadas anteriores. La serie llegó a ser tan popular que incluso algunas páginas dedicadas al turismo la citaban como un visionado obligado para conocer la cultura japonesa antes de viajar a Japón. A pesar de que parecía que la serie había concluido con su quinta entrega, estrenada hace siete años, la productora ha decidido retomar la serie y ha estrenado una nueva temporada que recupera al protagonista y sus personajes recurrentes. El regreso ha sido tan inesperado y ha tardado tantos años, que los personajes habituales están físicamente cambiados, y la propia productora ha utilizado como promoción al mismo cartel habitual, con una fotografía del Maestro, aunque ahora bastante más canoso, porque el actor que lo empezó a interpretar cuando tenía 58 años ahora tiene 75. Kaoru Kobayashi (1951, Japón) alcanzó popularidad con esta serie, pero ha trabajado en numerosas producciones como actor secundario o doblador, poniendo voz a uno de los personajes de La princesa Mononoke (Hayao Miyazaki, 1997), y le hemos visto en películas como Sham (Takashi Miike, 2025) y la miniserie sobre la catástrofe de Fukushima Los días (Netflix, 2023). La cantina de medianoche es una pequeña joya que para muchos suscriptores ha podido pasar desapercibida, pero que ha conseguido un seguimiento bastante fiel a lo largo de los años. Se trata de una serie antológica que cuenta diferentes historias en cada episodio, generalmente protagonizadas por los clientes de una pequeña cantina de solo doce asientos que abre a medianoche y cierra a las 7 de la mañana, acogiendo a una variopinta mezcla de personajes que habitan la noche, desde trabajadores de locales cercanos hasta oficinistas, detectives, prostitutas o miembros de la yakuza. El dueño de la cantina, situada en uno de los callejones característicos del barrio de Shinjuku, una especie de segundo centro principal de Tokio, es solo conocido como Maestro, y está rodeado de cierto misterio. Tiene una cicatriz que le atraviesa una parte de la cara y a la que se hace alguna referencia en la primera temporada, dejando entrever que en un pasado pudo pertenecer a la yakuza. De hecho, su negocio parece estar protegido por uno de sus clientes habituales, el jefe de la yakuza Ryu Kenzaki (Yutaka Matsushige). A lo largo de las temporadas, el dueño, cocinero y camarero de la cantina mantiene una política estricta: solo cocina lo que está en un pequeño menú colgado en la pared y aquello que sus clientes le pidan, siempre que tenga los ingredientes. Sus habilidades culinarias son tan destacadas que incluso para un famoso crítico gastronómico es uno de sus locales favoritos, pero nunca ha escrito sobre él porque no quiere que se haga popular y pierda su esencia. Hay otras normas estrictas, como un máximo de tres botellas de alcohol para cada cliente, excepto en Nochevieja, y solo se pueden usar tres palillos de diente como máximo. Cada episodio no solo está dedicado a una pequeña historia que habla de las relaciones humanas, sino que tiene como eje principal un plato característico de Japón, que suele ser el que prefiere el protagonista de la historia.
La sexta temporada regresa con los personajes recurrentes, con su antología de relatos cortos y con ese tono relajado que impone el tema principal, la canción "Omoide" incluida en el álbum Zeigo (2006, off note) del cantante Suzuki Tsunekichi (1954-2020, Japón), que falleció a causa de un cáncer de esófago a los 65 años. Y el primer episodio parece explicar parte de las razones de esta larga espera desde 2019, porque es un episodio poco habitual en el que el Maestro solo aparece brevemente. Debido a la pandemia del coronavirus, se ve obligado a cerrar su negocio y parece haber desaparecido sin dejar rastro, tanto que los clientes habituales que regresan cuando acaba el confinamiento, se preguntan si no habrá decidido cerrar definitivamente. Con el característico misterio que le rodea, sin embargo el Maestro vuelve a abrir las puertas de su cantina para seguir ofreciendo platos caseros de la cocina japonesa, como el shirishiri de zanahoria, una receta típica de Okinawa, que forma parte del Episodio 2 (T6E2). Aunque podría ser el renacer de una serie que estaba algo olvidada, en cierto sentido esta sexta temporada se siente como una especie de despedida, e incluso hay una referencia al origen como manga de esta historia en el Episodio 3 (T6E3), que está protagonizado por un dibujante que se ha hecho muy popular gracias a una de sus publicaciones. La cantina de medianoche también proviene en su origen de un manga titulado La cantina de medianoche. Tokyo stories (2006, Ed. Astiberri Ediciones), del autor Yarô Abe (1965, Japón), del que en España se han publicado 10 recopilaciones. Y en esta sexta temporada vuelven los habituales clientes de esta izakaya, como se suele llamar a las tabernas típicas japonesas a las que acuden los trabajadores después de largas jornadas laborales, entre los que destacan el Sr. Chu (Mansaku Fuwa), un anciano que con su característica gorra azul suele dar consejos a los más jóvenes y Kosuzu (Toshiki Ayata), un travesti homosexual que es dueño de un exitoso bar gay en el mismo barrio, dos de los que más aparecen. También regresan otros personajes como el veterano detective del distrito de Shinjuku, Noguchi (Ken Mitsuishi); Ryu (Yutaka Matsushige), un yakuza local; Chieko (Kimiko Yo), la dueña de un ryotei de larga tradición; Kogure (Joe Odagiri), un oficial de policía destinado en una comisaría local o Marilyn (Tamae Ando), una stripper. A lo largo de la serie hemos conocido historias de fondo de los personajes recurrentes, pero también de otros clientes que solo aparecen brevemente. Con episodios de unos veinticinco minutos, La cantina de medianoche invita a disfrutar de un relato corto cada noche, con un tono y un ritmo que se distancian de los habituales en el streaming, y cuyo carácter antológico también permite visionarlos fuera del orden cronológico. Entre los directores de la nueva temporada vuelven algunos que han trabajado en la serie desde la primera en 2009, como Joji Matsuoka, que también dirigió la película Midnight diner (2015), o Seitaro Kobayashi, quien dirige desde la segunda temporada, junto a nuevos realizadores como la directora Satoko Yokohama.
Arte, 22 de octubre
Francia 2026 - 3x50'
Creada por Jérôme Bonnell
Dirigida por Jérôme Bonnell
Festival de la Fiction '26: Mejor Miniserie, Mejor Promesa Masculina, Mejor Promesa Femenina
La serie más destacada de la pasada edición del Festival de la Fiction, cuyas crónicas encontráis en nuestro blog, es esta pequeña historia de amor, en cuanto a número de episodios y en cuanto a planteamiento narrativo, entre dos jóvenes que se conocen por casualidad y pasan dos días juntos. Estas jornadas componen cada uno de los tres episodios de esta comedia agridulce que consiguió merecidamente los premios como Mejor serie de comedia y para sus dos actores como promesas emergentes, aunque ambos cuentan ya con experiencias previas. A Édouard Sulpice le hemos visto en un episodio de El sentido de las cosas (HBO Max, 2025), pero sobre todo fue uno de los protagonistas de la comedia culinaria Bistronomia (France Télévisions, 2025), mientras que Natacha Krief ha participado en películas como La noche eterna (Michiel Blanchart, 2024), pero ambos componen una de las parejas más conmovedoras que hemos visto este año. Cuando se conocen, ninguno de los dos protagonistas está en su mejor momento sentimental: Aurore (Natacha Krief) acaba de enterarse de la noticia de la muerte de un profesor que la enseñó a tocar el violonchelo cuando era niña, lo que remueve algunos recuerdos del pasado y le hace reencontrarse con su antigua amiga Inès (Chloé Lecerf) en una breve conversación en un bar: "Te odié porque eras la única que le daba miedo", le dice Inès. Pero ese mismo día su novio Bastien (Mathieu Lucci) también le comunica que su relación no va a ninguna parte, que se siente "seco por dentro" y que ha decidido recoger sus cosas del apartamento que comparten. Mientras tanto, Noé (Édouard Sulpice) intenta llegar a tiempo a la entrevista de trabajo que tiene con el director de un periódico local, Charles Mathurin (Olivier Broche), pero durante la reunión se da cuenta de que se trata de un borracho que reniega del mundo periodístico, y que no puede darle trabajo. El breve encuentro con Hélène (Jeanne Cherhal), una mujer desconocida, le provoca una especie de enamoramiento repentino y decide que tiene que volver a encontrarse con ella, aprovechando que escucha una conversación telefónica privada. Así que Aurore y Noé acaban compartiendo la barra de un bar solitario: ella lamentándose de su fracaso amoroso y él esperando coincidir con Hélène, que sabe que está cenando en el restaurante de enfrente. Este encuentro es el principio de Un día haremos el amor (Arte, 2026), estableciendo una conexión especial que les lleva a pasar los próximos días juntos, desembocando en una comedia sobre el amor y las relaciones personales hermosa y dolorosa al mismo tiempo, una celebración de la necesidad de compartir los sentimientos a través de dos personajes que se encuentran en una encrucijada. El creador y director de la serie es el reconocido cineasta Jérôme Bonnell (1977, Francia), responsable de la miniserie Les hautes herbes (Arte, 2022) y de largometrajes como El tiempo de los amantes (2013), Á la joie (2024) y La condition (2025).
El interés de Jérôme Bonnell por las relaciones personales está presente en todo su cine, pero conteniendo también algunas zonas de oscuridad, como el tema de la violencia machista en su última película. Hay también algunos momentos de oscuridad en esta miniserie que retoma la estructura de Les hautes herbes como tres episodios cuya duración oscila entre los 45 y los 50 minutos, dejando que la historia determine el tiempo necesario para contarla. Casi como si se tratara de largometrajes de más de dos horas, la propuesta que desvelan sus series es tan sencilla como efectiva, siguiendo la habitual estructura de la narrativa tradicional (planteamiento, nudo y desenlace) y desvelando en este caso los secretos que guarda Aurore, que en la ciudad vive de forma modesta, pero cuya familia en realidad forma parte de la alta burguesía, viviendo en una gran propiedad a las afueras, que Noé descubre en el Episodio 2 (T1E2): "Te dedicas a vomitar en contra de la burguesía y mira dónde estamos", le dice a Aurore. Allí conoce a Luc (Laurent Stocker), el padre de ella, y a su esposa Karin (Olivia Côte) y su hermanastra Clara (Isis Ponthoz), pero está claro que en la casa se respira un ambiente aparentemente distendido pero absolutamente pesado. A pesar de introducir conversaciones burguesas que aportan cierto sentido del humor, como cuando Clara, que estudia montaje, hace referencia al cine francés: "Ya no soporto a Henri Verneuil, sus películas parecen un festival de testículos. ¿Habéis visto Cien mil dólares al sol (1964) o Pánico en la ciudad (1975)?. A mí también me gusta Jean-Paul Belmondo, pero si a Pánico en la ciudad le quitas las escenas de acción, se queda en nada. Para no hablar de la misoginia de Jean Duvivier". El guión construye a los personajes con trazos equilibrados que reflejan los lastres que les impiden avanzar en sus vidas: en el caso de Noé, un padre alcohólico del que siempre debe estar pendiente, y en el de Aurore una experiencia traumática que la ha marcado para siempre. Durante el entierro de su antiguo profesor en el Episodio 3 (T1E3) se revela totalmente este trauma, pero sobre todo refleja la sombra permanente que soporta la protagonista, y las razones por las que prefiere mantenerse al margen de su entorno familiar, al que considera cómplice de sus recuerdos. Un día haremos el amor es una historia sencilla que se apoya en las conversaciones para desentrañar las interioridades de los personajes, y funciona de una forma precisa como un reflejo de la psicología de protagonistas enfrentados siempre a la decepción que provocan los demás en ellos. Pero, al construirse a través de la comedia, con diálogos irónicos, en vez de a través del melodrama, consigue ser mucho más eficaz a la hora de mostrar los matices de la historia que cuenta. Muy apoyada en la excelente química que hay entre Édouard Sulpice y Natacha Krief, es una hermosa miniserie que oculta bajo su carácter aparentemente despreocupado, una profundidad sutil en el tratamiento de temas dolorosos.
Filmin, 26 de octubre
España 2026 - 7x45'
Creada por Miguel Ángel Blanca
Dirigida por Miguel Ángel Blanca
Serielizados '26: Mejor Guión, Premio del Público
Tras cierta repercusión alcanzada con su notable propuesta Autodefensa (Filmin, 2022), lo más lógico sería pensar que el siguiente proyecto hubiera sido una segunda temporada de este acercamiento provocativo hacia las frustraciones de la Generación Z. Aficionado a jugar con las expectativas, Miguel Ángel Blanca (1982, Sabadell) ha creado una nueva serie que se mueve en los mismos parámetros que la anterior, pero que parte de una mirada irónica hacia aquello que se esperaba de ella. Segunda temporada (Filmin, 2026) ya define este sentido, y el propio planteamiento de la historia sitúa a una escritora que se hizo famosa con un libro titulado El coño y la navaja, definiendo a Paula Ferrara (Berta Prieto) como "la voz de su generación", algo parecido a lo que también se destacaba de Autodefensa. Aunque esta ironía que sobrevuela el guión también tiene la capacidad de mirarse a sí mismo, como en el episodio Nada demasiado importante (T1E5), cuando hace referencia a las tendencias de los relatos actuales: "Es que últimamente las escritoras con lo de la autoficción, escribiendo todo el tiempo sobre vuestras vidas, como si vuestras vidas fueran lo más importante", le comenta una amiga a Paula en plena crisis personal. Pero el éxito se ha ido esfumando lentamente entre una falta de inspiración para escribir una nueva novela, y la necesidad alimenticia que la ha obligado a convertirse en una escritora fantasma, una de esas autoras que escriben libros firmados por otros, principalmente personajes famosos o influencers anoréxicas que utilizan su enfermedad para ganar seguidores en las redes sociales. Aunque se niega a ser la que describa a otra generación peor que la suya, Paula se abre a la posibilidad de escribir la biografía de otro artista que acarició el éxito pero cuyo paso por la cárcel le ha conducido al olvido, el trapero Lil Rogelio (Adán Domínguez), del que ya nadie se acuerda más que por su pasado delictivo y que quiere renacer de sus propias cenizas. Y aunque sus mundos no tienen nada que ver, e incluso el primer encuentro entre ambos resulta incómodo y machista, Paula comienza a sentir una fascinación por el personaje y por su entorno que la alejan de su propia relación sentimental con Sergi (Guillem Balart): "Sergi representa la mediocridad, el acomodamiento, todo con lo que ella quiso romper en algún momento, y Lil representa esa genuinidad, algo que a ella le gustaría tener pero que no tiene". Los guiones firmados por Miguel Ángel Blanca junto a Berta Prieto y Victor Diago, se sienten bien en los ambientes más provocativos, construyendo una narrativa propia en la que el trabajo de dirección también intenta explorar diferentes espacios visuales y tonales, no todos especialmente cómodos para el espectador. Planteado como una mirada a un género distinto, cada episodio elabora búsquedas que parecen inexploradas, acercándose algunos a la intensidad del terror psicológico, como el perturbador La maldición de Lil Rogelio (T1E3), y otros a la despreocupación de la comedia más surrealista. Cada play antes del siguiente capítulo invita a adentrarse en un universo particular donde el humor va dejando huella a través de personajes peculiares y de situaciones que provocan extrañeza, como en Yo maté a Raw Crudo (T1E4). Pero también cierta incomodidad en la forma en que estos personajes se encuentran encerrados en su propio proceso de autodestrucción. Segunda temporada apuesta por la libertad creativa, pero también refleja los límites de estar dentro de una sociedad que prefiere las estructuras cerradas, conformándose como ese tipo de series que a un algoritmo le volvería loco si tuviera que recomendar algo parecido, entre el Charlie Kaufman de Synecdoque, New York (2008) y el Lars Von Trier de El reino (DR, 1994-2022). A veces, la intención de explorar diferentes perspectivas narrativas acaba devorando el desarrollo de algunos personajes, pero hay momentos especialmente lúcidos sobre el entorno cultural que crea y destruye a partes iguales, que eleva las expectativas de los creadores al mismo tiempo que los lanza al infierno del olvido.
En el Reset Festival del episodio Reinserción (T1E5), uno de los más inquietantemente divertidos, el desfile de juguetes rotos que pasa por el escenario, aquellos que fueron influencers en el pasado pero que han sido devorados por la cultura de la cancelación, sus decisiones equivocadas o su propia incapacidad para entender la Santa Trinidad de internet: "Escaparate. Relato. Mercadería", se convierte en una especie de Parada de los monstruos (Tod Browning, 1932), que es incapaz de asumir el sentido del ridículo. Segunda temporada tiene la capacidad de conseguir abrir caminos nuevos a cada momento, aunque no todos lleven a un destino satisfactorio, pero se define dentro de sus propios parámetros, sin necesidad de rendir cuentas a los espectadores que alabaron la serie anterior, pero tampoco a los que la odiaron como una propuesta superficial. La propia promoción de la plataforma Filmin utiliza la referencia a los fans y los haters de Autodefensa para reclamar la atención de los posibles fans y los posibles haters de Segunda temporada. Y también define una línea editorial que se siente cómoda dentro de lo inclasificable, aunque a veces tenga éxito en sus resultados y otras veces no tanto. Lo más interesante de esta propuesta es la capacidad que adopta para reflexionar sobre el propio proceso de creación desde una perspectiva que plantea cuestiones en torno a los beneficios del éxito o las problemáticas del fracaso, como si se tratara de las dos caras de una misma moneda. En su planteamiento, también es una propuesta autobiográfica que se pregunta qué hubiera pasado si el creador y, sobre todo, la protagonista y co-escritora Berta Prieto hubieran decidido dejarse llevar por la resonancia de la primera serie y hubieran caído en la tentación de la continuidad. Sin embargo, Segunda temporada es una reflexión más pausada y más elaborada, y el premio al Mejor Guión en Serielizados Fest también subraya esa madurez que consigue una historia en la que el objetivo y el destino parecen estar más claros. En la última parte de la serie, las referencias a la industria cultural y su capacidad de absorción y expulsión de los creadores puede resultar a veces demasiado explícita, como en el personaje que representa el editor (Joan Negrié) y el entorno literario que pretende convertir de nuevo a Paula Ferrara en la voz de una generación: "Una generación que cree que el mundo se acaba cuando cumples treinta años, una generación que deja de creer en las segundas oportunidades y que teme caer en el olvido", comenta en Volver a la cárcel (T1E7). Segunda temporada se autodefine como una serie que no pide permiso, que plantea preguntas sobre la fama y el anonimato desde una posición que no siempre es la más cómoda y que responde, en todo caso, con su abierta exploración narrativa y su estructura desestabilizadora, a las narrativas fáciles que pretenden acomodar al espectador, haciendo todo lo contrario, colocándole en una posición que resulta incómoda y estimulante.
Arte, 5 de noviembre
Alemania 2024-2026 - 12x20'
Creada por Zoe Magdalena
Dirigida por Eline Gehring
Grimme Preis '25: Premio a la creadora y protagonista Zoe Magdalena
La plataforma Arte recupera una serie alemana estrenada en 2024, pero coincidiendo con el estreno de su temporada 2 esta misma semana en ZDFNeo, el canal dedicado a contenidos para jóvenes en la televisión pública alemana. De manera que Hungry (Arte, 2024-2026) se incorpora con sus dos temporadas al mismo tiempo que su continuación llega a la televisión lineal en Alemania. Ganadora de un premio especial Grimme Preis, uno de los más reconocidos en el terreno televisivo, para Zoe Magdalena en su doble faceta de guionista y protagonista, la historia se basa en una experiencia real cuando ella misma estuvo ingresada en una clínica psiquiátrica por el trastorno alimentario que sufría, de manera que el relato de Ronnie (Zoe Magdalena), una adolescente de 17 años que padece anorexia, y cuya madre decide ingresarla en una clínica, está contado desde la propia vivencia de la creadora. Utilizando como tema principal la canción "Bad guy" del álbum When we all fall sleep, where we do go? (2019, Interscope Records) de Billie Eilish, cada episodio comienza con la protagonista niña (Waris Leonhardt), haciendo comentarios cínicos sobre los adultos y advirtiendo sobre el contenido de una serie que habla de diferentes trastornos psiquiátricos que afectan a los jóvenes. La adolescente Ronnie ha desarrollado un trastorno alimentario de anorexia, negándose a comer, por lo que su madre decide que el único camino es el ingreso en una clínica psiquiátrica, cuya principal responsable es la doctora Jacobsen (Minna Wündrich), que establece una serie de normas: las jóvenes recién llegadas realizan sus comidas bajo supervisión, cronometradas durante 30 minutos hasta que terminan el almuerzo, mientras vomitar la comida o tratar de salir sin permiso puede suponer amonestaciones que acaben con la expulsión del centro. Ronnie pretende precisamente provocar su propia expulsión, pero conforme pasan los días se encuentra más cómoda entre el grupo de jóvenes que están ingresados en su mismo departamento, y que sufren diferentes tipos de trastornos psiquiátricos: Gina (Daria Vivien Wolf) y Melly (Felina Zenner) también padecen anorexia, pero se encuentran en distintas etapas del tratamiento; su compañera de habitación Kimmi (Evelin Schwartz) es adicta a las redes sociales, y esconde un móvil después de que el suyo haya sido confiscado. El departamento está dividido entre los jóvenes pacientes que sufren algún tipo de adicción, y aquellos que están envueltos en distintas depresiones, como la adolescente Esta (Saron Degineh), pero también como Milan (Amadin Piatello), un joven que sufre fobia por los gérmenes, o Nick (Alessandro Schuster), por el que Ronnie comienza a sentirse atraída, pero que sufre un trastorno bipolar. A lo largo de los seis episodios de poco más de 15 minutos que conforman la primera temporada, Ronnie comienza a sentir a este grupo de "perdedores", como los califica al principio, como una familia escogida, cada uno teniendo que enfrentarse desde su juventud a problemáticas psiquiátricas graves. Pero la serie está contada desde una mirada optimista, a través de las relaciones que se establecen entre los protagonistas y los apoyos que encuentran entre ellos. Aunque también subrayando la dificultad de salir del círculo vicioso de las adicciones o de las percepciones sobre su propio cuerpo que sufre Ronnie, mirando en el espejo su abdomen escuálido pero sintiéndose todavía demasiado obesa. Zoe Magdalena, que ha participado como actriz en series como la exitosa Maxton Hall - Un mundo entre nosotros (Prime, 2024-2026), sabe de lo que habla y lo hace con una especial sensibilidad, al mismo tiempo que elabora un pequeño relato que no dura más de hora y media, en el que describe con una mezcla de sentido del humor y mirada dramática los desafíos a los que se enfrentan los protagonistas, como cuando salen a comer pizza en el Episodio 3 (T1E3), tratando de simular una vida normal.
La segunda temporada se incluye también en la plataforma Arte mientras se estrena en la televisión pública alemana, y se enfoca sobre todo en la forma de convivir con este trastorno. Ronnie ha superado algunos de sus miedos, es capaz de comer con cierta normalidad, ha aumentado de peso y está a punto de conseguir el alta médica. Pero también sufre algunas recaídas, y de alguna manera la temporada se centra en lo difícil que resulta mantener esa dinámica sin caer de nuevo en la depresión o en la percepción de que el cuerpo responde de una forma inaceptable a las rutinas diarias. En cierto modo, esta segunda temporada de Hungry es más melancólica, porque además se desarrolla alrededor de las fiestas navideñas, esa celebración que acaba siendo una auténtica amenaza para quienes sufren determinados tipos de trastornos alimentarios, porque nuestra sociedad ha decidido que todo gire en torno a la comida. Hay algunos paralelismos con la primera temporada, como el episodio Caliente (Horny) (T2E3), en el que el grupo realiza una nueva salida al exterior, esta vez a un bosque en el que practican diversos ejercicios para profundizar en la comunicación entre ellos, y que termina con una cena en un restaurante que acaba en un conflicto racista: "Alemania para los alemanes", dice uno de los clientes frente a los rasgos latinos de Milan. La guionista de la serie subraya que la auténtica dificultad para mantener a raya los trastornos alimentarios es el regreso a la normalidad fuera del entorno psiquiátrico más controlado, como en el episodio Hogar (Home) (T2E5) en el que vuelve a su casa y se reproducen las dinámicas de confrontación con su madre (Azizè Flittner). Pero este encuentro difícil no establece culpabilidades, sino que trata de comprender las decisiones tomadas y las posturas encontradas. Hungry es una serie de formato corto que consigue retratar los trastornos psiquiátricos desde una perspectiva realista, estableciendo una narrativa fácil pero que al mismo tiempo no evita la complejidad que supone la descripción de una experiencia que está en la mente de quienes la sufren. Y lo consigue con una mirada sensible y comprensiva, pero que al mismo tiempo trata de hacer entender aquellos desafíos cotidianos a los que se enfrentan quienes sufren este tipo de enfermedades. Especialmente la segunda temporada muestra que el tratamiento en un espacio controlado es necesario, pero que el verdadero reto es el de mantener la rutina cuando se sale a un mundo exterior que se siente constantemente como una amenaza.
Alguien debería prohibir los domingos por la tarde ★★★★☆
Sundance TV, 10 de noviembre
Francia 2026 - 8x30'
Creada por Isabel Coixet
Dirigida por Isabel Coixet
South International Series Festival '26: Oficial Ficción
Hay una frase que Isabel Coixet (1960, Barcelona) utiliza desde hace años como título para publicaciones, pódcast y series. En 2011 publicó el libro Alguien debería prohibir los domingos por la tarde (2011, Ed. El Aleph Editores), en el que planteaba reflexiones sobre el cine y la vida, y desde 2020 ha presentado el programa Alguien debería prohibir los domingos por la tarde en Radio 3, que se emite precisamente los domingos. Ahora traslada el mismo título a su nueva incursión en el formato de series tras la inicial Foodie love (Arte, 2019) y haber dirigido un episodio de la docuserie Ingredientes para la vida (Apple tv, 2024). A pesar de contar con un título idéntico, Alguien debería prohibir los domingos por la tarde (Sundance TV, 2026), una producción de Arte Francia, no está directamente relacionada con los anteriores proyectos. Pero hay algunas similitudes en cuanto a los planteamientos relacionados con el arte cinematográfico y las propias inquietudes de la protagonista Louise (Liv Henneguier), una aspirante a cineasta que ha escrito el guión de una posible película en la que recrea la ficticia historia de amor entre Françoise Hardy (Louise Follain) y el cantante británico Nick Drake (Charles Gabriel) en los años sesenta, que la misma Isabel Coixet describía en un artículo en El Correo hace unos años como parte de sus descubrimientos presentando el programa radiofónico: "He descubierto que las canciones de Nick Drake y Françoise Hardy se complementan bien con textos de Joan Didion" (El Correo, 12/5/2023). De manera que la serie vuelve sobre constantes temáticas que la directora catalana ha abordado como escritora y como presentadora de su programa de radio, pero construyendo una historia de ficción alrededor, que bebe de las referencias cinéfilas que pueden hacernos recordar a películas como París nos pertenece (Jacques Rivette, 1961). Si en aquélla un estudiante de literatura se adentra en la investigación de la muerte de un músico español por las calles de París, la capital francesa también se convierte en protagonista cuando Louise acude desde Limoges para aprovechar una beca de una escuela de cine que le permitirá discutir su guión con el aclamado guionista norteamericano Ted McKey (Tim Robbins), ganador de un Oscar pero ahora completamente vendido a la industria de Hollywood escribiendo películas de superhéroes: "El cine está muerto. Nosotros solo estamos en su funeral pretendiendo que sigue vivo", es una de sus primeras frases. Para su sorpresa, Ted McKey no está en París, sino que la mentoría se produce por videoconferencia, una decisión que no permite que exista una interacción en persona del actor norteamericano que ya participó en La vida secreta de las palabras (Isabel Coixet, 2005). Pero, por otro lado, esta relación digital a través de una pantalla es aprovechada narrativamente para establecer la distancia que separa al veterano guionista norteamericano de la joven aspirante francesa: "Nunca serás conocida si sigues escribiendo historias como ésta. Esta película no le interesa a nadie", le dice a Louise en su primer encuentro, de forma amable pero categórica. En su periplo por París, acaba compartiendo piso con los otros dos protagonistas de la historia, que representan las vidas de jóvenes veinteañeros en un París que está mostrado huyendo de los tópicos de postal pero manteniendo una belleza reconocible. La propia Isabel Coixet afirmaba en su estreno en Francia el pasado mes de marzo que quería hacer una especie de antídoto contra Emily en París (Netflix, 2020-2026), un proyecto del que le habían ofrecido dirigir su primer episodio, pero que ella rechazó.
Aunque la ciudad que muestra la serie es un París que evita la postal de los lugares emblemáticos y se centra más en el distrito XIX a través de su multiculturalidad, no deja de ser una especie de estereotipo hipster de la capital francesa, pero funciona bien como contexto de una historia protagonizada por jóvenes que se abrazan a la melancolía. Charlie (Clara Bretheau) tiene una afección misteriosa que se irá desvelando y enlaza un trabajo precario con otro, enamorándose de Zoe (Chloé Lecerf) aunque sin saber tratarla con especial romanticismo. Es un personaje melodramático que lanza frases pretenciosas como: "Finjamos que el amor existe", pero conforme descubrimos más sobre su pasado, y sobre todo, sobre su relación con su madre Alix (Jeanne Balibar), de alguna manera se entiende su dolor y su tendencia autodestructiva. Su amigo Nelson (Théo Christine) es casi como un hermano y está haciendo un riguroso aprendizaje como itamae para dominar el arte del sushi, pero guarda en secreto su relación amorosa con Alix porque sabe que Charlie lo consideraría una traición. Tratando de liberarse de esta relación, se siente atraído por mujeres maduras como Anna (Nathalie Poza), una camarera española que sabe que está enamorado de otra mujer. Los tres jóvenes amigos deciden establecer una especie de ritual que explica el título de la historia: ver una película triste los domingos por la tarde para ahuyentar la melancolía del lunes, y cada episodio adopta el título de una de esas películas, como Sans toi ni lois (T1E3) que hace referencia a Sin techo ni ley (Agnès Varda, 1985) o In the mood of love (T1E5) en referencia a Deseando amar (Wong Kar-Wai, 2000). Con un tono de nostalgia que se refleja en las escenas en Super 8 que muestran la historia de amor imaginada por Louise entre Françoise Hardy y Nick Drake, que nunca sucedió en la realidad, Alguien debería prohibir los domingos por la tarde no es tanto un reflejo de una generación de jóvenes veinteañeros en un París idílico, sino una reflexión sobre el cine y la creación artística, a veces con tendencia a impartir lecciones de cinefilia, como en las referencias algo pretenciosas a directores poco conocidos como Guy Gilles (1938, Argelia-1996, Francia). No obstante, las consideraciones en torno a la melancolía por el cine en un medio tan poco cinematográfico como una plataforma de streaming no dejan de presentar una mirada irónica. Más precisa conforme se desarrollan los episodios, la serie va descubriendo algunos aspectos que los protagonistas mantienen en secreto, y destacan especialmente algunas secuencias singularmente conmovedoras, como la despedida entre Nelson y Alix en el episodio The last picture show (T1E7), que hace referencia a La última película (Peter Bogdanovich, 1971). La representación de París proviene de la idealización de una experiencia vital de la propia Isabel Coixet, que llegó a la capital francesa para estudiar en La Sorbona cuando tenía 22 años, y cuyas vivencias fueron menos amables que las que retrata en el caso de Louise. De manera consciente, hay una reescritura de su propia vida que se refleja en unos personajes generalmente positivos, aunque a veces caiga en ciertos estereotipos del melodrama característico de su cine. Pero la serie consigue momentos de sensibilidad poética que están entre lo mejor de Isabel Coixet, sobre todo en los dos últimos episodios, en los que describe la ruptura y el reencuentro, estableciendo un juego de espejos del cine dentro del cine que acaba resultando bastante conmovedor.
Filmin, 17 de noviembre
Francia 2016-2020 - 25x52'
Creada por Éric Benzekri, Jean-Baptiste Lafon
Dirigida por Ziad Doueiri, Antoine Chevrollier, Thomas Bourguignon
Cuando parecía que las series anglosajonas habían acaparado el interés de las intrigas políticas, en Estados Unidos con El ala oeste de la Casa Blanca (NBC, 1999-2006) y House of cards (Netflix, 2013-2018) y en Gran Bretaña con comedias como The thick of it (BBC, 2005-2012), algunos países europeos ofrecieron visiones más incisivas en torno a los entresijos relacionados con la gobernanza de un país: en Dinamarca apareció Borgen (Netflix, 2010-2019) y en Francia se estrenó Barón Noir (Filmin, 2016-), una propuesta surgida en un Canal+ muy alejado editorialmente del que gestiona actualmente el empresario ultraderechista Victor Bolloré, que ha elaborado una lista negra de actores y actrices a los que dejará de contratar, entre ellos Sergi López o Juliette Binoche, por firmar una carta en la que calificaban la tendencia actual del Grupo Canal+ como fascista. Resulta interesante, por tanto, que una de sus series más emblemáticas sea precisamente la que se centra en la batalla electoral por la presidencia de Francia a lo largo de tres plebiscitos que ocupan cada una de las temporadas que tiene esta producción, al menos por ahora. Porque, tras la aparición del personaje principal, Philippe Rickwaert (Kad Merad) en la serie La fiebre (Movistar Plus, 2024), se anunció que Barón Noir volvería con una cuarta temporada mezclando personajes de ambas historias. La plataforma Filmin recupera ahora la que está considerada como una de las mejores series políticas de todos los tiempos, un visionado obligatorio para los aficionados a las intrigas y los thrillers que están ambientados en ese mundo cargado de traiciones y venganzas. Y además es fácil de revisionar para quienes ya la conozcan, porque está compuesta por 24 episodios que mantienen un ritmo constante, y porque muchos de los temas de los que habla son igualmente reconocibles, o más, en el actual panorama político internacional. La venganza es precisamente lo que mueve al personaje de Philippe Rickwaert, alcalde de la pequeña ciudad de Dunquerque, quien apoya al principio de la primera temporada al candidato socialista a la presidencia, Francis Laugier (Niels Arestrup), que le define al final del Episodio 1 (T1E1) con una anécdota sobre el primer día que se conocieron: "Está loco. Es un hombre loco y peligroso". La serie creada por Éric Benzekri (1973, Francia), que se mantuvo durante las tres temporadas, y Jean-Baptiste Lafon se sostiene en la fuerza de los diálogos, con guiones precisos y muy bien escritos que definen a los personajes en cada encuentro, y se estructura a lo largo de tres elecciones a la presidencia de Francia, aunque su acercamiento a la realidad ha ido variando a lo largo de las temporadas. Centrada sobre todo en el auge del Partido Socialista, estableció en su primera entrega las bases de un tipo de thriller político tenso e intenso, que desde el espléndido primer episodio mantiene una constancia en el ritmo establecido por los problemas que debe ir resolviendo el protagonista Philippe Rickwaert, interpretado por un estupendo Kad Merad que se alejaba de sus habituales personajes de comedia. En la segunda temporada se aproxima en cierto sentido a la política ficción cuando introduce a uno de los personajes principales, Amélie Dorendeu (Anna Mouglalis), en el Palacio del Elíseo, cuando Francia realmente ha dado pocas posibilidades para que las mujeres políticas puedan acceder a este tipo de cargos, aunque su agenda política recordaba constantemente a la de Emmanuel Macron. Años después, la actriz Anna Mouglalis manifestó su desacuerdo con la forma en que su personaje había evolucionado a lo largo de la siguiente temporada, alejándola de sus ambiciones políticas y acercándola a un escándalo relacionado con el Movimiento #MeToo francés que comenzó en 2017.
La tercera temporada estaba impregnada por la revolución de La France Insoumise y las protestas de los chalecos amarillos que acabaron siendo apagadas por la pandemia del coronavirus, pero en la serie se representa a través del análisis en torno a los populismos, tanto de derecha como de izquierda, y reflexionaba sobre la progresiva violencia estructural que estaba creciendo en las redes sociales, sobre todo a través del personaje de Christophe Mercier (Frédéric Saurel), un profesor que se convierte en una estrella de YouTube gracias a sus ideas radicales. Este es un tema que posteriormente fue más desarrollado por el guionista Éric Benzekri en La fiebre (Movistar Plus, 2024) que, como decíamos antes, está directamente conectada con Barón Noir. Aunque se trata de una ficción, es indudable que la historia se mira constantemente en la realidad, y algunos de los acontecimientos que suceden son reflejos de hechos reales que sucedieron en Francia. En la primera temporada, Philippe Rickwaert aparece en la Asamblea Nacional vestido con un mono de trabajo azul, desafiando al presidente recién elegido Francis Laugier, una escena que está inspirada en una anécdota real protagonizada por el diputado comunista Patrice Carvalho, quien también llegó al parlamento francés en 1997 vestido con ropa de obrero. Algunos de los personajes también parecen tener rasgos de políticos reales franceses: el propio Philippe Rickwaert se ha conectado con el político Julien Dray, con el que el guionista Éric Benzekri había trabajado durante unos años; Francis Laugier es comparado con François Hollande; Michel Vidal (François Morel), un personaje que aparece brevemente en la segunda temporada pero se desarrolla más en la tercera, tiene semejanzas con Jean-Luc Mélenchon, Cyril Balsan (Hugo Becker) con Manuel Valls y el extremista Lionel Chalon (Patrick Mille), que también aparece sobre todo en la tercera temporada, defiende políticas muy cercanas a las de la Agrupación Nacional de Marine Le Pen. Éric Benzekri, co-creador de la serie que ha continuado desarrollando el universo de personajes a lo largo de los años, siempre se ha manifestado admirador de los guiones de Aaron Sorkin para El ala oeste de la Casa Blanca, y eso se nota en la precisión y el ritmo de los diálogos. Pero conforme Barón Noir ha ido evolucionando, la mirada hacia el mundo de la política también se ha ido oscureciendo, lo que se puede considerar como un anticipo del tipo de populismos marrulleros que han ido creciendo en los últimos años. El hombre en la sombra, el "oscuro barón del malestar social", elabora alianzas que apenas se sostienen mientras el activismo se desilusiona frente al auge de la mediocridad política. En la tercera temporada, más que en las otras, las cartas están sobre la mesa: "Es el momento de los bocazas, de los maltratados, de los valientes. Es mi momento", dice el protagonista.
Carmen Curlers (Temp. 3 y Final) ★★★★☆
Filmin, 24 de noviembre
Dinamarca 2025 - 8x55'
Creada por Mette Heeno
Dirigida por Natasha Arthy
Premios Robert '26: 4 nominaciones
A la industria audiovisual danesa siempre le ha ido bien con los dramas familiares de época, y uno de sus más recientes éxitos internacionales ha sido Carmen Curlers (Filmin, 2022-2025), cuyo planteamiento en torno a la creación de los primeros rizadores eléctricos esconde en realidad otra de estas historias corales que se sustentan sobre todo en los personajes y sus relaciones, ambientado en los años sesenta dentro de una industria nacida en un pequeño pueblo, que está a punto de cambiar la vida de las mujeres. La primera temporada subrayaba esta evolución de unos protagonistas que desde una pequeña localidad danesa construyen un imperio que ahora es admirado en Estados Unidos y en Alemania. Axel Byvang (Morten Hee Andersen) es un empresario que toma decisiones arriesgadas e incorpora a Birthe Windfeld (Maria Rossing), una ama de casa que poco a poco se convierte en una pieza fundamental para el éxito de la marca Carmen Curlers, mientras su marido Jørgen (Lars Ranthe) se siente desplazado dentro de su carrera profesional debido a un accidente. El otro eje del triángulo principal de la serie es el peluquero y más tarde director de marketing Frans Lynge (Nikolaj Jørgensen), que se enfrenta al secreto de su homosexualidad, aunque encontraba a un compañero sentimental en el fotógrafo Benjamin (Joachim Fjelstrup). En la segunda temporada la serie mostraba los entresijos de la vida laboral en la Dinamarca de los años sesenta y los intentos de Birthe por conseguir ser respetada como responsable del trabajo de las empleadas, en un tono más parecido a Mad men (AMC+, 2007-2015). Ella logra ese reconocimiento en cierto modo en esta última temporada, cuando es ascendida como subdirectora, pero esto provoca un enfrentamiento con las trabajadoras, entre las que se encuentra su propia hermana, cuando deciden que no están dispuestas a seguir cobrando menos salario que los hombres. Después de conseguir revertir la competencia desleal de una fábrica italiana que había realizado espionaje industrial en la segunda temporada, Carmen Curlers comienza su tercera y última entrega con un momento de crisis financiera. Aunque reciben encargos cada vez más amplios de la empresa norteamerican Clarice Cosmetics, se enfrentan a deudas cada vez más grandes con los fabricantes de las maquinarias que utilizan, lo que pone en peligro también el cumplimiento de los plazos con una empresa alemana que ya ha gastado mucho dinero en una ambiciosa campaña de marketing para las navidades. En 25 millones (T3E2) se coloca una propuesta sobre la mesa por parte de Clarice Cosmetics para comprar Carmen Curlers manteniendo al equipo de dirección, lo que también provoca una mayor incertidumbre. La nueva esposa de Axel, la joven aspirante a actriz Hanne (Laura Skjoldborg), un personaje que se incorpora esta temporada, aspira a que él decida vender la empresa y se traslade a Nueva York, pero se siente poco desarrollada en cuanto a sus motivaciones. La serie ha sido creada por Mette Heeno (1976, Dinamarca), y solo está inspirada en la vida del inventor del rizador eléctrico Arne Bybjerg Pedersen, que acabó viviendo en una granja en Australia. Hace dos años se publicó el libro Carmen Curlers (2023), en el que el periodista Søren E. Jensen (1963, Dinamarca) ofrecía una versión menos romantizada del personaje, al que los habitantes de su pueblo conocían como "el estafador".
Carmen Curlers se estrenó en 2023 con un compromiso inicial de la cadena pública DR para estrenar tres temporadas, lo que permite que la serie se estructure de una forma clara y con un desarrollo que establece con precisión las diferentes etapas de la historia. Esta es la temporada de la consolidación internacional y del riesgo de ser adquiridos por una multinacional, pero mantiene el tono colorista de la representación de los años sesenta (ahora estamos en 1968) y algunos números musicales bien coreografiados, que provienen de la imaginación de Axel, y que aportan un toque de ensoñación. Sin embargo, precisamente esta estructura consolidada contribuye a que resulte sorprendente alguna resolución que se siente demasiado apresurada en cuanto a las relaciones entre personajes importantes, como la que mantiene Axel con Poul Mosholt (Christian Tafdrup), de quien en temporadas anteriores habíamos descubierto que había formado parte del acoso escolar que sufrió Axel cuando era joven. Si este personaje algo siniestro servía en la temporada anterior para que la serie abordara temas como los tratamientos psiquiátricos con LSD, en esta ocasión es incorporado por Axel en su propia fábrica como responsable de relaciones internacionales en el episodio La caza (T3E3), obligado por la no menos perversa Ingrid Mosholt (Line Lind), la madre de Poul, a quien Axel acude para pedir un préstamo que los bancos ya no le conceden. Pero como decimos, el desenlace de esta relación se siente atropellado y conveniente, como si hubiera dependido de aspectos externos más que del propio planteamiento original de la serie. También se nota en otras cuestiones, como la intención manifestada por la creadora de desarrollar más las revoluciones juveniles de los años sesenta en esta tercera temporada, pero el personaje de Kathrine (Fanny Leander Bornedal), la hija de Birthe, a quien la temporada pasada se le dedicó un episodio completo, está supeditado a su trabajo como enfermera en la fábrica y las consecuencias en la salud del uso de algunos productos químicos. Funciona mejor el tratamiento del matrimonio de Birthe, quien incluso adopta un cierto aire de superioridad en comparación con el trabajo como obrero que desarrolla su marido Jørgen. En el episodio Mallorca (T3E4), ella le propone una semana de vacaciones en la localidad española, lo que nunca se produce porque la fábrica recibe un ambicioso encargo de rizadores para Estados Unidos, profundizando todavía más la crisis matrimonial. El aspecto visual de Carmen Curlers sigue siendo espectacular, y ahora aprovecha la ambientación de finales de los sesenta para incorporar un vestuario más psicodélico. Pero continúa abordando lo que se esconde bajo la pantalla del lujo colorista: la cultura sexista, la homofobia, los conflictos laborales y las consecuencias en la salud del uso de productos químicos para embellecer los rizadores. La creadora Mette Heeno tiene claro hacia dónde quiere dirigir su historia y, apoyándose en excelentes actores que se sienten cómodos en sus personajes, consigue un final bastante apropiado para una de las mejores series danesas de los últimos años.
Babylon Berlin (Temp. 5 y Final) ★★★★☆
Movistar Plus, 25 de noviembre
Alemania 2026 - 8x45'
Creada por Achim von Borries, Tom Tykwer, Henk Handloegten
Dirigida por Achim von Borries, Tom Tykwer, Henk Handloegten
Durante las emisiones de las temporadas anteriores de esta serie basada en las novelas de Volker Kutscher (1962, Alemania-) de la colección dedicada al detective Gereon Rath durante la República de Weimar, el historiador y escritor se había mantenido en un segundo plano, respetando las libertades que se habían tomado los guionistas para llevar a la pantalla sus novelas. Sin embargo, esta última temporada ha despertado sus propias críticas al considerar que, mientras los libros están basados en minuciosas investigaciones, la serie adopta algunos planteamientos que están lejos de la realidad histórica que refleja, afirmando en una entrevista que es "deshonesta porque presenta como hechos históricos algunos aspectos que, como mínimo, son controvertidos". La quinta y última temporada de uno de los grandes éxitos y, en su momento, la producción más cara de la televisión alemana, se adentra de lleno en el año 1933 y la llegada al poder de Adolf Hitler. Siguiendo un orden cronológico, esta temporada adapta la quinta novela, Märzgefallene (2014), que no se ha publicado en España, donde solo se han editado cuatro de los diez libros que componen la colección. Uno de los aspectos más controvertidos del final de Babylon Berlin (Movistar Plus, 2017-2026) es la introducción de una trama principal en los primeros episodios en la que se da por demostrado que Adolf Hitler fue sometido a un tratamiento psiquiátrico en un hospital militar en la ciudad de Pasewalk en 1918, cuando era un soldado raso durante la 1ª Guerra Mundial. Algunos historiadores como Rudolph Binion han afirmado que fue el reconocido psiquiatra Edmund Robert Forster, que se suicidó en septiembre de 1933, quien le sometió a tratamiento, dejando entrever trastornos esquizoides, pero esta realidad no se ha demostrado porque nunca se ha encontrado el historial médico de Hitler, y de hecho, esta circunstancia ni siquiera es mencionada en el libro de Volker Kutscher. Sin embargo, se asume como un hecho histórico al comienzo de esta temporada, cuando Edmund Forster (Ulrich Noethen) es acusado de un asesinato que investiga Charlotte Ritter (Liv Lisa Fries), mientras el detective Gereon Rath (Volker Bruch) le ayuda a atravesar las fronteras de Alemania hasta llegar a París. Lo que provoca que los dos protagonistas permanezcan separados durante buena parte de la temporada, llevando a cabo dos objetivos contrapuestos. La realidad política que está viviendo Alemania en los últimos años, con el crecimiento de los partidos de extrema derecha desde el final de la 2ª Guerra Mundial, sitúa a esta historia como un elemento de prevención frente al desmantelamiento de la democracia que supuso la llegada de Adolf Hitler al Reichstag, lo que es mucho más evidente en el documental que acompaña al estreno de esta temporada en Alemania: Babylon Berlin: Cómo cayó la democracia (SWR, 2026), en el que se hace un repaso histórico a algunos de los hechos que se muestran en la serie con imágenes de archivo coloreadas y recreaciones en 3D de Berlín en 1933, y estableciendo algunas realidades históricas: que la propaganda de Joseph Goebbels solo consiguió que un 44% de los alemanes votara por el partido de Adolf Hitler, y que su llegada al poder fue posible gracias al apoyo de los partidos conservadores más moderados.
La introducción de este episodio histórico no demostrado puede sentirse algo forzada como el soporte principal de toda la quinta temporada: el historial médico de Hitler se convierte en el objeto codiciado para los seguidores del aspirante a liderar el país, que ha ordenado asesinar a todos aquellos que conozcan la información que contiene, y para los miembros de una resistencia que podrían utilizarlo como forma de desacreditar a la nueva figura emergente de la política alemana. Las escenas en flashback que muestran el tratamiento de una ceguera parcial de Hitler en el hospital militar de Pasewalk evocan a la película El Doctor Mabuse (Fritz Lang, 1922), y hay otras referencias cinematográficas a lo largo de la temporada, como El hombre y el monstruo (Rouben Mamoulian, 1933), la versión de El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde (1886). La historia comienza en enero de 1933 cuando el presidente del Reich, Paul von Hindenburg, entrega el poder a Adolf Hitler (Clemens Schick) hasta que se celebren nuevas elecciones el 5 de marzo, transcurriendo los acontecimientos hasta unos días antes de ese decisivo referéndum todavía democrático. Pero a lo largo de ese período se producen movimientos que demuestran un control férreo y una persecución de los opositores, siendo la propia comisaría principal de Berlín tomada por los miembros de las SA, los llamados camisas pardas. Con un carácter mucho más político que en las anteriores temporadas, la quinta se desarrolla en escenarios como el Reichstag o la villa de Alfred Nyssen (Lars Eidinger), quien ofrece en el Episodio 7 (S5E7) un banquete en honor del nuevo Canciller del Reich, rodeándole de destacados empresarios alemanes. Hermann Göring (Devid Striesow) ordena asesinatos masivos, funcionando como un intermediario narrativo dentro de la trama, un filtro para no retratar de forma más desarrollada a un personaje como Hitler que aparece como una figura secundaria pero omnipresente en la atmósfera de la época. Babylon Berlin ofrece el espectáculo visual que suele caracterizar a esta serie, fastuoso en el Episodio 4 (T5E4), que explica en retrospectiva las razones de la desaparición de Gereon Rath y que se desarrolla en la ciudad de Colonia durante los carnavales, desembocando en la emocionante recuperación de la canción principal de la serie, "Zu asche, zu staub (Psycho Nikoros)", interpretada por Madame Libertine (Zaho de Sagazan) en un local de París. Estas muestras de la chanson pop que caracterizaba a la atmósfera sonora de la época de la República de Weimar en las anteriores temporadas regresa en locales queer y de travestismo como el Mikado Bar en el que personajes conocidos como Reinhold Gräf (Christian Friedel) pueden presentarse tal como se sienten, pero enfrentados a una nueva época en la que la homosexualidad empieza a ser censurada. La temporada también quiere dar conclusión a otros personajes que hemos conocido a lo largo de estos años, como Elisabeth Behnke (Fritzi Haberlandt) o el periodista Samuel Katelbach (Karl Markovics), algunos en positivo y otros en negativo, creando subtramas que reflejan la conmoción de la época. Pero en esta ambiciosa reconstrucción, la convivencia de la ficción con los hechos históricos traspasa determinadas fronteras narrativas que en anteriores temporadas supo evitar, creando una especie de historia contrafactual que imagina acontecimientos alternativos no demostrados históricamente, como la autoría del incendio del Reichstag en febrero de 1933 con el que concluye la temporada, que se considera que fue demasiado conveniente para el aspirante régimen nazi. Si los libros escritos por Volker Kutscher son principalmente la historia de Gereon Rath y Charlotte Ritter, lo que se amplía hacia años posteriores, la serie Babylon Berlin se mantiene como el reflejo de la República de Weimar, terminando antes del comienzo de una nueva época oscura, lo que los creadores han declarado que siempre fue su intención. Pero aunque esta quinta temporada es la más desequilibrada y controvertida, sigue siendo un final adecuado para una de las producciones más fastuosas del audiovisual europeo, una de las primeras colaboraciones entre la televisión pública ARD y el canal privado Sky, que ha conseguido sobrevivir a diez años de transformaciones dentro de la industria de la televisión y de la sociedad alemana.
Movistar Plus, 26 de noviembre
Finlandia 2026 - 8x50'
Creada por Jemina Jokisalo
Dirigida por Akseli Tumovivaara, Petra Lumioksa
Canneseries '26: Mejor Interpretación (Roosa Söderholm)
A principios de este año, coincidiendo con la temporada invernal de competiciones de esquí, la cadena pública finlandesa Yle y su plataforma de streaming Yle Areena estrenaron su nueva serie dramática, una historia ambientada precisamente dentro del equipo de esquí finlandés, que está construida como un thriller psicológico en el que se revelan algunas de las tensiones y conflictos entre las componentes de la selección nacional de cara a una competición mundial que se celebra en la localidad noruega de Trondheim. Agallas (Movistar Plus, 2026), que recibió un premio de interpretación en Canneseries '26, tiene como protagonista a la esquiadora de treinta y dos años Anna Kilpi (Roosa Söderholm), quien comienza a temer que pueda perder la oportunidad de ser seleccionada para la competición, sobre todo porque a su edad todavía no ha conseguido el gran éxito de su carrera deportiva. El nuevo director del equipo Henrik (Viktor Nyström Sköld) sugiere que necesita salir de su zona de confort, y que su pareja Otto (Karim Rapatti), su actual entrenador personal, quizás no sea el más apropiado para llevarla hasta sus mayores límites. Anna decide incorporarse al trabajo del controvertido Kim (Antti Virmavirta), un veterano profesional cuyos métodos son poco convencionales y excesivamente intensos, pero que ha logrado que Maria Laukka (Sannah Nedergård) se haya convertido en la mejor esquiadora del equipo. Sin embargo, hay un trasfondo oscuro en el trabajo que realizó con otra esquiadora que abandonó la élite profesional debido al estrés que sufrió, denunciando en redes sociales el abuso psicológico al que se vio sometida tanto por el entrenador como por la esquiadora. Anna comienza a comprobar pronto tanto la dura disciplina de entrenamiento como las manipulaciones de su competidora directa Maria. La serie ha sido creada por Jemina Jokisalo, ganadora del premio finlandés de televisión Kultainen Venla por el guión de la miniserie Money shot (Elisa Viihde, 2023), sobre la industria pornográfica, que también compitió en Canneseries. Ahora se adentra en otro mundo cerrado como la élite deportiva a través de un grupo de esquiadoras que deben enfrentarse a la competitividad personal entre ellas, pero también a un entorno principalmente controlado por el género masculino: ellas son las esquiadoras, pero los entrenadores, agentes y directores de equipo son hombres, lo que provoca situaciones que algunas veces pueden parecer forzadas pero que surgen de historias reales ocurridas en este deporte. El director deportivo Henrik comienza a mantener una relación con la veterana esquiadora Lena (Kreeta Salminen), para quien esta competición es su última oportunidad, lo que provoca rumores de trato de favor en la selección de las participantes en las pruebas principales. En el otro extremo se encuentra la jovencísima Julia Helenius (Reetta Ylä-Rautio), uno de los mejores personajes de la serie, que está sometida a una constante presión para la que no se siente preparada, y en parte provocada por la propia ambición de su padre Alex (Pelle Heikkilä). Julia siente que la relación cercana que tenía con su padre ha cambiado desde que él es su entrenador, y la confianza mutua se ha transformado en una exigencia constante, sobre todo cuando ella comienza una relación sentimental con la periodista eslovena Siiri (Anna Paavilainen). Finalmente, Helmi Holopainen (Edit Williams) ha conseguido un contrato de patrocinio con una marca de ropa que le podría dar la oportunidad de mejorar su carrera deportiva.
Henrik es un director de equipo sueco que trae una forma distinta de abordar los problemas, con una mayor atención al diálogo, pero cuando llega el episodio La mente puede resistir (T1E5) todo parece desmoronarse en el equipo: su relación secreta con Lena es conocida entre las esquiadoras, la tensión entre Anna y Maria es cada vez mayor, los métodos del entrenador Kim son cuestionados en los medios a raíz de la publicación de un reportaje, Julia no consigue enfocarse en la competición y Helmi ha denunciado que ha sufrido acoso sexual. Pueden ser demasiados frentes para un solo equipo, pero el guión sabe mantener el interés y parte de las tramas están basadas en entrevistas que la creadora de la serie realizó a esquiadoras profesionales. Aunque se insiste en que se trata de una ficción, algunos medios finlandeses han visto paralelismos con la rivalidad real entre las campeonas de esquí de fondo Krista Pärmäkoski y Aino Saarinen. La primera escribió una autobiografía titulada Open (2024) en la que realizó algunas afirmaciones sobre su relación con la segunda, que Aino Saarinen calificó como falsedades. En todo caso, Agallas sabe mezclar con habilidad el tono de un thriller psicológico y la textura de una historia deportiva en la que la competición se convierte en el espacio donde todas luchan por mantenerse en los primeros puestos. Se ha criticado en Finlandia que las secuencias que se desarrollan durante la competición de esquí de fondo son poco creíbles, sobre todo porque están interpretadas por las propias actrices, que no son deportistas profesionales, aunque estuvieran durante dos años realizando entrenamientos en esta modalidad deportiva. La propia creadora Jemina Jokisalo ha compartido las jornadas de concentración del equipo nacional de Finlandia en alguna temporada competitiva, y realmente desde el punto de vista de los espectadores que no son seguidores del esquí, las carreras son adecuadamente convincentes, marcadas por las dinámicas necesarias entre las protagonistas. La serie sin embargo se desinfla en la segunda mitad, cuando Anna comienza a darse cuenta de que ella también necesita utilizar la manipulación para conseguir sus objetivos. Como le dice el entrenador Kim en el episodio Doblégate, y te convertiré en campeona (T1E4): "Pasar de ser una deportista mediocre a ser una campeona requiere tanto incomodidad como compromiso. Yo puedo ayudarte, pero la pregunta es si realmente quieres lograrlo. O te sometes al proceso y te conviertes en campeona, o ni siquiera lo intentes". Hay una interesante reflexión sobre los sacrificios y los límites difusos entre la concentración mental y el abuso psicológico que se produce en el deporte de élite, pero a veces da la impresión de que la serie está más interesada en construir un drama sólido de desarrollo constante, que en profundizar en la psicología de las competidoras. Sin embargo, algunos personajes son tan despreciables que es fácil deducir que están claramente inspirados en personas reales.
Filmin, 8 de diciembre
Francia, Bélgica 2026 - 4x45'
Creada por Giles Taurand, Georges-Marc Benamou
Dirigida por Gaël Morel
Canneseries '26: Sección Rendez-vous
La novela Rojo y negro (1830, Ed. Cátedra) está considerada como una de las más relevantes de la literatura del escritor francés Stendhal (1783-1842, Francia), y una de las piezas clave de la novela europea del siglo XIX, retratando el ascenso y caída de Julien Sorel (Victor Belmondo), un joven que utiliza sus encantos para seducir a mujeres relacionadas con familias de la alta sociedad francesa, pero debatiéndose entre sus vocaciones de soldado y sacerdote, y también entre su amor por Louise de Rênal (Virginie Ledoyen) y Mathilde de la Mole (Camille Razat). La obra de Stendhal es un retrato psicológico sobre la vida de un joven apasionado pero empobrecido en la sociedad de la Restauración, que tiene como principal objetivo el ascenso en la escala social, utilizando sus conocimientos en latín para atraer la atención de los terratenientes como Monsieur de Rênal (Patrick Timsit), marido de Louise, o el Marqués de la Mole (Patrick Mille) y su esposa la Marquesa de la Mole (Romane Bohringer), padres de Mathilde. Y su atractivo como un joven hermoso y seductor le sirve para conquistar los corazones de sus dos amantes. La obra está considerada como un reflejo de la energía de un hombre que representaba a su época y a un país como Francia, pero fue incomprendida en su momento, siendo calificada posteriormente como una novela adelantada a su tiempo, y su protagonista inspiró a Paul Schrader para describir al personaje principal de su película American Gigoló (Paul Schrader, 1980), no solo por alguna cita concreta a la obra literaria sino porque también se llama Julian. Como una de las fuentes más inspiradoras de la literatura francesa, Rojo y negro ha sido adaptada en varias ocasiones, primero en el cine en películas como Rojo y negro (Gennaro Righelli, 1928) y El rojo y el negro (Claude Autant-Lara, 1954), pero también en televisión, en la miniserie británica The scarlet and the black (BBC, 1993), protagonizada por Ewan McGregor como Julien. La última adaptación, Rojo y negro (Filmin, 2026), llega a España tras su paso por la sección Rendez-vous de Canneseries, dedicada a las producciones francesas, un proyecto que cuenta como principal atractivo con un reparto de nombres destacados como los veteranos Virginie Ledoyen, Patrick Timsit o Romane Bohringer, junto a rostros jóvenes encabezados por Victor Belmondo, nieto del actor Jean-Paul Belmondo, al que hemos visto interpretando al realizador Roger Vadim en el biopic Bardot (Sundance tv, 2023). Menos enfocada en los aspectos psicológicos de la historia, la serie se centra más en la denominada escalera social, el acceso a las clases privilegiadas desde dos caminos diferentes, el aprendizaje intelectual y la seducción amorosa, ambos manejados con soltura por el joven Julien Sorel. Mientras los dos primeros episodios están centrados en su relación prohibida con Louise de Rênal, casi ante los ojos de su marido, lo que no acaba demasiado bien, los dos siguientes se enfocan en la seducción de Mathilde desde el momento en que Julien sirve como traductor y copiador de cartas del Marqués de la Mole, fascinado por la vitalidad de su juventud.
Al tratarse de una adaptación bajo una mirada contemporánea, se subraya cierta ambigüedad en la relación de Julien con el marqués, como si se tratara de una seducción en doble sentido. Pero la puesta en escena, muy característica de las series de época de France tv, generalmente circunscritas a espacios de interior y a localizaciones reales y lujosas pero muy contadas, refuerza la representación de una época en la que ascender en la escala social resultaba especialmente difícil, marcada por el exilio de Napoleón Bonaparte. El director Gaël Morel se dio a conocer al principio como actor, interpretando a uno de los protagonistas de la clásica película Los juncos salvajes (André Téchiné, 1994), pero principalmente ha desarrollado su carrera en el terreno de la realización, participando en el Festival de Cannes con el largometraje Vivre, mourir, renaître (2024). Responsable de los cuatro episodios de Rojo y negro, su perspectiva como realizador ofrece un drama romántico que subraya la dificultad de traspasar la escala social a través de los espacios y la colocación de la cámara, las puertas semiabiertas que nunca se abren del todo y las piezas de un jarrón roto: "Es como en el amor. No se pueden volver a unir los pedazos de lo que ha sido destruido", dice Julien Sorel en el Episodio 4 (T1E4), mostrando la obsesión del personaje por la ambición de la posición social a la que aspira. Desgraciadamente, los apuntes de la época que se muestran en los dos primeros episodios, con la quema de libros considerados prohibidos, se dejan a un lado en la segunda mitad de la serie para enfocarse principalmente en la relación amorosa con ciertas dosis de toxicidad que se establece entre Mathilde y Julien, así como la imposibilidad de contraer matrimonio por la intervención de Louise de Rênal. La literatura surge como el reflejo de la posición de los personajes, como la injusticia de la condena a muerte del hugonote Jean Calas que denunciaba François-Marie Voltaire en su Tratado sobre la tolerancia (1763, Ed. Austral), incluido en el Índice de Libros Prohibidos por la iglesia católica en 1766, a pesar de que defendía la tolerancia entre las religiones y la misericordia. Victor Belmondo tiene la capacidad de seducción que necesita su personaje, pero el guión parece profundizar menos en su psicología y resulta una adaptación demasiado superficial, sometida a la construcción del tipo de drama romántico que caracteriza a muchas miniseries históricas francesas, y con un último episodio que parece precipitar demasiado los acontecimientos para una historia que quizás necesitaba más tiempo para su desarrollo. Al final de los cuatro episodios, Rojo y negro supone una adaptación solvente, aunque menos relevante y profunda de lo que podría haber sido.
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Películas mencionadas (disponibles en la fecha de publicación):
Lady Off se puede ver en Filmin y Prime.
La isla de los faisanes y Todos los hombres del presidente se pueden ver en Movistar Plus.
The ring (El círculo) se puede ver en Acontra+, Midnight Factory y Tivify.
Viernes 13 y Jason X se pueden ver en HBO Max.
La noche de Halloween se puede ver en Fubo y Movistar Plus.
Viernes 13. 2ª parte, Viernes 13. 3ª parte, Viernes 13. Último capítulo, Viernes 13. Un nuevo comienzo y Viernes 13. Jason vive se pueden ver en SkyShowtime.
Viernes 13 (2009) se puede ver en Disney+, Prime y SkyShowtime.
Scream. Vigila quién llama se puede ver en Netflix y SkyShowtime.
Freddy contra Jason se puede ver en HBO Max y Planet Horror.
La princesa Mononoke se puede ver en Netflix.
La noche eterna se puede ver en Prime.
El tiempo de los amantes, Pánico en la ciudad, La última película y El doctor Mabuse se pueden ver en Filmin.
Sin techo ni ley se puede ver en Acontra+ y Tivify.
Deseando amar se puede ver en Filmin, Prime, Rakuten y RTVE Play.