10 mayo, 2019

Las mejores bandas sonoras de 2019: (Enero-Abril) 2ª parte

Nuestro repaso a las bandas sonoras más destacadas editadas en los primeros meses de 2019 se detiene en una segunda entrega en la que seguimos ofreciendo un ramillete de interesantes trabajos musicales para el cine y la televisión. Esta es nuestra lista de bandas sonoras que consiguen resultados más que satisfactorios en su acoplamiento con las historias que las sostienen.  


Domani è un altro giorno - Maurizio Filardo
RTI  1 / 3 / 2019

Esta versión italiana de la película Truman (Cesc Gay, 2015) es quizás una de las más acertadas de los remakes internacionales que se han hecho de ella. Domani è un altro giorno (Simone Spada, 2019) mantiene el tema principal de la amistad como elemento fundamental de la trama y es lo suficientemente fiel a la versión original como para equilibrar las escasas novedades que incluye el guión. La música también mantiene una cierta cohesión con Truman. La banda sonora original de Nico Cota para la película de Cesc Gay utilizaba la guitarra como instrumento solista para elaborar una intimista composición que ahondaba en la relación de amistad de la pareja protagonista. Y aquí el compositor Maurizio Filardo diversifica el uso de instrumentaciones con piano y guitarra, pero con ésta aún en primer plano, para elaborar una sencilla creación desde el punto de vista melódico, pero dotada de una gran sensibilidad. Como en aquélla también, los elementos jazzísticos están muy presentes y de hecho el tema principal, "Un amico per sempre", tiene esa sonoridad de jazz que cumple perfectamente su función de descripción de la amistad. La banda sonora contiene también composiciones más elaboradas, como ese "Kakao" que juega con percusiones de sonoridad latina, e incorpora para el personaje de Truman, el perro que acompaña a los dos protagonistas, un tema estrictamente jazzístico, con instrumentaciones de viento. Es, sin duda, una banda sonora que desarrolla con acierto algunas de las ideas que ya estaban presentes en la película original. 

Le mystère Henri Pick - Laurent Perez del Mar
Gaumont  1 / 3 / 2019

Esta película francesa de misterio con toques de humor, estrenada solo en su país de origen, tiene entre sus principales virtudes un guión inteligente, una actuación espléndida del gran Fabrice Luchini como un crítico literario pedante y una banda sonora especialmente lograda del compositor Laurent Pérez del Mar, que ya colaboró con el director en la cinta de animación Zarafa (Rémi Bezançon, Jean-Christophe Lie, 2012). El tema principal, de constante presencia a lo largo de toda la banda sonora, es a la vez dinámico y enigmático, uno de los grandes aciertos de este trabajo musical, que está especialmente bien desarrollado en el tema "Le dénouement". Pero destaca sobre, en composiciones en las que predominan los instrumentos de cuerda, la utilización de otros instrumentos que no son habituales en este tipo de trabajos, como las percusiones, que aportan un cierto tono irónico a una historia que tiene también elements humorísticos. Laurent Pérez del Mar se divierte al final de la banda sonora creando una serie de variaciones del tema principal que interpreta al piano, en el magnífico "C'est mystérieux (Variations autour du théme d'Henri Pick)".

The aftermath - Martin Phipps
Fox Music  1 / 3 / 2019

Este drama romántico-bélico que en España se estrena con el título El día que vendrá (James Kent, 2019) cuenta con una sobria banda sonora compuesta por el británico Martin Phipps, interesante compositor que ha destacado especialmente en televisión con su trabajo en series como Wallander (BBC, 2008-2016) o Peaky Blinders (BBC, 2013-). Aquí desarrolla un logrado repertorio de música para cuerdas que es al mismo tiempo romántica pero contiene también esas dosis de misterio que acompaña a esta historia de amor triangular que se desarrolla durante la 2ª Guerra Mundial. El tema principal sobre el que se vertebra buena parte de la banda sonora es ascético y tiene casi sonoridades religiosas ("Strange people"), mientras que hay cierta luminosidad en el leitmotiv que acompaña a la protagonista ("Rachael"), interpretada por Keira Nightley. Martin Phipps abandona en algunos momentos la severidad de los instrumentos de cuerda para desarrollar algunos pasajes en cierta manera meditativos, como en el piano que interpreta el tema "The attic". En general, se trata de una banda sonora sobria pero perfecta en su profundidad psicológica.  

Manta Ray (Kraben rahu) - Snowdrops
Gizeh Records  15 / 3 / 2019

El primer album del dúo de música electrónica formado por los franceses Mathieu Gabry y Christine Ott, que fue colaboradora durante mucho tiempo de Yann Tiersen, es también su primera banda sonora, para la película tailandesa Manta Ray (Phuttiphong Aroonpheng, 2018), presente en los festivales de Venecia y San Sebastián el año pasado. La película del director debutante es una mirada poética a la relación de amistad entre un joven pescador y un extranjero que se supone viene huyendo de la persecución que sufren los rohingya, minoría musulmana, en Myammar. Las sonoridades electrónicas, ambientales de Snowdrops aportan una dimensión especialmente intensa a la película, con ramificaciones de cierta oscuridad, como en "The mangrove", y la utilización de sonidos naturales y voces solistas en temas tan surrealistas como "Breath / Storm #2". En medio de estas sonoridades hipnóticas de una banda sonora que en nada pretende ser melódica, encontramos algunos momentos especialmente hermosos como ese canto "Hot springs" que interpreta la cantante Rasmee Isan Soul, y también esa sugerente de una relación amorosa entre los protagonistas a ritmo de esa etérea luminosidad electrónica que encontramos en "Weird dance". 

The Hummingbird Project - Yves Gourmeur
Filmtrax  15 / 3 / 2019

El responsable de la banda sonora de este thriller en torno al mundo digital es el compositor belga Yves Gourmeur, cuyo trabajo en el cine y la televisión se inició hace tan solo unos años, tras una carrera como profesor de música en el Real Conservatorio de Mons (Bélgica) y como compositor de música autónoma. El año pasado publicó dos trabajos interesantes: Méprises (Bernard Declercq, 2018) y este The Hummingbird project (Kim Nguyen, 2018) que sin duda es su obra más sólida hasta el momento. La banda sonora comienza con un "Main Theme" que contiene la esencia del género en el que se desarrolla la historia, con el uso de los instrumentos de cuerda en contraposición con los vientos, que construye una contundente intro, seria y vigorosa. El uso de los pizzicatos en "Eve's call", siempre estableciendo un diálogo con los instrumentos de viento, es también una excelente muestra del trabajo de Yves Gourmeur, que va desarrollando progresivamente una banda sonora cada vez más oscura. Entre los momentos más atractivos de esta composición se encuentra el tema "DNA", un Bonus track que funciona a golpe de jazz y que parece sacado de historias más livianas como Operación U.N.C.L.E. (Guy Ritchie, 2015), sólo para desembocar en el melancólico pasaje "Relaxing", espléndido uso de una melodía serena y al mismo tiempo enigmática. 

The mustang - Jed Kurzel
Back Lot Music  15 / 3 / 2019

Esta película producida por Robert Redford se presentó en el pasado Festival de Sundance y se basa en un programa real de rehabilitación de presos a través de la doma de caballos. El australiano Jed Kurzel, alejado aquí de sus trabajos más ambiciosos, firma una banda sonora corta (tan solo 20 minutos)  e intimista, en la que utiliza una pequeña sección de cuerdas y algunos elementos electrónicos para recrear esta historia de vindicación personal. Destacan especialmente los temas que están dedicados al caballo, que son los más dinámicos, especialmente el que abre la banda sonora, "Horse run", intenso gracias a la utilización de un violín solista que desgarra fuerza, o el hermoso "Horse", también con los violines como protagonistas, pero incorporando en este caso el sonido del banjo como vinculación entre hombre y animal. En contraposición, para el protagonista ("Henry") Jed Kurzel introduce elementos más distorsionados y menos melódicos, introduciendo algunos sonidos electrónicos, mientras que para la relación entre el caballo mustang y el presidiario, el diálogo entre los violines y el banjo ("The encounter") funciona como una excelente fusión entre dos fuerzas contrapuestas pero al mismo tiempo complementarias. 

Us - Michael Abels
Back Lot Music  15 / 3 / 2019

Tras su trabajo en la película Déjame salir (Jordan Peele, 2017), el compositor vuelve a colaborar con el director en esta otra reflexión en torno a la sociedad maquillado como una película de terror con referencias a la cultura literaria y fantasmagórica alemana. El planteamiento aquí sigue algunas pautas ya marcadas en la anterior colaboración, pero en este caso resulta aún más certera su incursión en el terreno del horror cercano. La banda sonora comienza con un tema principal, "Anthem", que es casi como un canto de preparación para la batalla, una introducción con voces corales infantiles (reflejo de la dicotomía entre la inocencia que también puede resultar amanazadora), acompañada por percusiones que en cierta manera nos recuerda a sonoridades africanas, aunque la intención del compositor era la de recrear una banda sonora sin referencias culturales. De ahí el hecho de que las voces solistas se expresan en un lenguaje inventado. Michael Abels consigue crear suspense mezclando instrumentos de cuerda con sonidos electrónicos que funcionan especialmente bien en temas como "Pas de Deux", una suerte de representación ya más concreta de la amenaza que suponen estos cuerpos dobles. Posiblemente estamos ante una de las bandas sonoras más escalofriantes del año, que maneja con acierto el uso de los instrumentos de cuerda y de los coros, especialmente en temas como "Human", donde el canto resulta más melancólico y por ello también más aterrador. 

Het verhoor - Johan van der Voet
Soundgram Records  17 / 3 / 2019

Het verhoor (El interrogatorio) (Mark Weistra, 2018) es una producción holandesa rodada en blanco y negro que tiene como elemento principal la investigación de una serie de asesinatos a jóvenes. La película se centra básicamente en ese juego de preguntas y respuestas entre el investigador y los posibles sospechosos, y se trata de un proyecto independiente realizado con poco presupuesto que se inspira en las tramas policíacas norteamericanas de los años setenta, especialmente las películas de Sidney Lumet. Uno de los elementos más interesantes es el trabajo musical del compositor holandés Johan van der Voet, veterano creador de bandas sonoras, especialmente en el mundo de la televisión, para canales como BBC o National Geographic. Es en la música en la que se apoya buena parte del suspense que plantea la película, en un trabajo dramático e intenso que en algunos momentos introduce frases temáticas repetitivas ("De getuige") pero que al mismo tiempo crean suspense. El compositor también utiliza como instrumentos principales el piano y una voz solista con base electrónica que aportan cierto aire enigmático. La presencia de la música en la película es casi constante, lo que permite a Johan van der Voet desarrollar temas largos que subrayan la angustia del interrogatorio ("Het verhoor"). 

The white crow - Ilan Eshkeri
Deutsche Grammophon  22 / 3 / 2019

Para la banda sonora de esta recreación cinematográfica de la vida del bailarín ruso Rudolf Nureyev, dirigida por Ralph Fiennes, el compositor británico Ilan Eshkeri mezcla obras clásicas que catapultaron al bailarín como el ballet Laurencia, con música de Alexander Krein, que estaba basado en la obra "Fuenteovejuna", de Lope de Vega, o composiciones de Piotr Chaikovski, con sus creaciones originales para la película. En este sentido, Eshkeri ha optado por componer piezas largas que mantienen ese tono clasicista que le permite acoplarse con facilidad a las obras clásicas que se escuchan en la banda sonora. Ilan Eshkeri está familiarizado con el ballet, ya que su madre fue bailarina, y él mismo ha compuesto dos obras de ballet completas, y para la película ha conseguido piezas intensamente dramáticas como "Nureyev", con la colaboración de la pianista Dudana Mazmanishvili y la violinista Lisa Batiashvili, en un hermosísimo diálogo entre los dos instrumentos que plasma la belleza y la elegancia junto a la fuerza y el vigor de las interpretaciones del bailarín. Otro de los momentos logrados es "Le bourget", tensa composición que refleja el momento de la deserción de Nureyev en Francia, y que introduce instrumentos de viento que otorgan dramatismo a la secuencia. El sonido que aporta la London Metropolitan Orchestra bajo la dirección de Andy Brown es notable y convierte a esta banda sonora en una de las más deliciosas del año. 

Dernier amour - Bruno Coulais
B Original  22 / 3 / 2019

La nueva colaboración entre el compositor Bruno Coulais y el director Benoît Jacquot, tras películas como 3 corazones (Benoît Jacquot, 2014) o À jamais (Benoît Jacquot, 2016), esta controvertida revisión del personaje seductor de Giacomo Casanova al que interpreta Vincent Lindon. La cinta obtuvo críticas dispares en su estreno, pero el trabajo del compositor es notable, y quizás se trata de una de sus mejores bandas sonoras. Bruno Coulais aporta una tonalidad dramática con el uso de las cuerdas que en algunos momentos parece tener la cadencia de las composiciones del español Alberto Iglesias, especialmente en temas como "Elixir de vie". E incorpora como instrumento principal el clavecín, pero no solo utilizándolo como elemento que nos introduce en la corte del siglo XVIII, sino también como una aportación principal en la creación de esta atmósfera de degradación que vive el personaje en su exilio londinense. "Les jardins" es un ejemplo de esta utilización el clavecín casi como un instrumento contemporáneo. Estamos ante una banda sonora que tiene tonos oscuros, como si reflejara una historia de misterio, y en este sentido resultan especialmente logrados pasajes como "Personne", excelentes en su descripción psicológica de un personaje acabado. 


Convoi exceptionnel - Grégoire Hetzel
Rue Jacob Records  22 / 3 / 2019

La primera película de Bertrand Blier desde hace casi diez años es una comedia que juega con el absurdo y rompe la cuarta pared a través de la historia de dos desconocidos que, literalmente, hablan sobre el guión dela propia película que estamos viendo. Recibida con críticas no especialmente positivas, se trata de una especie de reflexión en torno al mundo del entretenimiento que sin embargo no consigue desembarazarse de cierto tufillo nostálgico y pasado de moda. En su reparto, las estrellas del cine francés Gérard Depardieu y Christian Clavier ofrecen unas interpretaciones correctas pero sin la química cómica que se podría esperar. En la parte musical, el trabajo de Grégoire hetzel es quizás uno de los pocos elementos que se salvan de un producto fallido; porque ese aire nostálgico sí funciona bien en la parte musical, especialmente en el espléndido tema principal, que se desarrolla con inteligencia en el tema "Mon escénario!", y que también sobrevuela algunos pasajes como "À l'assaut de Josette". La banda sonora es corta, porque la película también se alimenta musicalmente de composiciones preexistentes, pero Grégoire Hetzel consigue un trabajo compacto y bien construido que funciona igualmente en momentos más íntimos como el hermoso "Les femmes perdues", un tema de cierto aire etéreo que hace referencia al universo femenino que rememoran los protagonistas.

Los silencios - Nascuy Linares
Plaza Mayor  29 / 3 / 2019

El compositor venezolano Nascuy Linares tiene un especial interés en la investigación musical de los sonidos tribales del Amazonas, lo que está muy presente en sus trabajos para el cine, como El abrazo de la serpiente (Ciro Guerra, 2015) o el reciente documental Juan (Adrián geyer, 2019). Son bandas sonoras que incluyen un importante componente basado en las músicas que provienen de los cantos indígenas, incluso cuando se trata de incursiones en el género de terror como El Silbón: Orígenes (Gisberg Bermúdez, 2018). Pero quizás es esta banda sonora la que recoge con mayor acierto esa dicotomía entre la música ambiental y las sonoridades nativas. Hay dos partes bien diferenciadas en este trabajo: por un lado la recreación de cantos indígenas que están presentes sobre todo en los primeros temas, como en "Initial", y otra en la que Nascuy Linares desarrolla una estructura instrumental que se sostiene en la guitarra como elemento principal, y que funciona perfectamente en su componente de subrayado dramático. Especialmente interesante es el tenso "Lago", que tiene cierto aire siniestro, contrapuesto con la hermosa tonalidad melódica de "Mar", que quizás sea el pasaje más optimista de una banda sonora en general cercana a la oscura trascendencia dramática de una familia desplazada por los conflictos de su país. 

Nepal: Beyond the clouds - Cyrille Aufort
MoviScore Records  29 / 3 / 2019

El documental Nepal. Beyond the clouds (Eric Valli, 2019) se acerca a la tragedia que se vivió en una región en medio del Himalaya durante el terremoto de 2015, que dejó tras de sí 9.000 muertos y 23.000 heridos. Pero lo hace centrándose más en la reconstrucción de un país, celebrando el esfuerzo humano por sobrevivir a la tragedia, que en las propias consecuencias dramáticas del seísmo. En este sentido, la banda sonora del compositor francés Cyrille Aufort, abunda en esta visión positiva de la vida, a través de un trabajo que se sostiene principalmente en hermosos pasajes melódicos que ponen su atención especialmente en los personajes de Raj y Shiva, dos adolescentes que vivieron la tragedia y que deben alcanzar la madurez con anticipación para hacer frente a un futuro incierto, pero también esperanzador. Estos personajes se representan en la orquestación a través de una formación orquestal de 12 instrumentos, con el violonchelo y la viola como solistas, en temas como el inicial "Raj and Shiva". Así, estamos ante un hermoso trabajo que contiene algunos momentos que evocan la esperanzadora reconstrucción de un futuro, como en "Regrets", intenso y sentimental. 

Reykjavík stories - Atli Örvarsson
INNI  5 / 4 / 2019

El compositor islandés Atli Örvarsson presenta en su último álbum publicado las bandas sonoras de dos películas islandesas para las que ha puesto música en los últimos años. Aunque su carrera está más centrada en el mercado de Hollywood, especialmente a través de sus colaboraciones para la compañía de Hans Zimmer, el músico se acerca ahora a algunas recientes incursiones en el cine de su país con estas composiciones que tienen una textura parecida y encajan perfectamente en su presentación conjunta. Blóđberg (Björn Hlynur Haraldsson, 2015) es un drama sobre relaciones familiares e hijos secretos, mientras que Fyrir framan annađ fólk (Óskar Jónasson, 2016) es una comedia romántica que tiene a un publicista introvertido como protagonista. El álbum, sin embargo, no incluye las bandas sonoras perfectamente delimitadas, sino que completa un ramillete de composiciones entremezcladas que, no obstante, es fácil intuir para qué película están creadas. En todo caso, ambas conforman una tonalidad parecida, repleta de pasajes melódicos que se sostienen en los dos temas principales: "The homecoming" para la primera cinta, e "In front of the others" para la segunda. Así, encontramos un espléndido reflejo de un compositor que aquí se aleja de sus trabajos para Hollywood, más centrados aquellos en las películas de género y de ciencia-ficción. Y resulta agradable encontrar otro perfil de un músico que se mueve con comodidad en este terreno.


Missing Link - Carter Burwell
Lakeshore Records  12 / 4 / 2019

La última producción de Laika, compañía especializada en animación stop-motion responsable de excelentes títulos como Los mundos de Coraline (Henry Selick, 2009) o Kubo y las dos cuerdas mágicas (Travis Knight, 2016) es esta otra muestra de su técnica que bebe directamente de las historias de Jules Verne y de la versión cinematográfica de La vuelta al mundo en 80 días (Michael Anderson, John Farrow, 1956). Esto le permite a Carter Burwell desplegar un interesante ramillete de sonoridades que al mismo tiempo nos evoca el espíritu romántico del siglo XIX y también nos sitúa en los distintos lugares en los que se desarrolla este viaje. Es una banda sonora que a veces tiene aires de western como en uno de los leitmotivs, "Lionel vs Nessie", y en otras flirtea con los sonidos hindúes, como en "Passage to India" o "Himalaya". Se trata así de un recorrido de gran inventiva melódica que nos trae al Carter Burwell más inspirado. Aunque la banda sonora estaba pensada para una gran orquesta de 80 músicos, donde los instrumentos de viento y las cuerdas predominan, problemas de logística obligaron a tener que usar solo unos 50 músicos, grabándolos en dos sesiones diferentes para dar la sensación de mayor amplitud sonora. Y ciertamente no se echa en falta una orquesta más amplia, con un sonido suficientemente espectacular como en "Ice fight". Sin duda, uno de los trabajos más interesantes de Carter Burwell este año.


Penguins - Harry Gregson-Williams
Walt Disney Records  17 / 4 / 2019

Para la última producción de Disneynature, esta vez dedicada a los pingüinos Emperador, la partitura corre a cargo de Harry Gregson-Williams, que ya ha puesto música a otros documentales de la productora, como Monkey Kingdom (Mark Linfield, Alastair Fothergill, 2015). Sin duda resulta discutible el acercamiento que hace Disney al género documental de naturaleza, planteando las películas como una historia de ficción, con un protagonista principal al que acompaña la cámara, más que como un trabajo de documentación de la vida de los animales, y por supuesto suavizando la mirada hacia su comportamiento, porque de lo que se trata es de realizar un producto familiar con "personajes" con los que el público más joven pueda sentirse identificado. El trabajo de Gregson-Williams en este sentido cumple perfectamente su cometido, porque al final su planteamiento es casi más el de una película de animación que el de un documental propiamente dicho. Así, desde el tema principal, "The Penguin March", absolutamente pegadizo y efectivo, hasta las composiciones más cercanas al suspense, como en "Killer whales", o en momentos de acción como "Journey across the ice", la banda sonora funciona perfectamente como elemento necesario para transmitir emociones al espectador. Hay hermosas incursiones en la música de sentimientos, como ese espléndido "First snowfall", con los que Harry Gregson-Williams consigue elevar el componente afectivo de las imágenes. Y en ese sentido se trata de un trabajo modélico. 


Avengers: Endgame - Alan Silvestri
Hollywood Records  26 / 4 / 2019

Aunque Marvel ha producido unas 22 películas dedicadas a la traslación cinematográfica de sus superhéroes, lo cierto es que la productora ha dado a Alan Silvestri el encargo de poner música a sus producciones más ambiciosas, empezando por Capitán America: El primer vengador (Joe Johnston, 2011), siguiendo con Los vengadores (Joss Whedon, 2012) y recuperando su trabajo para Vengadores: Infinity War (Anthony Russo, Joe Russo, 2018). Es, por tanto, lógico que para esta aventura final que incluye a la mayor parte de los personajes que a lo largo de los últimos diez años han protagonizado las superproducciones más taquilleras, el compositor encargado haya sido el mismo Alan Silvestri. Y no se trata de un trabajo fácil, porque teniendo la presencia de personajes que han tenido su propio universo temático-musical en otros filmes, crear una partitura autónoma pero al mismo tiempo referencial es especialmente complicado. De hecho, en la película el uso de bases temáticas que acompañan a estos personajes es mucho más compleja que en la banda sonora editada, quizás por problemas de derechos de autor. En todo caso, estamos ante un album que dura casi dos horas, lo cual permite a Alan Silvestri desgranar todo su potencial, siguiendo en buena medida el tono y la base melódica de Infinity War, pero siendo capaz también de crear "leit-motivs" nuevos. Es el caso de de "Snap out of it", donde presenta el tema que describe a la comunidad de New Asgard, donde se ha refugiado Capitán América, o la utilización de sonoridades jazzísticas en "The how works", siguiendo la estela de Cristophe Beck en Ant-man y la avispa (Peyton Reed, 2018). La capacidad creativa de Alan Silvestri para las secuencias de acción explota en los temas que conforman el enfrentamiento final, una secuencia de más de 20 minutos que se representa en varios temas en el album, pero que es especialmente notable en "Portals", una de esas composiciones que son al mismo tiempo características del compositor, pero añadiendo elementos diferenciadores. 





Mr. Link: El origen perdido se estrena el 7 de junio
Le mystère Henri Pick (La biblioteca de los libros rechazados) se estrena el 14 de junio
The aftermath (El día que vendrá) se puede ver en Movistar+ desde el 2 de agosto

04 mayo, 2019

Las mejores bandas sonoras de 2019: (Enero-Abril) 1ª parte

Nuestro repaso a las mejores banda sonoras del año se divide en dos partes para acercarnos a los primeros meses del año. Esta es una selección de las composiciones que más nos han gustado entre las que se han publicado en los primeros cuatro meses de 2019. 


Edmond - Romain Trouillet
Gaumont  4 / 1 / 2019

La película Edmond (Alexis Michalik, 2018) nos acerca a la obra Cyrano de Bergerac (Edmond Rostand, 1897) desde su creación, narrando los pormenores que llevaron a su autor a crear una de las comedias más representadas en los escenarios teatrales aún hoy en día. Este proceso de creación, que se desarrolla en el escenario y fuera de él, cuenta con una solvente banda sonora compuesta por el joven músico francés Romain Troulliet, que aquí demuestra una especial sensibilidad para crear espléndidos pasajes de aire romántico pero que al mismo tiempo incorporan los matices de la comedia clásica. Su banda sonora, como la propia película, circula por dos planos diferentes: el de la realidad, el de la creación de la obra, que tiene un tono más cercano a la comedia, y por otro lado el de la obra teatral, que incorpora los pasajes más románticos. En ambos planos Romain Troulleit crea una banda sonora de gran calidad, repleta de momentos especialmente absorbentes, como ese apasionado "L'amour impossible" o esa versión del "Bolero" de Maurice Ravel en el que fusiona con talento la clásica composición con pasajes de su propia música, convirtiendo lo que en otros casos sería una simple utilización diegética en una pieza que se fusiona perfectamente con el resto de la banda sonora.  

Zwingli - Diego Baldenweg, Lionel Baldenweg, Nora Baldenweg
Great Garbo Music  16 / 1 / 2019

Los hermanos Baldenweg forman un equipo musical que se engloban en la compañía Great garbo, dedicada a crear música para publicidad y producciones audiovisuales. Pero sin duda su proyecto más ambicioso hasta la fecha es esta adaptación de la vida del clérigo reformista Ulrich Zwingli, líder de la reforma protestante en Suiza. Este biopic estrenado el pasado mes de enero en su país, cuenta con una ecléctica banda sonora que combina pasajes íntimos con sonoridades más dramáticas, con especial uso de las voces, bien en clave de solista femenina, como en "Pure", para expresar la inocencia, o bien a través de un coro masculino, como en "MDXIX", para describir el carácter religioso de la historia. En ambos sentidos, la música de los hermanos Baldenweg resulta especialmente logrado, y no solo funciona como ambientación histórica, sino que contiene elementos dramáticos que funcionan especialmente en los pasajes eminentemente orquestales, con el uso inteligente de las cuerdas, aquí interpretadas por la Zurich Chamber Orchestra bajo la dirección de Daniel Hope, que aportan profundidad al misticismo que rodea a la historia, especialmente en hermosos pasajes como "Liberatio". 

Glass - West Dylan Thordson
Back Lot Music  18 / 1 / 2019

Mucho se ha hablado de la separación profesional entre el director M. Night Shyamalan y el compositor James Newton Howard, que dieron como resultados obras brillantes como El sexto sentido (M. Night Shyamalan, 1999) o El bosque (M. Night Shyamalan, 2004). Y aunque especialmente el director siempre ha afirmado que la falta de colaboración se debió, en buena parte, a la falta de presupuesto de sus últimas producciones, lo cierto es que resulta extraño no encontrar a Newton Howard la trilogía de superhéroes que se cierra con Glass (M. Night Shymalan, 2019). Ya en Múltiple (M. Night Shyamalan, 2016), el director contó con la incorporación de West Dylan Thordson, que realizó un notable trabajo musical, continuado en esta conclusión. Si bien hay más referencias sonoras a la banda sonora de El protegido (M. Night Shyamalan, 2000) que a la propia banda sonora creada por el compositor. Esta es quizás una de las incoherencias que encontramos en este trabajo, porque impide al músico elaborar una continuidad temática con su anterior composición, y parece más mirada melancólica a la obra de James Newton Howard, en temas como "David & Elijah". En todo caso, no impide que la música no referencial de West Dylan Thordson mantenga esa contundencia que ya tenía en Múltiple, con el uso de violines desgarrados y percusiones rotundas que aportan oscuridad e intensidad a esta visión peculiar dela psicología de un superhéroe. 

Informer - Ilan Eshkeri
Silva Screen  18 / 1 / 2019

Quizás uno de los estrenos televisivos más interesantes de la temporada es la serie Informer (BBC One, 2019), una historia que aborda cómo la vida puede dar un vuelco por circunstancias que son ajenas a nuestra voluntad. En este caso, una investigación antierroristas envuelve a tres personajes muy diferentes: un joven de paquistaní de segunda generación que nació en Londres, un oficial antiterrorista y su compañera de trabajo. El británico Ilan Eshkeri compone una precisa banda sonora que se apoya en cinco piezas para instrumentos solistas y orquesta, que se muestran en diferentes variaciones a lo largo de la serie. Estas variaciones sobre cinco únicas bases melódicas , con un cierto aire minimalista, en algunos casos apoyadas por la voz solista de Daisy Chute, conforman un poliédrico retrato de cómo se establecen las relaciones entre los diferentes personajes. La banda sonora se presenta en el CD con cada una de estas piezas seguidas de las diferentes variaciones, de forma que encontramos una sinfonía en cinco movimientos que funciona a la perfección. La banda sonora está interpretada por la orquesta islandesa SinfoniaNord, un proyecto de Bjarni Ᵽorvaldsson y el también compositor de música de cine Atli Örvarsson, que también dirige la orquesta. 

Hitler contro Picasso e gli altri - Remo Anzovino
Sony Classical  25 / 1 / 2019

El compositor italiano Remo Anzovino ha publicado este año una serie de bandas sonoras para documentales relacionados con el mundo del arte: Hitler contro Picasso e gli altri (Claudio Poli, 2018), Van Gogh: Tra il grano e il cielo (Giovanni Piscaglia, 2018), Le ninfee di Monet - Un incantesimo di acqua e luce (Giovanni Troilo, 2018) y Gauguin a Tahiti. Il paradiso perduto (Claudio Poli, 2019). Todos ellos cuentan con una constante creación de hermosos pasajes melódicos que van desde el aire minimalista de Le ninfee di Monet a la cadencia melancólica que encontramos en Gauguin a Tahiti. Destaca en esta última especialmente la composición de piezas para instrumentos solistas como el violín, el chelo o la guitarra que demuestran la capacidad de Remo Anzovino para elaborar sonoridades de gran belleza y variedad, siempre con la constante sutileza que conforma toda la banda sonora. Pero entre ellas destacamos especialmente su trabajo para Hitler contro Picasso e gli altri, un documental en el que el actor Toni Servilo nos presenta la obsesión de Hitler por el saqueo de obras de los más grandes artistas de su época. Aquí, el compositor despliega un ramillete de composiciones de gran calidad que acompañan a esta historia de profanación artística con gran efectividad. Temas de sonoridad judía como el espléndido "All mine", con el clarinete como protagonista y de gran belleza formal como "Round dance of the innocents", que incorpora un coro de voces infantiles, que muestran la grandeza de las obras saqueadas, contrastan con la descripción del mundo nazi, con ese cierto aire oscuro que tiene "Macabre waltz", el toque marcial de "Goring march" o la atonalidad tétrica del violín en "Strangling". Esta variedad temática consigue introducirnos en las diferentes sensaciones que provoca el documental, excelente trabajo bien encabezado por el actor Toni Servilo. Una banda sonora notable que, junto a las otras mencionadas, consolidan a Remo Anzovino como uno de los más interesantes creadores de música para el género documental. 

Minuscule - Les mandibules du bout du monde  - Mathieu Lamboley
Music Box Records  25 / 1 / 2019

La segunda parte de la película de animación Minúsculos: El valle de las hormigas perdidas (Helène Giraud, Thomas Szabo, 2013) cuenta con un excelente trabajo musical del joven compositor francés Mathieu Lamboley. La película estaba basada en la serie de televisión Minuscule (France 2, 2006-2012) y se centra, como en aquella, en la vida de una serie de insectos utilizando técnicas de animación 3D y dibujos tradicionales. Lo interesante de esta propuesta es que se trata, al igual que en la serie, de largometrajes que no contienen diálogos, y ese es uno de sus mayores aciertos, mantener la atención del espectador solo a través de secuencias y gags visuales, pero siempre con el apoyo imprescindible de la música. En este sentido, el trabajo de Mathieu Lamboley es especialmente complicado, porque consigue describir musicalmente las secuencias, pero sin caer en el sonido slapstick, y sin necesidad de crear sonoridades onomatopéyicas que podría haber sido el camino más fácil. Lo comprobamos especialmente en las secuencias de acción, resueltas con talento y eficacia, como en "Contre le monde". Pero lo más interesante de la banda sonora es que tiene una cadencia sonora que, lejos del habitual sonido "infantil" resulta especialmente madura, y en algunos casos hasta con cierto aire dramático, como en el espléndido pasaje "Chenilles urticantes", que tiene incluso una sonoridad casi herrmaniana. El compositor Mathieu Lamboley consigue crear una banda sonora variada temáticamente y nada habitual en el género de la animación, con un excelente sonido que le provee la Orchestre National d'île-de -France, la convierten en una de las más recomendables del año. 

The kid who would be king - Electric Wave Bureau
Milan Records  25 / 1 / 2019

Damon Albarn, cantante del grupo Blur, realizó algunas incursiones en la composición de bandas sonoras a finales de los noventa, de las que son notables sus trabajos para Ravenous (Antonia Bird, 1999) y 101 Reykjavik (Baltasar Kormákur, 2000). En los últimos años, sin embargo, ha formado equipo con Mike Smith, Suzi Winstanley y Nelson de Freitas para formar Electric Wave Bureau, una especie de colectivo de músicos que ha puesto música a la película Broken (Rufus Norris, 2012) y ahora a El niño que pudo ser rey (Joe Cornish, 2019), una aventura de caballería con aires del cine de los ochenta. Esta referencia está muy presente en la banda sonora, en dos aspectos distintos: por un lado, la utilización de sintetizadores que nos recuerdan a aquellas primeras incursiones de la música electrónica en el cine, especialmente en temas como "Arthur's Theme", el tema principal dedicado al protagonista, que en algunos momentos parecen sacado del repertorio de Giorgio Moroder; por otro lado, sobre todo en las secuencias de acción, hay una sonoridad muy cercana al Jerry Goldsmith que hacía uso de los sintetizadores, como en los pasajes más oscuros de temas como "Morgana", en el que también están presentes las voces corales. Se trata de una banda sonora efectiva, y acertada en su forma de evadir el típico sonido del cine de aventuras adolescente.  

Il contagio - Paolo Vivaldi
Rosetta Records  30 / 1 / 2019

Uno de los compositores italianos más reconocidos, pero al mismo tiempo desconocido para muchos aficionados, es Paolo Vivaldi, veterano músico que lleva en el mundo audiovisual desde los años noventa y que cuenta con una larga lista de bandas sonoras, a razón de cuatro o cinco trabajos por año, especialmente para la televisión. Una de sus composiciones más destacados fue precisamente la tv-movie Exodus (Gianluigi Calderone, 2007), una hermosa creación que le situó entre los músicos más solicitados de su país. Su prolífico trabajo está a veces por delante de la edición de los mismos, y en enero se publicó la banda sonora de Il contagio (Matteo Botrugno, Damiele Coluccini, 2017), una historia formada por los habitantes de un edificio en la ciudad de Roma. El trabajo de Paolo Vivaldi es de una gran belleza, empezando por el tema principal, "Il contagio", un vals con violín solista que muestra la soledad de los personajes en medio de la urbe de una gran ciudad. El compositor italiano también incursiona en la sonoridad de la música clásica en temas como "Inaugurazione della renova" o introduce elementos electrónicos, reflejo del caos de la ciudad, en "Requiem Aeternam", pero sobre todo demuestra su extraordinaria delicadeza en el hermoso tema con piano solista que conforma ese melancólico homenaje a la ciudad de Roma en "Per me Roma è questa".


How to train your dragon: The hidden world - John Powell
Back Lot Music  1 / 2 / 2019

La tercera y al parecer definitiva entrega de la serie de películas que comenzó con Cómo entrenar a tu dragón (Dean DeBlois, Chris Sanders, 2010) vuelve a tener como compositor a John Powell, que ya en aquella primera entrega creó una de las bandas sonoras más logradas de toda su filmografía. Esta conclusión es también en la parte musical una excelente forma de cerrar una trilogía de bandas sonoras notables, que están más allá de la simple recreación más o menos acertada de las secuencias animadas. Quizás consciente de que en esta última aventura la relación entre el joven caballero y su dragón tiene menor presencia, aun siendo parte fundamental de la historia, el compositor proporciona una serie de propuestas melódicas nuevas que solo en algunas ocasiones hace referencia a las bandas sonoras anteriores. Aquí, por ejemplo, están menos presentes las sonoridades célticas, que encontramos en temas como el hermoso "Third date", una larga suite que acompaña a la seducción de seducción sin diálogos entre los dos dragones protagonistas. El leitmotiv principal de la película, en torno a la amistad y el destino, está presente en una de las grandes composiciones de este trabajo, "Exodus!", que podríamos decir que resume en buena medida la excelencia de las creaciones de John Powell para la trilogía. Sin duda, Cómo entrenar a tu dragón 3 (Dean DeBlois, 2019) es una buena conclusión desde el punto de vista cinematográfico, pero especialmente lo es en el terreno musical. 

The other side of the wind - Michel Legrand
La-La Land Records  5 / 2 / 2019

El experimento producido por Frank Marshall y Peter Bogdanovich que supuso el montaje de las secuencias rodadas por Orson Welles para su película inacabada The other side of the wind (Orson Welles, 2018) para Netflix es una irregular e impersonal recreación de lo que podría haber sido una excelente última película del director. Sin duda una de las mejores decisiones de los productores fue la de encargar al compositor francés Michel Legrand la composición de la banda sonora. Michel Legrand era el único compositor vivo que había trabajado con Orson Welles, en su película Fraude (Orson Welles, 1973), y aquí, en el que acabó siendo también su testamento creativo, nos ofrece una espléndida muestra de su veteranía. Curiosamente, la primera música que suena en la película es un auto-homenaje de Michel Legrand, que usa extractos de su banda sonora para el documental L'Amérique insolite (François Reichenbach, 1960), y a partir de ahí la presencia de la música es constante, estructurada en dos planos diferentes que ya están presentes en el "Chapter 1", mezcla de sonoridad clásica con extractos jazzísticos, que muestra ya el camino por el que discurrirán las composiciones. Michel Legrand comentaba en una entrevista que trató de encontrar un equilibrio entre los constantes diálogos de la película, estableciendo una separación entre las escenas de la vida del director protagonista y aquellas secuencias que muestran las escenas de la "película dentro de la película". Uno de los momentos más interesantes es "Chapter 15 (The maze)", que muestra la escena de una persecución, que Michel Legrand resuelve con un excelente tema disonante, con bongos, instrumentos de viento y piano en constante colisión. Sin duda, estamos ante un excelente testamento musical para uno de los grandes maestros de la música de cine que falleció este año. 

Celle que vous croyez - Ibrahim Maalouf
Mister Ibero  7 / 2 / 2019

Presentada en el pasado Festival de Berlín, Clara y Claire (Safy Nebbou, 2019) es una película que habla de la incomunicación en los tiempos modernos. Su protagonista, interpretada por Juliette Binoche, es una mujer madura que decide abrir un perfil falso en una red social como si fuera una chica joven para espiar a su amante. Esa idea de la incomunicación, y en cierto modo de la soledad en una sociedad asfixiante, está muy presente en la banda sonora creada por el músico de jazz y trompetista Ibrahim Maalouf, compositor habitual en el panorama cinematográfico francés que ha ido estilizando progresivamente su trabajo en el cine, pasando de bandas sonoras con sonoridades más cercanas a su música autónoma a otros trabajos, como éste, que tienen ya una gran madurez como composición para cine. El tema principal, "Celle que vouz croyez" comienza como una cascada sinfónica para acabar cediendo el testigo a un piano melancólico que ya reflexiona sobre la incomunicación. Piano constante a lo largo de toda la banda sonora, a veces en diálogo con las cuerdas, como en "Claire & Clara". En general, estamos ante una banda sonora taciturna y reflexiva, que va dando pasos lentos a lo largo de un drama psicológico que tiene en la interpretación de Juliette Binoche su principal logro. Y en el trabajo musical de Ibrahim Maalouf que, como en "Clara", introduce esos resortes electrónicos habituales en su música para el cine, que hacen si cabe más etérea su descripción del personaje principal. 

A first farewell - Wenzi
Plaza Mayor  8 / 2 / 2019

También presentada en el Festival de Berlín pasado, esta producción china nos acerca a tres escolares de una comunidad agrícola rural, cuyos profesores les inculcan un idioma obligatorio, el mandarín, que para ellos resulta desconocido e innecesario, y materias que están a años luz de las necesidades que tienen para vivir en sus pequeños universos agrícolas. La banda sonora compuesta por el cantante chino Wenzi utiliza elementos tradicionales de la música china para introducirnos en este drama algo pesimista que recibió el Premio Generation Kplus a la Mejor Película en Berlín. La música compuesta por Wenzi, que recita en el tema principal "Litte moon", es al mismo tiempo tradicional y contemporánea, haciendo uso de una instrumentación folclórica para acercarnos a la vida pegada a la tierra que tienen sus jóvenes protagonistas. Es música terrenal, que en algunos momentos podría calificar como una especie de banda sonora de spaghetti-western pero con sonoridades orientales, como en ese hermoso "Letter from my brother", o en el uso de la flauta solista en temas como "Secret love of a small companion - Part II". Estaos ante un trabajo que va más allá de la pura recreación musical folclórica y se adentra de lleno en el alma de la vida agrícola en la China profunda. 

Cold pursuit - George Fenton
Varèse Sarabande  8 / 2 / 2019

La carrera cinematográfica del compositor George Fenton venía sufriendo un ligero parón desde sus más conocidas bandas sonoras hasta que comenzó a escribir música para series documentales de televisión en torno a la naturaleza, como Planeta azul (BBC, 2001), Planeta Tierra (BBC, 2006), Life (BBC, 2011) o Planeta helado (BBC, 2011). En cierto modo, estos trabajos le han mantenido casi alejado del mundo del cine, y Venganza bajo cero (Hans Peter Moland, 2019) supone un reencuentro que en realidad tampoco es tal, como recientemente se ha estrenado otra de sus últimas colaboraciones para la gran pantalla, La espía roja (Trevor Nunn, 2018). La película de la que hablamos es un film de acción, remake de Kraftidioten (Uno tras otro) (Hans Peter Moland, 2014), que supone otra incursión de Liam Neeson en el subgénero de "acción vengativa". Lo interesante del trabajo de George Fenton para esta película de género es su acercamiento, con un cierto sentido sarcástico, como en ese tema principal para balalaika que está presente en "Snow plough", e incluso cuando el protagonista lleva a cabo su plan de venganza, como en "Doing my job", lo que ofrece una especie de distanciamiento del drama que supone la historia. Otra de las interesantes ideas de la banda sonora nos recuerda a sus acercamientos al género documental de naturaleza, porque hace referencia precisamente al paisaje espectacular que acompaña al protagonista, con uso de instrumentos de viento, como en "Citizen of the year". El trabajo de George Fenton destaca especialmente por ser una banda sonora poco convencional para una película de acción, con la utilización de balalaika reforzada con sonidos electrónicos, como en "Kidnapped", que le acerca a las sonoridades de Thomas Newman. Son menos interesantes, sin embargo, las incursiones electrónicas en las escenas de acción, para las que ha contado con la colaboración del productor de música electrónica Dan Carvey, pero éstas sí son propuestas más convencionales.  

All is true - Patrick Doyle
Sony Classical  8 / 2 / 2019

En términos generales, las colaboraciones entre el compositor Patrick Doyle y el director Kenneth Branagh suelen ofrecer excelentes muestras de compenetración músico-cinematográfica, con ejemplos notorios como la trilogía shakesperiana formada por Enrique V (Kenneth Branagh, 1989), Mucho ruido y pocas nueces (Kenneth Branagh, 1993) y Hamlet (Kenneth Branagh, 1996). Otras versiones de obras de Shakespeare, sin embargo, no han dado resultados tan logrados, como Trabajos de amor perdidos (Kenneth Branagh, 2000) o Como gustéis (Kenneth Branah, 2006). Ahora, en esta nueva incursión en el universo del autor inglés, Branagh interpreta a William Shakespeare en sus últimos momentos de vida, y Patrick Doyle construye de nuevo una hermosa partitura que se estructura principalmente en torno a dos temas principales de hermosas melodías que jalonan buena parte de la banda sonora. El primero, "Love, not ambition", se presenta también en una versión vocal cantada por la hija del compositor, Abigail Doyle, en "Fear no more", y el segundo, "I know a bank", es un precioso tema para piano que interpreta el propio Patrick Doyle. La banda sonora está creada para una pequeña formación orquestal que ya plantea, desde el principio, una cierta oscuridad en este tema dedicado al mítico espacio teatral en el que Shakespeare estrenó su obras, "The Globe", pero conforme avanza, va desgranando tonalidades más luminosas, y se va haciendo cada vez más melódica, con composiciones excelentes como "The trial" o "Southampton", para arpa y piano. Un trabajo que contiene buena parte de los elementos que conformaban la excelencia de aquellas primeras bandas sonoras que mencionábamos antes, y que nos devuelve a un Patrick Doyle elegante. 

Amundsen - Johan Soderqvist
MoviScore Media  15 / 2 / 2019

El biopic del primer explorador que alcanzó el Polo Sur en 1911, el noruego Roald Engelbregt Gravning Amudsen, es una de las películas más caras de la historia cinematográfica noruega, con un presupuesto de más de 8 millones de euros. Dirigida por Espen Sandberg, responsable de éxitos de taquilla como Kon-Tiki (Espen Sandberg, 2012) y Piratas del Caribe: La venganza de Salazar (2017), esta producción cuenta con la música del compositor sueco Johan Soderqvist, que ya colaboró con el director en la banda sonora de Kon-Tiki. Habitualmente certero en sus composiciones, el músico desarrolla un trabajo que camina entre dos ideas básicas: la utilización de una pequeña orquesta para recrear los escenarios que se desarrollan durante la preparación del viaje en Noruega; y la introducción de elementos electrónicos en el momento de introducirnos en el paisaje desolador y helado del Ártico. Y estos dos planteamientos se combinan a la perfección en un trabajo que contiene momentos épicos como "To the North Pole", pero también íntimos pasajes con el piano como protagonista, en temas como "Two brothers", muy en la línea del sonido característico que solemos escuchar en los trabajos de Johan Soderqvist.  

Alita: Battle Angel - Junkie XL
Milan Records  15 / 2 / 2019

El compositor holandés Tom Holkenborg, también conocido como Junkie XL, ha venido embarcándose en los últimos años en grandes proyectos con resultados no del todo satisfactorios, como Batman v. Superman: El amanecer de la justicia (Zack Snyder, 2016), La torre oscura (Nikolaj Arce, 2017), Tomb Raider (Roar Uthaug, 2018) o Mortal Engines (Christian Rivers, 2018). Pero el caso de Alita: Ángel de combate (Robert Rodríguez, 2019) parece haber conseguido una mayor madurez creativa con elementos similares a los que el compositor viene utilizando en sus proyectos más ambiciosos: una gran orquesta, voces corales y elementos electrónicos que, al menos aquí, están perfectamente ensamblados. Esta instrumentación compleja está presente ya en los primeros pasajes de la banda sonora, desde ese tema principal de cuatro notas que se desarrolla en temas como "What's your dream?", que incorpora ya las voces corales en una sonoridad etérea, junto a los sonidos electrónicos. Tom Holkenborg hace un uso de la gran orquesta con especial acierto en los momentos de acción, como en el intenso "Grewishka's revenge", y en otros pasajes, el uso de la percusión tiene reminiscencias de su excelente trabajo para Mad Max: Furia en la carretera (George Miller, 2015). Sin duda podemos decir que Tom Holkenborg evoluciona con acierto en una banda sonora que incorpora lo mejor de otros trabajos anteriores más fallidos. 

La stagione della caccia - Ralf Hildenbeutel
Rai Com  25 / 2 / 2019

Ralf Hildenbeutel es un compositor alemán que en los últimos años viene trabajando especialmente en la televisión y el cine italianos. Entre sus últimos trabajos están los interesantes Il silenzio dell'acqua (RTI, 2019-) y La stagione della caccia (Roan Johnson, 2019), una tv-movie estrenada en la RAI en el mes de febrero. Especialmente notable es esta última banda sonora, una historia de misterio y asesinatos basada en la novela de Andrea Camilleri, que permite a Ralf Hildenbeutel desplegar un ramillete de excelentes composiciones que se mueven entre un estilo barroco y ciertas dosis de ironía. Interpretada por una pequeña formación de cuerdas, la banda sonora tiene un excelente tema principal ya presente en la suite del comienzo, "La Caccia-Suite-L'ouverture", que marca el estilo que iremos descubriendo a lo largo del resto de las composiciones, pero que se hace más barroca en "Suite Vigata", uno de esos temas que transmiten perfectamente el tono en el que se nos cuenta la historia. Porque, aunque estamos ante una trama que contiene dosis de misterio, el trabajo del compositor se distancia con una mirada socarrona, especialmente en espléndidos pasajes como "Fofò-Confessione di vita".  



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