Nominaciones Oscar 2020: Plataformas vs. salas de cine

Tras la entrega de los Globos de Oro el pasado fin de semana, hoy se han dado a conocer las nominaciones para los Oscar de este año. Sin grandes sorpresas, la lista de nominados confirma una vez que la transformación de la industria ya es un hecho, pero que todavía existe resistencia a tratar a las plataformas digitales de exhibición con el mismo valor que las vías tradicionales de proyección de películas. 

Netflix se gastó en 2019 unos 15.000 millones de dólares en la producción propia de películas y series de televisión, cifra que supera los 12.000 millones de 2018 y, con mucho, el presupuesto de la mayor parte de los grandes estudios de Hollywood. La plataforma digital ya ha conseguido entrar en los circuitos de los grandes festivales, donde las reticencias primeras han pasado a ser secundarias. Pero el Oscar se le resiste. Es como si la industria de Hollywood no terminara de "bendecir" esta ya consolidada nueva forma de exhibición. Y eso a pesar de tener este año películas tan notables como El irlandés (Martin Scorsese, 2019) o Historia de un matrimonio (Noah Baumbach, 2019).

Los Globos de Oro concedidos el pasado fin de semana han sido un toque de atención. Premiando a 1917 (Sam Mendes, 2019) como la Mejor Película frente a las dos producciones de Netflix (y otorgándole también el de Mejor Director), la Asociación de Críticos Extranjeros de Hollywood ha abierto las posibilidades de una competición notable en la próxima edición de los Oscar, y las nominaciones de los premios de la Academia de Hollywood lo han refrendado. Las nominaciones de la Academia de Hollywood y la Asociación de Críticos Extranjeros de Hollywood son casi calcadas, lo que en los últimos años ha restado algo de interés a las nominaciones de los Oscar.  

Así las cosas, Netflix tendrá de nuevo que tirar de chequera para tratar de conseguir ese Oscar a Mejor Película que tanto se le resiste. Recordemos que en la edición anterior consiguió 10 nominaciones por Roma (Alfonso Cuarón, 2018), de las que logró 3 Oscars, entre ellos el de Mejor Director, pero tuvo que gastarse más de 20 millones de dólares en la campaña de promoción de la película, por encima del propio presupuesto que tuvo la realización del film, unos 15 millones.

Pero la industria parece seguir apostando por el formato tradicional (afianzado por la proliferación de nuevos conceptos de exhibición ahora más extendidos como las pantallas IMAX), al margen de que la película de Sam Mendes sea todo un alarde de realización, algo que tanto gusta a los miembros de la Academia de Hollywood, como ya se demostró otorgándole el Oscar a Mejor Director a El renacido (Alejandro González Iñárritu, 2015). Digamos que 1917 (Sam Mendes, 2019) con sus 10 nominaciones será en este caso la película que represente es cine de formato tradicional pero con alardes técnicos que en las plataformas digitales se aprecian con menor intensidad que en una sala de cine. Sin olvidar tampoco las 10 nominaciones de Érase una vez en Hollywood... (Quentin Tarantino, 2019) que es, en su propio argumento, una mirada nostálgica al mundo del cine tal como parece que está desapareciendo. 

En los apartados interpretativos, casi parecen concedidos los Oscar de antemano a aquellos que desde hace tiempo vienen consiguiendo todos los premios de interpretación: Joaquin Phoenix por Joker (Todd Philips, 2019) y Renée Zellwegger por Judy (Rupert Gold, 2019), estando más abiertas las posibilidades en el apartado de Mejores actores y actrices de reparto. Sorprende la presencia por partida doble de Scarlett Johanson como secundaria por Jojo Rabbit (Taika Waititi, 2019) y como actriz principal por Historia de un matrimonio (Noah Baumbach, 2019).  

Desde que se anunciaron las nominaciones a los Globos de Oro en el apartado de Mejor Banda Sonora, la lista de posibles finalistas al Oscar parecía bastante clara, por más que esté formada en su mayor parte por nombres notables pero con trabajos de calidad mediana. Ahí están la tradicional e insulsa música de Alexandre Desplat para Mujercitas (Greta Gerwig, 2019), la espectacular pero mediocre banda sonora de Thomas Newman para 1917 (Sam Mendes, 2019) o la peor banda sonora de la saga de Star Wars compuesta por John Williams para Star wars: El ascenso de Skywalker (J.J. Abrams, 2019). Así las cosas, entre estos competidores de altura pero con trabajos poco alentadores, este debe ser el año de Hildur Guđnadóttir, la única compositora de la lista de nominados que ha conseguido un trabajo notable, envolvente, de gran calado psicológico y acople perfecto con el complejo mundo interior del protagonista de Joker (Todd Philips, 2019). Para nosotros, solo puede competir en interés la música de Randy Newman para Historia de un matrimonio (Noah Baumbach, 2019), que es un trabajo espléndido que arropa melódicamente esta historia de desmembramiento emocional. Pero cuidado porque en este apartado puede haber sorpresas.

Fuera de las nominaciones se quedaron algunas bandas sonoras más destacables de este año, como la música de Michael Giacchino para Jojo Rabbit (Taika Waititi, 2019), hermosa y divertida, uno de sus mejores trabajos hasta la fecha, pero injustamente olvidado. El consuelo de las seis nominaciones para esta espléndida película posiblemente se quedará en eso, en un consuelo sin premios, aunque merecería al menos el Oscar a Mejor Guión Adaptado, uno de los pocos casos en los que una película consigue transformar la novela original en algo completamente diferente, y con hallazgos narrativos que superan a la historia en la que se basa. 

Es una lástima que el año en el que Pedro Almodóvar consigue una de sus mejores películas, tenga que competir con ese fenómeno (por fenomenal y por la repercusión que viene teniendo desde Cannes) que supone Parásitos (Bing Joon Ho, 2019). Será muy difícil arrebatarle el Oscar, sobre todo además porque este año el director coreano ha conseguido 6 nominaciones para su película, por debajo de las 10 nominaciones que logró Alfonso Cuarón el año pasado (Oscar a Mejor Película Extranjera y Mejor Director). Así que algo le tiene que caer a la que sin duda es la película más relevante de 2019 (nada menos que 140 premios ha conseguido en festivales y galardones de la crítica). Nos queda al menos las dos nominaciones para Antonio Banderas (que termina este mes su presencia en el musical A Chorus Line en Málaga) y para la película Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019). Aunque también en este apartado hay que tener en cuenta la presencia del documental macedonio Honeyland (Tamara Kotevska, Ljubomir Stefanov, 2019), con dos nominaciones, aunque parece tener más posibilidades de ganar en la categoría de Mejor Documental. Precisamente, la ausencia de One child nation (Nanfu Wang, Zhang Lynn, 2019), la apuesta de otra plataforma digital como Amazon en el género documental, ha sido una de las sorpresas de estas nominaciones. 

La presencia española se completa con la nominación inesperada a la película de animación Klaus (Sergio Pablos, Carlos Martínez López, 2019), un proyecto nacido en Madrid, con proyección internacional y con el respaldo de Netflix, que la convirtió en uno de sus lanzamientos estrella de estas pasadas Navidades. 

Pero en general ha habido pocas sorpresas en las nominaciones de los Oscar, que parecen prácticamente calcadas de los Globos de Oro. Y posiblemente no demasiadas sorpresas entre los ganadores para una edición que parece casi de transición, sin ni siquiera contar con un presentador principal este año. Veremos en qué queda la irrupción de Netflix con dos películas nominadas en la principal categoría por primera vez en su historia, o si el fenómeno de Parasite será algo anecdótico o sentará algún precedente. 

El irlandés, Historia de un matrimonio, Dolor y gloria y Klaus se pueden ver en Netflix.
Jojo Rabbit se estrena el 17 de enero.
Judy se estrena el 31 de enero.

Las mejores bandas sonoras de 2019 (Septiembre-Diciembre): 2ª parte

En nuestra tercera parte, seguimos repasando las bandas sonoras más interesantes del panorama cinematográfico actual, deteniéndonos en la segunda mitad del año, y enfocándonos en los álbumes editados entre los meses de junio y agosto. Nuestro particular repaso pretende acercar a nuestros lectores aquellos trabajos musicales que nos parecen más destacados en este año 2019.

J'accuse - Alexandre Desplat
Warner Classics  8 / 11 / 2019

Al margen de su muy nominado trabajo para la nueva adaptación de la novela Mujercitas (Greta Gerwig, 2019), nos parecen muy superiores otras composiciones de Alexandre Desplat en 2019, especialmente sus colaboraciones con producciones europeas dirigidas por dos grandes directores como Comportarse como adultos (Costa-Gavras, 2019) o esta J'accuse (El oficial y el espía) (Roman Polanski, 2019). Especialmente en esta historia de espías, Alexandres Desplat desgrana un ramillete de contundentes composiciones que, desde el impetuoso "J'accuse" con el que se abre la banda sonora, mantiene en todo momento el ambiente tenso que acompaña a la trama. En todo caso, la película aporta una mirada fría y seca a esta investigación de un oficial militar sobre la posible colaboración de un capitán judío con Alemania, y la música tiene también ese aire distante, pero al mismo tiempo aporta buena parte del suspense, en temas magníficamente estructurados como "Alfred Dreyfus", leitmotiv del personaje objeto de la investigación. Es en este sentido en el que Alexandre Desplat aporta todo su talento para ofrecernos una visión poliédrica del personaje.La utilización de las cuerdas y el piano en temas como "L'attentat" nos recuerdan en ocasiones a los mejores trabajos de Ennio Morricone, especialmente en su colaboración con Roman Polanski en el thriller Frenético (Roman Polanski, 1988).

J'ai perdu mon corps - Dan Levy
Lakeshore Records  8 / 11 / 2019

Una de las más absorbentes películas de animación del año es ¿Dónde está mi cuerpo? (Jérémy Clapin, 2019), hermosa historia de iniciación amorosa que sin duda es de lo mejor que hemos visto recientemente en el género. Se trata del primer trabajo para una película de animación que ha realizado el compositor, del que conocemos otros trabajos suyos como El imperio de los lobos (Chris Nahon, 2005). Pero estamos ante un hermosa, bucólica y casi diríamos que mágica banda sonora que, a través de los sonidos de sintetizador, en forma de instrumentaciones de viento, consigue aportar esa doble vertiente de romanticismo y fantasía en la que se mueve la película. Desde el hermosísimo tema principal, "J'ai perdu mon corps", que nos introduce en la búsqueda que realiza una mano cortada del resto de su cuerpo, hasta los acordes más románticos de "Fluorescent", estamos ante un trabajo excepcional lleno de sensibilidad. La relación de amor está marcada más por las sonoridades de cuerdas, como en "Intuition", pero en todo momento tiene un aire de fantasía que casi parece introducirnos en una historia de ciencia-ficción, pero que contribuye a darle a la película ese carácter etéreo y mágico. Funcionan también las aportaciones que tienen un aire más de acción, como en la secuencia en la que el protagonista sigue a la chica de la que se ha enamorado, en "Rosalie".  Estamos ante un hermoso trabajo que aporta una fascinante mirada mágica a una de las mejores películas de animación del año. 

Marriage story - Randy Newman

Lakeshore Records  8 / 11 / 2019

No deja de ser curioso que para una historia trágica como ésta, se haya elegido a un compositor com Randy Newman. No porque no esté familiarizado con la composición de música para films dramáticos, sino porque su acercamiento a la música de cine tiene un aire de vieja escuela que, en principio, podría parecer no óptimo para esta historia. En todo caso, Randy Newman ya colaboró con el director Noah Baumbach en su anterior película, The Meyerowitz stories (New and selected) (Noah Baumbach, 2017), por lo que la elección parecía obvia. Y ciertamente la aportación del compositor es crucial en la película, aunque la presencia de la música no sea muy abundante. En los dos primeros temas de la banda sonora, "What I love about Nicole" y "What I love about Charlie", con los que también comienza la película en esos deseos de felicidad que plantea la relación de los protagonistas, Randy Newman ya pone sobre la mesa la base musical de su trabajo. Y será a lo largo de la historia, llena de altibajos emocionales, cuando la presencia de la música, en casi todo momento haciendo referencia a esos dos temas iniciales, sea la que nos recuerde el sentimiento amoroso que, en el fondo, recorre a los protagonistas. La música, en este caso, funciona en muchos momentos como ese elemento sensorial que nos identifica con los personajes, y de ahí su gran contribución. Hay momentos en los que parece que estemos escuchando al Randy Newman de El mejor (Barry Levinson, 1984), y en general de su filmografía junto al director, como ese "Procession to the Trailer". Randy Newman aporta principalmente el tono más amable, sin subrayar el drama, que el director plantea sin aspavientos, y esa es una de las mejores bazas con que cuenta la banda sonora.

The Mandalorian - Ludwig Göransson

Disney Records  12 / 11 / 2019 - 27 / 12 / 2019

Para la serie de televisión con la que se estrenó el nuevo canal digital Disney +, convertida en el mayor éxito de visualizaciones en una plataforma digital, la banda sonora viene firmada por el joven compositor sueco Ludwig Göransson, en racha tras conseguir el Oscar por Black Panther (Ryan Coogler, 2018), con proyectos tan estimulantes como la última película de Christopher Nolan, Tenet (2020). Disney + además estableció una insólita política en la edición de la música, publicando en los principales canales de streaming la banda sonora de cada capítulo, de forma que no estamos ante un álbum que resume el trabajo musical de una temporada, sino que tenemos la posibilidad de conocer las composiciones casi al completo. También resulta, por tanto, más difícil encajar en un pequeño resumen como éste los aciertos y errores del trabajo de Ludwig Göransson, pero sin duda es un planteamiento interesante y novedoso. Lo mejor y lo peor que se puede decir de la banda sonora es que se desentiende totalmente del universo musical creado por John Williams para la saga de Star Wars, y por el contrario, crea un concepto nuevo que, en cierta medida es lógico, porque se trata del spin off de un personaje secundario. En este sentido, el leitmotiv principal es todo lo contrario a la fanfarria orquestal de la saga de las galaxias, con una solitaria flauta que presenta a un personaje también solitario ("Hey Mando!"), hasta que entran las percusiones que marcan el compás del tema. Su desarrollo, no obstante, tal como va apareciendo a lo largo de la serie, se nos antoja casi más al universo musical de Rocky que al de Star Wars, y tiene más que referencias a las músicas compuestas por el propio Ludwig Göransson para Creed (Ryan Coogler, 2015). Es más interesante, en todo caso, cuando la banda sonora se despega de las sonoridades electrónicas para acercarse a esos aportes orquestales que marcan la estela de la saga. Especialmente a partir de la mitad de la serie, con temas como "Night riders", que encontramos en el episodio 5. Un trabajo disperso pero que logra momentos certeros sin necesidad de apoyarse en el legado de John Williams. 

A vida invisìvel de Euridice Gusmão - Benedikt Schiefer
Milan Records  15 / 11 / 2019 

Una de las películas que más nos han gustado este año ha sido esta producción brasileña que está dotada de una gran carga de romanticismo, pero también de tragedia y de revelación de la difícil situación de la mujer en la sociedad brasileña. La banda sonora está firmada por el compositor alemán Benedikt Schiefer, que suele introducir en sus trabajos musicales elementos de diseño sonoro a veces con cierto aire experimental, como en el thriller Seules les bêtes (Dominik Moll, 2019). La música de Benedikt Schiefer va más allá del simple subrayado musical, y envuelve con efectos de sonido y grabaciones en la naturaleza las escenas en las que se introduce, como en el ensoñador comienzo de esta película. Pero al mismo tiempo el compositor crea temas de profundo romanticismo trágico, como en el espléndido "Guida's dance" que funciona como uno de los temas principales de la película. Esta historia de separación de dos hermanas se desarrolla también en dos trazos diferentes en su banda sonora: la descripción del drama de las protagonistas, que se refleja en temas como "Dear diary", una continuación del tema principal, aquí interpretado por un piano con aire de tristeza; y la descripción de la esperanza del reencuentro, en composiciones de mayor luminosidad, pero también cargadas de tragedia, como "A whole life together". Es sin duda satisfactorio que se editen trabajos como éste, para una película que mereció una mayor atención en su distribución internacional. 

Ford v Ferrari - Marco Beltrami & Buck Sanders

Fox Music  15 / 11 / 2019

El compositor Marco Beltrami vuelve a colaborar con Buck Sanders en esta banda sonora que le permite abandonar cierta zona de confort en la que estaba situado en los últimos años para ofrecernos uno de esos trabajos creativos que hemos oido en otras ocasiones. Ya durante la celebración de los World Soundtrack Awards en Gante, Marco Beltrami nos comentó que ésta era una de las bandas sonoras que más ha disfrutado, utilizando casi exclusivamente una banda de instrumentistas solistas, sin elementos orquestales, para acercarse a la sonoridad de los años sesenta en los que se desarrolla la película. Los elementos electrónicos, por su parte, aportan el sonido más característico de los coches de carreras, en composiciones trepidantes como "Chasing Bandini" (que utiliza principalmente instrumentos como la guitarra y la percusión), y en general en todas las espectaculares secuencias de competición. En este sentido, Marco Beltrami y Buck Sanders consiguen crear un sonido único que funcionan perfectamente como complemento al rugir de los motores y como potenciador de la tensión de las escenas más trepidantes. Pero al mismo tiempo la música también también se acerca a los personajes, adoptando un estilo jazzístico, como en "Ferrari Factory" o en el excelente "Team player", que aborda la difícil decisión a la que se tiene que enfrentar el protagonista. Estamos una banda sonora que se distancia de otros trabajos de Marco Beltrami, pero al mismo tiempo tiene un sonido muy característico y la firma inconfundible de su autor. 

A Hidden life - James Newton Howard

Sony Classical  6 / 12 / 2019

La última película de Terrence Malick es una conmovedora historia en torno a los principios éticos de un campesino austríaco durante la II Guerra Mundial. La primera colaboración entre James Newton Howard y el director desemboca en una magnífica banda sonora, de tonalidad casi pastoral, que sin duda es uno de los grandes trabajos del año. Vida oculta (Terrence Malick, 2019) es la primera película del director que tiene una línea argumental continua desde El nuevo mundo (Terrence Malick, 2005), pero si en aquel caso la música compuesta por James Horner sufría ciertas mutilaciones en favor de composiciones clásicas, el trabajo de James Newton Howard parece haber sido más respetado, y contribuye a lo largo de la película a mostrar el sufrimiento de los personajes, pero rodeado de una belleza formal que en cierta medida evoca también al paisaje bucólico que les rodea. La música, con el violín como instrumento solista, nos recuerda en algunos momentos a otros excelentes trabajos del compositor, como aquella colaboración con el violinista Joshua Bell en Resistencia (Edward Zwick, 2008). Evocadora, hermosísima en muchos momentos, pero al mismo tiempo cargada de tristeza en la lectura de las cartas que se envían los protagonistas, hay momentos sublimes como ese largo tema "Love and suffering" que sigue la pauta de excelentes suites creadas por James Newton Howard. En las secuencias de la prisión y el sacrificio, la música se hace más dura, más siniestra, como en "Descent". En definitiva, estamos ante uno de los mejores trabajos musicales del año. 

Les envoûtés - Bruno Coulais

22D Music  12 / 12 / 2019

Breve y conciso trabajo del compositor Bruno Coulais para esta película basada en una novela de Henry James , que funciona a la perfección en su tonalidad de cierto aire de misterio pero al mismo tiempo de gran belleza formal. Coulais sostiene la música en la presencia solista del piano, acompañado por una reducida formación de cuerdas que otorga cierto grado de intimidad a la descripción de personajes, como en el tema "Coline cherche Simon", que interpretan solo los violines. A pesar de la corta duración de la banda sonora, que no llega a los 20 minutos, hay destellos de una gran belleza en composiciones como "Le vent du sud", que describe el escenario en el que se desarrolla la historia, rodeado de paisajes naturales. En general, la edición de las bandas sonoras compuestas por Bruno Coulais no suelen sobrepasar los 30 minutos, por lo que no estamos ante una excepción, sino todo lo contrario. Por su parte, "La porte bleue", tema principal de la película, es un excelente pasaje con el piano como protagonista, que podría recordar en algunos momentos a la música de Alberto Iglesias, y que funciona perfectamente como compendio de esa mezcla de delicadeza y al mismo tiempo intriga que se mantiene a lo largo de toda la banda sonora. 

Bombshell - Theodore Shapiro

Warner Records  13 / 12 / 2019

La aproximación de Theodore Shapiro a esta historia sobre el abuso de poder y el escándalo protagonizado por el principal gestor de Fox News, Roger Ailes, uno de los personajes más siniestros del mundo de la comunicación en Estados Unidos, es atractiva y al mismo tiempo singular. La banda sonora se mueve en dos terrenos diferentes. Por un lado, la descripción del personaje masculino "depredador", que es mostrado a través de percusiones contundentes, como en el muy descriptivo "Problems with women". Por otro lado, Theodore Shapiro da voz literalmente a las mujeres víctimas del abuso sexual a través de la presencia de tres voces femeninas: Caroline Shaw, directora de la formación vocal Roomful of Teeth; la vocalista Petra Haden, de la que recomendamos especialmente su album con el pianista Mark Kozelek "Joey always smiled" (2019, Caldo Verde Records); y la fundadora del grupo Bangles, Susanna Hoffs. Las tres acoplan sus espléndidas y diferentes tonalidades vocales para aportar presencia femenina en la banda sonora, a través de composiciones casi "a cappella" como el muy destacado "Elevator trio", magnífico en el subrayado musical del primer encuentro entre las tres protagonistas en un ascensor. O en el ritmo de vals que encontramos en "Accusers's waltz", interpretado por Caroline Shaw, sutil reflejo de la indefensión de las acusadoras frente a la maquinaria comunicadora del depredador. 

Seberg - Jed Kurzel

Music Film Recordings  13 / 12 / 2019

La irregular película presentada en la Mostra de Venecia que se centra en las vicisitudes a las que se enfrentó la actriz francesa Jean Seberg, protagonista de Al final de la escapada (Jean-Luc Godard, 1960), cuando el FBI la consideró sospechosa tras su implicación a favor de los derechos civiles, está marcada musicalmente por un ecléctico e interesante trabajo del australiano Jed Kurzel. Aunque la película recibió críticas poco satisfactorias, y en general tiene un aire de telefilm que resulta convencional, es destacable el trabajo del compositor, que desgrana un ramillete de creaciones musicales que van desde la aportación de cuerdas que transmiten cierta soledad de la protagonista, hasta la introducción de elementos electrónicos que contribuyen a resaltar la persecución a la que se sometida. Temas como "Break in" aportan cierta luminosidad, pero en general se trata de una banda sonora que contribuye a resaltar el dramatismo de la historia, en composiciones de suspense como "Party talk" o "Floating Jean". Hay referencias a la película de la que fue musa la actriz, en "Breathless", y sonoridades casi experimentales, también referenciando a la Nouvelle Vague, de género jazzístico como en el electrizante "Typewriter". La música adopta un cariz misterioso en ocasiones, a través del piano, que interpreta una melodía triste y al mismo tiempo tétrica en "The folder", que cierra la banda sonora con una sensación de desasosiego. 

The song of names - Howard Shore

Decca Records  13 / 12 / 2019

La última película del director francés François Girard nos trae también el último trabajo musical de Howard Shore para una historia que se desarrolla a lo largo de varias décadas, que tiene como telón de fondo la II Guerra Mundial y que está protagonizada por un violinista aventajado. Todos estos elementos son perfectos para un compositor de la talla de Howard Shore, lo que le ha permitido moverse en tres vertientes distintas: por un lado, la elección de músicas clásicas del siglo XX, de autores como Paganini, para ser utilizadas en la película; por otro lado, la composición de una pieza de concierto para el clímax; y por otro, la creación de la música original que subraya las escenas. Estos tres aspectos confluyen de una forma excepcional en este trabajo. "The Song of the Names for Violin and Orchestra" es una hermosa composición de sonoridad judía que está interpretada por el violín solista del joven talento Ray Chen, que participa también en otros pasajes de la banda sonora. Por su parte, la música presente en las escenas de la película tienen el sello característico de su autor, en creaciones más livianas como "Bicycling" o en composiciones más dramáticas como el intenso "It ended in silence". El violín de Ray Chen soporta principalmente los temas principales, aportando un aire "yidish" que también nos sitúa en el contexto histórico, como en "Synagogue 1947" o en  "Treblinka Memorial". Mientras que la voz solista de Daniel Mutlu otorga una condición casi alegórica a temas como "The song of names prayer". 

Uncut gems - Daniel Lopatin
Warp Records  16 / 12 / 2019

A la lista de interesantes aportaciones electrónicas en el campo de las bandas sonoras este año podemos añadir esta singular aportación de Daniel Lopatin, que aporta un enfoque interesante a su nueva colaboración con los Safdie tras aquella Good time (Benny Safdie, Josh Safdie, 2017) que también funcionaba como creación de un entorno sonoro particular. Desde la chocante escena introductoria del film, ya comprobamos que el trabajo de Daniel Lopatin circula por caminos nada convencionales, con ese tema de sonoridades casi místicas que se introduce en los 8 minutos de "The ballad of Howie Bling". A partir de ahí, la película de los hermanos Safdie es una sucesión de situaciones cada vez más insólitas que le ocurren al protagonista, un gilipollas que no puede evitar toma decisiones incorrectas. Es, como el protagonista de aquella otra película, un antihéroe, y la música no hace más que subrayar esa condición de personalidad perdida, adquiriendo una tonalidad que está muy cerca de los sonidos electrónicos de Tangerine Dream o Giorgio Moroder en los años 80. La música de Daniel Lopatin no es un simple enunciado de la asfixia del protagonista (en composiciones como "School play"), sino que funciona como aportación casi contradictoria en algunas escenas, como la discusión entre el personaje principal y su novia después de que ésta le haya puesto los cuernos con el cantante The Weeknd, que es subrayada con una tema coral, casi vikingo ("Fuck you Howard"), que aporta una mirada irónica a la absurda situación. Esta es la principal 

Togo - Mark Isham

Disney Records  20 / 12 / 2019

Una de las propuestas del nuevo canal digital Disney + para el mes de diciembre fue esta película de aventuras, muy cercana a la historia real del perro Balto, con Willem Dafoe como protagonista. Para ella, el compositor Mark Isham ha creado la que quizás sera una de las mejores bandas sonoras del año para una historia de aventuras. La música sigue los parámetros clásicos del género, utilizando una orquesta con predominio de instrumentos  de cuerda, y la utilización del violonchelo que nos retrotrae con cierto aire de nostalgia a la América profunda, como en el sosegado "Determination". Hay hermosísimos pasajes como "To lead", que aportan grandiosidad a la historia y reflejan la condición heróica de los protagonistas, y también espléndidas suites que aportan cierto grado de asfixia como en "Perilous sound", con una magnífica utilización de las percusiones en contraposición con el violonchelo solitario que describe al protagonista. Y encontramos en el tema final "Harnessed to your heart" un reflejo del espléndido trabajo de Mark Isham en esta banda sonora, con una sensibilidad melódica que está por encima de lo que hemos escuchado en los últimos meses. Marl Isham es un compositor que suele contribuir con excelentes trabajos musicales, aunque a veces camina por circuitos algo trillados. Pero cuando consigue creaciones cargadas de fuerza como ésta, nos da bandas sonoras de gran intensidad.  

El silencio del pantano - Zeltia Montes

Quartet Records  26 / 12 / 2019

Interesante trabajo de tono asfixiante creado por la compositora madrileña Zeltia Montes para este thriller situado en la comunidad valenciana. La música es de tono oscuro, lo que está representado por esa sonoridad grave que aportan los violonchelos durante casi todo el tiempo, especialmente en momentos de suspense como "Las cañas". Este sonido que resulta en ocasiones tan incómodo como lo son las propias imágenes, se da la mano con otros pasajes de corte electrónico que establecen la frialdad de la alta sociedad valenciana, pero también se incorpora en una suerte de entramado caótico en composiciones como "La droga", que suponen un acercamiento psicológico y desasosegante. Hay excelentes momentos musicales que, aun siguiendo las pautas habituales de la música para cine negro, tienen una contundencia notable, como los misteriosos "Eliminar pruebas" y "A mi", que destacan la condición de thriller para introducirnos en la oscuridad de una trama que Zeltia Montes no enfatiza desde el punto de vista de la ambientación, sino más bien desde la perspectiva de la oscuridad moral de los personajes. 

Mimi and the mountain dragon - Rachel Portman

Decca Classics  26 / 12 / 2019

La BBC estrenó estas Navidades este cortometraje que está basado en el cuento del escritor Michael Morpurgo. Aunque no hemos tenido oportunidad de ver el cortometraje, el hecho de que tanto la película como la propia banda sonora duren unos 25 minutos indica que la música de la compositora Rachel Portman está presente en cada momento. Y sin lugar a dudas, tras su audición, está claro que se trata de una música descriptiva, que nos hace introducirnos en la ambientación y la acción que transcurre en esta historia sobre una niña que encuentra un dragón bebé e inicia un viaje fantástico para tratar de devolverlo a su madre. Rachel Portman aporta en esta banda sonora una espléndida composición que desde el tema de inicio, "Opening and a little girl called Mimi", ya nos introduce en un mundo de fantasía que después se sostiene en los sonidos de las flautas para el momento en el que la protagonista encuentra al dragón bebé. El tema principal, en todo momento presente, es hermoso y muy en línea con el estilo característico de la compositora, divertido y sencillo, y se vuelve más dramático en pasajes como "Climbing the mountain". Son hermosas también las dos canciones que se incluyen en la banda sonora, "Lullaby" y "Mimi's song", interpretadas por las actrices Claire Martin (la madre) y Esther Graves (Mimi).

¿Dónde está mi cuerpo? e Historia de un matrimonio se pueden ver en Netflix.

Diamantes en bruto (Uncut gems) se estrena el 31 de enero en Netflix.
Vida oculta y Bombshell (El escándalo) se estrenan el 7 de febrero. 
La canción de los nombres olvidados se estrena el 20 de marzo.

Las mejores bandas sonoras de 2019 (Septiembre-Diciembre): 1ª parte

En nuestra tercera parte, seguimos repasando las bandas sonoras más interesantes del panorama cinematográfico actual, deteniéndonos en la segunda mitad del año, y enfocándonos en los álbumes editados entre los meses de junio y agosto. Nuestro particular repaso pretende acercar a nuestros lectores aquellos trabajos musicales que nos parecen más destacados en este año 2019. 

Marianne & Leonard: Words of love - Nick Laird-Clowes

Rhino  6 / 9 / 2019

Nick Laird-Clowes, miembro de la banda de música de los ochenta The Dream Academy, y en los últimos años implicado en la composición de música de cine, especialmente en documentales y en los últimos proyectos de Nick Broomfield, entre ellos el irregular Whitney: Can I be me (Nick Broomfield, Rudi Dolezal, 2017), colabora de nuevo con el documentalista británico en otro retrato sobre un músico, en este caso la relacion entre Leonard Cohen y su musa, Marianne Ihlen en la película Marianne & Leonard: Words of love (Nick Broomfield, 2019). El compositor opta por una banda sonora que se construye con elementos sencillos: la guitarra como instrumento principal, creando esa sensación de intimidad en la pareja, y una voz solista femenina que otorga el componente de inspiración mística que supuso la protagonista para el músico canadiense. Es en esta vertiente más intima, más sensual también, en la que funciona mejor el trabajo musical de Nick Laird-Clowes. Y es ese su principal logro como creador de una atmósfera especial, como en el precioso tema solista "On the roof terrace", o en la introducción del acordeón Y la voz solista masculina en "Accordion", contrapunto perfecto a la femineidad que desprende el resto de la banda sonora.

Sordo: The silent war - Carlos M. Jara
MovieScore Media  13 / 9 / 2019

La película de Alfonso Cortés-Cavanillas está situada en el año 1944, en la posguerra española de los maquis que aún trataban de sobrevivir en los montes. Pero está construida como si se tratase de una historia del Oeste, homenajeando a los spaghetti-westerns. En este sentido, Carlos M. Jara construye también una banda sonora que deambula entre la épica y el intimismo para rendir homenaje a Ennnio Morricone y sus trabajos más recordados. La introducción de instrumentos solistas como la harmónica o la trompeta son claros ejemplos de este tributo. Y excelentes composiciones melódicas como "Rose's Theme", nos recuerdan asimismo al maestro italiano. Sordo. The silent war es una banda sonora de gran calado musical, y sin duda ha debido ser una experiencia emocionante el estreno de la película con música en directo, acargo de la orquesta Mad4Strings, de la que es fundador y titular. El principal problema, no obstante, no está en la música en si misma, sino en su aplicación en la película, que resulta excesiva y anti-narrativa en ocasiones, lo que difumina el buen resultado de un trabajo de gran calidad musical.

Finis Terrae - Christoph Zirngibl
MovieScore Media  20 / 9 / 2019

El joven compositor alemán Christoph Zirngibl se enfrenta a su trabajo más ambicioso en este documental que reflexiona sobre el final de una era política con la práctica desaparición del comunismo a través de hitos importantes como la muerte de Fidel Castro o la caída del muro de Berlín. Se trata de un documental con cierto aire melancólico, y a esto contribuyen también diferentes pasajes de la banda sonora,como el tema principal, "Finis Terrae", que subraya en buena manera esa tonalidad ambiental. Pero el compositor  propone asimismo cierta esperanza de futuro en creaciones como "The secret City", que introduce elementos vocales femeninos para aportar el lado humanista a través de esos sueños de supervivencia no cumplidos en muchas ocasiones. Con una estructura minimalista, en contraposición encontramos también la descripción musical de los paisajes y las construcciones que han contribuido a la evolución política de las últimas décadas, reflejado también en el triste pero hermoso pasaje "Requiem for a Century". Excelente trabajo que nos descubre a un compositor a tener en cuenta.

Skin - Dan Romer

Lakeshore Records  20 / 9 / 2019

A la espera de su aportación la serie de películas de James Bond con su banda sonora para la película Sin tiempo para morir (Cary Joji Fukunaga, 2020) (*), uno de los trabajos más interesantes del compositor Dan Romer publicado este año es la adaptación del cortometraje Skin (Guy Nattiv, 2018) que ganó el Oscar el año pasado. Basada en una historia real en torno a un componente de bandas callejeras que decide cambiar su vida, la música compuesta por Dan Romer comienza con contundencia, apoyada en un uso poco convencional de los violonchelos y creando así una atmósfera enrarecida y violenta. Así, "Permanent marks" es uno de esos temas que nos transmite la sensación de peligro, al igual que las percusiones en "In a place of prayer". Pero cuando el protagonista comienza su proceso de transformación, la música también se hace más melódica y emocional, y desaparecen los elementos violentos, como en ese hermoso "Letting go of the wheel" que transmite una sensación de esperanza, casi etérea, con el uso de las instrumentaciones electrónicas. Estamos ante una banda sonora corta, de unos 17 minutos, pero que transmite muchas más sensaciones que otros trabajos más ambiciosos de esta temporada. 

Les sauvages (Los salvajes) - Rob

Hippocampus  23 / 9 / 2019

El compositor francés Rob vuelve a trabajar para la television en la serie Les sauvages (Canal +, 2019-), un thriller en totno a dos familias enfrentadas en las altas esferas de la política. Aunque la serie no ha cosechado buenas criticas, sí resulta destacable su banda sonora, una nueva incursión de Rob en las sonoridades electrónicas con cierto aire minimalista y en algunos momentos, como en el tema principal, "Overture aux sauvages" algunas reminiscencias al excelente trabajo de Anthony Britell para la serie Succession {HBO, 2017-). Pero en buena medida podemos considerar Les sauvages como una comtinuacion estilística de las composiciones de Rob para la aclamada serie Le bureau des légendes (Canal +, 2015-), porque sigue utilizando utilizando caminos similares en la creación de cierto inquietante acercamiento a los entresijos de la alta sociedad política francesa, aquí con una tendencia más marcada hacia el minimalismo, como en las diferentes variaciones que te encontramos en torno al tema principal, como en "Zawaj". Si bien es cierto que en otros trabajos de Rob hay una intención más cercana a la creación de temas ambientales, aqui funcionan especialmente bien aquellas composiciones que introducen elementos de acción, como en el espléndido "Nerouche", que aportan las dosis de suspense necesarias a las imágenes. 

Le Dindon - Ludovic Bource

Pathe Productions  25 / 9 / 2019

A pesar de la repercusión que obtuvo su trabajo musical para la película The artist (Michel Hazanavicius, 2011), por la que ganó el Cesar francés, el BAFTA, el Globo de Oro y el Oscar, la trayectoria cinematográfica posterior del compositor Ludovic Bource ha sido escasa, y solo ha intervenido en contadas producciones, la mayoría comedias francesas de escaso interés. Afortunadamente, el músico nos ofrece en Le dindon (Jalil Lespert, 2019), otra comedia con criticas nada complacientes, un regreso a ese estilo que en The artist funcionó a la perfección. Se trata de una banda sonora que bebe directamente de las fuentes del cine clasico francés, y en ocasiones tiene reminiscencias de Georges Delerue y Michel Legrand, no por casualidad, ya que esta historia de enredos entre parejas se desarrolla en los años sesenta. De esta forma, Ludovic Bource nos ofrece una muestra de lo que mejor se le da, bucear en ñas sonoridades de la comedia clásica para construir una partitura que se divierte entre pasado y presente con un ramillete de temas inspirados e irónicos, desde ese entretenido tema principal que vemos desarrollado en fragmentos excelentes como "Il flagrante delicto". 

Au nom de la terre - Thomas Dappelo

Nord-Ouest Films  25 / 9 / 2019

No abandonamos Francia para hablar de otra película estrenada este otoño, en este caso el drama Au nom de la terre (Edouard Bergeon, 2019), que cuenta con un espléndido trabajo del compositor Thomas Dappelo. La historia, basada en la vida familiar del director, se desarrolla en el campo francés, y tiene una primera parte de construcción familiar basada en la unidad, pero se adentra en la segunda parte en caminos más oscuros que tienen que ver con la dificultad del patriarca para mantener económicamente su patrimonio. En este sentido, se trata de un homenaje a las dificultades que viven los agricultores franceses, y este apego a la tierra está muy presente en la banda sonora de Thomas Dappelo, que en ciertos momentos tiene sonoridades a cine del Oeste, con la utilización de guitarras y acordeones. Resulta en esta parte una banda sonora delicada y hermosa ("Au nom de la terre"), que conforme se desarrolla se va adentrando por sonidos más oscuros ("En ruine") introduciendo elementos electrónicos casi como una amenaza para la supervivencia  tradicional en el campo. Estamos ante un excelente ejemplo de una banda sonora que funciona tanto en el terreno emocional como psicológico.

Noah Land - Leon Gurvitch

MovieScore Media  27 / 9 / 2019

Leon Gurvitch es un pianista, compositor y director de orquesta bielorruso que reside en la ciudad alemana de Hamburgo desde 2001. Sus trabajos para el cine incluyen pocas bandas sonoras, entre las que se encuentra este drama del director turco Cenk Ertürk. Su aportación, que se estructura en suites, aporta una belleza melódica a las imágenes, apoyando la difícil relación entre padre e hijo protagonistas, y también introduciendo elementos que se sostienen en el paisaje rural turco. Al margen de la creación de hermosos temas melódicos como "Noah Tree Suite", que se divide en tres partes, las creaciones más interesantes las encontramos en diversas improvisaciones que realiza el compositor al piano, incorporando usos diversos y nada convencionales a las teclas, como en "Improvisation I". Sin duda, se palpa en la banda sonora la formación y desarrollo clásico del compositor, que conforma aquí una estructura diferente a la convencional para una banda sonora. En este sentido, Leon Gurvitch aporta una sólida creación musical que nos ofrece espléndidos ejercicios de coposición melódica como en "Melody for cello and piano", una intimista interpretación con la que se cierra el álbum. 

Joker - Hildur Guðnadóttir

WaterTower Music  2 / 10 / 2019

Sin duda es el año de esta compositora a la que pudimos conocer en la última edición del World Soundtrack Awards. Y sin duda, frente a competidores que para nosotros elaboran trabajos más convencionales, merece conseguir el Globo de Oro y el Oscar por saber elaborar una banda sonora eminentemente psicológica que contribuye notablemente a entender la evolución del protagonista. La música de Hildur Guðnadóttir se desarrolla al mismo tiempo que el personaje y, mas que en otros casos, es absolutamente inseparable de él, pero manteniendo un estilo muy personal que ha convertido a esta compositora en una rara avis en el panorama cinematográfico de Hollywood. Más que cualquier otra banda sonora de este año, el trabajo musical de esta película es notable e hipnótico, y contribuye de manera esencial a construir una cinta insólita. Ese inquietante y al.mismo tiempo de envolvente tema "Meeting Bruce Wayne" o por supuesto esa ya clásica escena de transformación del personaje principal en "Bathroom dance" con composiciones que se nos quedan en la retina más que cualquier otra esta temporada. Y, sí, está John Williams con el cierre de las nueve películas de Star Wars; y estarán posiblemente Alexandre Desplat y Alberto Iglesias, pero este año debe ser el año de una compositora que ha construido una forma insólita de acercarse a la música para una película. 

Lucy in the sky - Jeff Russo

Lakeshore Records  4 / 10 / 2019

Se esperaba con interés el debut en el largometraje de Noah Hawley, creador de series como Legión (FX, 2017-2019) o la adaptación televisiva de Fargo (FX, 2014-). Y, aunque finalmente decepciona como relato cinematográfico, sí es cierto que encontramos algunas de las características visuales de estas series. Como la utilización del cambio de formato para ofrecernos los momentos de liberación psicológica de la protagonista o aquellos en los que se encuentra más oprimida, que son los de una vida familiar que resulta asfixiante, y que tendrá consecuencias dramáticas. El habitual colaborador de Noah Hawley, Jeff Russo, que ha compuesto la música de casi todas sus series, elabora también un trabajo "bipolar", que contiene elementos más liberadores cuando la protagonista está desarrollando su trabajo como astronauta, que encontramos desarrollado en "Lucy's Theme (Theme 4)", una suite de 9 minutos que nos introduce en la mente de la protagonista (con esa flauta solitaria que también define la soledad placentera en la que se encuentra). Y al mismo tiempo encontramos sonidos más graves y más constreñidos cuando el personaje de Natalie Portman se siente atrapada psicológicamente, como en "Feel it all". Hay excelentes aportaciones casi diríamos que experimentales en composiciones como "Lucy's pressure (Theme 1 H&M Test)" que ahondan en el carácter eminentemente psicológico de la banda sonora, que complementa a la perfección el estudio de personaje que realiza el director. 

Judy - Gabriel Yared

Decca Classics  11 / 10 / 2019

Para la película en torno a la última etapa de la carrera de Judy Garland, Gabriel Yared ha elaborado uno de esos trabajos elegantes y de gran belleza que suelen ser característicos de su música. Y ciertamente no es fácil apoyar musicalmente un biopic en torno a una cantante, porque la inclusión de algunas de sus interpretaciones más conocidas podía haber dejado en segundo plano la labor del compositor. Pero el concepto intimista de la historia hacía necesario el apoyo de una banda sonora con buen armazón, y en eso Gabriel Yared acierta plenamente. Su música en todo caso está más imbricada con los flashbacks que se van incorporando a lo largo de la historia, mostrando la etapa de juventud de Judy Garland como estrella del cine, experiencia que resulta más traumática que emocionante. Ahí es donde brilla especialmente la música de Gabriel Yared, porque es donde adquiere principal protagonismo, en temas como "Birthday flashback", hermoso y al mismo tiempo tremendamente triste. El soporte de este tema se encuentra en el leitmotiv protagonista, el que define desde el punto de vista melódico y también psicológicamente, a la estrella de la película. Suponemos, a tenor de la diferencia entre la música editada y la presencia de ésta en la película, que parte de las contribuciones de Gabriel Yared se quedaron en la sala de montaje, porque en la película no aparecen, especialmente en los pasajes que conciernen al presente. Pero eso no desmerece el trabajo del compositor.

Ad Astra - Max Richter, Lorne Balfe, Nils Frahm

Deutsche Grammophon  18 / 10 / 2019

Estamos ante un caso muy particular en el terreno de las bandas sonoras. Las circunstancias que rodearon al estreno de la película provocaron la incorporación del compositor Lorne Balfe para complementar el trabajo previo de Max Richter. La película, tras los nefastos comentarios en los pases previos, sufrió una nueva edición, que incorporaba algunas escenas y daba más fuerza a ciertos personajes en el tramo final, y esta reedición fue la que provocó la necesidad de nuevos temas musicales que, ante la imposibilidad de contar con Max Richter por problemas de agenda, recayó en Lorne Balfe. Lo mejor que podemos decir de este añadido musical es que este último consigue mantener el tono y el estilo que ya ha sembrado Max Richter en la banda sonora, pero incorpora elementos menos ambientales y más descriptivos. La mayor parte de la banda sonora, no obstante, viene firmada por Max Richter, que ha creado una de esas composiciones que casi podríamos describir como una suite electrónica en torno a la vida en el espacio. Los que conocen el trabajo del compositor encontrarán algunas de sus constantes, como esos etéreos temas con alto contenido melódico y buenas dosis de amargura, que aquí encontramos en "Event Horizon", por ejemplo. Richter incorpora las sonoridades eminentemente electrónicas a esta historia especial, pero en ocasiones las confronta con instrumentos tradicionales y con pinceladas vocales que en cierta medida conectan este trabajo con la música religiosa clásica, especialmente la obra de Johan Sebastian Bach, que aquí es citada con "Erbarme Dich", de La Pasión según Mateo (c. 1727-1729). La banda sonora se completa con la aportación de Nils Frahm con el tema "Says", una de sus composiciones más conocidas, incluida en el album "Spaces" (2013, Erase Tapes). 

The lighthouse - Mark Korven

Milan Records  18 / 10 / 2019

Una de las películas más inquietantes del año es esta nueva incursión del director Robert Eggers en los terrenos del terror psicológico, tras su aclamada película The witch (Robert Eggers, 2015). Le acompaña en este segundo largometraje como director el compositor canadiense Mark Korven, que explora nuevamente sonoridades oscuras y absorbentes. El comienzo, con "The arrival" nos recuerda a ese inquietante "Fog Tropes" del músico Ingranm Marshall con el que Martin Scorsese rodeaba la llegada a la isla en Shutter Island (Martin Scorsese, 2010), especialmente en el uso de los instrumentos de viento. De hecho, la primera intención de director y compositor era la de no utilizar ningún instrumento de cuerda en la banda sonora, aunque finalmente el director cedió ante la necesidad de introducir elementos de cuerda que funcionan siempre en el universo del género de terror. No obstante, predominan las sonoridades de viento en un trabajo eminentemente experimental, que a través de la creación de sonoridades extrañas e incómodas en ocasiones, consigue adentrarse en este viaje a la locura que protagonizan los dos personajes aislados en una isla desierta y misteriosa. Esta introducción de instrumentos de cuerda funciona especialmente bien en temas como "Stranded", intenso y contundente, o con la introducción del instrumento de origen sueco nyckelharpa en "Curse your name/Dirty weather". No es una banda sonora fácil de escuchar aislada de la película, pero junto a ella consigue, al igual que la excelente fotografía en blanco y negro, un efecto aterrador. 

Matthias & Maxime - Jean-Michel Blais

Mercury Classics  25 / 10 / 2019

La última película del actor y director Xavier Dolan es una pequeña historia sobre cómo dos amigos desde la infancia comienzan a replantearse su relación tras participar en un cortometraje en el que tienen que interpretar a dos amantes. La banda sonora supone el debut en el cine del pianista y compositor canadiense Jean-Michel Blais, que crea un trabajo eminentemente apoyado en el piano. Inspirado en las composiciones de Schubert, según declaraciones suyas, la música es al mismo tiempo delicada y emocional, y en este uso del piano como instrumento único otorga un aire de intimidad al proceso vital que viven los personajes protagonistas. Hay ciertas sonoridades casi diríamos que minimalistas en temas como "Les feuilles mortes", pero también encontramos esa cadencia clásica en "Le solitude". Quizás le sobra a la banda sonora la constante presencia de elementos sonoros de fondo, provenientes del sonido directo de la película, que a veces funcionan como contrapunto realista, pero que en otras acaba siendo molesto. Especialmente intenso es el romanticismo desbordante que encontramos en el precioso tema final, "Un autre amour", que en cierta medida conecta directamente con el álbum autónomo que editó Jean-Michel Blais también en 2019, "Dans ma main" (2019, Arts & Crafts), absolutamente recomendable. 

Motherless Brooklyn - Daniel Pemberton

WaterTower Music  25 / 10 / 2019

El debut como director y guionista del actor Edward Norton es una incursión en el universo del cine negro de los años cincuenta que, aunque no termina de cuajar, consigue esa necesaria ambientación claramente "noir" que le otorgan excelentes labores técnicas como la fotografía de Dick Pope y la música de Daniel Pemberton. El compositor británico consigue una espléndida banda sonora con aires de los años 50, que se plasma en magníficos pasajes como "Fire it up", con la utilización principal de instrumentos de percusión y de viento. La intención de Daniel Pemberton en este sentido es la de interpretar el estilo de la época, pero utilizando instrumentos más modernos y sin duda se trata de un acercamiento original y absolutamente efectivo. La película tiene como parte de los escenarios un club nocturno de Harlem en el que uno de los personajes secundarios es un trompetista, y para esas escenas Pemberton ha contado con la colaboración de Wynton Marsalis y su banda, además de contar con una canción escrita por Thom Yorke para la película. Pero donde realmente brilla la banda sonora es en aquellos temas que describen los momentos de acción, como en "Emergency room", y también en las escenas más intimistas, como el hermoso "Motherless Brooklyn" que interpreta Daniel Pemberton al piano. 

Mon chien Stupide (Buenos principios) - Brad Mehldau

Brad Mehldau  28 / 10 / 2019

La última comedia dirigida por el actor y realizador francés Yvan Attal se centra en un escritor de novelas que se replantea su vida cuando un enorme perro acaba instalándose en su casa. Aunque irregular, la película cuenta con una excelente banda sonora que firma el pianista de jazz Brad Mehldau, nominado al Grammy, que aquí se incorpora por primera vez al mundo del cine. Por supuesto, su contribución musical gira en torno al jazz, con espléndidas y complejas composiciones, como "Henri's lament". Pero la aportación de Brad Mehldau se construye también en torno a delicados temas de piano como el que dedica a la protagonista femenina (interpretada por Charlotte Gainsbourg), "Cecile" o "Paranoid android", pero también con un toque de nostalgia en la composición para piano y trompeta que está presente en temas como "Pauline's departure" , más desarrollado en "Peace". Para la representación del caos que supone la llegada del perro a la vida del protagonista, Brad Mehldau opta por improvisaciones al piano que representan la anarquía `pero al mismo tiempo tienen una estructura bien definida. 

Un monde plus grand - Valentin Hadjadj

Haut et Court  30 / 10 / 2019

El joven compositor francés Valentin Hadjadj sorprendió el año pasado con su trabajo para la película Girl (Lukas Dhont, 2018), y de nuevo nos ofrece una hermosa y elegante banda sonora para este drama algo exagerado que dirige Fabienne Berthaud. La historia, que comienza cuando la protagonista debe superar la muerte del amor de su vida, tiene un leitmotiv triste pero al mismo tiempo elegante, en el tema "Paul" con el que se abre la banda sonora. Por su parte, la llegada a Mongolia de la protagonista, que supondrá su liberación como persona y su constatación de que existe "un mundo más grande", se nos presenta con la flauta solista como acompañamiento de un viaje que en cierto sentido supone no solo una transformación física sino también moral ("Arrivée en Mongolie"). Es a partir de este momento que la banda sonora toma un carácter casi etéreo y mágico, especialmente en temas como "Dans la forêt" o "Chaman", que proponen un acercamiento más psicológico. Esta liberación que supone para la protagonista el descubrimiento de otro mundo diferente se palpa especialmente en el tema con el que se cierra la banda sonora, "Corine", que es una variación del tema de "Paul" que abría el álbum pero con un aire mucho más optimista y liberador. 


Los salvajes se puede ver en Movistar+.

Judy se estrena en España el 31 de enero.
Skin se estrena en España el 6 de marzo.
Matthias & Maxime se estrena en España el 4 de abril.



(*) Actualización 8 de enero: Según fuentes de la revista Variety, el compositor Dan Romer fue despedido de la producción de Sin tiempo para morir, siendo sustituido por Hans Zimmer.