Sheffield '23 - Parte 8: Paisajes

Seguimos repasando la programación del Sheffield Doc/Fest, que se ha celebrado en las últimas semanas de junio, con películas en las que el paisaje aporta un elemento esencial no solo como trasfondo de las historias que cuentan, sino en ocasiones como el principal protagonista. Desde la isla de Wight en la costa de Southampton hasta el Himalaya nepalí, pasando por la ciudad de Richland en Estados Unidos, pasando por el Círculo Polar Ártico y por la provincia de Soria, los títulos de los que hablamos muestran el entorno para entender a quienes lo habitan. 

© Heiki Franzen

Richland

Irene Lusztig, 2023 | Competición Internacional | ★★★★☆

Estrenada casi simultáneamente en el Festival de Tribeca y en Sheffield, esta nueva película de la directora Irene Lusztig (1974, Reino Unido) surgió en cierta manera de su anterior proyecto Yours in sisterhood (2018), en el que confrontaba el feminismo actual y el de hace cuarenta años a través de la lectura de cartas escritas a la revista Ms. Magazine-America en los años setenta, leídas por mujeres en diferentes Estados de Norteamérica. Durante ese viaje, confiesa la directora que se sintió especialmente atraída por la ciudad de Richland, situada en el Estado de Washington, que también mantiene una conexión permanente con el pasado. Se trata de un antiguo pequeño pueblo agrícola hasta que en 1943 el Ejército compró varias hectáreas, desalojando a sus habitantes y convirtiéndola en una ciudad dormitorio para los trabajadores del Proyecto Manhattan en el que se diseñaron las bombas atómicas que se lanzaron en Hiroshima y Nagasaki. Richland mantiene un vínculo cercano con este pasado no solo porque todavía viven allí algunos de los que trabajaron en la empresa gubernamental Hanford, sino porque representa con orgullo su papel fundamental en el desarrollo de la 2ª Guerra Mundial, como afirma uno de los ex-trabajadores: "No estoy diciendo que fuera bueno, pero si no se hubieran lanzado las bombas sobre Japón no se hubiera podido preservar Estados Unidos como lo conocemos ahora", mientras otro comenta con convicción que "somos la única nación que ha utilizado una bomba atómica para matar a otros seres humanos". Frente a los habituales discursos antinucleares, la ciudad tiene un equipo de fútbol llamado Bombers, una mascota que es un hongo atómico y celebra con desfiles la conmemoración del lanzamiento de las bombas atómicas.

Pero en Richland (Irene Lusztig, 2023), la directora no pretende dibujar la habitual confrontación entre partidarios de la energía nuclear y los detractores de ella, incluso si aún permanecen en los antiguos terrenos aproximadamente unos 50 millones de galones de residuos radiactivos en tanques subterráneos que suponen un problema sin resolver. Lo que parece interesarle sobre todo es describir en la película las contradicciones internas que se viven en esta ciudad, que también dispone de un museo en el que se muestran objetos y fotografías de un trabajo realizado de forma secreta, hasta el punto que muchos de los trabajadores ni siquiera sabían exactamente cuál era la naturaleza de sus funciones. Irene Lusztig describe con acierto muchos de estos aspectos a veces contradictorios, abordando una serie de temas que surgen con una hábil narrativa en la que se establecen conexiones entre ellos, y entrevistando a personas que de una u otra forma están relacionadas con el desarrollo y las consecuencias del Proyecto Manhattan. Hay detalles sorprendentes, como esa cierta normalidad que se establecía entre las familias que habitaban Richland con hábitos como realizar pruebas de orina diarias. En una secuencia, la cámara se detiene en las tumbas de niños que fallecieron de manera temprana, haciendo referencia al aumento de muertes por cáncer entre los propios trabajadores de Hanford, donde se llevaron a cabo pruebas de explosiones atómicas controladas. Pero también se muestra en la ciudad una especie de perseverancia por rodearse de zonas verdes y ajardinadas en un intento quizás por maquillar la imagen del desierto radiactivo. 

La película encuentra una forma en cierta manera poética de adentrarse en estos temas, lo que la distingue de forma sobresaliente de una simple mirada superficial hacia las contradicciones de una ciudad que se enorgullece de un sentimiento patriótico pero también asume su propia controversia. A lo largo de la narración se intercalan fragmentos del libro de poesías Plume (2012), escrito por Kathleen Flenniken, que creció en Richland y cuyo padre trabajaba como químico en Hanford, mientras que una de las imágenes finales corresponde a la instalación que la artista Yukiyo Kawano realizó para la conmemoración del 76 aniversario del lanzamiento de las bombas en 2021. Ella es hibakusha de tercera generación (descendiente de supervivientes de Hiroshima y Nagasaki), y creó una escultura de las bombas, Little Boy y Fat Man, realizadas con parches de kimonos pertenecientes a su abuela, teñidos con varios tonos del color de la tierra, y cosidos con mechones del propio cabello de la artista. Es la primera vez que aparece una representación de las bombas en la película, que hasta ese momento son solo una sombra permanente, pero no se ven de forma física. La música que acompaña a las escenas finales también es una composición coral que canta las palabras de Robert Oppenheimer citando el texto sagrado hinduista Bhagavad-gītā: "Me he convertido en la muerte". Pero sobre todo resuenan al final de la película los ecos de los asentamientos indígenas que fueron desalojados por el ejército con la promesa de que regresarían a unas tierras donde vivieron sus antepasados pero que acabaron convirtiéndose en un terreno baldío e inhabitable. 

© Christopher Morris/Bosena 2022

A year in a field

Christopher Morris, 2023 | Competición Ópera Prima | ★★★★☆

La primera película del cineasta Christopher Morris es lo que podría catalogarse como un documental ecológico y al mismo tiempo todo lo contrario. Inspirándose en el libro de Michael Allaby A year in the life of a field (1981), el director aprovechó dos circunstancias importantes para colocar su cámara durante un año en el paisaje de Cornualles (Inglaterra): vivir cerca de lo que se denomina Land's End, al Oeste de la región, donde se trasladó en 2015 para dirigir la Escuela de Cine en la Universidad de Falmouth, y el inicio de la pandemia del coronavirus. La presencia solitaria de una gran roca megalítica a la que se denomina Longstone, y que se yergue sobre un campo de cebada desde hace 4.000 años, le causó impresión. Aunque no se conoce su origen, la posición de esta roca junto a otra más pequeña ha dado lugar a teorías sobre su condición de altar para sacrificios, lo que la ha rodeado de un cierto aire místico. El director decidió comenzar su rodaje desde el solsticio de invierno de 2020, elaborando una mirada tranquila y relajada que se coloca a distancia del habitual ritmo dinámico de cualquier película, incluidas aquellas que se centran en la observación de la naturaleza. Utilizando simplemente un trípode y con algunas reglas que ha mantenido firmes como tratar de tener siempre en el plano a la roca desde diferentes perspectivas, la mirada de Christopher Morris se detiene en los detalles, a través de primeros planos que muestran la vida que se ha desarrollado sobre la piedra, desde el musgo hasta los insectos, o mostrando planos generales en los que la roca parece mantenerse vigilante frente a un paisaje solitario.  

A lo largo de la película, el propio Christopher Morris describe a través de su voz en off algunos acontecimientos que ocurren alrededor del mundo, haciendo referencia al aumento de la temperatura en el planeta o la cantidad de CO2 que generan los habitantes de Gran Bretaña cada año. De alguna manera, la introducción de estas descripciones parecen hacer referencia a un mundo en proceso de autodestrucción mientras la roca permanece como una superviviente arcaica en medio de un paisaje que se transforma a lo largo del año. En esa línea, la cámara también centra su atención en los restos que han dejado los seres humanos a su paso por la zona: envolturas de la barra de chocolate Snickers y de queso cheddar, o un paquete de ropa interior femenina parecen objetos que no encajan con el paisaje, como elementos externos que lo degradan. Una revista con una modelo que tiene tatuado en el brazo "Oggi sono grata" (Hoy estoy agradecida) ofrece una mirada irónica sobre la representación de la huella humana en la naturaleza, como la estela de un avión sobre el cielo. De forma que A year in a field (Christopher Morris, 2023) es una película que hace continuas referencias al cambio climático, pero de una forma soterrada. 

Aunque el director rodó prácticamente en solitario hasta el 23 diciembre de 2021, su último día en el campo, hay referencias en los créditos finales a algunos de sus ocasionales acompañantes, como su perro Ted o el dueño del campo de cebada donde se encuentra la roca, un agricultor local llamado Roger Jenkin, al que se denomina "guardián" en los títulos de crédito. A través de recursos sencillos, sorprende la capacidad de Christopher Morris para capturar momentos especiales con una belleza singular, desde una tormenta hasta el crecimiento de la cebada que transforma el entorno, o un arco iris que acaba sirviendo de marcado momentáneo a la roca. A year in a field es el reflejo de cómo la naturaleza se adapta a unas estaciones que cada vez son más difíciles de distinguir, pero sobre todo una mirada ecológica que no pretende ser discursiva, sino que se sostiene en la observación para mostrar las amenazas. Tras su estreno mundial en Sheffield, está previsto que llegue a las salas de cine de Gran Bretaña coincidiendo con el Equinoccio de otoño, el 22 de septiembre. Y hace un recordatorio en los créditos sobre la contradicción de que una película comercial, incluso aquellas que advierten sobre el cambio climático, acabe generando más 500 toneladas de CO2.

No winter holidays

Rajan Kathet, Sunir Pandey, 2023 | Competición Ópera Prima | ★★★☆☆

Si hablamos de la importancia del paisaje, esta película lo utiliza con especial habilidad como un elemento fundamental que conforma el desarrollo de la historia. Pero en un espacio como el Himalaya nepalí, en el valle de Dhor, resulta imposible que el entorno no acabe trascendiendo su propia condición de telón de fondo para tomar un protagonismo principal. De hecho el título original de la película, Dhorpatan, hace referencia a esta zona que se encuentra a 3.900 metros de altura, donde se refugian poco más de 25.000 habitantes de diferentes castas. Pero a la llegada del duro invierno, la mayor parte de ellos abandona el valle y se dirige a otros municipios e incluso a la ciudad de Katmandú, para pasar la estación con otros familiares. En Dhorpatan, sin embargo, permanecen dos mujeres, viudas del mismo hombre, que se han quedado sin recursos para salir del valle y se ven obligadas a sortear la peor época del año manteniendo una convivencia como vecinas. En su debut como directores, Rajan Kathet y Sunir Pandey construyen una película que se recrea en la mirada hacia el paisaje a través de una fotografía contemplativa de Babin Dulal, que también trabajó en otro documental localizado en Nepal, The porter: The untold story at Everest (Nathaniel J. Menninger, 2020) y que por tanto conoce bien los entresijos de un entorno montañoso. 

Ratima y Kalima mantienen una convivencia más o menos respetuosa pero también distante, con algunos reproches que indican una relación diferente con el esposo compartido y recién fallecido. Ratima, que tiene una actitud mucho más melancólica, a veces le recuerda y le dedica ofrendas a orillas del río, afirmando que algunas noches sueña con su marido: "La otra mujer dice que nunca sueña con él". Y se lamenta de que después de haberse vuelto a casar con Kalima, ella podría haber iniciado una nueva vida: "Después de casarse, si no hubiera seguido cuidando de mí, podría haberme casado otra vez y haber vivido en otro lugar", mostrando su decepción porque su marido, en vez de renunciar a ella cuando se volvió a casar, decidió mantenerla junto a él, lo que la obligó a esa condena final de permanecer en un lugar inhóspito. Por el contrario Kalima es una mujer mucho más habladora, para pesar de Ratima, y también suele maldecir constantemente. Cuando en una ocasión que se marcha en medio de una gran tormenta para buscar a una cabra perdida, comprueba a su regreso que la ropa que había tendido permanece fuera de la casa, comienza a lanzar troncos sobre el tejado de Ratima: "La puta podía haber recogido mi ropa de la lluvia". A través de una observación que se mantiene a distancia, No winter holidays (Rajan Kathet, Sunir Pandey, 2023), un título internacional que tiene algo de ironía, elabora un retrato de estas dos mujeres que a veces parece estancarse, demasiado pendiente de la representación del espacio como un entorno que moldea las personalidades de Ratima y Kalima de forma diferente. 

A pesar de que da la impresión de que la cámara se mantiene más cerca de la segunda, Kalima esconde una realidad más compleja, marcada por la ausencia de su hija, que parece la justificación adecuada para beber demasiado por las noches, algo de lo que Ratima se queja constantemente. Esta confrontación de caracteres, de dos mujeres que están condenadas a vivir juntas porque un día fueron elegidas como esposas por el mismo hombre, incluso construye algunos momentos divertidos, pero sobre todo establece una mirada segura en torno a la vejez, a la dependencia de las mujeres y a la rivalidad femenina provocada por una sociedad patriarcal. En cierta manera, el retrato de las protagonistas se conforma de una forma completa cuando los vecinos y sus familiares regresan al pueblo después del invierno, y una de ellas se plantea que el próximo año tratará de ir a Katmandú para evitar el carácter agrio de un invierno que se hace largo en una soledad que, aunque es compartida, sigue siendo solitaria. 

Y arquitectura un sueño de palmeras

Patxi Burillo Nuin, 2023 | Competición Internacional de Cortometrajes | ★★★★☆

El segundo cortometraje dirigido por Patxi Burillo Nuin (1990, Pamplona), quien realizó el posgrado de Creación en la Escuela de Cine Elías Querejeta, se acerca más a su faceta como arquitecto, al tomar como elemento principal una antigua ermita para elaborar un discurso sobre al arte, los espacios y la relación con las diferentes sociedades. Su anterior corto, Argileak (Los que hacen la luz) (2022), hablaba sobre la mirada de la infancia a partir de una pantalla de cine colocada en los campos de Ezkio donde en 1931 hubo supuestas apariciones de la Virgen, y fue seleccionado en Punto de Vista, Documenta Madrid y L'Alternativa. El punto de partida en este caso es el trayecto de dos hombres que caminan por las áridas tierras de Soria en dirección a la ermita mozárabe de San Baudelio, construida en el siglo XI y habitada durante años por un ermitaño. El entorno aislado en medio de un desierto, a dos kilómetros de la localidad de Casillas de Berlanga, le otorga a la construcción un tono que rompe con el paisaje, como un lugar de oración al que se llega atravesando un lugar inhóspito. La imagen de los dos hombres caminando recuerda a los personajes que atraviesan un desierto en la película Gerry (Gus Van Sant, 2002), hasta encontrarse con esta construcción prerrománica con influencias mozárabes. Con una estructura que utiliza un enfoque arquitectónico, marcando claramente los espacios y usando encuadres rectilíneos, Y arquitectura un sueño de palmera (Patxi Burillo Nuin, 2023) establece cuatro partes que comienzan y terminan en la ermita, para recorrer otros dos espacios destacados de su trayectoria histórica. 

La ermita de San Baudelio está soportada por un pilar central en el que apoyan ocho arcos de herradura que sustentan una bóveda esquifada, formando una especie de palmera. Se dice que el octógono representa el paso del cuadrado al círculo, y por tanto de la tierra al cielo. Aunque fue declarada Monumento Histórico Artístico en 1917, los vecinos de Casillas vendieron parte de las pinturas murales en la década de 1920, quedando solo algunos fragmentos en la propia ermita. El título del cortometraje está extraído de un verso de un poema que Gerardo Diego dedicó a la ermita: "Toda luz se ha vuelto disciplina / y arquitectura un sueño de palmera". Algunas reproducciones de estos murales se pueden contemplar en un spa construido en el sótano de un edificio del siglo XVI que se encuentra en Burgos de Osama, y el diseño se asemeja al de la planta principal del interior de la ermita. El director hace referencia a la influencia de las estructuras temporales y la narrativa repetitiva del cine de Hong Sang-Soo, con sus planos de composición milimétrica. El tercer espacio en el que se desarrolla es el Museo del Prado, donde se conservan en una sala aquellas pinturas, un total de 23 fragmentos románicos, que fueron arrancadas de las paredes de la ermita. Estableciendo un paralelismo entre los tres espacios, Y arquitectura un sueño de palmera elabora una narrativa que habla del expolio artístico, de las huellas de la reconquista y de las conexiones a veces intrincadas y sorprendentes de distintas épocas y diferentes lugares. 

Piblokto

Anastasia Shubina, Timofey Glinin, 2023 | Panorama Cortometrajes | ★★★★☆

Al final de su película, los directores plantean una reflexión sobre nuestra propia mirada hacia los habitantes de la región ártica de Chukotka. Que el gobernador de esta región sea el millonario ruso Román Abramóvich, antiguo dueño del Chelsea, dice mucho de hacia dónde va la riqueza petrolífera de la zona mientras sus habitantes se dedican principalmente a la pesca y a la caza. Pero la mirada de Anastasia Shubina (1991, Rusia) y Timofey Glinin (1991, Rusia), ambos fotógrafos que residen en San Francisco y colaboran juntos desde 2018, cuestiona incluso el propio punto de vista antropológico que pudiera tener su cortometraje. El término "piblokto" ha sido acuñado por los occidentales y se refiere a lo que se ha denominado como "histeria ártica", una enfermedad mental que se asigna a determinados comportamientos de los autóctonos de estas tierras, pero que también puede estar relacionada con la presencia de espíritus. De esta forma, Piblokto (Anastasia Shubina, Timofey Glinin, 2023) es una aproximación a la muerte a través de la relación de un grupo de habitantes con su entorno, y plantea cuestiones sobre cómo estas costumbres son asimiladas por una mirada occidental. Con el sonido de los rituales del chamán de forma constante, las primeras escenas muestran a una gran ballena cazada que es descuartizada sobre la orilla y cuya carne servirá como alimento. Pero hay otros elementos de muerte y vida a lo largo del documental: los niños jugando con las aves muertas o la propia defensa del pueblo de la presencia de los osos, mientras el paisaje de la tundra se convierte también en un entorno que delimita la propia vida. 

Los directores abordaron ya las prácticas chamánicas en su anterior documental, The art of falling apart (2019), sobre los pastores de renos de Mongolia. Pero a pesar de su carácter aislado, las aristas del capitalismo se introducen también en las comunidades esquimales. Las vísceras de la ballena se convertirán en alimento para una granja de zorros árticos cuyas pieles acabarán vendiéndose a las sociedades occidentales. A través de estos apuntes de realidades que tienen una textura poética, como si de alguna manera consiguiera una inmersión total en el entorno, la película construye un retrato ambiguo en el que la "histeria ártica" se convierte en la única explicación razonable desde un punto de vista externo. Con una estructura que imita las ceremonias chamánicas que establecen la conexión entre la vida y la muerte, Piblokto se adentra en las comunidades chukchi de una manera visceral. El cuento sobre un oso que se resguarda junto a un grupo de morsas como si fuera una de ellas, pero que no puede evitar finalmente el instinto de matar y alimentarse con ellas, indica que la naturaleza es inalienable. Esta mirada establece una conexión entre la vida y la muerte, entre los rituales espirituales y las necesidades vitales, entre el hombre y la naturaleza. 

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Películas mencionadas:

Yours in sisterhood se puede ver en Filmin.

Conecta Fiction & Entertainment - Parte 3: Las nuevas series españolas

La última de nuestras crónicas sobre la séptima edición de Conecta Fiction & Entertainment la centramos en las presentaciones a través de diferentes paneles que las principales productoras y televisiones han realizado de sus próximos proyectos. que conforman el panorama de series que podremos ver a partir del final de verano, pero también de proyectos que están todavía en sus primeras fases de producción. Las sesiones de pitching que este año han conformado la convocatoria de Conecta se ha consolidado también como una forma de encontrar financiación y apoyo en los 35 proyectos internacionales que han formado parte de las diferentes secciones. Con una importante presencia de RTVE, que ha patrocinado el Think Tank y ha tenido al responsable de Cine y Ficción, José Pastor, como moderador de algunos de los paneles, el premio que también otorga la televisión pública ha sido para De buena familia (10x50), una comedia protagonizada por Óscar, cabecilla de la aristocrática familia valenciana Casañ-Calabuig, que hará lo impensable por salvarla de una inminente ruina: mezclarse con la familia más hortera y rica del país. El proyecto está escrito por Zebina Guerra, guionista de las películas Mi querida cofradía (Marta Díaz de Lope Díaz, 2018) y Los buenos modales (Marta Díaz de Lope Díaz, 2023) y Jorge Yúdice, que coescribió también junto a Zebina Guerra el cortometraje Pisanka (Jorge Yúdice, 2022). El premio RTVE consiste en un contrato de desarrollo que asegura prácticamente la producción de la serie, como ha ocurrido con otros proyectos ganadores en otras ediciones como Malaka (RTVE Play, 2019) o Demokracia (2024), cuya producción fue aprobada el pasado mes de febrero por el Consejo de Administración de RTVE, una historia ambientada en la primera promoción de mujeres del Cuerpo Nacional de Policía en 1979. También el ganador del año pasado, O último lobo, ha anunciado su rodaje para principios de 2024 en el Panel de Coproducciones. 

© Grupo Ganga

Entre los otros ganadores de los pitching se encuentran El lago (6x60), una producción de Grupo Ganga, productora de Cuéntame (RTVE, 2001-2023) y creada por Oriol Cardús, que el año pasado estrenó el cortometraje El productor (2022) y que la definía en el Pitch de Coproducciones como una serie "que comienza como un thriller y termina como una comedia negra, revestida de crítica social". La historia se centra en Sullivan, un hombre que tiene una vida consolidada, una buena familia y un buen trabajo en el Ayuntamiento, y que sufre un secuestro por parte de un grupo de desconocidos. Los motivos del secuestro son tan misteriosos como la reacción de los ciudadanos de El Lago que siguen con su vida como si nada. Hasta que los secuestradores se ponen en contacto con la periodista Katherine, que trabaja en una televisión nacional y comienza a investigar el caso. La localidad es la comunidad más rica y más segura del país, y representa a la sociedad actual, la superficialidad y la proyección de una aparente vida perfecta. La serie, que tiene completado el guión del episodio piloto, consiguió el Premio Nem Zagreb y el Premio WAWA. Por su parte Favàritx (5x50) logró el Premio Film Commission, y se desarrolla alrededor del faro del mismo nombre que se encuentra en la isla de Menorca. Producida por TV On, la historia sigue a Marta Serra y Álex Castro, los dos nuevos inspectores en la isla de Menorca, que se enfrentan al aparente suicidio de la Concejal de Urbanismo, que sin embargo se revela como una trama de asesinatos en serie. Con un 70% de financiación ya consolidado, el rodaje está previsto para finales de año.  

© Vandalo

El proyecto de serie documental musical Dendê. What happened to the greatest rapper in Brazil? (10x25) consiguió los premios Sanfic Industria y el Premio Jurado Joven The Core. La propuesta sigue la historia del rapero brasileño Dendê, quien tras una exitosa carrera fue acusado del secuestro de su novia. La serie comienza como un típico documental true crime, protagonizado por los principales representantes del mundo de la música brasileña, pero a partir de un momento determinado se produce un acontecimiento que revela que quizás no todo el mundo está diciendo la verdad, incluso poniendo en duda la naturaleza de la propia serie. Se trata de un proyecto multiplataforma que tiene previsto apoyarse en una campaña musical con el lanzamiento de un album interpretado por los más populares cantantes de la escena rap brasileña e internacional. 

Como comentaba José Pastor en uno de los paneles, RTVE ha realizado una apuesta importante por las series diarias, con dos producciones actualmente en emisión y una próxima por estrenarse. Pero le sigue funcionando mejor la telenovela histórica que las propuestas más actuales, como demuestra que La promesa (RTVE, 2023-) sigue superando el millón de espectadores en la sobremesa, mientras que 4 estrellas (RTVE, 2023-) se mantiene con un escaso 7% de share (800.000 espectadores) en el Access prime-time, eso sí, teniendo que competir con programas asentados como El hormiguero (Antena 3, 2006-), e incluso afronta la sombra de una posible cancelación. En Conecta Fiction & Entertainment la cadena pública presentó algunas de sus producciones en desarrollo, entre las que ya hemos comentado sus coproducciones internacionales en nuestra segunda crónica. Con la intención de incorporarse junto a la segunda temporada de La promesa a partir de septiembre, el canal público tiene en preparación La exquisita (RTVE, 2023), otra serie de época ambientada en un salón de té en 1930, basada en la novela Tea Rooms: Mujeres obreras (1934, Ed. Hoja de Lata), escrita por Luisa Carnés, considerada una representante de la Generación del 27. La historia está basada en las vivencias personales de la autora cuando trabajaba como camarera en una pastelería, y se perfila como una crónica centrada en las mujeres durante los años treinta, a través de la clientela de un salón de té situado cerca de la Puerta del Sol. 

© RTVE

Hasta el mes de agosto se rueda Operación Barrio Inglés (RTVE, 2023-), uno de los proyectos más ambiciosos de este año, que se perfila como un drama de intriga ambientado en 1940, y que se centra en el papel estratégico de Huelva para los servicios secretos alemanes, que la convirtieron durante la 2ª Guerra Mundial en una especie de Casablanca española, un nido de espías de uno y otro bando. En este entorno se mueve Lucía (Aria Bedmar), contratada por una compañía minera inglesa, donde conoce a Peter (Peter Vives), el gerente que esconde un oscuro pasado. La apuesta de TVE para el público infantil es la serie Los Argonautas y la moneda de oro (Clan, 2023-), que se estrenó el pasado 26 de junio, una producción de Portocabo, la productora de Rapa (Movistar+, 2022-2024), que acompaña a un grupo de amigos entre 8 y 12 años que vive un verano diferente. Se trata de una serie diaria que se inspira, otra vez, en películas clásicas como Los goonies (Richard Donner, 1985). 

Precisamente María Valenzuela, manager general de Movistar+, presentó algunos de sus principales proyectos para los próximos meses, encabezados por el estreno en otoño de La Mesías (Movistar+, 2023-), escrita y dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi a través de su productora Suma Content, con una sinopsis centrada en Enric (Roger Casamajor) e Irene (Ana Rujas), dos hermanos que tratan de vivir fuera del fanatismo religioso de su familia. La serie está compuesta por siete episodios de 60 minutos. También se pudieron ver imágenes de Galgos (Movistar+, 2023), una producción de Buendía Estudios dirigida por Félix Viscarret y Nelly Reguera, que se centra en Carmina Somarriba (Adriana Ozores) y Emilio Somarriba (Luis Bermejo), los herederos de la empresa familiar Grupo Galgo, especializada en bollería y alimentación infantil, que ven cómo su imperio está a punto de derrumbarse debido al cambio en los hábitos alimenticios de la sociedad. Formada por seis episodios de 50 minutos, tiene su estreno previsto para el primer trimestre de 2024. Berto Romero es el creador y protagonista de El otro lado (Movistar+, 2023-), una serie de terror producida por El Terrat (The Mediapro Studio) y dirigida por Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro. Tras el buen recibimiento de las tres temporadas de Mira lo que has hecho (Movistar+, 2018-2020), el cómico trata ahora de conseguir un equilibrio entre la comedia y el género de terror en seis episodios de 30 minutos, en lo que se anuncia como una historia de fantasmas clásica. Por último, tras el final de La Unidad (Movistar+, 2020-2023), Dani de la Torre y Alberto Marini se adentran en el mundo del crimen organizado internacional en la Costa del Sol en la serie Marbella (Movistar+, 2024-), protagonizada por Hugo Silva, que se estrena en 2024 y está basada en una investigación real de un grupo de periodistas infiltrados. 

© Movistar+

Marta Ezpeleta, manager general de distribución, coproducciones, adquisiciones y oficinas internacionales de The Mediapro Studio presentó los proyectos de la compañía, pero lo cierto es que solo llevó a Conecta Fiction & Entertainment la serie Express (2022), cuya segunda y última temporada quedó en el limbo en España tras la desaparición de Lionsgate+ en nuestro país, y que todavía permanece sin difusión, aunque ya se estrenó a principios de este año en Latinoamérica. Es sorprendente y significativo que una productora de esta envergadura no tenga nada más que ofrecer a los compradores internacionales. 

Todo lo contrario que Mediterráneo/Mediaset, cuya directora de ventas y desarrollo de negocios, Silvia Cotino, presentó un amplio listado de producciones, desde las que han tenido versiones internacionales como Vivir sin permiso (Telecinco, 2018-2020), cuyo remake italiano está producido por la propia Mediaset, con el título de Il patriarca (Canale 5, 2022-), hasta los remakes de Chiringuito de Pepe (Telecinco, 2014-2016) en Grecia, donde Peta ti friteza (ANT1, 2018-2020) fue todo un éxito, así como de Hungría y Estados Unidos, cuyos derechos tiene NBCUNiversal. Mediaset también anunció la producción de las temporadas tres y cuatro de su gran éxito Entrevías (Telecinco/Netflix, 2023-), y su actual apuesta diaria Mía es la venganza (Telecinco, 2023-), que Silvia Cotino afirmó que estaba consiguiendo los objetivos fijados, lo que no es cierto porque tras unas cifras de audiencia poco alentadoras, acumulando un escaso 8,4% de share (818.000 espectadores), Telecinco ha tomado esta semana la decisión de paralizar el rodaje de la serie, con solo 17 episodios emitidos (El Mundo, 5/7/2023). También se pudo ver un primer trailer de Urban. La vida es nuestra (Telecinco/Prime Video, 2023-), una serie de seis episodios de 50 minutos enfocada a una audiencia joven con producción de Alea Media. Es la historia de dos amigas, Lola (María Pedraza) y Yanet (Asia Ortega) que se embarcan en un viaje a Málaga, donde conocen a Patrick (Bernardo Flores), un joven que comienza a destacar en la escena de la música urbana. El estreno, posiblemente en septiembre, se producirá en Prime Video como primera ventana. 

© Mediaset

Atresmedia ha iniciado un cambio en su plataforma, con modificación de diseño y de su marca, y el reciente anuncio de un acuerdo con Prime Video para incluir atresplayer premium familiar como uno de los canales de Amazon. En estos últimos días ha estrenado su ambiciosa serie Las noches de Tefía (atresplayer, 2023) y el 16 de julio estrena Zorras (atresplayer, 2023), protagonizada por Pilar Castro, Laura Galán y Andrea Ros, que está basada en la "trilogía de las mujeres libres" Zorras (202o, Ed. B de Bolsillo), novelas eróticas escritas por Noemí Casquet. Entre los próximos estrenos que presentó Rebeca Fermández, directora de ventas, se encuentra la segunda temporada de Veneno (atresplayer, 2020) bajo el título de Vestidas de azul (atresplayer, 2023), que aborda la realidad de las mujeres trans durante la transición y cuyo título hace referencia a la película Vestida de azul (Antonio Giménez Rico, 1983), el primer documental español que mostraba a mujeres transexuales. También anunció el próximo estreno de Honor (Atresmedia, 2023), remake español de la serie israelí Kvodo (Your honor) (Yes, 2017), que ha tenido numerosas versiones internacionales, entre las que en España hemos visto la norteamericana Your honor (Movistar+, 2020-2023) y la francesa Un hombre de honor (Disney+, 2021). La versión española consta de ocho episodios de 50 minutos y está protagonizada por Darío Grandinetti, bajo la dirección de Luis Prieto y Chiqui Carabante, y se desarrolla en Sevilla y Cádiz. 

© Atresmedia

Por último, Onza Producciones, responsable de series como El Ministerio del Tiempo (RTVE, 2015-2020), presentó a través de Béatrice Nouh, jefa de ventas, algunos proyectos de la productora como Isla Brava (ViX, 2023), la primera coproducción con la plataforma latinoamericana ViX a través de Onza América, que cuenta una historia de misterio, amor prohibido y venganza, es decir, los ingredientes habituales de una telenovela. La misma noche que Lucía (Fernanda Castillo) decide confesar a su esposo Alfredo (Flavio Medina), dueño de un lujoso complejo turístico, que está enamorada de su hermano Bruno (Erik Hayser), Alfredo desaparece sin dejar rastro, y su búsqueda revelará secretos familiares. Onza Producciones ha iniciado un enfoque internacional en sus proyectos, participando también en la serie portuguesa Motel Valkirias (HBO Max, 2023) y tiene en preparación la serie policíaca Heartless: El arte de la venganza, en coproducción con RTVE y ViX+, para su estreno durante el segundo trimestre de 2024 en Prime Video. Durante la celebración de Conecta Fiction & Entertainment, la productora Factoría Henneo también anunció que había adquirido los derechos de la novela Puerto escondido (2015, Ed. Destino), de María Oruña, que pretende adaptar en formato serie. Se trata de la primera parte de la antología de misterio "Los Libros del Puerto Escondido", formada por cinco novelas, y se presenta como un noir en el que los paisajes de Cantabria son el marco de una serie de muertes y secretos que se remontan hasta la guerra civil. En esta historia, un joven londinense hereda una mansión familiar en el pueblo costero de Suances (Cantabria), y durante las obras de remodelación, se descubre en un antiguo sótano el cadáver emparedado de un bebé, lo que precipitará el comienzo de una serie de asesinatos misteriosos. 

Conecta Fiction & Entertainment ha servido para hacer un balance del panorama internacional y nacional del audiovisual,que hemos tratado de resumir en nuestras tres crónicas de unos encuentros que regresarán a Toledo en una nueva edición en 2024. 

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Películas mencionadas:

Mi querida cofradía se puede ver en RTVE Play.

Vestida de azul se puede ver en atresplayer y FlixOlé. 

Conecta Fiction & Entertainment 2023 - Parte 2: Una mirada internacional

Nuestro segundo acercamiento a las actividades desarrolladas durante los cuatro días que ha durado la séptima edición de Conecta Fiction & Entertainment se centra en algunos de los paneles y keynotes que abordaban el audiovisual desde una perspectiva internacional. Entre ellos destaca la cada vez mayor confluencia de diferentes países en la producción de series y formatos que tienen una perspectiva menos local. En el panel dedicado a las coproducciones que ha puesto en marcha RTVE, participaron responsables de empresas audiovisuales de Finlandia, Chile y Portugal, que han iniciado proyectos en colaboración con la televisión pública. Precisamente este último país ha sido un aliado tardío a pesar de su evidente cercanía, pero Portugal ha desarrollado más proyectos conjuntos con TVG, la Televisión de Galicia, por cuestiones idiomáticas claras. Una de las iniciativas recientes en colaboración con RTVE fue el thriller Sequía (RTVE, 2022) que sin embargo no encontró un seguimiento adecuado de la audiencia. Según el director de Cine y Ficción de RTVE, José Pastor, "tuvimos un estreno en un momento con tendencia a la baja de nuestras audiencias, y también nos penalizó el tema de los subtítulos, a pesar de que solo había un 15% hablado en portugués. Pero después la serie se estrenó en Netflix y se colocó en el número 2 entre las más vistas". Precisamente la competencia de las plataformas de streaming ha sido un factor decisivo en varios aspectos relacionados con la necesidad de mantener una sinergia entre las televisiones públicas generalistas, para poder incorporarse en igualdad de condiciones, incluso con un aumento de la calidad de las producciones. Con RTP, la televisión pública portuguesa, se prepara ahora la serie O último lobo (8x50, 2024), que fue la ganadora del Premio RTVE en la pasada edición de Conecta Fiction & Entertainment. Creada por el portugués Bruno Gascon, director y guionista de la premiada película Sombra (2021), la serie que comenzará a rodarse en 2024, aborda la historia real de Franklim Pereira Lobo, uno de los mayores narcotraficantes de Portugal, que fue condenado el año pasado a once años de cárcel, después de otras condenas anteriores y varias fugas de la cárcel. Para José Fragoso, director de programas de RTP, "lo que nos interesa es tener buenos contenidos y lo que buscamos es que este relato llegue al mayor número de personas, por eso hay que sumar la televisión lineal y las plataformas, e involucrar a otros países". 

Los responsables de la ficción en RTVE también comentaron los retos que supone realizar coproducciones con otros actores del panorama audiovisual, como las plataformas de streaming. De sus palabras se deduce que no están especialmente satisfechos con los resultados en este sentido de Los pacientes del doctor García (RTVE Play, 2023), para la que decidieron experimentar estrenando de forma simultánea en lineal en TVE y online en RTVE Play y Netflix, que ofreció todos los episodios al mismo tiempo.  El resultado de una de las producciones más ambiciosas del canal público ha sido decepcionante en lineal, hasta el punto que los últimos tres episodios acabaron emitiéndose en horario late night, con un declive constante en número de espectadores desde los 1.135.000 que comenzaron a ver la serie cuando se estrenó en abril hasta los escasos 245.000 que vieron el último episodio el pasado 27 de junio, que se emitió a las 00:30, como reflejo de la derrota final de los programadores. José Pastor comentaba: "Con Los pacientes del doctor García buscamos la simultaneidad estrenando al mismo tiempo. Pero es muy difícil asumir que aunque pagues el 50% de la producción, el productor que ha pagado la mitad acabe estrenando antes.  Sabemos que si queremos estrenar los primeros tenemos que pagar más". El problema se plantea cuando en esta convivencia de medios de difusión, la impresión de los espectadores acaba relacionando una IP (Propiedad Intelectual) con una sola de las participantes en la coproducción. Alberto Fernández, Director de RTVE Play, afirmaba: "El problema cuando una plataforma estrena antes que nosotros, es que la IP simbólica se la queda ella, porque parece que ese contenido solo es suyo. Tenemos que lograr que RTVE se convierta en una marca prescriptora de contenido". 

De hecho, la transformación que ha sufrido RTVE Play desde que surgió hace dos años como una fusión de la antigua RTVE A la Carta y el Canal Playz, ha sido muy significativa, e incluso se anuncia para finales de año una renovación de contenidos. Hasta el punto que se ha realizado un enfoque diferente en cuanto al tipo de series producidas específicamente para la plataforma, incorporando incluso coproducciones como Esto no es Suecia (8x30, 2023), una comedia dramática sobre una pareja que se enfrenta a la inseguridad para tratar de proteger a sus hijos de los peligros de la vida moderna. Creada por Aina Clotet y Sergi Cameron, se trata de la primera producción de RTVE Play porque, aunque ha estrenado otras series como Ser o no ser (RTVE Play, 2022), todavía se trataba de una producción de Playz. Lo singular de la serie es que se trata de una coproducción internacional "muy compleja", según José Pastor, que involucra a la cadena pública sueca SVT, a la productora sueca Anagram, al canal público finlandés YLE, a la cadena pública alemana NDR y al canal autonómico TV3.

En los países escandinavos los canales públicos han dado una especial prioridad a las plataformas digitales, que estrenan continuamente nuevos contenidos. Jarmo Lampela, Director de Drama de YLE, señalaba que "en Finlandia decidimos en 2016 dar prioridad a nuestra plataforma Areena, cambiando completamente nuestro modelo de difusión. Las series se estrenan primero en la plataforma online y si los primeros episodios atraen a suficientes espectadores, entonces planteamos un estreno más convencional en la televisión lineal". Posiblemente no es un modelo que se pueda trasladar a España en estos momentos, pero plantea nuevas formas de entender el panorama audiovisual en el sector público. Lo que sí es cierto es que hay un cambio necesario en los planteamientos de producción actuales, como comentaba José Pastor: "Estamos buscando mayor flexibilidad en las coproducciones, abriendo el modelo para poder ser más competitivos en el coste medio por episodio. El incentivo fiscal aprobado por el gobierno recientemente nos permite incrementar este presupuesto". En el caso de RTVE hay un problema añadido, y es que "buena parte de nuestro presupuesto se va a la ficción de series diarias, porque son cientos de episodios. El resto se dedica a series de prime time. Pero en RTVE vamos a tener tres series diarias que ocuparán 14 horas semanales de ficción", decía José Pastor. Porque a los éxitos de La promesa (RTVE, 2023), de la que se ha confirmado una segunda temporada, y 4 estrellas (RTVE 2023), se unirá a partir de septiembre Salón de té La Moderna (RTVE, 2023), una serie de época ambientada en 1930 y basada en la novela de la escritora Luisa Carnés Tea Rooms: Mujeres obreras (1934, Ed. Hoja de Lata).

Los mil días de Allende

La tercera coproducción en la que está involucrada RTVE es Los mil días de Allende (4x60, 2023), principalmente impulsada por la productora chilena Parox, cuyo cofundador Sergio Gándara presentó nueve minutos de metraje que revelan lo ambicioso de la propuesta. La serie se centra en los cuatro últimos días en La Moneda de Salvador Allende (Alfredo Castro), y tiene una agenda muy apretada, porque comenzó a rodarse en el mes de mayo durante dos meses y la intención es estrenarla en TVN (Televisión Nacional de Chile) en septiembre, coincidiendo con la conmemoración de los 50 años del golpe de estado que derrocó al presidente socialista elegido democráticamente, una acción militar que se llevó a cabo el 11 de septiembre de 1973. La serie cuenta en su reparto con Susana Hidalgo como la hija del presidente Beatriz Allende, Daniel Alcaino como Augusto Pinochet y Benjamín Vicuña como Fidel Castro. Se trata de una coproducción con Argentina y España, y el propio Sergio Gándara explicaba la conexión con nuestro país: "Salvador Allende recibió a un estudiante de sociología llamado Joan Garcés que se presentó diciendo que venía de lejos para ver el proyecto de transformación social. Joan Garcés acabó convirtiéndose en el asesor principal de Allende en La Moneda". Aunque en la serie este será un personaje ficticio llamado Manuel Ruiz, al que interpreta el actor español Pablo Capuz, uno de los protagonistas de la serie Merlí. Sapere Aude (Netflix, 2019-2021). Levantar un proyecto de corte histórico es un reto, como indica el productor ejecutivo de la serie: "Después de la pandemia costó arrancar con un proyecto que tiene una carga histórica y una polémica tan importante. Poner por primera vez en clave de ficción una historia que divide tanto ha sido un desafío". Parox sin embargo ya tiene experiencia en las coproducciones internacionales, precisamente con la televisión finlandesa Yle y el responsable de Drama Jarmo Lampela, porque participó en la producción de la serie Héroes invisibles (2019), que también se desarrollaba durante el comienzo del golpe de estado en Chile. 

LA INICIATIVA PÚBLICA FRENTE AL STREAMING COMERCIAL 

Aunque la sensación general es que los servicios de streaming están arrinconando a la televisión tradicional, lo cierto es que los canales públicos siguen siendo predominantes en las tendencias de mercado de algunos países, especialmente tras la ralentización del crecimiento de suscripciones en las plataformas digitales y su enfoque cada vez mayor hacia convertirse en algo parecido a lo que antes eran los canales de pago. El modelo impuesto por Netflix al comienzo de su trayectoria se ha revelado como un fracaso y progresivamente ha ido transformándose en un modelo tradicional de contenidos de entretenimiento con publicidad, que es al fin y al cabo lo que siempre ha sido la televisión lineal. En este contexto, sin embargo, los canales públicos gratuitos han tenido que hacer un esfuerzo por adaptarse al consumo online a través de la creación de plataformas propias que sin embargo les ha permitido diversificar sus formas de difusión de sus producciones, enfocándose tanto al modelo lineal como al digital. Hay algunos retos sin embargo que afrontan sobre todo las televisiones más locales y de menor presupuesto, y para ello nació en 2020 el denominado EBU Drama Initiative, una red que pretende facilitar el acceso de las televisiones públicas a los contenidos de otras televisiones públicas, ofreciendo opciones de precompras para garantizar que las producciones puedan verse por un número amplio de espectadores frente a la competencia de los canales comerciales. Drama Initiative es un iniciativa nacida en el seno de European Broadcasters Union (EBU), una alianza de servicios públicos que está formada por 112 miembros de 56 países. 

"Lo llamamos una red de coproducción pero no tiene que ser una coproducción, es esencialmente una red de Medios de Servicio Público (PSM). Miembros de la EBU que se conozcan entre sí, que sepan lo que están haciendo y donde podamos decir fácilmente: Esta es una buena propuesta de Suecia o del Reino Unido o de Bélgica y me gustaría entrar en esto lo antes posible", comenta la coordinadora de Drama Initiative Elly Vervloet. "Así que puede ser un co-desarrollo, una co-producción o una preventa, y así es más fácil financiar proyectos y hacer que el contenido sea accesible para todos los PSM, porque si todos vamos inmediatamente a Netflix para financiar proyectos, entonces dejará de ser accesible para las emisoras públicas".

Elly Vervloet también es la responsable de Drama Internacional de la cadena pública belga VRT, que cuenta con su propia plataforma online, VRT Max, que nació como tal en 2022, reconvirtiendo la antigua VRT NU, y que ofrece tanto contenido audiovisual como radio y podcasts de la cadena pública flamenca. Lo cierto es que Bélgica se ha convertido en los últimos años en uno de los países que exporta algunos de los mejores dramas realizados en Europa, a pesar de ser un país relativamente pequeño. La pasada edición de Serielizados Fest estrenó la ambiciosa serie Lost luggage (VRT, 2022), en torno a los atentados que tuvieron lugar en Bruselas en 2016, mientras que Filmin ha estrenado recientemente 1985 (Filmin, 2023), que fue un éxito en Bélgica y está recibiendo excelentes críticas internacionales. Se trata de la primera coproducción entre los dos principales canales públicos belgas, el flamenco VRT y el francófono RTBF, y hace una semana logró el Premio a la Mejor Serie Internacional en el Shanghai TV Festival. Elly Vervloet afirmaba en el panel dedicado al Contenido Original de los Canales Públicos Europeos que "en 2016 decidimos que en ficción no queríamos hacer series tradicionales, sino ser más ambiciosos, impulsando las coproducciones y, a pesar de tener un presupuesto pequeño, apostando por un enfoque más internacional". Entre las recientes producciones de VRT presentadas en el panel se encuentra otro proyecto ambicioso, el drama futurista Arcadia (VRT, 2023-), para el que se ha confirmado una segunda temporada. En este caso es una coproducción con el canal público holandés NPO que plantea una sociedad en la que los habitantes están sometidos a un estricto control a través de créditos sociales, un sistema que les permite aumentar o disminuir su posición social, y que está basado en el experimento con créditos sociales que se ha desarrollado en China y que hemos podido ver en el documental Total trust (Jialing Zhang, 2023). También se repara una segunda temporada de la serie dramática El jurado (VRT, 2019-) que fue otro éxito internacional estrenado en España por Movistar+. 

Polonia ha sido el país Focus europeo de esta edición de Conecta Fiction & Entertainment, y ha presentado algunas de sus producciones a través de una amplia delegación. Marek Solon-Lipiński es el Coordinador de Relaciones Internacionales de Telewizja Polska (TVP), que tiene una amplia tradición en la producción de largometrajes y series de televisión, y desde 2010 cuenta con la plataforma online TVP VOD, que en 2022 se transformó completamente, con un nuevo diseño y nuevas funciones. El servicio protagonizó una cierta polémica el año pasado cuando el gobierno polaco decidió incluir un impuesto audiovisual por hogar, algo parecido a lo que existe en países como Gran Bretaña o Noruega. En la actualidad, TVP VOD es gratuito para los ciudadanos que paguen este impuesto, pero requiere de una cuota mensual para los que no lo paguen. "Estamos produciendo muchas ficciones históricas", comenta Marek Solon-Lipiński, que hace hincapié en la proyección internacional de algunas de sus series. Entre sus principales éxitos se encuentra la telenovela histórica (lo que TVE ahora llama series diarias), con un exponente principal en la exitosa The crown of Kings (2018-2020), que lleva emitidos más de 500 episodios, ambientados en el reinado del rey Casimiro III en la Polonia del siglo XIV. En 2020 TVP decidió suspender el rodaje de la serie debido a la pandemia del coronavirus y este año se ha estrenado una cuarta temporada como una especie de reinicio: The crown of Kings. Jagiellonowie (TVP, 2023), centrada en la dinastía monárquica Jagellón. Entre los éxitos de esta pasada primavera destacan la serie histórica Polowanie na ćmy (Caza de polillas) (TVP, 2023-), un drama ambientado en Varsovia a principios del siglo XX y Kres niewinności (El fin de la inocencia) (TVP, 2023-), una versión en cuatro episodios de la película March '68 (Krzysztof Lang, 2022), que consiguió una notable repercusión el año pasado, sobre las protestas de los estudiantes polacos en 1968 ante la prohibición de una obra de teatro y la expulsión de varios alumnos de la Universidad. 

Portugal apuesta principalmente por las coproducciones, según comentaba José Fragoso, director de programación de RTP: "Cada año producimos unas doce series, colaborando con plataformas digitales como Amazon o HBO Max, y con Globo en Brasil, por la coincidencia del idioma, pero la colaboración se ha reducido desde el cambio de gobierno en Brasil". La cadena pública portuguesa ha estrenado numerosas producciones fuera del país como Glória (Netflix, 2021) y este mismo año la coproducción con TVG de Galicia Motel Valkirias (HBO Max, 2023), pero también ha coproducido con España series como Auga seca (HBO Max, 2020-2021), Sequía (RTVE Play, 2022) y Operación Marea Negra (Prime Video, 2022-). 

PLATAFORMAS ALTERNATIVAS

En algunos países más pequeños se producen propuestas diferentes que se adaptan a sus propios mercados. En Croacia nació en 2014 el servicio de streaming Pickbox NOW, que ofrece contenido de series y programas de entretenimiento pero no cuenta con inversión en producción propia. Su fundadora, Sanja Božić-Ljubičić, comentaba en el panel titulado Warrior Platforms, que "Netflix es la única plataforma que se dirige a todo el mundo. El resto necesita enfocarse a públicos determinados. Nosotros hemos conseguido un nicho en Croacia, y aunque no estamos creciendo, tampoco estamos perdiendo suscriptores. Pero yo creo que los servicios de streaming se han precipitado y se han desarrollado de una forma demasiado rápida". 

En la región de Quebec, Radio Canadá lanzó su plataforma de streaming en 2009, el mismo año que comenzó a trabajar como responsable de contenidos con guión André Beraud, quien se ha encargado de la programación de ficción desde entonces. "Nosotros trabajamos principalmente con contenidos en francés, porque solo abarcamos la zona francófona de Canadá", comentaba en este mismo panel. Aunque forma parte de la corporación pública canadiense, Radio Canadá es la contraparte de CBC, dedicada a contenidos en inglés, y ambas se financian a través de aportaciones del Estado y de anuncios publicitarios. Entre los recientes éxitos de la cadena se encuentra el drama médico STAT (2022-), sobre un grupo de doctores del Hospital St-Vincent de Montreal, que compite en horario nocturno con el drama de abogados Indéfendable (2022-), producido por TVA, una cadena nacional privada de habla francesa. A pesar de la competencia, ambos consiguen reunir a más de un millón de espectadores todos los días frente a las pantallas, lo cual no quiere decir que ese público se quede en la cadena tradicional. Aunque las dos series, que han sido renovadas para regresar en otoño, han recibido críticas por estar rodadas de manera rápida y con un estilo clásico, parece que al menos han logrado atraer a un target de espectadores de menor edad de lo que es tradicional. La edad media de los espectadores de Radio Canada es de 55 años y la de TVA es de 50 años, según informaba el periódico Le Devoir (25/04/2023). 

En Brasil, el rápido crecimiento de los canales FAST no es una realidad, como comentaba Pablo Ghiglione, Jefe de Coproducciones Internacionales del canal Globo, el más importante del país: "Si comparamos con Estados Unidos, los ingresos provienen principalmente a través de VOD (Video bajo Demanda). Globo tiene dos canales FAST pero es solo una prueba, porque los publicistas no ven tantas posibilidades en Latinoamérica como en otros mercados". En el formato digital, la compañía funciona a través de la plataforma Globoplay, que en 2020 consiguió alcanzar 20 millones de usuarios solo en territorio brasileño, aunque también se ha expandido a Estados Unidos. Entre los éxitos recientes de la cadena se encuentran la telenovela Todas as flores (2022-), la primera que produce directamente Globoplay, que se transmite a través de ViX en el resto de Latinoamérica, y la comedia romántica Vai na fé (Solo confía) (2023-), que tiene una banda sonora absolutamente atractiva. 

Este es un repaso a algunos de los canales internacionales que han estado presentes en Conecta Fiction & Entertainment ofreciendo una visión general del panorama de producciones y formatos de difusión que se pueden encontrar en diferentes países. Nuestra última crónica estará dedicada a las próximas series presentadas por las televisiones y productoras españolas. 

Sheffield '23 - Parte 6: Nacer, vivir, morir

De nuevo nos acercamos al Sheffield Doc/Fest, que ha concluido también en su formato online, pero de cuya amplia programación seguiremos comentando durante esta semana sus películas más destacadas. En esta ocasión hemos querido hacer un recorrido por la condición humana a través de los diferentes procesos de su existencia, con documentales que hablan sobre la maternidad, sobre la forma de vivir en circunstancias diferentes que reflexionan sobre el concepto de normalidad, y también sobre el final de la vida a partir de la confrontación con la muerte. Son películas que en esencia hablan sobre el hombre enfrentado a su propia mortalidad. 

1001 days

Kethiwe Ngcobo, Chloe White, 2023 | People & Community | ★★★★☆

SHEFFIELD '23: MENCIÓN ESPECIAL PREMIO JURADO JOVEN

Los estudios sobre maternidad consideran que el período más crítico para la relación entre una madre y su hijo es el que comprende desde el nacimiento hasta el segundo año de vida, en los que se establece el desarrollo mental del bebé y se refuerzan los vínculos afectivos materno-filiales. La película 1001 days (Kethiwe Ngcobo, Chloe White, 2023), que compitió también en Docsbarcelona, hace referencia a ese espacio de tiempo que sin embargo tiene una connotación diferente cuando las madres viven en un contexto de estrés provocado por la pobreza y la falta de recursos. A través de tres cuidadoras que trabajan para el Programa de Visitas Domiciliarias Ububele en la ciudad sudafricana de Alexandra, este hermoso pero al mismo tiempo desgarrador documental ofrece una representación de la maternidad y sus retos en un entorno de pobreza, y sin el apoyo de unos padres que generalmente están ausentes porque se desentienden de sus hijos o simplemente porque los han abandonado. Esta exploración de la maternidad en solitario se presenta a través de diálogos entre las visitadoras y las jóvenes madres, cuyos relatos hablan de violencia y de abusos. Al comienzo de la película, una conversación entre Thandiwe y una de estas jóvenes embarazadas, en la que surgen pensamientos suicidas, define el entorno de opresión en el que estas madres tienen a sus hijos. La película se detiene principalmente en estas conversaciones, adquiriendo también un cierto tono claustrofóbico, en lugares pequeños y semioscuros. A veces el ritmo de la narración se ve perjudicado por estas continuas conversaciones que se amplían a través de diálogos en un programa de radio, y da la sensación de que la película necesitaría respirar más entre tantas palabras, pero en muchos momentos se establece una conexión emocional intensa con las jóvenes que están a punto de traer al mundo una nueva vida.

Las tres cuidadoras protagonistas, Thandiwe, Khosi y Zanele, caminan por las zonas más pobres de Alexandra, un suburbio situado a las afueras de Johannesburgo, buscando entre las casas a jóvenes madres que puedan necesitar ayuda, muchas de ellas adolescentes, asegurándose de que toman sus medicinas, de que sus bebés están bien cuidados y de que visitan al médico con la frecuencia necesaria. A veces encuentran cierta resistencia en madres que parecen haberse rendido, como una de ellas que ha dejado de medicarse, derrotada por la pobreza y la preocupación constante sobre cómo alimentar a su hijo: "No puedo concentrarme en nada porque tengo que estar siempre pensando en conseguir lo mínimo para poder darle de comer", comenta en un estado de estrés cercano a una depresión que los pobres no pueden permitirse. Es una actitud de derrota que resulta sobrecogedora porque afecta directamente al desarrollo de su hijo. En otro lugar, una joven se siente decepcionada y frustrada porque a su pareja, acusado de haber maltratado y violado a su hija, las autoridades le han dejado en libertad por un error cometido por el policía que le detuvo. El maltrato se ha vuelto sistemático en el caso de otra mujer que sin embargo no puede dejar a su marido porque ni siquiera su familia le presta ayuda: "Mi abuela me dice que resista, que si le dejo ¿dónde voy a ir?".

Las directoras comentan que en principio la película tenía un planteamiento más abierto, para ofrecer una visión mucho más segmentada del trabajo del Programa Ububele, que significa en zulú "compasión", y más centrada en esta organización, incluso mostrando una conferencia en Roma sobre el trabajo que realizan con las madres. Pero conforme se estaba editando, el enfoque fue modificándose, y decidieron restringir mucho más el punto de vista para centrarse principalmente en Alexandra, y específicamente en la evolución de algunas de estas madres visitadas. Lo cual es una decisión acertada, porque 1001 days evita convertirse en otro más de los documentales que se enfocan en las actividades de organizaciones no gubernamentales para presentarse como un retrato íntimo de la maternidad juvenil enfrentada a la falta de perspectivas y a la ausencia de los padres. Y en una exploración de los vínculos afectivos que nacen entre madres e hijos a pesar de desarrollarse en un entorno de opresión y de continua incertidumbre. Pero finalmente los hijos acaban siendo el eje sobre el que se sostiene la supervivencia de sus madres. 

© David Myers

Is there anybody out there?

Ella Glendining, 2023 | Journeys | ★★★★☆

Cuando se habla de honestidad en el cine documental es fácil adoptar posiciones estereotipadas que impiden mantener un equilibrio entre el protagonismo del autor de la película y una mirada más amplia que permita una reflexión menos personalizada. La directora Ella Glendining lo consigue en una película en la que ella misma es una protagonista que invita al espectador a acompañarla en un viaje de descubrimiento personal, cuando inicia la búsqueda de personas con las que comparta su propia experiencia. Ella nació sin articulaciones en las caderas y los fémures muy cortos, de forma que en muchas ocasiones tiene que utilizar una silla de ruedas para desplazarse. Pero en su propio relato, afirma que no fue hasta la escuela cuando realmente comenzó a tener conciencia de que era diferente respecto al resto de los niños, lo que establece una de las reflexiones más potentes de la película: nadie deja de considerarse normal hasta que se establecen unos criterios de normalidad. Pero, como indica el médico que la trató cuando era niña "la normalidad es solo una estadística". Is there anybody out there? (Ella Glendining, 2023), que se estrenó en el Festival de Sundance, ha competido en Tesalónica, SXSW y DocAviv, y ha recibido el premio a Mejor Documental Internacional en el Festival de Cracovia, ofrece claramente el punto de vista de su protagonista, que no quiere usar términos como discapacidad, e incluso de alguna forma trata de evitar una incursión más profunda en su relación con Scott, la pareja con la que tiene un hijo, lo que permite no desenfocar el tema principal de su historia.

A lo largo de este recorrido Ella Glendining también incluye ejemplos de la representación negativa sobre las personas con discapacidades, como en la película La parada de los monstruos (Tod Browning, 1932) o un reportaje de la BBC de los años setenta, visiones que aunque no lo pretendan acaban estereotipando la diferencia respecto al resto de la sociedad. Ella decide buscar otras personas que tengan parecidas características físicas y acaba reuniéndose en Estados Unidos con Michelle, una maquilladora, y con Ricardo, un joven que se ha convertido en un conocido YouTuber después de que comenzara a publicar videos en los que aborda con sentido del humor su discapacidad. Ricardo tiene un hijo con su misma condición física, pero que acaba teniendo en su padre el reflejo adecuado para no sentirse discriminado, algo que ninguno de los tres ha tenido anteriormente. La reunión de Ella, Ricardo y Michelle es uno de los momentos más emocionantes de la película, pero también plantea uno de los temas más controvertidos. En Florida, el Dr. Paley ha desarrollado una técnica que le permite extender el tamaño de los fémures mediante una complicada pero exitosa cirugía. La pareja de Ricardo comenta que han pensado llevar a su hijo Charlie, pero el tratamiento supone someterlo a numerosas y traumáticas cirugías. No hay respuesta para la incertidumbre de unos padres que tienen que elegir sobre su derecho a arrebatarle una infancia feliz a su hijo, aunque el resultado sea positivo a largo plazo. 

Más tarde, en una entrevista con el Dr. Paley, que para Ella Glendining supone un momento especialmente importante, él comenta que el problema de muchos padres es que "no están adecuadamente educados para afrontar esta decisión". Y aunque parece evidente su intención de servir de ayuda a sus pacientes, vuelve a asomar la duda sobre por qué es necesario que una persona discapacitada tenga que adaptarse a la sociedad "normalizándose" en vez de ser la sociedad la que acepte la diversidad física de un sector de la población. Is there anybody out there? convierte un proceso personal en una mirada más amplia que habla de la capacidad que tenemos para desprendernos de las etiquetas. En una escena muy divertida, Michelle y Ella tienen una conversación sobre su sexualida, y la primera comenta que algunos hombres con los que ha estado le han confesado que estar con ella era una especie de fantasía sexual. "¿A mi que me importa? No me interesa saber si soy un fetiche para ti", dice Michelle. Esta escenas "de chicas" son las más atractivas de la película, como cuando conversa con su mejor amiga, Naomi, una joven en el espectro autista, que reflexiona sobre la diferencia entre las discapacidades visibles y las invisibles, incluso en la comprensión entre ambas: "A veces he sentido que realmente no me entendías", comenta Naomi a Ella. La película está dedicada a su madre, Karen, que fue su principal cuidadora y falleció el año pasado. Alejándose del simple retrato personal Is there anybody out there? aborda desde puntos de vista inexplorados la forma en que se puede encajar en una sociedad que se resiste a la diferencia. Y además presenta a una eficaz directora que el año pasado también dirigió el cortometraje de ficción Octopus (2022) y prepara actualmente Curiosities of fools, un drama histórico sobre la vida de un enano en la corte del siglo XVII. 

Red Herring

Kit Vincent, 2023 | People & Community | ★★★★★

También es protagonista de su propia historia el director Kit Vincent quien, cuando le diagnosticaron en 2019 un tumor cerebral a la edad de 24 años, decidió tomar una cámara y grabar su propio proceso de asimilación de una enfermedad para la que los médicos le dieron entre cuatro y ocho años de supervivencia. Pero no se trata de una historia trágica sobre la posible muerte temprana, sino una historia que proporciona reflexiones profundas en torno a cómo afronta su familia una noticia como ésta, teñida de un sentido del humor negro. Al comienzo de la película, Kit Vincent se mira al espejo y comenta: "Soy como la parca" a través de su propia voz en off que utiliza como narrador durante la primera parte para ir abandonándola conforme el enfoque se amplía a quienes le rodean: como su novia Isobel, que se queja de su obsesión por grabarlo todo, frente a una aproximación como director que a veces resulta demasiado invasiva. Por su parte, sus padres se separaron cuando Kit era un adolescente, y él vivió con su madre Julie hasta los 16 años, pero posteriormente ha establecido con su padre, Lawrence, una relación mucho más íntima y afectiva. Hay una evidente distancia con su madre, lo que provoca que su presencia en la película esté menos aprovechada, en parte por la reacción de ella. Cuando la visita en su casa, se encuentra arreglando su plantación de tomates y parece que le incomoda volver al tema del tumor cerebral: "Este no es el mejor momento", le dice a su hijo. Lo cual es frustrante, porque había un material interesante para explorar, teniendo en cuenta que Julie trabaja precisamente como enfermera acompañando a pacientes que ya solo pueden recibir cuidados paliativos para tener una muerte digna. Pero de alguna forma parece que a pesar de su experiencia con la muerte no está preparada para afrontar el diagnóstico de su propio hijo.

Pero Red herring (Kit Vincent, 2023), que recibió el premio de Valores Humanos en Tesalónica y participó en festivales como DocAviv o True/False, se eleva en interés a través de la relación con su padre, Lawrence, que en algún momento parece convertirse en protagonista absoluto, el reflejo de una enfermedad a través de los ojos de un padre al que, literalmente, se le detuvo el corazón cuando recibió el diagnóstico de su hijo. Con un marcapasos a partir de entonces, hay un momento en el que asistimos a una especie de ataque epiléptico que tiene relación con su estrés postraumático, mientras su hijo le estaba entrevistando. La generosidad de la familia a la hora de mostrar sus propias debilidades y fragilidades es sorprendente y alimenta la emoción de la película hasta niveles extraordinarios. Las conversaciones entre padre e hijo parecen escritas por un buen guionista, transmitiendo ternura pero al mismo tiempo esa distancia que se provoca a través del sentido del humor, que salpica todo el documental eliminando cualquier atisbo de dramatismo. Incluso en la propia elección de los planos, como cuando Kit Vincent decide mostrar una perspectiva de su rostro en la máquina de MRI que le escanea el cerebro, y la escena presenta un primer plano que le asemeja al personaje de Hannibal Lecter en El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1991). 

Precisamente la película está estructurada a partir de las comunicaciones por teléfono de los resultados de los escáneres. La familia al completo se reúne alrededor de una mesa con el móvil de Kit puesto en altavoz para escuchar juntos el dictamen del médico, que a veces es positivo, cuando parece que el tumor no se está expandiendo, y otras veces más dramático, cuando el especialista aconseja el tratamiento de quimioterapia como una perspectiva lejana de esperanza en el horizonte. Pero vuelve a ser Lawrence el que acapara buena parte de la atención a través de su manera de lidiar con la enfermedad, primero decidiendo acercarse al judaísmo, donde parece encontrar respuestas frente a la incredulidad de su hijo. Cuando afirma que en la Torá se pueden hallar soluciones a problemas actuales, Kit le dice: "Bueno, en la biblia también". De hecho, la película ha recibido apoyo financiero de Jewish Story Partners, un fondo de ayudas en cuya Junta Directiva se encuentra Nancy Spielberg, la hermana de Steven Spielberg. A través de su familia, Kit Vincent reconstruye un entorno que posibilita la aceptación de un diagnóstico fatal, pero con una positividad admirable. Hay algún montaje musical en la película que transmite continuamente las ganas de vivir y de dejar un legado audiovisual, pero también alguna revelación sorprendente que cambia el enfoque familiar. Lo que convierte a Red herring en una de las aproximaciones más inteligentes sobre la muerte a partir de la necesidad de disfrutar de la vida. 

Much ado about dying

Simon Chambers, 2022 | People & Community | ★★★★☆

En unas circunstancias extremas, el director Simon Chambers también decidió tomar su cámara para mostrar su experiencia como cuidador de su anciano tío David Newlyn Gale, un antiguo actor y profesor que comenzó a llamarle por teléfono para decirle que se estaba muriendo. El problema es que Simon se había trasladado a Nueva Delhi para tratar de rodar algunos documentales, pero la soledad de su tío le acabó convenciendo de dejar el proyecto de vida que se había propuesto para regresar a Londres y cuidar de él. La película Much ado about dying (Simon Chambers, 2022) es una crónica de los últimos cinco años de vida de David Gale, quien según afirma el director en las entrevistas fue el que realmente le sugirió que cogiera una cámara para grabar. Pero al mismo tiempo, la cámara se convirtió en un vínculo entre tío y sobrino, en el que la senilidad de David suavizaba el mal humor para expresarse como una actuación delante de ella, de forma que resultaba mucho más cercana su relación. David Newlyn Gale no alcanzó grandes logros como intérprete, pero sus excelentes declamaciones de algunos textos de William Shakespeare le revelan como un actor desaprovechado en su momento. Su propia vivencia personal se plantea en la película como un paralelismo con la obra El Rey Lear (1606), en la que un anciano monarca se prepara para su muerte despojándose de sus bienes y repartiendo su reino entre sus hijos. De la misma manera, la película hace referencia a un enfermero llamado Rodrigo que cuidó a David durante un tiempo y al que éste decidió regalar una desorbitada cantidad de dinero.  

Entre sus soliloquios y su vivienda desordenada rodeada de libros y objetos, su alimentación escasa a base de latas de conservas y una cierta demencia senil, descubrimos algunos aspectos de la vida de David, como su experiencia como soldado, o la manifestación de su homosexualidad que no se atrevió a expresar hasta los 62 años. Much ado about dying aborda temas como la soledad en la vejez, convirtiéndose Simon Chambers en el único recurso del anciano para poder sobrellevar sus últimos años de vida. Y a pesar de hablar de la muerte próxima, ofrece una mirada positiva a partir de la personalidad optimista de David, incluso cuando le diagnostican un cáncer avanzado de próstata que definitivamente se convierte en el anuncio del final de su vida. Pero al mismo tiempo la película tiene la capacidad de colocarse en el punto de vista del cuidador, un aspecto pocas veces tratado en el cine, a través de la frustración, la paciencia, la dedicación y también la soledad de quien acaba aparcando su propia vida para entregarse a la de otra persona que lo necesita. El trayecto de los últimos años de David tampoco es fácil: tras un accidente en su vivienda, pasa por el cuidado de una familia y acaba en una costosa residencia de ancianos para actores. 

Much ado about dying muestra su condición de documental realizado con los medios necesarios y sin presupuesto, con la cámara a veces tratando de encontrar de forma improvisada el plano adecuado, pero esto también le aporta una sensación de honestidad y de verdad al planteamiento visual. El director contó durante 10 semanas con la experimentada montadora Claire Ferguson, responsable del montaje de documentales como Aileen: Vida y muerte de una asesina (Nick Bloomfield, Joan Churchill, 2003) y Who killed the KLF? (Chris Atkins, 2021), hasta que el presupuesto se acabó y el director tuvo que continuar por su cuenta. Debutando en IDFA 2022, donde consiguió el premio al Mejor Director, la película elabora un retrato que a veces resulta divertido y en otras ocasiones provoca una emoción profunda, especialmente en los momentos en los que David parece apoyarse en el cariño y la dedicación de su sobrino. El anciano parece a veces un personaje quijotesco en sus delirios, e incluso tiene algunos episodios de pánico que finalmente se revela que han sido provocados por una acumulación de orina que ha acabado llegando a su cerebro: "Literalmente, se podría decir que se emborrachó con su propia orina", comenta la voz en off del director. Aunque nunca se le ha conocido pareja, en la residencia David establece una relación especial con otro de los viejos actores, también homosexual, que comparte recuerdos de su juventud. De alguna forma, la visión de la muerte cercana le proporciona a David una paz interior y una reivindicación de la vida, y el documental Much ado about dying hace mucho en su capacidad para transmitir, incluso en los momentos más sobrecogedores, esta pasión por vivir. 

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Películas mencionadas:

La parada de los monstruos se puede ver en Classix y Filmin.

El silencio de los corderos se puede ver en Filmin, Movistar+ y Prime Video.