Nuestro repaso habitual a las mejores bandas sonoras del año comienza con la primera parte dedicada a las ediciones discográficas de los tres primeros meses. La presencia de compositores veteranos como Christopher Young o Gabriel Yared se alterna con músicos más desconocidos o jóvenes recién llegados que se incorporan por primera vez a la música de cine. La presencia española en este primer trimestre destaca con los últimos trabajos de Fernando Velázquez y Federico Jusid, aunque de este último destacamos una banda sonora que se editó el año pasado pero ha conseguido una merecida y necesaria reedición extendida.
Plaza Mayor 4/01/2023
Duración: 1h 12mns
Goya '23: Nominada
Tras el premio Goya conseguido por la banda sonora de Akelarre (Pablo Agüero, 2020), la compositora Aránzazu Calleja (1977, Bilbao) vuelve a colaborar con Maite Arroitajauregi (1977, Eibar), conocida artísticamente como Mursego, para esta nueva incursión en la mitología del País Vasco a través de la adaptación de la trilogía de cómics El ciclo de Irati (1995, Ed. Glénat), que mezcla las leyendas paganas con la llegada del cristianismo. Es una película consistente que se beneficia de una textura mágica que en buena medida está aportada por la música, muy presente a lo largo de toda la narración, y que contribuye a desarrollar a los personajes principales. Aránzazu Calleja tiene una larga trayectoria en el cine como colaboradora de Borja Cobeaga y Nacho Vigalondo, y aunque consiguió dos nominaciones al Goya por la banda sonora y la canción de Irati (Paul Urkijo, 2022), finalmente no logró ninguno de los premios. Pero su relevancia en el reciente cine español lo indica el hecho de que también compuso la música del largometraje Cinco lobitos (Alauda Ruiz de Azúa, 2022), que logró tres premios Goya, y de Arquitectura emocional 1959 (Elías León, Siminiani, 2022), que consiguió el Goya al Mejor cortometraje de ficción. Pero este es posiblemente uno de los trabajos musicales más elaborados y complejos de los que han realizado recientemente en el cine español. La música recoge la tradición de las sonoridades folclóricas a través de instrumentos solistas como el serpentón (Oscar Abella), una especie de predecesor de la tuba, y el sacabuche (Adam Woolf), lo que aporta una tonalidad pegada a la tierra y una sonoridad ancestral que conecta con la mitología. La banda sonora está compuesta a partir de ideas centrales en torno a los personajes, principalmente a partir de los temas dedicados a los dos protagonistas. El tema de Eneko (Eneko Sagardoy) está representado por los metales ("Enekoren itzulera"), cuando regresa a la aldea convertido en un guerrero, mientras que la música dedicada a Irati (Edurne Azkarate) está más relacionada con los instrumentos de madera ("Irati"), incorporando progresivamente sonoridades corales que la acercan al mundo de las lamias, criaturas femeninas mitológicas. Pero conforme la relación entre Eneko e Irati se va haciendo más estrecha, sus temas se van fusionando ("Eneko eta Irati gazteluan"), convirtiéndose en inseparables. Los instrumentos de cuerda como el violín (Aránzazu Calleja) y el violonchelo (Maite Arroitajauregi) sirven como nexo de unión, una especie de presencia constante que sirve para conectar lo terrenal con lo mitológico, la naturaleza con el mundo fantástico. Las cuerdas están principalmente interpretadas por el cuarteto Alos Quartet, con la incorporación de instrumentos como la viola de gamba (María Zubikarai), el rabel (Ander Berrojalbiz), el nyckelharpa (Xavier Zeberio) o la zanfoña (Antton Calleja). Esta idea de los contrastes también está representada en la transformación que supone la llegada de los elementos cristianos, que evoluciona a lo largo de la banda sonora principalmente a través de las voces corales interpretadas por el Coro de Cámara de Oñati. Mientras que al comienzo se interpreta principalmente en lengua euskera ("Izena duena bada"), progresivamente se va introduciendo el latín junto al euskera, hasta que al final solo se escuchan coros en latín ("Miraculum"), representando la absorción del paganismo por la imposición del cristianismo. Las compositoras consiguen extraer de una orquesta de cámara sonoridades que aportan un sentido épico a las imágenes, contribuyendo a elevar la representación mitológica en la película, pero también aportando hermosas sonoridades ("Irati errekarekin bat"), mientras que la amenaza de los invasores está marcada por las percusiones y las cuerdas rasgadas ("luxaren heriotza"). La compositora Aránzazu Calleja demuestra su habilidad para encontrar el equilibrio entre los elementos fantásticos y los más terrenales, creando una de las mejores bandas sonoras del año pasado.
Back Lot Music 06/01/2023
Duración: 1h
Una de las primeras sorpresas del año en cuanto a recaudación ha sido esta película que mezcla el género de terror de muñecos diabólicos con un cierto sentido del humor negro. El principal acierto de esta historia es el de introducir elementos de parodia que sin embargo no se sienten como una simple aportación humorística, sino que contribuyen a darle un tono aún más inquietante al nuevo juguete con el que Cady (Violet McGraw) comparte su vida, desarrollado por su tía Gemma (Allison Williams) después de que sus padres tuvieran un accidente mortal. La primera parte de la música de Anthony Willis (1987, Reino Unido), que ha colaborado durante muchos años con John Powell y comenzó a destacar en solitario con la banda sonora de Una joven prometedora (Emerald Fennell, 2020), tiene una cierta calidez, que comienza con esa especie de música de ascensor sinfónica que suena en la sede de la empresa de juguetes en la que Gemma desarrolla muñecos que incorporan IA ("Funki headquarters"). La dificultad de la banda sonora es la de moverse entre los tonos variados de drama, terror y humor negro que propone M3GAN (Gerard Johnstone, 2022), y para ello adopta esta tonalidad más ligera al principio, pero en la que está presente ya el motivo de tres notas que se convertirá en el principal elemento de la conciencia de la muñeca, sobre todo en el momento en el que Gemma recoge a Cady del hospital ("A message from Oregon"). La utilización del vibráfono en esta primera parte más cálida también proporciona un cierto sonido que parece sintetizado, de forma que los instrumentos orgánicos adoptan la sonoridad de sintetizadores ("Reluctant guardian/Meeting Bruce"). La banda sonora está interpretada por la orquesta Budapest Scoring, bajo la dirección de su titular Zoltán Pad, y de Péter Illényi, introduciendo instrumentos como el arpa que aporta una sonoridad femenina, aún más presente a través de la voz de Holly Sedillos, que introduce el elemento principal de M3GAN con una cadencia casi fantasmal ("The perfect algorithm"). Este aparece desde la primera presentación de la muñeca en la empresa de juguetes, pero se desarrolla sobre todo en relación a la muerte, en el momento en que ella toma conciencia ("On the subject of death").
Otro de los elementos definitorios del personaje son las canciones, especialmente "Tell me your dreams", compuesta por Anthony Willis con letra del director Gerard Johnstone, e interpretada por la actriz que dobla al personaje, Amie Donald, que introduce un tema que se repetirá a lo largo de la evolución del personaje ("Attachment theory"). También hay una versión de la canción "Titanium" de David Guetta y Sia, que se hace inquietante con la introducción de las cuerdas, y en un momento la muñeca interpreta al piano una versión de "Toy soldiers", de Martika, en la última parte de la película. Es una utilización inteligente de canciones que por un lado definen al personaje en su desarrollo y por otro parodian de alguna manera las historias infantiles. Es interesante la evolución de la banda sonora que en el tercer acto ya se convierte directamente en la música de una película de terror ("Approximately 5 feet deep"), con predominio de cuerdas violentas e instrumentos de viento contundentes. También en esta última parte hacen su aparición las sonoridades más electrónicas, especialmente en los temas que se refieren al enfrentamiento ("Workshop duel", "Two titans"). La suite de los créditos finales ("Life and death (Suite from M3GAN)") resume acertadamente los elementos principales de una banda sonora que circula con habilidad entre diferentes géneros.
MovieScore Media/Quartet Records 11/01/2023
Duración: 50mns
El director Pietro Marcello (1976, Italia) ha trabajado por primera vez de manera estrecha con un compositor en su último trabajo, L'envol (Scarlet) (2022), presentado en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes. Lo que le ha permitido realizar una de esas colaboraciones que precisamente Gabriel Yared (1949, Líbano) reivindica en cuanto a la composición de música para películas, y que comienza durante la etapa de desarrollo. De hecho, según comenta el propio compositor, "es una de mis colaboraciones más largas con un director y a través de esta colaboración desarrollamos una amistad sincera. Hubo un largo período de trabajo e intercambio durante el cual Pietro y yo nos reunimos todas las semanas". La película plantea una fábula que se desarrolla al final de la I Guerra Mundial cuando Raphaël (Raphaël Thiéry) regresa del combate y se reencuentra con su hija Juliette, que está interpretada por diferentes actrices en varias etapas de su juventud. Cuando un dirigible cae del cielo, su ocupante Jean (Louis Garrel) comienza a seducir a Juliette con su perspectiva moderna del siglo XX. La partitura de Gabriel Yared es una espléndida composición que está entre los mejores trabajos de su extensa carrera, aportando delicadeza y numerosas referencias musicales, como los homenajes a la música de Johann Sebastian Bach ("Passacaglia", "In town"). El tema de Raphaël es una creación que incorpora instrumentos de viento y voces corales ("Raphaël arrives"), que se convierte en uno de los leitmotivs principales de la banda sonora. Mientras, la música asignada a Juliette aporta un cierto toque mágico de cuento de hadas ("Young Juliette"), que está utilizado también como canción ("Etoile"), interpretada por la actriz que da vida al personaje cuando es joven, Juliette Jouan. Esta incorporación de canciones a la banda sonora le otorga un claro toque referencial al cine de Jacques Demy ("Les voiles escarletes"), y en especial a su hermosa película Piel de asno (1970), basada en un cuento de Jacques Perrault. Pero L'envol se diferencia de la novela de Alexander Grin en la que se inspira, porque en este caso se otorga un espacio a los personajes femeninos que no solo son mujeres que esperan al príncipe azul. Incluso la figura de Jean aporta una cierta ambigüedad, que está bien representada por el actor Louis Garrel ("Coquinette"). Gabriel Yared introduce algunos de sus instrumentos habituales como el piano o el clarinete, para aportar un tono romántico y una personalidad eminentemente mediterránea a la historia, mientras que el acordeón apunta una mirada más nostálgica ("Marie"). Se trata de un trabajo espléndido que está editado a partir de una colaboración entre MovieScore Media, que se ocupa de la edición digital, y Quartet Records, que se encarga de una edición limitada en CD que contiene dos versiones instrumentales de canciones y tres demos inéditas. Es una interesante colaboración que se ha repetido recientemente con la banda sonora de George Fenton para la película Allelujah (Richard Eyre, 2022).
Notefornote Music 13/01/2023
Duración: 39mns
Que un compositor como Christopher Young (1958, Nueva Jersey) no trabaje en más de dos o tres películas o series cada año resulta sorprendente, aunque solo sea por el desarrollo del género de terror que parece haber renacido, y en el que el músico norteamericano ha aportado algunas de sus mejores bandas sonoras. Hay una generación de directores que han crecido con la música de Christopher Young para películas como Hellraiser (Clive Barker, 1987), como es el caso del director de The offering (Oliver Park, 2022), que reconoce su admiración por el compositor, la principal razón por la que decidió pedir su colaboración. La aproximación que hace Christopher Young a esta película que desarrolla una historia de posesiones en medio de una comunidad hebrea es cuanto menos singular, lo que se refleja también en una edición de la banda sonora que solo incorpora cuatro temas que no sobrepasan la duración total de 38 minutos. Sin embargo, se trata de una de las composiciones más inquietantes que hemos escuchado en los últimos años. Y aunque el director a veces cae en la tentación del "jumpscares", la banda sonora lo evita de forma inteligente, y acaba creando en la película una especie de estado permanente de desasosiego. La música se elabora a partir de una canción infantil ("Hear the souls who weep"), que escuchamos completa como tema final del álbum, con la voz angelical de Carli Duda acompañada de la guitarra, que en esta versión "limpia" recuerda a la canción de cuna compuesta por Christopher Komeda para La semilla del diablo (Roman Polanski, 1968). La canción incorpora más adelante el violín solista interpretado por la violinista Hanxiu Zhang, que también ha colaborado con Christopher Young en la banda sonora de la serie Echo 3 (Apple tv+, 2022-). De hecho, en la película el tema aparece interpretado en primer lugar por el violín, durante el prólogo que anticipa el horror, para ir incorporando un coro infantil cuando Arthur (Nick Blood) y Claire (Emily Wiseman) llegan a la funeraria Feinberg, que gestiona Saul (Allan Corduner). El uso de esta sonoridad vocal anticipa la conexión del embarazo de Claire con las fuerzas sobrenaturales que habitan la casa, lo que también refuerza las referencias a la película de Roman Polanski. El título del tema de 15 minutos con el que se abre el album ("Abyzou") hace referencia a un demonio femenino del folclore de Oriente Próximo y Europa, que se supone era responsable de abortos y muertes de bebés, y que iba a ser el título de la película. El tema comienza con la canción para ir distorsionando la voz de Carli Duda con efectos electrónicos e introduce después el interesante trabajo vocal de Daniel Wehr, músico de origen alemán que ha colaborado con Christopher Young en Sinister (Scott Derrickson, 2012) y The empty man (David Prior, 2020). Suena como una especie de rezo, pero cuando intenta interpretar la canción infantil, se transforma en un lamento doloroso. El sonido de las campanas de tintineo nos remite a Hellraiser, y su cadencia constante hace referencia a la oración. El segundo tema de 11 minutos ("The thief was unborn") también comienza con la canción, pero ésta se distorsiona pronto, incorporando un punteo de cuerdas de violonchelo, mientras que las distorsiones electrónicas se asignan al mundo sobrenatural, con el uso del piano para puntuar el desequilibrio psicológico de los personajes, como cuando Arthur dibuja algo parecido al sello de Baphomet, la insignia de la iglesia de Satán. Para quienes seguimos la trayectoria de Christopher Young, el último tema de 8 minutos ("Horrid screams of Hell") es posiblemente el más atractivo porque, comenzando de nuevo con la canción infantil, va incorporando las campanillas, murmullos y respiración profunda, hacia un conjunto de cuerdas e instrumentos de viento contundente, que se apodera del tema principal para llevarlo hacia una especie de apocalipsis infernal.
Duración: 1h 36mns
Versión extendida
BAFTA TV '23: Nominada
Esta serie de BBC y Amazon Prime Video, estrenada en España en la plataforma HBO Max, es una de las más interesantes que pudimos ver el año pasado, y ya destacamos en nuestro comentario sobre The English (HBO Max, 2022) el excelente trabajo realizado por el músico hispano-argentino Federico Jusid (1973, Buenos Aires), del que ya reseñamos algunas bandas sonoras en 2022 como Santa Evita (Disney+, 2022). Editada a finales de noviembre con unos escasos 20 minutos de música original, en un álbum que también incluía las canciones introducidas en la serie y composiciones preexistentes, sin poder evitar la tendencia del western anacrónico tan de moda en los últimos años. Ahora, y seguramente a petición de los aficionados que sentían como demasiado breve la presencia del extraordinario trabajo de Federico Jusid, Silva Screen Records ha decidido publicar un álbum extendido que elimina todos los elementos externos a la propia música del compositor. Tan es así, que un tema como "Tâtačiksta – I Cherish You", que en el primer álbum incluía la voz de la protagonista Emily Blunt, aparece ahora sin ella y la incorporación de un canto tribal del actor Chaske Spencer se ha eliminado de la pista "'Soon' has come". Es decir, lo que encontramos es la música original sin añadidos, lo cual nos permite valorar adecuadamente la aportación musical del compositor. Federico Jusid afirma que trabajó desde antes del rodaje con el director Hugo Blick, y que siguió el pretendido homenaje a los grandes directores del género western que la serie proponía. Sin duda lo consigue, en esta mezcla de referencias que suenan a Ennio Morricone, Jerry Goldsmith, Elmer Bernstein o John Barry pero que componen un conjunto sólido y personal, una construcción musical impecable que mira al pasado para elaborar una partitura muy actual. Esto aparece perfectamente reflejado en el tema principal ("Opening Credits"), uno de los más espectaculares que hemos escuchado en mucho tiempo, referencia directa a los western de Ennio Morricone con el uso de la armónica, la guitarra eléctrica y los coros, pero incorporando una suntuosa melodía con cuerdas que nos hace recordar a Jerry Goldsmith. Es uno de esos temas que cualquier director desearía para colocar en predisposición a los espectadores antes de comenzar a contar una historia. La banda sonora, interpretada por la Budapest Art Orchestra, se estructura de una forma clásica en base a leitmotivs asignados a los personajes, e incorpora una gran variedad de instrumentaciones solistas que aportan un conjunto de sonoridades rico y atractivo. El personaje de Cornelia Locke (Emily Blunt) tiene una tonalidad romántica, pero al mismo tiempo está marcada por la tragedia cuando viaja al Oeste americano para vengar la muerte de su hijo, y también porque atesora un drama personal que tiene relación con la enfermedad, lo que se manifiesta en algunas composiciones que tienen incluso un tono litúrgico ("Crumbling is not an instant's act"), mientras suena un piano como elemento nostálgico y se incorporan voces solistas masculinas y sonidos de campanas funerarias, lo que la relaciona asimismo con el siniestro personaje de Black-Eye Mog (Nichola McAuliffe), que aparece a partir del Episodio 5, y con el pueblo a medio construir ("Hoxem") que se erige sobre un antiguo cementerio indio.
El otro personaje protagonista es Eli Whipp (Chaske Spencer), un indio que sirvió como explorador para los soldados norteamericanos pero que también tiene su particular objetivo. El destino de Cornelia y Eli se cruzará en varias ocasiones en un territorio inhóspito, y se establece una relación complicada que está marcada por un muy hermoso tema romántico ("Cornelia and Eli") que tiene sonoridades al John Barry de Bailando con lobos (Kevin Costner, 1990), con una emocionante versión para piano y clarinete ("We were all just 'The English'"). Pero al mismo tiempo ambos adoptan como elemento de conexión el tema principal, que sirve como reflejo de ese destino que los une y los separa al mismo tiempo, como cuando Cornelia decide buscar a Eli en The buffalo gang (T1E5) ("Coming for Eli Whipp"), una espléndida versión dinámica con el banjo como instrumento principal, y en un formato más romántico en forma de suite ("'Soon' has come") que sirve para el clímax de Cherished (T1E6). También se incorpora con un tono melancólico al comienzo del tema que suena cuando Eli y Cornelia conversan a la luz de la hoguera ("My home is here with you"). Es un momento importante en el que hablan sobre el hogar: "Este es mi hogar, contigo", dice Eli, subrayado por una de las mejores composiciones de la banda sonora, apuntada con instrumentos solistas que se van dando la mano. Después del tema principal interpretado por las cuerdas que les une, el piano es el instrumento asignado al hogar lejano y el recuerdo del hijo perdido para Cornelia, para incorporar la armónica y unas teclas de piano sordas hasta acabar con el regreso de las cuerdas para subrayar el momento más romántico. En los temas de acción también brilla especialmente la banda sonora, con referencias a los western revitalizados en los años 70 por Jerry Goldsmith y el uso de pianos, guitarras y armónica ("Powder River"), y con la incorporación espectacular de los instrumentos de viento ("A chase is on"), incorporando algunos sonoridades tribales y la guitarra eléctrica en magníficas secuencias de tensión ("It's all in breathing"). Pero el gran homenaje a los western clásicos marcados por la música de Elmer Bernstein se encuentra en los temas relacionados con el ganado ("That's my cattle!", "You ain't me offering nothing!"), pieza fundamental en el crecimiento de los negocios. Aunque la historia se desarrolla en 1890, The wounded wolf (T1E4) es un episodio botella que incluye un largo flashback hasta 1875, lo que permite a Federico Jusid explorar sonoridades más clásicas ("London 1875"), y algunos pasajes de suspense ("I sometimes wonder if there's horror in us all"), en una escena que marca uno de los temas principales que aborda la serie: la maldad intrínseca en el ser humano. La versión extendida incorpora más de treinta temas nuevos a la anterior, con una duración total de una hora y media, lo que ofrece por fin una muestra completa de uno de los mejores trabajos musicales hasta la fecha realizados por Federico Jusid.
Duración: 23mns
IFTA '22: Mejor Banda Sonora
La propuesta de esta película es ofrecer una historia compleja de una forma sencilla, con elecciones de formato como el 4:3 que refleja la ingenuidad de Cáit (Catherine Clinch), cuyos horizontes aún no se han expandido, y cuya vida en una casa rural en la Irlanda de 1981 es un núcleo cerrado y asfixiante. El director evita la tendencia que podría resultar más lógica de expandir este formato conforme la mirada de la niña se expande con su familia provisional, porque en realidad coloca al espectador siempre en la perspectiva de Cáit. The quiet girl (Colm Bairéad, 2022) adapta el aclamado cuento Foster (2010), de Claire Keegan, con una gran sutileza y sensibilidad, convirtiéndose en la gran triunfadora de los IFTA Awards 2022 de la Academia de Cine y Televisión de Irlanda, logrando siete galardones, entre ellos los de Mejor Película y Mejor Banda Sonora, así como una nominación al Oscar y premios en festivales como Berlín o Valladolid. Los elementos que rodean a la historia como la fotografía y la música contribuyen en buena manera a esta mirada que es al mismo tiempo sencilla y compleja. Stephen Rennicks (1972, Irlanda), que este año también ha estado nominado a los IFTA Awards por la música de la película Buena suerte, Leo Grande (Sophie Hyde, 2022), construye su partitura a partir de instrumentos solistas como el piano, que refleja la soledad de la protagonista ("The wake") al comienzo de la película, cuando parece buscar ese mismo aislamiento en el campo, y que es un tema que se extrae de la música asignada a ella ("Cáit's theme"). Sus padres, que pasan por problemas económicos, parecen incapaces de transmitir la protección y el amor de una familia, de forma que los momentos en los que Cáit sale de su casa en algún trayecto aparecen como liberadores ("The wanderer") casi ensoñadores, como cuando inician el viaje hasta la casa de los parientes lejanos que la acogerán durante el verano ("Travelling"). Hay una presencia sutil del piano en los primeros momentos junto a Eibhlín (Carrie Crowley) y su marido Seán (Andrew Bennett), su familia adoptiva (New clothes"), pero la música en torno a Cáit se expande hacia sonoridades relacionadas con los violines ("The well"), que reflejan otra forma de concebir la familia, más cercana y más cariñosa. Y de ahí surge precisamente el otro tema principal de la banda sonora, en el que el piano (la soledad) desaparece, y el personaje es abrazado por las cuerdas en los momentos de vida cotidiana ("Begin"). Es una hermosa composición que posteriormente se convertirá en el tema del amor, que la propia Cáit definirá con una sola descripción de la paternidad ("Daddy"), y que suena en la despedida. Los momentos de soledad en los que el piano aparece de nuevo, pero ya con otra sonoridad es en esas carreras que Cáit hace cada día hasta el buzón ("Run"), y que ahora la conectan con su padre provisional, hasta que de alguna forma las sonoridades del principio regresan ("Homeward"), pero esta vez con otra expresión emocional, mucho más abierta, que refleja la forma en la que el personaje ha crecido a lo largo del verano. Stephen Rennicks consigue emoción y sutileza en un trabajo que ocupa en la edición discográfica poco más de 20 minutos, con instrumentaciones e ideas sencillas que se ajustan perfectamente al planteamiento de la película. El compositor irlandés continúa ofreciendo trabajos destacados, desde películas como Frank (Lenny Abrahamson, 2014) o La habitación (Lenny Abrahamson, 2015), hasta series como Normal people (Hulu, 2020) o Conversaciones entre amigos (HBO Max, 2022).
Duración: 1h 24mns
Uno de los compositores más solicitados de Hollywood, Brian Tyler (1972, California) está ligado a algunas de las producciones más comerciales del momento, como la saga de A todo gas (Justin Lin, 2009) para cuya última secuela, Fast & Furious X (Louis Leterrier, 2023) ha vuelto a colaborar, o el próximo estreno de The Super Mario Bros. Movie (Aaron Horvath, Michael jelenic, 2023). Pero también ha compuesto la música para el espectáculo permanente de Las Vegas Awakening (2022) y se ha convertido en el habitual colaborador de Taylor Sheridan para su saga Yellowstone (SkyShowtime, 2018-2023), incluidos los dos spin-offs 1883 (SkyShowtime, 2021) y 1923 (SkyShowtime, 2022-). Para la primera Brian Tyler compuso uno de los mejores temas principales para una serie de televisión de las últimas décadas, aunque no ha sido reconocido con premios (el músico solo tiene tres nominaciones al Emmy), una composición majestuosa, apoyada en los violonchelos, que refleja el poder que atesora la familia Dutton pero también la amenaza de la pérdida de un estilo de vida tradicional. La música del primer spin-off ya la analizamos en su momento, y está apuntada como elemento de conexión con el segundo spin-off, apareciendo brevemente al final de 1923 Opus. Compuesta de nuevo junto a Breton Vivian como las últimas temporadas de Yellowstone y 1883, suponemos que Brian Tyler se encarga de crear los temas principales para que sea Breton Vivian quien los desarrolle a lo largo de toda la serie. Si el tema de aquella introducía voces corales como un elemento de esperanza hacia el futuro por parte de los colonos, el leitmotiv principal de 1923 tiene un tono más melancólico, que enlaza con los personajes de Jacob (Harrison Ford) y Cara (Helen Mirren), todavía enfrentados en su vejez a la amenaza de los nuevos tiempos, que será la lucha constante de la familia Dutton. El tono romántico que predomina en la serie se refleja en la relación entre Spencer (Brandon Sklenar) y Alexandra (Julia Schlaepfer), como en la escena en la que ella decide renunciar a su boda y marcharse con el aventurero ("Knight in shining armor") incorporando a veces percusiones africanas ("Safari Encampment") que tienen reminiscencias de la música de John Barry para Memorias de África (Sidney Pollack, 1985) con la introducción de voces tribales ("Arrival to Nairobi"). De alguna forma, Brian Tyler desarrolla a lo largo de las tres series diferentes acercamientos a la familia Dutton a través de sus temas principales, más épico en 1883 y más melancólico en 1923, muchas veces asignado al personaje de Jacob Dutton ("1923 Opus"). Una de las composiciones más logradas es la que se refiere al rancho y especialmente a la inquietud de las mujeres por el regreso de los hombres ("Dawn"), pero que también refleja la esperanza de que las cartas que ella ha enviado a su sobrino para que regrese le devuelva al rancho. Esta conexión musical entre el tema asignado a Spencer y el rancho es constante a lo largo de la serie, logrando los compositores establecer lazos familiares, como utilizar percusiones que recuerdan a las de los temas africanos para la llegada de los Dutton al pueblo ("A new frontier"), o también en algunas de las escenas de acción más relevantes ("Ambushed"), con predominio de instrumentos percutivos. Para la tercera trama que se desarrolla en la residencia religiosa para jóvenes indígenas, también hay una conexión musical con el rancho, aunque en la primera temporada no se revela qué relación tiene Teonna (Aminah Nieves) con la familia Dutton, pero la música sí la establece desde el principio ("Don't worry child", "Taming the devil"). La amenaza de los cuatreros al rancho está reflejada en la escena en la que invaden las tierras, con un tema que comienza con la música asignada a la familia Dutton que es asimismo invadido por una sonoridad más inquietante ("Crossing the fence"). Sin llegar a ser tan sobresaliente como 1883, esta banda sonora explora sonoridades románticas y aporta una tonalidad africana que amplía su perspectiva para establecer conexiones entre los personajes que anticipan el desarrollo de la historia.
Republic Records 10/02/2023
Duración: 29mns
Este es un proyecto curioso, no solo por su origen sino también por su desarrollo. La película está basada en la novela La rubia de los ojos negros (2014, Ed. Debolsillo), del autor John Banville (1945, Irlanda), Premio Príncipe de Asturias de las Letras, firmada con el seudónimo Benjamin Black que utiliza para sus novelas policíacas. La historia resucita al personaje de Philip Marlowe a petición de los herederos de Raymond Chandler, pero lo hace otorgándole una personalidad más envejecida y reflexiva, aunque manteniendo sus principales características. La adaptación cinematográfica es también una producción irlandesa, con director y actor principal irlandeses como Neil Jordan y Liam Neeson, aunque la mayor parte del rodaje se desarrolla en Barcelona y ciudades como Manresa o Sitges, que representan adecuadamente las colinas de Los Angeles en las que tiene lugar la historia. Marlowe (Neil Jordan, 2022), que clausuró el pasado Festival de San Sebastián, no ha recibido buenas críticas en general y ciertamente tiene una tonalidad clásica pero el director no consigue encontrar ni el ritmo ni el equilibrio adecuados en el desarrollo del personaje y su interacción con el resto de secundarios, aunque Jessica Lange está espléndidamente sarcástica. Liam Neeson encarna una versión de Philip Marlowe que mantiene su carisma pero sin brillar especialmente. En la parte positiva, la música de David Holmes (1969, Irlanda) consigue evitar los lugares comunes en las historias de detectives que tratan de hacer referencia al cine clásico y opta por una banda sonora muy solemne, más oscura de lo que es habitual en sus trabajos. El tema del inicio de la película tiene ritmos latinos que anticipan algunos entresijos de la historia ("Main Title") y es el único rítmico y festivo de la banda sonora, recordándonos al tema principal que compuso para Sin movimientos bruscos (Steven Soderbergh, 2021). Pero el resto circula por sonoridades oscuras como el dedicado a la escena en la que el protagonista es drogado ("Marlowe drugged"), que usa sonidos disonantes que reflejan confusión. Para algunas de las incursiones del detective en lugares prohibidos ("No invite") se introducen las percusiones y la guitarra eléctrica, y en algunos momentos la banda sonora parece acercarse a John Barry con el uso de la armónica y el dulcémele o címbalo, interpretados ambos por Woody Jackson, en el que podríamos definir como el tema de Marlowe ("For the rest of time we'll see the dead"). La música ha sido grabada también en Barcelona, en Sol de Sant Studios, y cuenta con una pequeña formación de cuerdas formada por violines, violas, contrabajos y violonchelos. Pero lo que la acerca a las sonoridades de clásicos como El sueño eterno (Howard Hawks, 1946) es el uso de los instrumentos de viento de metal ("Nico P. returns", "The prop house master") que en sus frases descendentes recuerda a la música de Bernard Herrmann para El cabo del terror (J. Lee Thompson, 1962). Algunas composiciones remiten a improvisaciones de jazz ("Girls, boys, heroin, coke"), describiendo un entorno oscuro y desasosegante. A pesar de su corta duración, poco más de 20 minutos si dejamos a un lado las dos canciones incluidas, entre ellas el tema "The light shines brightest in the dark", escrito e interpretado por Jon Batiste para la película, Marlowe es un trabajo sólido de David Holmes que se distancia de sus habituales composiciones rítmicas.
Dubois Records 10/02/2023
Duración: 23mns
Este drama sobre cómo afectan a una profesora las políticas del gobierno de Margaret Thatcher sobre la prohibición de hacer referencia a la homosexualidad en las escuelas británicas, es una poderosa historia que se apoya en el pasado para reflexionar sobre el presente, por la que la directora Georgia Oakley estuvo nominada al premio BAFTA 2023. Protagonizada por Jean (Rosy McEwen), que ejerce como profesora de gimnasia mientras oculta su homosexualidad porque piensa que su trabajo se verá afectado, Blue Jean (Georgia Oakley, 2022) es sobre todo un estudio de personaje espléndido, que también está reflejado en la banda sonora compuesta por el británico Chris Roe, del que hemos comentado sus trabajos para el documental Children of the snow land (Zara Balfour, Marcus Stephenson, 2018) o la serie Trigger Point (ITV, 2022). La música construye al personaje progresivamente, como ha hecho el compositor en otras películas centradas en sus personajes protagonistas, como Después del amor (Aleem Khan, 2020), partiendo de un tema que le define y que se va desarrollando. Su novia Viv (Kerrie Hayes), que en contraposición experimenta su lesbianismo con total libertad, la describe en una escena como un ciervo perdido, y esta representación de alguien que no consigue encontrar su posición en la sociedad ("Deer in the headlights") es el que está construido con una sonoridad melancólica, para volverse más amenazante ("Still as a hunted deer") cuando la estabilidad que parece haber conseguido Jean entre mentiras y secretos se derrumba. De la misma forma, el tema que describe el espacio en el que se desarrolla la historia, que se muestra cuando Jean sale a correr ("Whitley Bay") se escucha en dos sentidos distintos en la película: una especie de sosiego marcado por los sintetizadores, que se hace más opresivo en escenas posteriores. Interpretada por Chamber Orchestra of London, la banda sonora se sostiene sobre todo en instrumentos de cuerda (dos violines, dos violonchelos, una viola y un contrabajo), que arropan al personaje pero también aportan rotundidad en los pizzicatos, y que están apoyados por el piano, que aporta una sensación de fragilidad desde la primera escena, y el uso de sintetizadores antiguos que proporcionan una sonoridad de los años ochenta ("Bleach (Prologue)"). Como contrapunto, la aparición del saxo soprano (Amy Green) aporta una cierta sensación de liberación ("Viv's motorbike") en los momentos en los que Jean puede ser ella misma, o cuando su estado de ánimo se representa en la imagen de unos caballos salvajes ("Wild horses"). Chris Roe construye asimismo algunos momentos de suspense ("The staff room") que suenan en uno de los principales giros de guión, y al mismo tiempo un sentimiento de melancolía por aquello que quienes se encuentran a su alrededor parecen esperar de la protagonista ("You'd be a great mom"). A pesar de su escasa duración, la banda sonora de esta excelente película funciona como definición del personaje principal, construyéndose gradualmente conforme éste experimenta los sentimientos de frustración, amenaza y liberación.
Duración: 50mns
Uno de los estrenos destacados del Festival CPH:DOX 2023 ha sido la presentación de la grabación del espectáculo Creature (Asif Kapadia, 2022), una de las últimas coreografías de Akram Khan para el English National Ballet que dirige la española Tamara Rojo. El documental pone en escena audiovisual una obra que toma referencias del mito de Frankenstein de Mary Shelley y de la obra inacabada de George Büchner Woyzeck (1836), para desarrollarse en el interior de una antigua estación de investigación utilizada con fines militares, donde se experimenta con seres humanos. El responsable de la música original del espectáculo es Vincenzo Lamagna, compositor italiano afincado en Londres que colabora habitualmente con el coreógrafo Akram Kahn en obras como Akram Kahn's Giselle (2020), y su música refleja el carácter claustrofóbico de la historia, creando también un diseño de sonido que utiliza grabaciones de archivo como el discurso que Richard Nixon dirigió a los astronautas norteamericanos que llegaron a la luna, cuyas distorsiones acaban convirtiéndose en una especie de acusación que subraya la reflexión de la obra sobre el gasto espacial mientras nuestro planeta se está deteriorando. El tema inicial ("Because of what you have done") tiene una sonoridad apocalíptica, introduciendo distorsiones dentro de una especie de fanfarria electrónica. Y a lo largo de la banda sonora, se reproduce la voz del actor Andy Serkis mientras describe la situación en el exterior, donde resulta imposible la supervivencia ("Nothing but work under the sun"), dando paso a ritmos de percusiones que se mezclan con violonchelos formando una estructura repetitiva para mostrar el carácter monótono del trabajo. La relación que establece la criatura (Jeffrey Cirio) con su cuidadora Marie (Erina Takahashi) se representa en un número coreográfico entre ambos personajes que está marcado por un hermoso tema romántico con guitarra española ("Funny world, beauty world"), que funciona como una especie de huida emocional de la claustrofobia del espacio cerrado. Pero la llegada del estamento militar introduce sonoridades más rotundas y repetitivas ("On and on and on"), con una composición que de nuevo incorpora sonidos electrónicos que tienen una sonoridad parecida a las cuerdas, pero que vuelven a introducir el carácter recurrente del trabajo, en un crescendo opresivo. Cuando la criatura vuelve para intentar huir con Marie, el encuentro se subraya con un violonchelo solista ("Don't look at me") que es al mismo tiempo emocional y pesimista, que expresa la soledad y el temor. Curiosamente, la banda sonora editada no incluye toda la música de la obra, como un tema que remite directamente al Boléro (1928) de Maurice Ravel, pero termina como una alegoría religiosa a través de la introducción de un tema coral ("Closer and closer") que en cierta manera representa una forma de liberación. La banda sonora está interpretada por la English National Ballet Philharmonic, bajo la dirección de Gavin Sutherland.
Duración: 34mns
Estrenada directamente en la plataforma Disney+ con el desafortunado título de Matón: sangre de su sangre (Miles Warren, 2022), que tira para atrás a cualquiera, este debut del joven director es una incursión muy interesante en la descripción de la masculinidad cruda que rodea al protagonista, el adolescente Darious (Jalyn Hall), en una historia de crecimiento en la que sus dos figuras paternas están enfrentadas. Por un lado, Porter (Trevante Rhodes), quien abandonó a su novia Monica (Shinelle Azoroh) cuando ella tuvo a su hijo, pero ahora quiere recuperar la conexión con Darious. Y por otro lado Malcolm (Shamier Anderson), que fue en su juventud el mejor amigo de Porter y es quien ha ejercido como padre del joven durante toda su infancia. Porter y Malcolm comparten un pasado marcado por sus actitudes violentas y abusivas, pero cada uno a su manera quiere encontrar una cierta madurez y reforma. Pero la historia, que ya contó Miles Warren en su cortometraje Bruiser (2019) de una forma más resumida, habla sobre cómo esa masculinidad violenta sigue presente en los dos personajes, reflexionando sobre la representación de lo masculino en la comunidad negra. La banda sonora está compuesta por Robert Ouyang Rusli, compositor no binario que anticipa esa crudeza casi primitiva en los personajes, como en la aparición de Malcolm en el concesionario, representada por instrumentos de percusión ("The Sheilamobile"). Se trata de una banda sonora atonal, que utiliza el violonchelo (Lester St. Louis) y las flautas (Concrete Husband) para transmitir un sentido de protección hacia Darious ("A family hug", "My little boy"), que está principalmente representado por la madre Monica, otro personaje que en cierta manera se encuentra en una posición intermedia entre los hombres. Cuando el joven conoce a su padre biológico se produce una especie de liberación frente a la figura más controladora de Malcolm, que se muestra en ese viaje en motocicleta que está expresado musicalmente con cuerdas y sintetizadores etéreos ("Neon motorcycle"), mientras que los momentos en los que afloran actitudes del pasado están marcados por violonchelos más rotundos y descarnados, casi minimalistas ("You've got a disease in your heart and it's killing your family"). Robert Ouyang Rusli es un compositor norteamericano de origen asiático que anteriormente había compuesto la música de la película independiente Test pattern (Shatara Michelle Ford, 2019). Con influencias de Mica Levi, hay también resonancias japonesas a través de las percusiones que remiten a la banda sonora de Geinoh Yamashirogumi para la película Akira (Katsuhiro Ôtomo, 1988), una de las preferidas de Robert Ouyang Rusli. Lo que especialmente se refleja en el espléndido subrayado musical del inevitable enfrentamiento ("The field") en la secuencia de lucha, la única forma de expresar las masculinidades.
Duración: 39mns
Esta película que mezcla cine bélico y terror a través de extraños acontecimientos que ocurren cuando un grupo de soldados británicos quedan atrapados en un búnker alemán durante la I Guerra Mundial, ha llegado recientemente a la plataforma Shudder, coincidiendo con la edición discográfica de su banda sonora, compuesta por el músico afincado en Louisiana Andrew Morgan Smith, del que MovieScore Media ha editado varios trabajos en los últimos años, entre ellos la comedia de horror Igual eres el asesino (Brett Simmons, 2018), que exploraba las sonoridades de la música de cine de terror de los años ochenta. En realidad, los últimos trabajos del compositor tienen en común una mirada al pasado, como en la recientemente editada Camino de la venganza (Brett Donowho, 2023), en la que aborda una partitura orquestal que remite al western clásico. Búnker (Adrian Langley, 2022) también supone una exploración de sonidos pretéritos, concretamente con referencias a las películas de los años cuarenta, con momentos que recuerdan a las bandas sonoras de Franz Waxman, como el espléndido tema principal ("Bunker Overture"), que suena sobre unos títulos de crédito que ya nos advierten que se trata de una propuesta que nos va introducir en la narrativa del cine clásico. Es una partitura especialmente inspirada en la que el compositor desarrolla por un lado una perspectiva de género de horror a través de temas de suspense ("He's alive") interpretados por las cuerdas de la Orquesta Sinfónica de Budapest, con orquestaciones de Andrew Osano. Pero se vuelve más contundente con la utilización de vientos de metal y percusiones en temas de acción notables ("Gas canister!"), que en algunos momentos parece estar influido por las sonoridades de John Williams. Hay en la película una cierta teatralidad, especialmente en la interpretación del teniente Turner (Patrick Moltane), que aporta una cierta mirada irónica a la posesión que experimentan los soldados. De alguna manera, Bunker parece no tomarse demasiado en serio a sí misma, pero manteniendo el equilibrio adecuado para no provocar la incredulidad. Y el trabajo musical de Andrew Morgan Smith tiene mucha relevancia en este sentido, porque le da prestancia a la historia, especialmente en temas que abrazan el horror directamente, como el que describe la masa viscosa que está enraizada en las rocas ("Vomitous mass"). El compositor experimenta con las sonoridades inquietantes en algunos de los mejores temas ("Roots", que sirve también para los créditos finales), en los que utiliza lo que denomina Piano Guts (tripas de piano): "Es la caja de resonancia de un piano vertical con las cuerdas todavía en él. Lo golpeé, lo incliné y lo froté para crear algunos ruidos y texturas salvajes", comenta el compositor en las notas de la edición discográfica. Conforme el misterio que oculta el búnker y la necesidad de huir se revelan, la película adopta una tonalidad cada vez más extravagante, lo que está reflejado también en un equilibrado caos sonoro de la partitura ("Swashbuckling"), con contundentes percusiones y trompetas, pero también hay algunos lugares conocidos como las referencias al Dies Irae en una especie de marcha militar tenebrosa ("The radio bleeds"). La revelación final de la historia está representada con la aparición de las voces corales, ausentes durante el resto de la partitura, lo que proporciona una representación de carácter sobrenatural ("The griever"), que resulta sobrecogedora. Sin quitarle méritos a algunos momentos especialmente logrados en cuanto a dirección, Bunker es una película que se refuerza en su consistencia gracias al trabajo musical de Andrew Morgan Smith.
Duración: 1h 10mns
Esta película de animación española ha contado con un respaldo importante de Warner Bros., que la ha estrenado a nivel internacional como si se tratara de una producción de Hollywood, apostando por un estreno gradual a nivel internacional hasta llegar a España y Estados Unidos, lo que la ha beneficiado con una recaudación total de casi 50 millones de dólares, muy por encima de sus 11 millones de euros de presupuesto. Momias (Juan Jesús García Galocha, 2023) se ha consolidado así como uno de los mayores éxitos del cine de animación español, reforzado por un nivel técnico especialmente cuidado en aspectos como el sonido y la banda sonora. Fernando Velázquez (1976, Getxo) continúa con sus éxitos tras la nominación al Goya por Los renglones torcidos de Dios (Oriol Paulo, 2022), y proporciona una espectacular partitura que está interpretada por la Euskadiko Orkestra y el coro Kup Taldea, reforzando el estimable interés del compositor por utilizar orquestas españolas para sus bandas sonoras. Desde el prólogo con la escena de la carrera ("The race"), el músico vasco propone sonoridades egipcias acompañadas de cuerdas y percusiones que marcan el desarrollo de una banda sonora que le debe mucho a la música de Jerry Goldsmith para La momia (Stephen Sommers, 1999), sobre todo en algunos temas notables ("The goddess of love"), en el que brillan las cuerdas y la percusión egipcia, especialmente el darbuka o tambor de copa, interpretada por Dídac Fernàndez. La partitura se apoya en un excelente tema principal que aparece al comienzo para desarrollarse en diferentes versiones a lo largo de la película, desde una sonoridad más oscura que se apoya en los instrumentos de viento y coros ("Underworld"), hasta una mayor majestuosidad que se transmite a través de las cuerdas ("It's our world"), para impregnarse de instrumentaciones más modernas como la guitarra al final del tema, que muestra el viaje de los personajes fuera del inframundo. El tema romántico es una hermosa melodía interpretada principalmente al piano ("The princess"), con introducción de instrumentos de viento que lo apoyan, para marcar la relación entre Thut (Óscar Barberán) y Nefer (Ana Esther Alborg), y también adopta algunas sonoridades más modernas ("In love"). La música se hace más juguetona cuando se refiere al hermano pequeño de Thus, Shekem (Jaume Solá), adoptando una sonoridad más cercana a las tradicionales partituras de animación de Disney ("Shekem is here"). Pero el trabajo de Fernando Velázquez, al margen de la creación de leitmotivs contundentes, brilla sobre todo en las escenas de acción, con predominio de las percusiones africanas ("Rescue mission") o con la perfecta sincronía de los coros y la orquesta ("A world in danger"), que aportan una tonalidad mucho más seria que las habituales composiciones para películas de animación. Aunque la duración del disco es de 70 minutos, casi veinte están ocupados por versiones de canciones que aparecen en números musicales algo innecesarios, quedándose la partitura en unos 54 minutos. Puesta al servicio de una historia que no pretende descubrir nada nuevo, apoyada en un guión algo plano, la banda sonora de Fernando Velázquez utiliza los elementos más característicos de una trama con personajes del antiguo Egipto, pero lo hace con una firmeza y una habilidad que le permite destacar de forma notable incluso por encima de los propios valores de la película.
Duración: 38mns
La película austríaca The fox (Adrian Goiginger, 2022) está basada en la experiencia real del bisabuelo del director, elaborando una visión humanizada de la guerra a través de la relación entre un soldado austríaco y un zorro al que encuentra en el bosque durante la invasión alemana en Francia. La melancólica partitura de Arash Safaian (1981, Irán) permanece en segundo plano, para revelarse principalmente como reflejo de las emociones de un protagonista introvertido, un inadaptado en un entorno de hostilidad. Formado musicalmente en Alemania, el compositor de origen iraní ha escrito algunas óperas y música de concierto, con pocas incursiones en el mundo del cine, entre las que destacan la banda sonora de la película La profesora de piano (Jan-Ole Gerster, 2019), para la que compuso un concierto para piano interpretado por la pianista Alice Sara Ott. La música para The fox se estructura principalmente en varios leitmotivs que están casi siempre relacionados con el personaje protagonista, el joven soldado Franz (Simon Morzé), comenzando por una creación sinfónica ("The shore") que le define en su relación con el cachorro de zorro. Pero también incorpora una pieza para Franz dentro del entorno familiar, que suena predominantemente en el prólogo que describe su infancia ("Resting"), una creación que tiene cierto aire bucólico y que incorpora desde el principio de la película la viola solista como un instrumento definitorio del protagonista, interpretada por la violista franco-egipcia Sindy Mohamed. Es especialmente notable la aportación de la viola en el desarrollo del tema que conecta al joven Franz con su padre ("Sensenmann"), el segador Josef (Karl Markovics), pero que también será quien decida apartarle de un entorno familiar marcado por la pobreza. Aunque la película no muestra escenas bélicas, sino solo las consecuencias del campo de batalla cubierto de muertos, el ambiente militar resulta opresivo para Franz, y está marcado por sonoridades más oscuras, que incorporan ritmos electrónicos y efectos de sonido de aviones sobrevolando mientras las cuerdas suenan de forma amenazadora ("Perventin", "Division"). La banda sonora está interpretada por The Berlin Orchestra bajo la dirección de Bernhard Wünsch, y en algunos momentos adopta una tonalidad más sosegada, especialmente en las composiciones que tienen relación con Marie (Adrianna Gradziel), una campesina francesa en cuya casa encuentra cobijo Franz ("Marie's house"), un tema que de alguna manera supone un aliento fresco en el entorno bélico, que incorpora pizzicatos (Marie") para definir una especie de paraíso en medio del infierno de la invasión alemana. Sin revelar demasiados detalles de la historia, hay una escena tan inevitable como emocionante que se describe con una hermosa y triste melodía ("Trennung") que define la relación entre Franz y el pequeño zorro después de varios meses juntos, y que resulta arrebatadoramente nostálgica en la viola solista. The fox es un trabajo musical que en la película evita tomar el protagonismo, pero que aporta emoción y melancolía a través de composiciones especialmente inspiradas.
Duración: 1h
El año pasado la compositora Rachel Portman (1960, Reino Unido) fue contratada por Sony Classical como uno de sus músicos exclusivos, publicando el sencillo Emma - Piano Suite (2022, Sony Classical), que recogía un arreglo para piano del tema principal de la película Emma (Douglas McGrath, 1997), el único Oscar obtenido por la compositora británica y el primero que consiguió una mujer compositora en toda la historia de los premios de la Academia de Hollywood, aunque bien es cierto que después de ella tampoco ha habido demasiada presencia femenina en esta categoría. Como un álbum que completa e incorpora aquel sencillo, ahora se ha publicado Beyond the Screen, un recopilatorio de las bandas sonoras más representativas de Rachel Portman, de nuevo con arreglos para piano interpretados por ella misma. Y aunque la eliminación de las instrumentaciones de alguna forma revela cierta uniformidad en las partituras mostradas, el disco funciona con singular eficacia, y acaba siendo una de las propuestas más hermosas y sosegadas que se han publicado en los últimos meses. Hay un sentido de intimidad que se transmite a través de estas interpretaciones, y que parece especialmente buscada para reflejar la soledad al piano, un instrumento ante el que Rachel Portman confiesa pasar todo el día. De esta forma, encontramos suites para piano de bandas sonoras por las que fue nominada al Oscar como Las normas de la casa de la sidra (Lasse Hallström, 1999) o Chocolat (Lasse Hallström, 2000), junto a otros trabajos destacados como La duquesa (Saul Dibb, 2008) o One day (Siempre el mismo día) (Lone Scherfig, 2011), así como partituras más desconocidas y singularmente hermosas como la música de la película La vida es dulce (Mike Leigh, 1990). Rachel Portman ha compuesto más de un centenar de bandas sonoras desde que comenzó a trabajar en el mundo del cine a principios de los años ochenta. El álbum está estructurado de forma que mantiene cierto equilibrio entre sonoridades más melancólicas y románticas como Cuando cae la nieve (Shamim Sarif, 2016) o Nunca es demasiado tarde (Uberto Pasolini, 2013), junto esos temas tan característicos de la compositora que tienen cierta tonalidad traviesa, como "Passage of time" de la película Chocolat (2000), arreglado para dos pianos. Quizás se echa en falta una mayor presencia de este tipo de composiciones en la recopilación publicada, pero en contraste introduce a veces un instrumento acompañante, que aporta la joven violonchelista Raphaela Gromes (1991, Alemania), que también forma parte de Sony Classical. Con ella hay momentos especialmente sobrecogedores como "The pier", de la película Nunca me abandones (Mark Romanek, 2010), "Letter box", de Snow flower and the secret fan (Wayne Wang, 2011) o "Frozen lake", extraído de La mancha humana (Robert Benton, 2003), junto a otros más juguetones como "Vianne sets up shop", de nuevo de Chocolat (2000), que en la banda sonora incluía una instrumentación de guitarra, violín y flauta pero que tiene una versión curiosa en este álbum. Beyond the Screen es un disco sosegado y muy intimista que funciona perfectamente para conseguir un estado de ánimo equilibrado, pero sobre todo es una interesante aproximación a los trabajos de una compositora que abrió un camino en el mundo del cine que sin embargo parece no haber evolucionado del todo en cuanto al reconocimiento de las mujeres compositoras. A sus sesenta y dos años, Rachel Portman puede sentirse orgullosa de haber sido una de las pioneras.
Duración: 43mns
En su última película, el director François Ozon (1967, Francia) despliega su admiración por las comedias de Ernst Lubitsch con una historia ligera sobre la investigación de un asesinato del que es acusada la protagonista Madeleine (Nadia Tereszkiewicz). En su defensa aparece la abogada Pauline (Rebecca Marder), quien adopta la estrategia de mentir para probar la inocencia de la joven. Pero entonces aparece una antigua estrella del cine mudo, Odette Chaumette (Isabelle Huppert) que reivindica el crimen como suyo. El tono de la historia permite al habitual colaborador del director, Philippe Rombi (1968, Francia) desplegar una excelente partitura que juega con las sonoridades clásicas para establecer un tono divertido, que bebe directamente del género jazz desde el comienzo ("Overture"). La banda sonora se mueve por diferentes caminos conforme la historia, basada libremente en una obra de teatro de 1934, se desarrolla por itinerarios narrativos diferentes. Por un lado está la mirada hacia el París de los años treinta, que se muestra a través de un alegre tema principal ("Mauvaise graine"), pero que también tiene un toque nostálgico ("Les toits de Paris") con el uso de instrumentos como el violín solista y el piano ("Le calvaire de Suzette"), subrayando la descripción de la posición de las mujeres en la época con un tono melancólico ("Aux femmes de 1935") que sin embargo acaba siendo liberador. Por otro lado, se encuentran los temas que se refieren al misterio en torno a la muerte de un poderoso productor que abusaba sexualmente de las actrices, y que aportan una referencia al movimiento MeToo ("Montferrand est mort!"). También adopta un tono de misterio la música asignada al personaje de Odette Chaumette ("J'avoue mon crime"), cuyo referente principal es Sarah Bernhardt, una mujer que sigue estancada a principios de 1910, incluso en su forma de vestir. La música de Philippe Rombi se vuelve más romántica y espectacular cuando despliega toda su textura orquestal ("Triomphe"), pero una de las mejores aportaciones de la partitura es la que más se acerca a la música de Bernard Herrmann para el cine de género, especialmente Vértigo (De entre los muertos) (Alfred Hitchcock, 1958), con una composición dinámica que prácticamente cierra la edición discográfica.
Duración: 57mns
La banda sonora de esta película de ciencia-ficción que parte de una premisa un tanto extraña que mezcla astronautas y dinosaurios, ha sido tan compleja en su desarrollo como la propia producción, que comenzó a rodarse en Nueva Orleans pero requirió escenas adicionales que se rodaron en Irlanda. Aunque el compositor Danny Elfman comenzó a trabajar en la partitura, los retrasos en la producción provocaron problemas de agenda y se encargó a uno de sus colaboradores, Chris Bacon (1977, Utah), quien compuso buena parte de la banda sonora de la serie Miércoles (Netflix, 2022-), que se encargara finalmente de la partitura. Curiosamente, en los créditos de la película no aparece Danny Elfman, ni siquiera en la composición de música adicional, de la que se encargó Gad Emile Zeitune, pero en la edición discográfica sí se incluye su nombre en los temas que incorporan sus composiciones, en una banda sonora que también acredita a Michael Giacchino como consultor musical. Y a pesar de ello es un trabajo bastante elaborado en el que han participado asimismo dos de los orquestadores más reconocidos del momento, los veteranos Jeff Atmajian y Pete Anthony. La aportación de Danny Elfman en la banda sonora en realidad se limita a la referencia a una composición que aparece principalmente al inicio de la película ("Infinity of space"), un motivo recurrente que introduce el tema del espacio, y que se incorpora en distintos momentos de la partitura ("Moving out", "Lago attack"). Pero corresponde a Chris Bacon el leitmotiv principal ("Somaris"), una composición melódica que introduce los elementos de contraposición principales: las sonoridades electrónicas para todo lo relacionado con el astronauta Mills (Adam Driver), y la introducción de instrumentos que remiten a lo tribal, como las flautas de madera, principalmente la flauta étnica interpretada por el músico venezolano Pedro Eustache, que ha trabajado en películas como La pasión de Cristo (Mel Gibson, 2004) o Dune (Denis Villeneuve, 2021). El hogar que Mills ha dejado atrás para iniciar una misión de rescate se representa a través de una dulce composición ("Home") que incorpora el piano (Robert Thies) junto al violonchelo (Vanessa Freebairn-Smith), pero que remite a la lejanía a través de los vientos de metal. Mientras que la conexión entre la niña rescatada Koa (Ariana Greenblatt) y la hija de Mills, Nevine (Chloe Coleman), y por tanto del concepto de familia, se define a través de la voz etérea de Sherri Chung ("Whistle"). Hay algunos pasajes más relajados en los que se juega con las instrumentaciones étnicas ("Barriers"), en las escenas en las que Mills trata de educar a Koa, pero funcionan especialmente bien en la película las composiciones más dinámicas, como el tema del viaje ("Moving out"), que introduce las percusiones contundentes cuando se muestra el paisaje boscoso y primitivo por el que los protagonistas deben trasladarse. Las sonoridades electrónicas están presentes a lo largo de toda la partitura, especialmente en algunas destacadas escenas de acción ("Collision imminent", "No more time"), con profusión de cuerdas, percusiones y vientos de metal. Sin que aporte grandes hallazgos musicales, la banda sonora de Chris Bacon, con aportaciones de Gad Emile Zeitune y Danny Elfman, construye una estructura lo suficientemente sólida como para destacar en una película que a veces pierde el horizonte.
Duración;: 49mns
La miniserie Nolly (ITV, 2023) es la última producción de Russell T. Davies tras el excelente drama It's a sin (HBO Max, 2021), y también aborda una mirada al pasado que conecta con la propia vida del autor, cuando era aficionado a las telenovelas clásicas que emitía la televisión británica. Con una excelente Helena Bonham-Carter, traslada un momento en la carrera de la actriz Noele Gordon, protagonista de la longeva serie Crossroads (ATV, 1964-1988), quien se enfrenta a la posibilidad de que la cadena de televisión elimine su personaje. La banda sonora está compuesta por el músico escocés Blair Mowat, cuya prolífica carrera le ha llevado a trabajar en más de un centenar de proyectos para teatro, televisión y cine, entre ellos McDonald & Dodds (Movistar+, 2020) o la próxima película Dr. Jekyll (Joe Stephenson, 2023), protagonizada por Eddie Izzard. En el caso de Nolly, su trabajo discurre por diferentes caminos que hacen referencia directa al mundo de la televisión de los años setenta ("Vintage 70s TV Tune"), pero principalmente tienen una textura teatral, casi de musical ("The stage awaits"). En la banda sonora predominan las percusiones, que aportan el ritmo interno de las escenas, especialmente en el primer episodio en el que asistimos a la preparación frenética de la grabación en directo de la serie Crossroads, muy logrado con la ingeniosa utilización de una máquina de escribir que es la que marca el ritmo ("The rehearsal room"). El tema principal es una excelente composición alegre y acelerada ("Nolly goes to war"), marcada por la percusión, que define al personaje protagonista, una estrella de la televisión demasiado ocupada. Pero Nolly aborda también la transformación del negocio de la televisión, con una mirada melancólica que está definida a través del segundo tema principal de la banda sonora ("Nolly at home"), cuando la estrella Nolly se convierte en la mujer Noele, ahora definida a través de cuerdas suaves y la introducción de la flauta. Es el tema que describe cierta melancolía que hace referencia al pasado ("An affair to remember", "Men"), y que también está presente en la nostálgica composición para piano y orquesta cuando Noele Gordon (Helena Bonham-Carter) visita a su amigo Larry Grayson (Mark Gatiss) en el teatro ("Visiting Larry"). La banda sonora está interpretada por una orquesta de 40 músicos, con la incorporación de una variada instrumentación solista con banjo, tuba, saxofón, flautas y vibráfono, creando una textura compleja y al mismo tiempo perfectamente adecuada para la historia.
Hay algunas composiciones que también evocan al pasado con un aire majestuoso ("The Prime Minister"), un vals que introduce divertidas instrumentaciones. El mejor ejemplo de la magnífica conjunción de tonos es el tema que suena cuando Noelle decide averiguar si su personaje morirá en la serie, sobornando a los guionistas para que le adelanten la información, en una especie de misión encubierta ("Undercover operation"). Comienza con el ritmo del tema de Noelle marcado por los platillos y los pizzicatos, introduciendo el banjo como instrumento principal, para incorporar después una melodía marcial con la aparición de las cuerdas, y retomar el carácter travieso con el regreso del banjo. En la secuencia del viaje a Venecia se introduce un violín solista en tono romántico ("Friendship in Venice") que también tiene una tonalidad melancólica, que conecta de nuevo con la mirada al pasado en un hermoso tema final ("Looking back on life"), que el compositor define de la siguiente manera: "Fue la última pieza que compuse y mientras miraba hacia atrás en la vida de Noele me encontré derramando una lágrima más de una vez. No hay muchos proyectos que te hagan llorar sobre el piano, pero este fue uno de ellos". Después de tres horas con la protagonista de esta historia, es fácil compartir esa nostalgia con el compositor gracias a una banda sonora sobresaliente.
Duración;: 50mns
Puede resultar improbable una colaboración entre un director como Xavier Dolan y un compositor como Hans Zimmer (1957, Alemania), pero finalmente el resultado ha acabado siendo satisfactorio en ambos sentidos. La música apoyada en sintetizadores y cuerdas en un estilo muy aproximado al que caracteriza a los trabajos del compositor alemán contribuye a dar una profundidad psicológica a los personajes en esta historia sobre la familia y las heridas del pasado que está en línea con el cine del director canadiense. Junto a David Fleming, que ha colaborado en títulos recientes como The last of us (HBO Max, 2023-), la música aporta contundencia a la historia, y funciona con singular eficacia en momentos como la presentación del personaje de Mireille (Julie LeBreton) al final del primer episodio ("Mimi arrives"). Pero también proporciona en su utilización de las cuerdas en el tema principal ("About Logan", "Logan revisited") una textura que está más cerca del género thriller que otras películas de Xavier Dolan. Cuenta el propio director que, cuando el compositor que estaba trabajando en la serie abandonó el proyecto, alguien le sugirió que llamara a Hans Zimmer, al que en algunas ocasiones ha hecho referencia musical en películas como Mi vida con John F. Donovan (2018), y fue Dennis Villeneuve, con quien comparte al director de fotografía habitual André Turpin, quien se lo presentó. A pesar de que pensaba que podría estar demasiado ocupado para encargarse de la banda sonora, éste aceptó la propuesta, trabajando junto a David Fleming, con el que ya firmó la música de Hillbilly, una elegía rural (Ron Howard, 2020), y que compuso música adicional también para Dune (Denis Villeneuve, 2021). La música abraza directamente el drama con temas de construcción espléndida como el que acompaña a la preparación del funeral de la madre ("Funeral"), en el que se introducen voces infantiles para remitir al pasado. Esta reminiscencia de la infancia está casi siempre marcada por las voces y el piano, y se encuentra asimismo presente en momentos especialmente logrados como el largo flashback en el que se descubre la verdad de lo que ocurrió una noche dramática ("Revelation"), un tema emocionante que se vuelve íntimo en el piano solista ("Regression"). También hay sonoridades de instrumentos de viento como el clarinete que a veces recuerdan al estilo de Thomas Newman ("It's going to be a good day") o la guitarra ("1993"), que también remiten al pasado. Pero la narración en el presente está marcada por una mayor contundencia de los sintetizadores programados por Hans Zimmer y las cuerdas con una sonoridad muy característica, que recuerda a algunos de sus primeros trabajos junto a Stanley Myers ("Windstorm"). Hay una sorprendente simbiosis entre la tendencia al melodrama bien construido de Xavier Dolan y las sonoridades de Hans Zimmer en una de las mejores colaboraciones de este año.
Mi crimen se estrena en cines en España el 5 de mayo.
Marlowe se estrena en cines en España el 12 de mayo.
Fast & Furious X se estrena en cines en España el 19 de mayo.
The fox se estrena en cines en España el 7 de julio.
La noche que Logan despertó se estrena el 27 de junio en Filmin
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Películas mencionadas:
Irati y Una joven prometedora se pueden ver en Prime Video.
Piel de asno y Nunca es demasiado tarde se puede ver en acontra+ y Filmin.
Sinister y Frank se pueden ver en Rakuten.
The empty man se puede ver en Disney+.
Bailando con lobos y Memorias de África se pueden ver en Filmin y Movistar+.
La habitación y A todo gas se pueden ver en SkyShowtime.
Buena suerte, Leo Grande y Akira se pueden ver en Movistar+.
El cabo del terror, Después del amor, Igual eres el asesino, La profesora de piano, La Duquesa, Vértigo (De entre los muertos) y Mi vida con John F. Donovan se pueden ver en Filmin.
Matón: Sangre de su sangre y Nunca me abandones se pueden ver en Disney+.
Los renglones torcidos de Dios y Hillbilly, una elegía rural se pueden ver en Netflix.
La momia se puede ver en Movistar+, Netflix y SkyShowtime.
Las normas de la casa de la sidra se puede ver en Movistar+ y SkyShowtime.
Dune se puede ver en HBO Max.
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