Los mejores episodios de 2025

Más que las consabidas listas de las mejores series del año en las que aparecen las mismas series de siempre, dedicamos nuestro reportaje especial de fin de año a los mejores episodios, aquellos que han destacado dentro del desarrollo de la temporada o contienen un planteamiento narrativo y visual que nos ha removido emocionalmente. Hemos tratado de evitar algunos lugares comunes, pero no hemos podido dejar fuera algunos capítulos inevitablemente destacados en estos doce meses. Como suele ser habitual, también están algunos episodios sobresalientes de series que quizás no han tenido la trascendencia merecida. Asimismo, hemos incluido un episodio de una serie inédita que llegará a España pronto, pero que ha despertado tanta conversación en su estreno que nos parecía inevitable que estuviera dentro de una recopilación que pretende repasar lo más interesante del año. 

La descripción de estos episodios tiene relación con las temporadas completas y su relevancia dentro de las historias. Los comentarios pueden contener información importante sobre el desarrollo de las tramas. 

Plur1bus - Nosotros es nosotros

Temporada 1 | Episodio 1: We is us | Apple tv | Estados Unidos, 2025

Creada por Vince Gilligan

Escrito y dirigido por Vince Gilligan

El episodio piloto de la última creación de Vince Gilligan (1967, Virginia), necesariamente debe estar en las recopilaciones de los mejores episodios del año, aunque solo sea por las expectativas creadas a su alrededor, y acompañadas de una campaña de promoción que jugaba al suspense para no revelar detalles sobre la trama. Terminada ya la primera temporada con un final que puede estar en la línea maestra de su comienzo, la serie ha demostrado que puede mantener todavía el misterio después de nueve episodios, sin por ello resultar repetitiva o demasiado opaca. Los acontecimientos del episodio La chica o el mundo (T1E9) son consecuencias directas de lo que ha ocurrido en los anteriores, estableciendo un encuentro entre los dos personajes más carismáticos de la serie, Carol y Manousos (Carlos-Manuel Vesga), estableciendo una confrontación entre la forma en que ambos afrontan su propia condición de supervivientes, y dialoga perfectamente en su desenlace con aquel espléndido Granada (T1E3) en el que se sembraba lo que estaba por llegar. Como es habitual en las series de Vince Gilligan, hay muchas preguntas resueltas confiando en la inteligencia del espectador: el mundo que se plantea está claramente definido al final de la temporada, así como la relación de Carol Sturka (Rhea Seehorn) con sus interlocutores, lo que demuestra que la serie tiene un nivel superior al de aquellas que dan vueltas sobre nuevos misterios sin terminar de explicar los anteriores para alargar las tramas. Plur1bus (Apple tv, 2025-) no está lejos de convertirse en una de las grandes series de esta década, y el episodio Nosotros es nosotros (T1E1) es un ejemplo de sus espléndidas cualidades. Nos introduce directamente en el género de ciencia-ficción, cuando un grupo de observadores espaciales descubre una señal alienígena a 600 años luz de distancia. Pero la originalidad de la propuesta de Vince Gilligan es que se trata de una ciencia-ficción realista, que no necesita efectos visuales y que ironiza sobre cómo se produciría un encuentro de este tipo en una situación de cotidianidad.  La protagonista es una escritora lesbiana de novelas románticas heteronormativas, que se encuentra de gira junto a su pareja para promocionar su nuevo libro cuando el mundo cambia significativamente, provocando una transformación que, por alguna causa que no se explica todavía esta temporada, no la afecta a ella. A pesar de que aparentemente este cambio es para mejor, de alguna manera amenaza el libre albedrío, proponiendo una incertidumbre fascinante sobre si el ser humano sería capaz de renunciar a su libertad para lograr la armonía colectiva. Hay un tono en este primer episodio críptico dirigido por Vince Gilligan que tiene ecos de las películas de ciencia-ficción de los años 50 y 60, y a veces incluso se acerca al género de terror psicológico, cuando Carol parece ser la única persona que se da cuenta de lo extraño que resulta todo lo que está ocurriendo a su alrededor. La propuesta que hace Vince Gilligan en el excelente episodio piloto puede recordar en algunos momentos a La invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, 1956) o El último hombre sobre la Tierra (Ubaldo Ragona, Sidney Salkow, 1964), pero tiene ecos sobre todo de Están vivos (John Carpenter, 1988), en la que solo a través de unas gafas se podía ver el mundo tal como era. En su intento por desvelar los enigmas que la rodean, se puede decir que Carol viaja por medio mundo buscando respuestas sobre lo que ha sucedido a su alrededor, aunque en realidad solo viaja hasta Bilbao, una de las referencias españolas en una serie que en parte se ha rodado en localidades como La Palma y Gran Canaria, Oviedo (Asturias), Getaria (Gipuzkoa) y Bilbao (Vizcaya), aunque el principal rodaje se ha desarrollado en Alburquerque. El giro interesante es que, a diferencia de otros escenarios de invasiones, la conexión entre los otros, como se les llama en la serie, es omnisciente, y al mismo tiempo aparentemente pacífica, pero al final de la temporada entendemos que algunos temores de Carol son fundados. Plur1bus es una de las propuestas más originales de los últimos años, tiene un tono característico de las series de Vince Gilligan y, al tratarse de uno de esos proyectos que se denominan en la televisión norteamericana "two-season straight-to-series" (encargo directo de dos temporadas), se confirma que el concepto general y el camino por construir están asegurados. 

Verdades ocultas (The Lowdown) - ¿Estas tierras?

Temporada 1 | Episodio 5: This Land? | Disney+ | Estados Unidos, 2025

Creada por Sterlin Harjo | Escrito por Olivia Purnell

Dirigido por Macon Blair

Uno de los últimos estrenos del año ha sido esta nueva propuesta de Sterlin Harjo (1979, Oklahoma), ya emancipado del apoyo que Taika Waititi le dio a su primer proyecto, la excelente Reservation dogs (Disney+, 2021-2023), pero todavía bajo el paraguas de la productora FX, con la que ha iniciado otro viaje prometedor: la reinvención del periodista Lee Roy Chapman (1969, Texas-2015, Oklahoma), quien destapó en 2011 la relación estrecha del fundador de la ciudad de Tulsa, W. Tate Brady, con el Ku Klux Klan y su participación directa en la masacre de 1921, considerada el peor caso de violencia racial en la historia de Estados Unidos. Pero en vez de trasladar directamente la vida del mejor cronista de la ciudad a la pantalla, lo utiliza como inspiración del personaje principal, el también periodista Lee Raybon (Ethan Hawke), que en este caso investiga la muerte de Dale Washberg (Tim Blake Nelson), un aparente suicidio que resulta sospechoso para Lee, sobre todo porque el hermano de aquel, Donald Washberg (Kyle Maclachlan), que se presenta a gobernador del Estado, parece tener una relación estrecha con su viuda Betty Jo (una magnífica Jeanne Tripplehorn). Como en el buen género negro, y Verdades ocultas (Disney+, 2025) es deudora de películas clásicas como Chinatown (Roman Polanski, 1974) y las novelas de Jim Thompson (1906, Oklahoma-1977, California), la investigación se enreda y surgen personajes cada vez más peligrosos. Pero la historia también adquiere el estilo de los hermanos Coen, en secuencias que adoptan una mezcla de violencia y humor negro, como el sorprendente final del episodio Siempre faltaban vaqueros (T1E4), que es el preámbulo del mejor episodio de la temporada. Cuando llega a su parte central, ya se han desparramado varios cadáveres a lo largo de las polvorientas carreteras de Tulsa, un lugar recurrente para que el cine y la televisión aborden sus recovecos históricos relacionados con los aspectos raciales, desde la serie Watchmen (HBO Max, 2019) hasta la película Los asesinos de la luna (Martin Scorsese, 2023), dejando a un lado la irrelevancia machista que se refleja en la serie Tulsa King (SkyShowtime, 2022-). Esta historia también despliega temas relacionados con las investigaciones reales que llevó a cabo Lee Roy Chapman, conectando con grupos neonazis, lo que se refleja al final de este episodio, que es una especie de descenso a los infiernos que podría estar sacado de la pesadilla bélica de Apocalypse Now (Francis Coppola, 1979). El título original de este episodio que queremos destacar es This Land?, y tiene mayor trascendencia, porque era el título de la revista de la que fue editor el periodista Lee Roy Chapman y en la que publicó algunas de sus investigaciones más relevantes. Uno de los aspectos interesantes de esta especie de capítulo encapsulado es la presencia de un nuevo personaje que solo veremos esta vez y que desearíamos que regresara si hubiera una segunda temporada: Wendell (Peter Dinklage) acaba de llegar al pueblo para rendir el homenaje anual a un amigo que sufrió una sobredosis, y su llegada se convierte en un espejo en el que Lee no quiere reflejarse. La recaída de su amigo común Jesús hace unos años no es culpa de Lee, pero Wendell se encarga de recordarle que él era quien debía haber ido a revisar cómo estaba el día que murió. A partir de este reencuentro, surge una microhistoria que se convierte en una divertida buddy movie, con Lee y Wendell investigando un lugar que parece importante, mientras acaban haciendo el homenaje esperado a Jesús, delante de una hoguera en la que queman libros. Peter Dinklage se ha especializado este año en apariciones como actor invitado en series como Dexter Resurrection (SkyShowtime, 2025-), en la que interpreta un personaje importante, y en este cameo en Verdades ocultas en el que comparte una química especial con Ethan Hawke como estos dos amigos que son en realidad reversos de una misma moneda: gruñones de la Generación X que han sobrevivido gracias a su talento para salir de los problemas y el consumo de marihuana. De hecho, Wendell ayuda a Lee a avanzar en su investigación durante este día que comparten juntos. Hay que recordar que la relación entre el actor Ethan Hawke y el creador de la serie Sterlin Harjo se produjo cuando aquel se confesó admirador de la serie Reservation Dogs y apareció en el episodio El padre de Elora (T3E9). El guión está firmado por Olivia Purnell, que trabajó en la primera temporada de Fundación (Apple tv, 2021-) y está dirigido por Macon Blair, que este año ganó un premio Emmy como productor de la película Rebel ridge (Jeremy Saulnier, 2024). La música es un aspecto importante de la serie, tanto que el episodio Un tipo sensible (T1E8), toma prestado el título de la conocida canción "The sensitive kind", que J.J. Cale incluyó en su álbum 5 (1979, Universal Music), que suena en el último plano secuencia de la temporada. Mientras que en ¿Estas tierras? escuchamos otro clásico de la música country, "Tulsa Queen", incluido en el álbum Luxury Liners (1977, Warner Records), en el que Emmylou Harris describe sentimientos encontrados hacia Tulsa. 

Andor - ¿Quién eres?

Temporada 2 | Episodio 8: Who are you? | Disney+ | Estados Unidos, 2025

Creada por Tony Gilroy | Escrito por Dan Gilroy

Dirigido por Janus Metz

Si alguna vez esta serie se ha sentido más cerca de Los Miserables (1862, Ed. Penguin Clásico), la gran obra sobre la Revolución Francesa escrita por Víctor Hugo, es en este episodio en el que todo confluye en una revuelta en Ghorman promovida por el Imperio para justificar el uso de la fuerza y poder apoderarse de los recursos minerales del planeta. Los paralelismos con algunas de las guerras abiertas en la actualidad son lo suficientemente claros como para no necesitar una mención. En general, se ha considerado el arco narrativo de Cassian (Diego Luna) a lo largo de toda la serie como un espejo de la trayectoria de Jean Valjean, el protagonista de Los Miserables, incluido su paso y huída de la cárcel, así como su viaje personal hacia las revolución activa, pero los paralelismos son más claros en esta segunda temporada, especialmente en ese grupo de resistencia que habla francés. Este episodio no es solo uno de los mejores de esta temporada, sino que se trata de uno de los más relevantes de toda la serie, cuando Andor (Disney+, 2022-2025) demuestra que es capaz de reconvertir la iconografía galáctica en una narrativa mucho más compleja y amplia, planteando directamente la consecución de una masacre que tiene connotaciones más profundas que cualquier batalla galáctica que hayamos visto antes. El Imperio se revela aún más cruel, con la estrategia liderada por la teniente supervisora Dedra Meero (Denise Gough) dando la orden de provocar la violencia para desatar el caos y justificar una mayor violencia. Ella es precisamente el objetivo de Cassian en su misión en Ghorman, pero al mismo tiempo él se convierte también en el objetivo del infiltrado Syril Karn (Kyle Soler) cuando le reconoce entre la multitud, lo que establece un interesante triángulo de interacciones personales, dentro del desarrollo narrativo más general de la manifestación pacífica y el posterior estallido de violencia. Escrito por Dan Gilroy (1959, California), que se ha encargado del tercer acto de esta temporada, el episodio es un ejemplo de tensión creciente que funciona en dos líneas narrativas paralelas y además cierra adecuadamente los arcos de algunos personajes que han sido relevantes a lo largo de la serie. La Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia ha servido como escenario del Distrito Senatorial de Coruscant, aunque la revuelta de este episodio fue rodada en los estudios Pinewood de Londres. La temporada final de Andor se ha considerado algo lenta en algunos de sus primeros actos, pero lo cierto es que ha ofrecido un desarrollo inteligente que ha conectado hábilmente el desarrollo de la serie con la historia que ya conocíamos en la película Rogue One: Una historia de Star Wars (Gareth Evans, 2016), aunque haya tenido que forzar algunas de sus tramas. Pero sobre todo ha aportado a la saga galáctica una mirada más compleja que plantea una violencia más real y unas estrategias políticas más crueles y maquiavélicas. La represión de Ghorman también nos lleva hacia la Estrella de la Muerte, y al mismo tiempo es la consecuencia de acontecimientos anteriores como la destrucción de Kenari, el planeta de donde proviene Cassian, o el ataque a Ferrix, explorando los efectos de un régimen autoritario. De hecho, ¿Quién eres tú? (T2E8) funciona como un reflejo del episodio La calle Rix (T1E12) de la primera temporada. Hay otros espejos a lo largo de esta temporada, como el discurso de la senadora Mon Mothma (Caroline Blakiston) en Bienvenida a la rebelión (T2E9), donde se habla directamente de genocidio: "La distancia entre lo que se dice y lo que sabemos que es verdad se ha convertido en un abismo. La muerte de la verdad es la victoria definitiva del mal. Lo que ocurrió ayer en Ghorman fue un genocidio gratuito. ¡Sí! Un genocidio". En su conexión con Los Miserables, Tony Gilroy y sus guionistas han construido una historia épica que describe el nacimiento de un héroe a su pesar, describiendo las consecuencias de los estados autoritarios de una manera que no se había visto (y quizás no se vea más), en la saga galáctica. 

Task - Errantes

Temporada 1 | Episodio 5: Vagrants | HBO Max | Estados Unidos, 2025

Creada por Brad Ingelsby | Historia de Brad Ingelsby, David Obzud

Dirigido por Jeremiah Zagar

El guionista Brad Ingelsby (1980, Pensilvania) ha regresado este año con tres propuestas diferentes: las películas Echo Valley (Michael Pearce, 2025) y Laberinto en llamas (Paul Greengrass, 2025) y la serie Task (HBO Max, 2025-), planteada primero como una miniserie pero renovada el pasado mes de noviembre para una segunda temporada. El creador norteamericano tiene una habilidad para construir, entre una elaborada trama de bandas de motoristas e investigadores del FBI, una sólida historia que aborda la moralidad de sus personajes, todos de alguna manera embarcados en la búsqueda de una cierta decencia, aunque sean empujados por el peso de su pasado y tomen decisiones que les llevan por caminos tortuosos. Los personajes de Brad Ingelsby son ese tipo de protagonistas característicos de la televisión de prestigio, que no tiene miedo de mostrarlos con sus defectos y sus incertidumbres. Y aunque el pasado traumático pueda ser una característica habitual de este tipo de thrillers, los guiones les rodean siempre de aspectos relevantes que los diferencian. En el caso de Tom Brandis (Mark Ruffalo), su condición de ex-sacerdote que practicaba la extremaunción a los enfermos terminales en el hospital donde conoció a su esposa, que ha acabado como un agente del FBI cansado y deprimido, subraya la dimensión ética de una historia en la que no hay protagonistas y antagonistas, sino que en cierta manera el representante de la ley es una especie de reverso del criminal perseguido. Durante el trayecto por carretera que ocupa parte del episodio Errantes (T1E5), el vehículo se convierte en una especie de confesionario, pero él responde que: "Nunca le he pedido penitencia a nadie. La gente ya se castiga bastante a sí misma". Su contrapunto, en realidad no exactamente un antagonista, es Robbie Prendergrast (Tom Pelphrey) un trabajador de los servicios de limpieza que se dedica junto a una pequeña banda a robar a los narcotraficantes, lo que para él funciona también como una venganza por el asesinato de su hermano. Este episodio que destacamos de uno de los thrillers más sólidos del año es importante porque se establecen los caminos hacia el desenlace, porque la trama principal en realidad se resuelve en el penúltimo episodio, lo que despertó algunas críticas sobre el final de Una voz suave y apacible (T1E7) que no compartimos, ya que tras la resolución quedan algunos elementos por cerrar. En todo caso, es en este episodio en el que se produce el único momento de cruce de trayectorias entre Tom Brandis y Robbie, el único en el que comparten un diálogo personal. Y resulta curioso, porque a pesar de que la serie tiene generalmente una atmósfera pesada y los personajes están envueltos en melancolía y tristeza, hay interesantes apuntes de humor en este intercambio entre los dos personajes. Cuando Tom le cuenta a Robbie la historia sobre las aves errantes que pierden la orientación en sus rutas migratorias, sin saber cómo volver a casa ("la mayoría no sobreviven"), Robbie comenta: "He raptado al tío más deprimente del mundo", lo que también es una especie de autorreferencia irónica al propio carácter de los personajes de la serie. También, cuando se conocen en persona por primera vez, Tom Brandis utiliza la estrategia de hacer de policía torpe para dilatar el tiempo hasta que lleguen refuerzos, en lo que claramente es una imitación por parte de Mark Ruffalo del detective Colombo, con su libreta y su carácter aparentemente distraído. En su momento, surgieron hilos de conversación en Reddit que comentaban esta escena, en los que se discutía si efectivamente se trataba de una referencia consciente a la serie Colombo (SkyShowtime, 1971-1978), y lo adecuado que podría ser un reboot con Mark Ruffalo interpretando al detective. El actor nos ha ofrecido este año dos excelentes interpretaciones de personajes deprimidos, en este thriller y en el excelente drama Hal y Harper (Movistar Plus+, 2025), que en España pasó injustamente desapercibido. La fortaleza de la serie también está en la construcción de personajes secundarios que tienen un trasfondo más profundo de lo habitual, y la capacidad de Brad Ingelsby para conseguir que, aunque la historia se desarrolla en un entorno masculinizado, el auténtico soporte de la narración está en los personajes femeninos: Maeve (Emilia Jones), la sobrina de Robbie, que se convierte en una figura maternal a la fuerza; la relación entre Sara (Phoebe Fox), la hija biológica de Tom,  y su hija adoptiva Emily (Silvia Dionicio), que lucha con su padre tras una tragedia, o la jefa de policía Kathleen McGinty (Martha Plimpton), la única que ha conseguido una posición de poder dentro de ese mundo de hombres. Con uno de los finales de suspense más contundentes del año, Errantes (T1E5) es un episodio que demuestra la calidad de escritura de una serie que también ha recuperado esa parte de conversación permanente que provoca la emisión tradicional de episodios semanales.

La Ruta vol. 2: Ibiza - Acid trip

Temporada 2 | Episodio 5: Acid trip | Atresplayer | España, 2025

Creada por Roberto Martín Maiztegui, Borja Soler, Clara Botas

Escrito por Roberto Martín Maiztegui, Clara Botas, Eduardo Villanueva | Dirigido por Borja Soler

La dificultad de una segunda temporada es encontrar el equilibrio entre la fidelidad a los planteamientos originales y la introducción de elementos que aporten nuevas ideas, especialmente si la propuesta parte, como en el caso de la primera temporada de esta serie, de una narración inversa para contar la historia desde el final hasta el principio. Con buen criterio, los creadores de La Ruta vol. 2: Ibiza (Atresplayer, 2025), evitan la repetición pero no la intención de redefinir la forma de contar su historia. Comenzando algún tiempo después del final de la primera temporada, con Marc Ribó (Álex Monner) ya asentado en Ibiza como un DJ reconocido, esta nueva y posiblemente última temporada se construye como una secuela que es también una precuela, ahora desarrollándose en dos líneas temporales que conectan a los personajes, desde el desarrollismo urbanístico de la isla en los años setenta hasta la invasión turística al calor de la música electrónica en los noventa: "Dentro de Ibiza hay como varias Ibizas, por lo menos cinco: está la Ibiza de los clubes, la de los DJs; la Ibiza de los hippies, la del yoga; la Ibiza de la jet set, de los ricos; la Ibiza de la gente de aquí y la Ibiza de los temporeros, de la gente que viene a currar. Estas cinco Ibizas nunca se tocan", dice Marc en el psicodélico episodio Acid trip (T2E5), que proviene del anterior como un punto de ruptura de la estructura dual que ha mantenido la historia hasta ese momento. Lo interesante de esta temporada es que no funciona como una continuación de la anterior respecto a la descripción del mundo de los DJs y la música ahora en Ibiza, sino que es más ambiciosa en su planteamiento de espejo en el que se refleja el pasado en el presente. Casi se podría decir que La Ruta vol. 2: Ibiza es más política y social que musical, estableciendo las bases urbanísticas de una transformación tan necesaria como perjudicial. Esta condición de espejo se representa en la interpretación doble de los actores: Àlex Monner es también el padre de Marc, aunque su interpretación resulta demasiado impostada, mientras que Irene Escolar encarna igualmente un doble papel como Olivia en 1996, quien ha heredado un centro de meditación, y como su madre Violeta en 1971, una hippie que reside en Instant City, la ciudad hinchable que se desarrolló para dar alojamiento a estudiantes que asistieron al VII Congreso del Consejo Internacional de Sociedades de Diseño Industrial (CIADI), celebrado en Ibiza. Marc/Manuel y Olivia/Violeta son reflejos que representan la reconversión de los ideales de los setenta en el capitalismo perverso de los noventa. El que para nosotros es uno de los mejores episodios del año funciona como un punto de ruptura en la propia serie, a través de un viaje de LSD que comienza con una primera parte envuelta en una tonalidad azulada de aspecto psicodélico y casi galáctico en el que Marc viaja hasta el pasado para encontrarse en el mismo lugar con su propia madre, Leonor (Marina Salas). Cuando ambos se dan cuenta de que están conectando con el pasado (él), y con el futuro (ella), surgen las preguntas sobre sus vidas, pero también las mentiras sobre lo que están viviendo en realidad. Es un hermoso reencuentro, mientras ambos personajes van descubriendo al otro y descubriéndose a sí mismos, en medio de una rave que nos recuerda inmediatamente a Sirât (Oliver Laxe, 2025), como las dos mejores representaciones de la música como un elemento de trascendencia existencial que hemos visto este año. Acid trip fusiona el pasado y el presente, la realidad y la fantasía en un episodio que funciona como un viaje emocional y visual que explora la complejidad de la relación entre una madre y un hijo que en realidad nunca se han relacionado, debido a la prematura muerte de ella. Los efectos de la dietilamida de ácido lisérgico, más conocida como LSD, provocan en Marc la capacidad de transportarse de una época a otra, de poder viajar en el tiempo. Pero sobre todo de establecer una conexión con su propia madre para inventarse un futuro para ella que sabe que nunca tendrá lugar. El episodio regresa a 1971 para describir el desmantelamiento de la Ciudad Instantánea, el final de un sueño de convivencia que funciona de una manera emocional como una espléndida metáfora de los viajes personales de sus protagonistas.  

M - El hijo del siglo - Episodio 4

Miniserie | Episodio 4 | SkyShowtime | Francia, Italia, 2024

Creada por Stefano Bises, Davide Serino, Antonio Scurati sobre la novela de Antonio Scurati

Escrito por Stefano Bises, Davide Serino, Antonio Scurati | Dirigido por Joe Wright

Posiblemente una de las series que mejor ha retratado este año el auge de los extremismos de derechas y los peligros del populismo es esta aproximación a la llegada de fascismo a Italia a través de un bufón llamado Benito Mussolini (un impresionante Luca Marinelli). Pero, como él mismo dice en el Episodio 4 (T1E4): "Nos veis como payasos, tontos, mentirosos, provocadores. Quizás es verdad, pero es irrelevante. Nosotros somos lo nuevo. Cada época tiene a un hombre que cree que puede cumplir su sueño". Estrenada en la Mostra de Venecia de 2024, M - El hijo del siglo (SkyShowtime, 2025) recoge el primer volumen de la pentalogía escrita por Antonio Scurati dedicada al fascismo en Italia, pero al mismo tiempo que se desarrolla en los años veinte también expone paralelismos con la actualidad, como la sensación de que el Estado es inmovilista y necesita ser transformado, para en realidad cambiarlo en su propio beneficio. Hay algunas referencias irónicas al movimiento MAGA de Estados Unidos cuando Mussolini menciona la frase: "Make Italy Great Again", estableciendo un diálogo con la actualidad. Para esta adaptación, el director Joe Wright (1973, Reino Unido), que este año también ha estrenado La Agencia (SkyShowtime, 2025-), adopta una concepción visual que se inspira en el movimiento futurista que se trasladó al cine en Italia, pero también recoge el carácter experimental de películas soviéticas como El hombre de la cámara (Dziga Vértov, 1929), utilizando las imágenes de archivo con un carácter expresivo y presentando grandilocuentes escenarios que muchas veces se parecen a los decorados de una ópera. De hecho, el Episodio 4 (T1E4) se desarrolla en algunos momentos en un teatro donde se representa La Traviata (1853), de Giuseppe Verdi, y convierte la música diegética del Preludio en un subrayado de la insurrección de los Camisas Negras en octubre de 1922, que acabó llevando al poder a Benito Mussolini. Lo que también es una metáfora de la farsa que supone el alzamiento del grupo violento cuando se dirige a Roma, aunque Mussolini sabe que serían rápidamente aplastados por el ejército. Frente a las dudas de uno de los oficiales, Cesare Maria de Vecchi (Gianluca Gobbi), sobre el éxito de este alzamiento, Mussolini necesita la amenaza de la insurrección para negociar ministerios en el nuevo gobierno, por parte del Primer Ministro Luigi Facta (Alberto Astorri). Utiliza el teatro, la mentira y el farol de una insurrección que pone contra las cuerdas al gobierno y al propio rey Vittorio Emanuele III (Vincenzo Nemolato), que tiene en sus manos firmar el Decreto de Estado de Sitio para que el ejército pueda abrir fuego contra los insurrectos. Pero es claramente la falta de valentía de las instituciones la que deja una puerta abierta a la llegada del fascismo: "Podríamos haber cerrado el Parlamento y formar un gobierno exclusivamente fascista. Podríamos, pero no lo haremos", dice Mussolini. Como un reflejo de la actualidad, los antisistema acaban formando parte del sistema para destruirlo desde dentro e imponer sus políticas represivas. Es curioso que este año también se haya estrenado el interesante documental ganador del premio a la Mejor Película en el Festival de Rotterdam, Fiume o morte! (Igor Bezinović, 2025), que aborda desde un ejercicio de docuficción, la ocupación de la pequeña ciudad de Rijeka, fronteriza con Croacia, por parte del poeta Gabriele D'Annunzio, que la declaró como un Estado independiente bajo el apoyo de Mussolini, un acontecimiento al que también se hace referencia en esta serie. M - El hijo del siglo es una excelente propuesta que toma partido en la descripción de la historia que cuenta a través de una concepción visual grandilocuente y operística que sin embargo establece perfectamente el tono de advertencia política sobre la repetición de la historia y el peligro de las ideologías que se sostienen en los populismos. 

Asura - Episodio 7

Temporada 1 | Episodio 7 | Netflix | Japón, 2025

Creada por Hirokazu Kore-eda sobre la novela de Kuniko Mukôda

Dirigido por Hirokazu Kore-eda

Aunque la más popular de las series orientales estrenadas este año pueda ser la saga familiar coreana Si la vida te da mandarinas... (Netflix, 2025), para nosotros las dos mejores producciones de países asiáticos tienen la firma de grandes autores: el chino Wong Kar-Wai en Blossoms Shanghai (Filmin, 2023) y el japonés Hirokazu Kore-eda en Asura (Netflix, 2025), segunda incursión del cineasta en el formato de miniseries después de Makanai: La cocinera de las maiko (Netflix, 2023). La historia está basada en la serie Asura no gotoku (NHL, 1979-1980), escrita por la autora Kuniko Mukōda (1929-1981, Japón), que publicó después como un libro y que más tarde sería adaptada en el largometraje Like Asura (Yoshimitsu Morita, 2003). Ambientada en 1979, se trata de un drama familiar protagonizado por cuatro hermanas que se reúnen cuando descubren que su padre, Kôtarô Takezawa (el gran actor japonés Jun Kunimura) ha tenido una amante durante muchos años, sin que su madre sepa nada. La relación entre las cuatro hermanas es el soporte principal de una miniserie que trata un tema recurrente en el cine de Hirokazu Kore-eda: la familia. Pero el descubrimiento de la relación extramatrimonial del padre también sirve para mostrar las mismas debilidades en las relaciones que tienen las hermanas. Takiko (Yû Aoi), es una tímida bibliotecaria que ha tomado la iniciativa de contratar al detective privado Shizuo (Ryûhei Matsuda) para confirmar la infidelidad de su padre, después de haberlo visto paseando junto a otra mujer y un niño pequeño, pero su vida tranquila se complica cuando comienza a salir precisamente con el detective. La menor, Sakiko (Suzu Hirose), tiene una relación con un popular boxeador del que sabe que le es infiel; Makiko (Machiko Ono), está felizmente casada, con dos hijos adolescentes, pero también sabe que su marido Takao Satomi (Masahiro Motoki) tiene una amante; mientras que Tsunako (Rie Miyazawa), es viuda y ella misma se ha convertido en la amante de un hombre casado. Asura tiene dos partes claramente marcadas que se definen a partir de un giro de guión en el Episodio 3 (T1E3), que podría ser un desenlace perfecto para una historia que hasta entonces se puede definir como uno de los mejores trabajos de Hirokazu Kore-eda. Y no es que los cuatro episodios restantes sean menos interesantes, pero al desarrollarse a partir de una elipsis y enfocarse en las historias personales de las hermanas durante varios años, adoptan una estructura algo más dispersa. Pero destacamos de esta segunda parte de la historia el Episodio 7 (T1E7), que muestra el desenlace definiendo completamente a las hermanas y su relación con los hombres. Hirokazu Kore-eda retrata el principio de los ochenta con cierto optimismo, y aunque se produce un hecho dramático en el Episodio 6 (T1E6) que cambiará completamente la vida de Sakiko, evita cuidadosamente caer en el melodrama, pero regala después a la hermana pequeña uno de los monólogos más emocionantes de la serie: "¿Por qué me desahogo con un desconocido? ¿Por qué dejé que me sedujera y le seguí? No me reconozco". Ese sentimiento de culpabilidad por un desliz refleja en esta emotiva escena las diferencias de percepción entre los géneros en la sociedad japonesa. Como cuando en una carta escrita a un periódico, una autora anónima se pregunta: "¿Vivir sin hacer olas es como las mujeres se mantienen felices?". En el Episodio 7, Takao explica a Shizuo por qué las mujeres son como "asuras", deidades indias sedientas de poder, consideradas a veces como demoníacas: "Por fuera representan lo virtuoso, pero también son desdeñosas". Sin embargo, al mostrar la historia desde el punto de vista femenino, el director niega esta definición, reflejando cómo los convencionalismos de una sociedad machista se convierten en los obstáculos que deben superar las hermanas para mantener la familia unida. 

The Pitt - 7 P.M. 

Temporada 1 | Episodio 13: 7 P.M. | HBO Max | Estados Unidos, 2025

Creada por R. Scott Gemmill | Escrito por Joe Sachs, R. Scott Gemmill

Dirigido por Damian Marcano

Este año se ha producido la resurrección de los dramas médicos, con The pitt (HBO Max, 2025-) como el principal representante de un éxito que además ha cambiado el sistema de producción de las plataformas de streaming para adaptarlo al calendario habitual en los canales abiertos. En noviembre, HBO revelaba un cambio de estrategia para producir series de temporadas de unos 15 episodios (cuatro meses de emisión), con presupuestos moderados y con una planificación de estreno anual, es decir, una vez más el streaming recupera el esquema de las televisiones tradicionales para mantener a los suscriptores. En las jornadas Seridagene, Thomas Moran, guionista de series como House (Prime Video, 2004-2012) y The good doctor (AXN, 2017-2024) analizaba esta renovación del género y señalaba que su mejor consejo para los guionistas de dramas médicos sería "olvídate de que se trata de un drama médico. Una buena historia, un buen personaje y el viaje emocional que experimenta a lo largo de la temporada es lo que funciona". Quizás por eso el mejor episodio de la primera temporada de The pitt es el que más involucra emocionalmente al doctor Robby (Noah Wyle). La temporada describe una larga jornada de 12 horas de trabajo, desde las 7 de la mañana hasta las 9 de la noche, en una sala de Emergencias de un hospital de Pittsburgh, pero la segunda parte es más intensa, sobre todo cuando deben prepararse para recibir a las víctimas de un tiroteo en el festival de música Pitfest, ya que es el hospital más cercano. El episodio 6 P.M. (T1E12) es el preámbulo perfecto para la explosión emocional que se produce en 7 P.M. (T1E13), firmado como guionista por Joe Sachs, quien trabajó durante las últimas temporadas en E.R.: Urgencias (NBC, 1994-2009). De hecho, hay algunas comparaciones interesantes entre la estructura de estos episodios y la estructura tradicional de una batalla épica como la batalla del Abismo de Helm en El señor de los anillos: Las dos torres (Peter Jackson, 2002). Cuando en el episodio anterior llegan noticias del tiroteo a la sala de emergencias, hay una reunión del líder Robby para explicar a su "ejército" de médicos y enfermeras la manera de prepararse para la llegada de las víctimas, el "combate" representado en la atención a los numerosos heridos: "Esta es una zona médica básica de combate", dice el doctor Jack Abbott, interpretado por Shawn Hatosy, quien dirige uno de los episodios de la segunda temporada. Pero 7 P.M. (T1E13) es un punto de inflexión porque se produce la deconstrucción del héroe, el momento en el que Robby descarga su estado de ansiedad y desfallece emocionalmente: "No sé a cuánta gente habré ayudado hoy, pero puedo describirte a cada persona que ha muerto. Ha muerto el señor Spencer delante de sus hijos, un adolescente con muerte cerebral por sobredosis de fentanilo, un hombre con un problema cardíaco, una niña que se ha ahogado intentando salvar a su hermana". La imagen del líder que mantiene el control por encima de todo se va perdiendo gradualmente a lo largo del episodio, cuando dedica demasiado tiempo a tratar de salvar a Leah (Sloan Mannino), la novia de su ahijado Jake (Taj Speights). Mientras el resto del equipo médico se enfrenta a situaciones imprevisibles y se hace evidente la escasez de material y de personal, una de las constantes en una temporada que mantiene en subtexto continuamente la falta de recursos del sistema médico estadounidense. Otro drama médico interesante estrenado este año ha sido la producción alemana Krank: Berlín al límite (Apple tv, 2025-) que describe también una sala de Emergencias, desde una perspectiva más europea. 

Más que rivales - Creeré en cualquier cosa

Temporada 1 | Episodio 5: I'll believe in anything | Crave/Movistar Plus+ | Canadá, 2025

Creada por Jacob Tierney

Escrito y dirigido por Jacob Tierney

La gran sorpresa televisiva de 2025 llegó a finales de noviembre, cuando una serie de la que muchos esperaban un éxito relativo, incluido el CEO de contenidos de HBO, Casey Bloys, responsable de los grandes éxitos de la cadena desde 2016, quien pensó que podría ser un producto de nicho para una audiencia queer, acabó resultando una de las cinco series más vistas de HBO Max este año. Fue Jason Butler, jefe de contenidos de HBO Max en Australia, que había adquirido los derechos de esta producción canadiense para su territorio, quien sugirió a Casey Bloys que podría ser interesante también para Estados Unidos. Pero cuando los responsables de HBO se dieron cuenta del éxito tras los dos primeros episodios el día de Acción de Gracias, y quisieron ampliar los derechos para el resto del mundo, algunos países ya los habían comprado, entre ellos Movistar Plus+ para España, que la estrenará completa el 5 de febrero. La plataforma canadiense Crave también tenía previsto lanzar la serie en febrero de 2026, pero cuando vieron la reacción que despertó en redes sociales la publicación de las primeras imágenes, se adelantó al 28 de noviembre para aprovechar la campaña de Navidad (el último episodio se emitió el 26 de diciembre). Más que rivales (Movistar Plus+, 2025-) se ha convertido en la serie original más vista en la historia de la plataforma en Canadá, y ya está confirmada una segunda temporada. Adaptada por Jacob Tierney (1979, Montreal), que en su país es muy popular por el éxito de las doce temporadas de la comedia Letterkenny (Crave, 2016-2023), está basada en los seis libros que la escritora Rachel Reid (1980, Canadá) dedicó a jóvenes jugadores de hockey homosexuales en un entorno de masculinidad heteronormativa como el deportivo. De hecho, los dos protagonistas de la serie, el jugador canadiense Shane Hollander (Hudson Williams) y el ruso Ilya Rozanov (Connor Storrie), que juega en Boston, son los personajes de la segunda novela, Heated rivalry (2018), que en España publicará la editorial Montena en enero. Otra de las sorpresas que ha provocado el éxito de Más que rivales es comprobar cómo los ejecutivos de las plataformas multinacionales, obsesionados con las IP, han pasado por alto un género literario que ha crecido en los últimos años: el género romántico para adultos y enfocado a lectoras femeninas. De hecho, los libros de Rachel Reid, con descripciones sexuales bastante explícitas, fueron muy populares entre las mujeres, y la serie ha conseguido su mayor índice de audiencia entre el público femenino. Otro personaje gay de las novelas, que aparece en la primera, Game changer (2015), es el jugador Scott Hunter (François Arnaud), quien no sabe cómo compaginar el secreto de su relación con el éxito de su profesión, pero se convierte en la serie en el protagonista del tercer episodio, Hunter (T1E3), de manera que esta adaptación va introduciendo hábilmente a diferentes personajes de los libros a lo largo de su desarrollo, y Hunter será muy importante para el que destacamos. El romántico Creeré en cualquier cosa (T1E5) es un episodio que tiene una especial conexión con el resto, el que une historias y concluye con uno de los finales más emocionantes que hemos visto este año. La relación secreta entre Shane e Ilya se desarrolla a lo largo de varios años, al estilo de Normal people (RTVE Play, 2020), pero esta vez siguiendo el calendario de hockey sobre patines, porque cuando sus equipos se enfrentan es cuando ambos pueden disfrutar de su intimidad, generalmente apasionada y sexual. Ilya tiene el trasfondo de una familia que se encuentra en Rusia, un país opresivo para los homosexuales, pero en cierto modo tiene la facilidad de mantener una fachada heteronormativa porque es bisexual. Mientras que Shane se da cuenta progresivamente de que es gay, sobre todo cuando comienza una relación con Rose Landry (Sophie Nélisse), pero también de que está profundamente enamorado de Ilya. Más que rivales tiene escenas de sexo de alta temperatura y cuerpos masculinos dionisíacos, pero sobre todo cuenta con una capacidad para transmitir el pulso romántico y está brillantemente escrita, dando pequeños pasos a lo largo de los episodios hacia los conflictos internos más desafiantes a los que se enfrentan sus protagonistas. De la segunda temporada se ha filtrado, debido a una afirmación de uno de sus actores, que podría estar basada en el sexto y último libro, The long game (2022), que recupera a Shane e Ilya como personajes principales. Pero los dos actores protagonistas también han revelado que han firmado un contrato para ocho temporadas, aunque esta es una práctica habitual en este tipo de adaptaciones. 

What it feels like for a girl - Episodio 7

Miniserie | Episodio 7 | Filmin | Reino Unido, 2025

Creada por Paris Lees sobre la novela de Paris Lees | Escrito por Myka Onyx Johnson

Dirigido por Marie Kristiansen

Entre las cinco series más vistas de la plataforma Filmin durante 2025 se encuentra esta producción británica que adapta la autobiografía de Paris Lees describiendo su adolescencia en un barrio obrero de Nottingham y su proceso de transición de género a través de un relato que refleja sus experiencias de una manera clara y sin rodeos. A principios de los 2000, cuando sonaban canciones como "Natural Blues" (1999), de Moby, el adolescente Byron (Ellis Howard) no se identifica con la identidad de género femenina al principio, porque ni siquiera sabe lo que es. Vive en un barrio obrero de Hucknall, Nottinghamshire junto a su padre Steve (Michael Socha), que encarna un tipo de masculinidad tóxica y no acepta demasiado bien la feminidad que expresa su hijo, mientras su madre Lisa (Laura Haddock) tiene una actitud de indiferencia. Pero cuando Byron conoce una noche a Lady Die (Laquarn Lewis), una joven bailarina, y ella le pregunta si es transexual, él responde: "¿Qué es transexual?". Todavía no se han extendido las redes sociales y la visibilidad trans solo se produce en momentos determinados. El Episodio 7 (T1E7) de la miniserie dramática What if feels like for a girl (Filmin, 2025), premiada como Mejor Serie de Ficción en South International Series Festival, refleja uno de esos momentos, cuando Nadia Almada, una joven procedente de Portugal, ganó el programa Gran Hermano en 2004, convirtiéndose en la primera persona transgénero en participar en este concurso de televisión y marcando un punto de inflexión en la visibilidad trans en Reino Unido. Los programas semanales de Gran Hermano se convierten en la válvula de escape de Byron durante su estancia en la cárcel, una condena de dos años que le introduce en un ambiente de homofobia y masculinidad tóxica. El Episodio 7 funciona como uno de esos "episodios botella" que se desarrollan en un solo espacio y crean una microhistoria que tiene importancia para la trama principal pero se distancia del desarrollo anterior de la serie. Para Byron, estar encerrado en prisión, rodeado de presos que le insultan por su amaneramiento, es una pesadilla que sin embargo se convierte en una plataforma de liberación, y supone también una forma de conciencia de su propio egoísmo, cuando considera que sus amigos tienen la obligación de visitarlo en la cárcel, aunque Lady Die no contesta sus llamadas. Comienza a descubrir su afición a escribir y también encuentra la fuerza para aspirar a estudiar en la universidad. Porque la principal virtud de What it feels like for a girl es que no se trata solo de una historia sobre transición de género, sino también sobre transición de clase social. En una secuencia de este episodio, Byron describe cómo la pirámide nutricional que le enseñaron en la escuela se parece a la pirámide social que establece grados que aparentemente son insalvables: "¿Cómo he llegado a estar en la parte más baja?", se pregunta Byron. Pero esta es una serie de esperanza aunque muchas veces se acomode en la desesperanza. El protagonista encuentra algunos apoyos como Carl (Rhys Connah), un joven que está esperando acceder al arresto domiciliario, y el atractivo Freddie (Kiran Krishnakumar), con el que tiene un peligroso escarceo sexual, pero sobre todo a Miss Meadows (Emma Naomi), una profesora que se da cuenta de su potencial como escritor. El episodio se inicia con una escena de la película Escoria (Alan Clark, 1979), un drama carcelario sobre delincuentes juveniles que Byron recuerda haber visto en su infancia: "Creo que quería disuadirme de tener sexo anal y que le cogiera miedo a la cárcel, pero no consiguió ni lo uno ni lo otro". En su propia prisión, Byron se refugia en las emisiones de Gran Hermano y se siente identificado con Nadia Almada cuando tiene momentos de flaqueza y quiere marcharse de lo que considera también una prisión. Este episodio tiene un guión espléndido escrito por Myka Onyx Johnson, actor y guionista que destacó en el West End con su monólogo autobiográfico sobre su propia transición Pink Lemonade (2021), y está dirigido por la realizadora noruega Marie Kristiansen, que ha dirigido notables series sobre la juventud como Young and promising (NRK, 2015-2018) y Delete me (Elimíname) (Disney+, 2021-2023). 

Mr. Loverman - Episodio 4

Miniserie | Episodio 4 | AXN | Reino Unido, 2024

Escrito por Nathaniel Price sobre la novela de Bernardine Evaristo

Dirigido por Hong Khaou

Una de las sorpresas de este año ha sido una miniserie que puede haber pasado algo desapercibida, a pesar de haber recibido destacados premios: dos premios BAFTA TV para Lennie James como Actor principal y Ariyon Bakare como Actor secundario, y cuatro nominaciones a los próximos Independent Spirit Awards: Serie, Actor principal, Actor secundario y Actriz secundaria, que esperemos sea el reconocimiento a la estupenda Sharon D. Clarke, una actriz formada en teatro que el año pasado hizo dos incursiones en las series: Mr. Loverman (AXN, 2024) y el interesante procedimental Inspectora Ellis (Filmin, 2024-). La adaptación de la novela Mr. Loverman (2014), de Bernardine Evaristo (1959, Londres), de la que en España solo se ha publicado Niña, mujer, otras (2019, Ed. Alianza Editorial) ha sido escrita por Nathaniel Price, guionista de la película Scandinavian silence (Martti Helde, 2019) y dirigida por Hong Khaou, que también dirigió algunos episodios de Alice & Jack (Filmin, 2024). Los protagonistas son Barry Walker (Lennie James) y su esposa Carmel (Sharon D. Clarke), quienes se conocieron en su ciudad natal en la isla de Antigua y decidieron emigrar a Gran Bretaña para formar una familia. Él ha prosperado con un negocio de bienes raíces pero durante 50 años de matrimonio ha mantenido en secreto su relación con Morris De La Roux (Ariyon Bakare), su mejor amigo al que las hijas de Barry siempre han considerado como un tío. Cuando alcanza los 74 años y la tensión en el matrimonio es cada vez más insoportable, Barry le dice a Morris que ha tomado la decisión de salir del armario y confesar su relación secreta, pero se trata de una promesa que Morris ha escuchado muchas veces sin que nunca se haya materializado. En Antigua y Barbuda, la homosexualidad ha estado prohibida con penas de hasta 15 años de cárcel, hasta que la Corte de Justicia la despenalizó en 2022, y aunque Barry ha vivido en Gran Bretaña buena parte de su vida, la mentalidad respecto a la homosexualidad como un pecado se mantiene dentro de la comunidad caribeña de Hackney, en Londres, como muestra una conversación que se desarrolla en el entorno familiar en el primer episodio. Aunque Carmel se sintió afortunada por haber conseguido casarse con el joven más popular de la isla, no ha sido un matrimonio feliz, se ha sentido cada vez más distanciada y siempre ha pensado que su marido le era infiel con otras mujeres. Si bien la parte central de la historia está enfocada en Barry, el mejor episodio de la miniserie, el Episodio 4 (T1E4) muestra cómo el relato no deja a un lado la frustración de la otra parte de la historia: la esposa engañada que, al regresar a la isla de Antigua, recuerda las decisiones equivocadas que tomó para acabar en un matrimonio infeliz. "¿Qué ha pasado entre nosotros?", pregunta Carmel a Barry en el coche en el que la lleva al aeropuerto: "Ha pasado la vida", responde Barry, que esta vez evita acompañarla, subrayando la crisis con la separación física. Es un hermoso episodio centrado en Carmel y su reencuentro con su familia, cuyo padre se encuentra gravemente enfermo: cuando llega, resuenan en la casa los gritos de una infancia marcada por el maltrato. "Mi padre ha sido muchas cosas, pero nunca ha sido un hombre bueno", dice Carmel. Mr. Loverman describe a quienes formaron lo que se conoce como la generación Windrush, habitantes de las colonias británicas a los que la Ley de Nacionalidad Británica dio en 1948 una residencia permanente para vivir y trabajar en Gran Bretaña, con el objetivo de que contribuyeran a la reconstrucción del país durante la posguerra. Pero descubrieron años después que no eran reconocidos como ciudadanos británicos. En este emocionante recorrido personal, Carmel se reencuentra con Hubert (Clint Dyer), su otro pretendiente en la adolescencia, aunque ella eligió a Barry, y recuerda aquella ocasión en la que fue infiel a su marido con su compañero de oficina Reuben Dempsey (Lochlann O'Mearáin), una relación extramatrimonial e interracial que fue la única vez que estuvo a punto de pedir a Barry que se separaran. El episodio habla sobre las decisiones equivocadas, pero también sobre el sentimiento de culpa de las mujeres al ser infieles a sus maridos, como ya comentamos al hablar de Asura (Netflix, 2025). En una historia sobre la sexualidad reprimida frente a la mirada social, el drama Mr. Loverman tiene la capacidad de observar también a la esposa que asume en silencio su condición de mujer infeliz.

Separación - Cold Harbor

Temporada 2 | Episodio 10: Cold Harbor | Apple tv | Estados Unidos, 2025

Creada por Dan Erickson | Escrito por Dan Erickson

Dirigido por Ben Stiller

Como decíamos al hablar de Plur1bus (Apple tv, 2025-), los finales de temporada son los que suelen demostrar hasta qué punto los creadores respetan la inteligencia del espectador. Y aunque la segunda temporada de Separación (Apple tv, 2022-) haya dejado preguntas en el aire en cuanto a la naturaleza de Lumen, que el propio guionista Dan Erickson (1984, Washington) reconocía en algunas entrevistas que había decidido responder en la próxima temporada, a lo largo de ésta la serie ha demostrado que las respuestas más simples son las correctas y que en algunas ocasiones se deja al espectador la facultad de interpretar determinados planteamientos, dejando espacios abiertos entre saber y no saber, como en el caso de la relación entre Irving Bailiff (John Turturro) y Burt Goodman (Christopher Walken). El desenlace llega después de un viaje fascinante que ha dado episodios sobresalientes, como ese juego de espejos en los episodios-reflejo Hola, señora Cobel (T2E1) y Adiós, señora Selvig (T2E2), y que finalmente desemboca en el paralelismo de la carrera por los pasillos de Mark Scout (Adam Scott) al principio de temporada (la búsqueda) y esa otra carrera (el encuentro) que construye uno de los mejores finales de temporada de los últimos años. Ha habido otros episodios brillantes como esa actividad exterior en El Abismo de la Aflicción (T2E4) que acaba siendo tan decisivo, e incluso somos defensores del controvertido episodio encapsulado Vitriolo dulce (T2E8) protagonizado por Harmony Cobel (Patricia Arquette) regresando a sus orígenes, del que todavía recordamos la lacónica sinopsis que ofreció Apple tv a la prensa antes de su estreno: "Se hacen descubrimientos", una frase que dice y no dice nada al mismo tiempo. Pero, efectivamente, este episodio ofrece descubrimientos importantes sobre el principio de todo y sobre el trasfondo traumático de uno de los personajes más destacados de la serie. Hemos elegido el episodio final Cold Harbor (T2E10) porque es el que recoge mejor todo lo que es Separación y porque está construido de manera magistral con una estructura narrativa en la que cada escena se basa en la anterior hasta terminar en un crescendo de violencia, reencuentros y amor. Desde la conversación de las dos versiones de Mark hasta la rebelión algo inútil de los empleados, en la que Helly R. (Britt Lower) incita a los trabajadores diciendo: "¿Nos han dado la mitad de una vida y piensan que no vamos a luchar por ella?", el episodio se desarrolla con una capacidad para seguir sorprendiendo, incluso en un aparatoso estallido de violencia. La explosión del color rojo en el desenlace es la antítesis del color azul que ha predominado desde el principio de la temporada, pero también el contraste con el color blanco de los pasillos que perfilan, como si se tratara de un laberinto, las oficinas en las que trabajan los empleados separados de sus vidas personales por la empresa de biotecnología. Una escena que tiene reminiscencias del desenlace de El graduado (Mike Nichols, 1967), no solo por esa fuga en pareja, sino por la felicidad imperfecta que eso supone. Si en la película sonaba "The sounds of silence" (1964) de Simon & Garfunkel, una de las tres canciones del dúo introducidas en la banda sonora de su álbum Sounds of silence (1966, Sony), la elección de Ben Stiller para la secuencia final  fue "The windmills of your mind" (1968), cuya letra habla precisamente de un túnel que lleva a una caverna donde el sol nunca brilla. Escrita por Michel Legrand y Alan y Marilyn Bergman para la película El caso de Thomas Crown (Norman Jewison, 1968), y ganadora del Oscar a la Mejor Canción, subraya esas continuas referencias de Ben Stiller como director al cine de los años sesenta y setenta, que predomina especialmente en este episodio, aunque la versión utilizada es la que incluyó Mel Tormé en su álbum A time for us (1969, Capitol Records). La imagen congelada recuerda a los habituales finales de dramas políticos como Joe, ciudadano americano (John G. Avildsen, 1970), mientras que el zoom in es característico de los finales de thrillers como Los tres días del Cóndor (Sydney Pollack, 1975). Hay alguna preocupación por el cambio de equipo de cara a la tercera temporada, con la salida de los showrunners Chris Black y Mark J. Friedman y de la supervisora de producción Anna Ouyang Moench, pero la permanencia de Ben Stiller y Dan Erickson ofrecen tranquilidad a una serie que ya se ha convertido en otra insignia de Apple tv en un año en el que la plataforma ha construido también algunas de sus propuestas más sólidas.

Requiem for Selina - El sol y la luna

Miniserie | Episodio 3: Gi et lite pip | Sundance tv | Noruega, 2025

Creada y Escrita por Emmeline Berglund, Benjamin Berglund

Dirigido por Rike Gregersen

Posiblemente la serie noruega más relevante de este año, premiada en Séries Mania y en los premios nacionales Gullruten, esta crónica sobre el auge de las rosabloggers a principios de la década de 2000 a través de una de sus principales representantes, una figura pública llamada Sophie Elise que continúa estando presente en los medios de comunicación noruegos, adopta un estilo visual y una estructura narrativa muy peculiares para adentrarse en una historia que está contada por la propia Selina. Esta subjetividad es importante porque el relato es una mezcla de fantasía y realidad, de verdades y mentiras, que incluso propone un acercamiento a su propia muerte al principio del episodio El sol y la luna (T1E3). Selina (Elli Rhiannon Müller Osborne) imagina cómo sería recibida su muerte en los medios de comunicación: "No ha sido un suicidio, sino una muerte provocada por los comentarios vertidos en las redes sociales y la prensa", confiesa una reportera de televisión. Ella ha medido milimétricamente cuándo tiene que hacerse la cera para evitar que aparezca vello en las fotografías de su cadáver, y en qué momento tiene que vomitar antes de suicidarse, para que no surjan fluidos no deseados. Su muerte tiene que ser tan perfecta y controlada como la imagen que ha querido transmitir, dejando una publicación final en video que es una despedida, la muerte necesaria a los 27 años para que tenga la trascendencia adecuada: vende más un cadáver joven. Requiem for Selina (Sundance tv, 2025) es una mirada, sin embargo, melancólica y trágica. Es, como ella misma la define, una historia de amor, pero también una tragedia. El episodio regresa a los recuerdos de sus primeras incursiones en el blog romántico cuando era estudiante y su intento de destacar, aunque sea pagando el precio de vender la imagen de su cuerpo, mientras su mejor amigo Johan (Oliver Sletvold Andersen) trata de mantener el control sobre su depresión. Johan será una especie de primer amor no correspondido, pero también el trauma de una amistad que acabará en tragedia, aunque en episodios posteriores veremos cómo Selina también es capaz de utilizarla para su propio beneficio. La muerte es el tema principal del episodio: cuando Selina llega a Oslo por primera vez, suena el Réquiem de Mozart mientras se muestran imágenes de ella fotografiándose en los lugares más emblemáticos de la ciudad. El fotógrafo que le hace sus primeras fotos para una revista masculina (la puerta de entrada a la popularidad), le confiesa que él mismo procede de un pequeño pueblo como ella: "Tuve que salir de allí. Si no encajas, te sientes excluido", le dice, describiendo el mismo sentimiento que ha experimentado Selina: la necesidad de huir, de ser alguien más que una simple chica de un pueblo del Norte de Noruega. Este es el episodio que mejor define el subtexto de una serie que no habla solo sobre la popularidad, sino sobre todo sobre la necesidad de la visibilidad, de escapar del destino al que aparentemente está condenada una adolescente de la periferia. Creada por los hermanos Emmeline Berglund y Benjamin Berglund, e impulsada por una de las agencias de publicidad más destacadas de Noruega, Requiem for Selina tiene un tono irónico en el relato que hace la propia protagonista, que a veces convierte su historia personal en una especie de cuento de hadas, pero sin evitar las referencias a las continuas operaciones estéticas a las que se somete, las adicciones a las drogas y la competitividad con otras blogueras del mundo rosa. La serie también se esfuerza en demostrar que, lejos de la idiotez superficial que se atribuye a las blogueras rosas, se esconden jóvenes que han conseguido manejar auténticos negocios de éxito, empresarias que han sabido comerciar con sus propias intimidades. 

Los ensayos - Código entre pilotos

Temporada 2 | Episodio 3: Pilot's code | HBO Max | Estados Unidos, 2025

Escrito por Nathan Fielder, Carrie Kemper, Adam Locke-Norton, Eric Notarnicola

Dirigido por Nathan Fielder

Comentábamos en nuestra reseña de la segunda temporada de Los ensayos (HBO Max, 2022-) que Nathan Fielder (1983, Canadá) podría considerarse el creador audiovisual más brechtiano, con su forma de reproducir hasta el extremo el efecto de distanciamiento o extrañamiento (V-Effekt) que desarrolló el autor alemán en su dramaturgia. Al reproducir la realidad en entornos ficticios, dentro de decorados que crean un efecto de telerrealidad, lo que es también una interesante reflexión sobre el propio género televisivo, ofrece una de las reflexiones más absorbentes sobre de qué manera se puede conseguir una recreación verosímil de los comportamientos de sus protagonistas. Por eso sus series suelen tener esa extraña textura de ficción real o realidad ficcionada en la que el espectador nunca está seguro si lo que está viendo es verdad o simplemente un camino trazado por los guiones en los que participan hasta cuatro escritores. La segunda temporada se centra en los copilotos y su necesidad de comunicación en situaciones donde el juicio del capitán podría verse afectado, un estudio que podría conseguir, en el mejor de los casos, reducir el número de accidentes aéreos. Si alguien se pregunta qué tiene que ver esto con una microhistoria sobre Aquiles, un perro clonado por sus dueños para crear tres reproducciones con el mismo ADN que pudieran sustituirlo después de muerto, es porque no ha visto series de Nathan Fielder. El episodio Código entre pilotos (T1E3) plantea la necesidad de esta bifurcación para tratar de entender si el aprendizaje puede ser reproducido de una forma exacta, en este caso en los clones de Aquiles que no se comportan como se comportaba el perro original. Para conseguirlo, gracias a la generosa aportación de presupuesto que hace HBO, un chiste recurrente a lo largo de la temporada, Nathan Fielder reproduce exactamente el entorno en el que vivió Aquiles, un pequeño piso de San José, para que su clon Zeus adquiera su mismo comportamiento. Como el decorado se encuentra en Los Angeles, la ventaja es que ambas ciudades están a la misma altura al nivel del mar, pero el departamento de producción de la serie decide recolectar aire de San José con un compresor y transportarlo a lo largo de 550 kilómetros hasta el decorado de Los Angeles, para que Zeus huela el mismo aire que olía Aquiles. Los experimentos de Nathan Fielder generalmente no suelen salir bien, pero a través de este intento de imitar la vida de Aquiles también se revelan las fragilidades de la relación de pareja que viven sus dueños. Al final, Los ensayos es un estudio sobre el comportamiento humano, no importa desde dónde inicie su camino. El capitán de vuelo Jeff ha sido expulsado de todas las aplicaciones de citas, lo que revela rasgos de su personalidad obsesiva, pero también conduce a una conclusión interesante: los pilotos tienen una necesidad de comunicación que no pueden desarrollar por temor a que el fantasma de la enfermedad mental repercuta en la valoración médica de su trabajo, bajo riesgo de perder su licencia. El momento de mayor genialidad de este episodio es cuando Nathan Fielder decide convertirse él mismo en protagonista (algo parecido ocurría en la primera temporada cuando formaba parte de la familia ficticia en la que se basaba su experimento social). Así que reproduce la biografía del capitán de vuelo Chesley B. Sullenberger III, al que había interpretado Tom Hanks en la película Sully (Clint Eastwood, 2016), para entender cómo se forja un héroe, tras su decisión de amerizar un avión comercial en el río Hudson de Nueva York en 2009, después de que una bandada de aves fueran absorbidas por los motores, que sufrieron daños graves. A partir de su biografía Sully: Hazaña en el Hudson (2016, Ed. Harpercollins), Nathan Fielder descubre que debe entender mejor la trayectoria vital del piloto para comprender por qué tomó esa decisión, hasta llegar a una relación bastante bizarra sobre la influencia de la comercialización del iPod y el estribillo de la canción "Bring me to life" (2003) del grupo Evanescence: "Si la transferencia de personalidad puede funcionar en un perro, tal vez, solo tal vez, podría funcionar en un ser humano", afirma. En una suerte de reproducción del protagonista titiritero de Cómo ser John Malkovich (Spike Jonze, 1999), Nathan Fielder se introduce en la mente de Sully para vivir él mismo algunos de los momentos más importantes de su vida: desde un incidente de la infancia hasta un vuelo más que sensual con una novia, pero sobre todo la represión de las emociones, una característica que se supone común a los pilotos de aviación. El tramo final del episodio hace referencia a las estrategias de "afrontamiento", pero valorando la necesidad de admitir las imperfecciones del ser humano y, lo que es más interesante, reflexionando sobre la ausencia de terapias psicológicas en unos profesionales sometidos a una tensión y una validación constantes. Lo que hace que Los ensayos sea algo más que una bizarra comedia surrealista, para entrar en aspectos mucho más relevantes. 

The Studio - Los Globos de Oro

Temporada 1 | Episodio 8: The Golden Globes | Apple tv | Estados Unidos, 2025

Creada por Evan Goldberg, Alex Gregory, Peter Huyck, Frida Pérez, Seth Rogen

Escrito por Alex Gregory | Dirigido por Evan Goldberg & Seth Rogen

La próxima ceremonia de los Globos de Oro en enero tendrá entre sus invitados/nominados a algunos componentes del equipo de The Studio (Apple tv, 2025-), aunque a pesar del récord de premios conseguidos en los Emmy, solo está nominada en tres categorías: Mejor Serie de Comedia o Musical, Mejor Actor (Seth Rogen) y Mejor Actriz secundaria (Catherine O'Hara), quienes interpretan precisamente a los dos primeros personajes que vemos atravesar la alfombra roja de la ficticia ceremonia de los Globos de Oro que ocupa este episodio. Usando varios planos secuencia en una cena que se preparó expresamente para el rodaje de este capítulo, la cámara recorre un espacio donde la propuesta de Seth Rogen y sus co-creadores ofrece el do de pecho en su capacidad para introducir cameos tan diversos como los de Aaron Sorkin, Zack Snyder, Antony Starr, Quinta Brunson o Adam Scott, que por cierto también está nominado a los próximos Globos de Oro por Separación (Apple tv, 2022-). Este carácter casi premonitorio de un episodio milimétricamente diseñado en tiempo real se revela más significativamente tras una revisión más actual. Porque ahora que Netflix está en proceso de adquisición de Warner Bros., resulta curioso ver a Paul W. Downs y Jen Statsky, creadores de Hacks (HBO Max, 2022-), una de las comedias de más éxito de la plataforma, dándole las gracias a Ted Sarandos, co-CEO de Netflix, tras ganar un Globo de Oro por una serie producida por él. Y posteriormente también Jean Smart, su protagonista. Precisamente la importancia de no permanecer invisible es el tema principal de un episodio en el que el productor ejecutivo Matt Remick (Seth Rogen) busca desesperadamente saber si está incluido en los agradecimientos de la actriz Zoë Kravitz en el caso de que gane el Globo de Oro a la Mejor Actriz por la película Despierta. Mientras se molesta porque Ted Sarandos recibe todos los agradecimientos, su subalterno Sal Saperstein (Ike Barinholtz) se convierte en una broma de la ceremonia, teniendo más protagonismo que él. Pero el propio Ted Sarandos, en una rara aparición (no lo ha hecho ni en sus propias producciones), le da la clave: "Los agradecimientos están en el contrato. ¿Crees que alguien se iba a acordar de mi si no?". A pesar de que Los Globos de Oro (T1E8) es un episodio que utiliza la metanarrativa de una manera divertida y perfectamente ejecutada, es el que mejor refleja esta dualidad que representa la serie: la frustración de Matt Remick por no ser considerado dentro de la categoría de artista en su labor como productor, una transformación fundamental en la industria de Hollywood que se asume desde dentro. Los nuevos dueños de las plataformas ni siquiera se consideran a sí mismos artistas, como le dice Ted Sarandos: "Nosotros somos burócratas". Esto convierte al episodio en el más melancólico de la temporada, la confirmación de que una parte de Hollywood ya no volverá, de que el cine está en manos de empresarios de tecnológicas que no aspiran al reconocimiento artístico, como intenta lograr Matt Remick a lo largo de toda la temporada. También conocemos una de las razones de esta obsesión, que es complacer a su madre con la que habla por teléfono, con la voz de la actriz Rhea Perlman. The Studio es una mirada al mundo de Hollywood que explora esta nueva era en la que los influencers se apoderan de la alfombra roja de los Globos de Oro para grabar sus cuatro minutos de gloria, mientras la gente del cine pasa casi desapercibida. Y el valor de la serie es precisamente no quedarse en una broma continua con cameos permanentes, sino ser el espejo de un Hollywood en decadencia que en este episodio se refleja en unos premios que también se han transformado en un concepto estrictamente empresarial. Como afirma Ramy Youssef, que ejerce de presentador en la gala, ir a ver una película como Avatar: Fuego y ceniza (James Cameron, 2025) es un acto de supervivencia: "Aunque no os lo creáis, ha costado 300 millones de dólares. Si fracasa en taquilla, nos quedamos sin trabajo todos". 

Más que rivales se estrena en Movistar Plus+ el 5 de febrero.

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Películas mencionadas (disponibles en la fecha de publicación):

La invasión de los ladrones de cuerpos y Cómo ser John Malkovich se pueden ver en Filmin.

Están vivos se puede ver en Filmin y Shadowz.

Los asesinos de la luna, Echo Valley y Laberinto en llamas se pueden ver en Apple tv.

Apocalypse Now se puede ver en Movistar Plus+ y Prime. 

Rebel ridge se puede ver en Netflix.

Rogue: Una historia de Star Wars se puede ver en Disney+. 

Sirât se puede ver en Movistar Plus+.

El hombre de la cámara se puede ver en JustWatch tv.

El Señor de los anillos: Las dos torres se puede ver en HBO Max, Netflix, Prime y Tivify.

Escoria se puede ver en Acontra+, Movistar Plus+ y Tivify.

El graduado se puede ver en Filmin y Prime.

El caso de Thomas Crown se puede ver en Filmin y MGM+.

Joe, ciudadano americano se puede ver en Filmin, Plex y Prime. 

Los tres días del cóndor se puede ver en Filmin, FlixOlé y Movistar Plus+.

Sully se puede ver en Prime y Tivify.