Repasamos las bandas sonoras más interesantes que se han editado entre los meses de julio y septiembre. Sin duda, la crisis del coronavirus sigue afectando a las ediciones de música de cine, no solo porque los estrenos más importantes sufren retrasos, sino porque el nivel de trabajo de las discográficas también es menor. Curiosamente, esa amenaza que suponían hace años las ediciones digitales de las bandas sonoras, o la aparición de plataformas de música en streaming, que se anunciaban como un demonio que iba a destruir la industria musical, ahora resulta que es la salvación de muchas ediciones discográficas. Paradoja que una crisis como ésta ha puesto al descubierto. A continuación, describimos algunos de los trabajos más interesantes, a nuestro juicio, de los que se han editado en estos últimos cuatro meses.
Producción húngara que se desarrolla en el año 1944 y tiene como protagonista a un pastor cuya hija es asesinada por los nazis y que decide tomar partido en la lucha contra las fuerzas de ocupación. La banda sonora de A pásztor (László Illés, 2019), creada por el joven compositor húngaro Arthur Valentin Grósz y ganadora de varios premios internacionales, se sostiene sobre un hermoso tema para el protagonista, "The shepherd", música melancólica que tiene al piano como instrumento principal, aunque el "Main Theme" es una especie de tema funerario que está dedicado al duelo por la muerte de la hija. Mientras que para la presencia de las fuerzas de ocupación nazis el compositor introduce instrumentos de cuerda que ofrecen tensión y dramatismo, como en "Darkness falls". Estamos ante una banda sonora breve, de unos 25 minutos de duración, interpretada únicamente por ocho músicos, pero que es de una gran belleza dentro de su aire triste y taciturno. Uno de los temas más luminosos es "Life on the pasture", una composición diferente al resto que introduce la vida pastoral y que incorpora instrumentos característicos del folclore húngaro.
Milan Records 10 / 7 / 2020
Esta película de animación se presentó el año pasado en la Mostra de Venecia y obtuvo el Premio al Mejor Guión. Su director, Yonfan, la califica como un "homenaje al cine y a Hong-Kong", pero sobre todo se puede describir como una mirada nostálgica, a veces más tendente a la estética que a la narrativa, y en ese sentido también se desarrolla la banda sonora. Firmada por el compositor tailandés Chapavich Temnitikul, con aportaciones de otros músicos como Phasura Chanvitikul o el propio Yonfan, se trata de una hermosa partitura de aire melancólico, desde el hermoso tema principal "Behind the Cherry Lane" hasta "Sunset whispers", que es una referencia casi explícita a la música de Ennio Morricone. La historia se desarrolla en los años sesenta, y ahí también encontramos una mirada al pasado, con referencias a la música de cine francesa, como en "Into the red chamber", que tiene cierto aire a Georges Delerue, sobre todo al principio. Hay también algunas músicas etéreas como "A dream charade", compuesto por JohnnyBug Chen, una extensa creación que introduce sonoridades árabes e instrumentaciones orientales. Pero sobre todo destaca esa atmósfera nostálgica que desprenden las composiciones a piano, como en el hermoso "Winter cometh". Se trata de un trabajo ecléctico en la creación de temas, pero con una tonalidad coherente, triste pero no por ello tediosa.
Para este thriller independiente, el compositor británico crea una banda sonora atmosférica que acompaña a esta historia de soledad y de aislamiento con una cadencia lánguida pero al mismo tiempo misteriosa. Lo notamos sobre todo en ese espléndido tema principal, "Alone Wolf Main Theme", que suena al piano al principio, y que en los "End Credits" está interpretado por un solo de violonchelo que tiene, como el piano, una cierta matización electrónica. Esta incorporación de los elementos electrónicos está muy presente en la banda sonora, como una especie de distorsión de la realidad. Básicamente es, de hecho, una banda sonora realizada con sintetizadores, pero que utiliza con inteligencia los instrumentos solistas. Está presente por ejemplo en la escena en la que el solitario protagonista es testigo de un hecho violento desde su casa, en la que ha permanecido aislado durante dos años. En "Witness "Town's Theme"", la música parece estar asomándose hasta que aparece el piano, principal instrumento definitorio del personaje principal. La película, a través de un personaje alérgico a cualquier contacto humano, temeroso de posibles virus, supone una especie de anticipación de la situación actual. Y la banda sonora, que introduce estos elementos de distorsión en temas como "Scares", también es una interesante aproximación a este mundo cargado de bioseguridad.
Está siendo un año muy productivo para el compositor escocés, con la edición de varios trabajos para el cine y también de un álbum autónomo, The Edge of the Sea (2020, BMG) que explora la espiritualidad de los Salmos Gaélicos junto al músico Calum Martin. En la parte más enfocada al cine, Craig Armstrong tiene la oportunidad con esta banda sonora de enfocarse en una mirada más romántica, basándose en la historia escrita en forma de novela por Tim Winton. Aunque la película ha obtenido críticas no especialmente positivas, el compositor nos ofrece una propuesta muy bella con temas que acompañan principalmente a la pareja protagonista, como en "Georgie and Lu love scene", que curiosamente no es una composición estrictamente romántica, sino que subraya sobre todo el carácter de amor prohibido que se establece entre los dos personajes principales, cuya relación surge de la infidelidad. La banda sonora circula por creaciones más bucólicas, principalmente con la guitarra, como en "Sand dunes", pero sobre todo introduce elementos electrónicos y orquesta para definir una historia que es eminentemente un melodrama, como en "Lu's discovery". Hay una constante sensación de peligro en las composiciones que definen la relación de los protagonistas.
Aunque la película Quién eres (Javier Alba, 2018) se estrenó hace dos años, hasta ahora no se ha editado su banda sonora. Estamos ante un thriller psicológico que introduce algunos elementos sociales, pero sin lograr una narración fluida que haga más claro su desarrollo. Lo que funciona especialmente bien es el trabajo musical de Joan Vilà, que a través de elementos sencillos encuentra una mejor traslación de la esencia de la historia que la propia película. Porque la música del compositor catalán discurre en un plano diferente a las imágenes, aunque esté acoplada a ellas. De hecho, prácticamente no hace su aparición hasta el segundo acto, cuando las implicaciones psicológicas comienzan a mostrarse. Y la música lo hace con mayor rotundidad, como anticipando lo que está por venir. La atmósfera de misterio está unida al personaje de la protagonista en temas como "Maria" o "The melancholy of deep feelings", con el piano como instrumento solista que tiene un efecto psicológico. Es en este plano en el que se mueve la banda sonora, que va desgranando pistas a lo largo de la historia, pinceladas que nos van acercando a un final cada vez más oscuro. La música se va construyendo a lo largo de la película, hasta que termina de completarse con una voz soprano que expresa la soledad.
La controvertida revisión del personaje de Perry Mason (HBO, 2020-) cuenta con un trabajo notable del compositor Terence Blanchard, después de su discutible banda sonora para la película Da 5 Bloods (Spike Lee, 2020). En este caso, consigue introducir esos elementos de cine negro que son tan característicos, haciendo un uso enigmático de la trompeta y el saxofón, que definen en cierta manera al personaje principal, con sus contradicciones, pero también con el piano como elemento que marca la soledad en la que se encuentra como abogado, frente a la tonalidad más dinámica para su trabajo como detective. Pero también subraya con un cuarteto de cuerda la desesperación del personaje femenino acusado de haber matado a su hijo, que se revela con un tono de angustia, pero al mismo tiempo con un cierto aire familiar. Terence Blanchard incorpora elementos electrónicos, especialmente en los créditos finales, como subrayando el sentido de actualización del personaje. Su versión del tema de Fred Steiner para la serie original es apuntado en los créditos finales del episodio 5, pero finalmente se revela, magnífico, en los créditos del episodio 8 que cierran la temporada.
Otra de las destacadas incursiones de Craig Armstrong en la música de cine este año, que está siendo una especie de regreso del músico a la industria del cine, es esta película estrenada en Disney + con animales generados por ordenador. Es una historia bien contada, con una cierta tonalidad melancólica, que se basa en la historia real de un simio que fue la estrella de un circo durante 27 años hasta que la presión de los ciudadanos consiguió que pasara los últimos años de su vida en un zoológico, al menos, rodeado de naturaleza. La banda sonora de Craig Armstrong es muy hermosa, con un emotivo tema dedicado a la niña que habla con los animales, "Julia", que irá apareciendo como el único contacto humano que entiende sus sentimientos, o el más dinámico y travieso que dedica a la joven elefante "Ruby". Pero destaca sobre todo esa presencia contundente del simio Ivan, que en el fondo está dotado de un gran corazón, que Craig Armstrong describe a través de una composición majestuosa, que podemos escuchar en todo su esplendor en la versión "Ivan Orchestral Suite" que se introduce como bonus track. Aunque hemos destacado otros trabajos musicales de este año para películas familiares de Disney, esta es para nosotros la banda sonora más hermosa de las que hemos escuchado este año.
La película Fatima (Marco Pontecorvo, 2020) es la última propuesta de carácter religioso que se acerca a la historia de las apariciones de la Virgen en esta localidad portuguesa. El planteamiento del director se sostiene básicamente en la fe, introduciendo un personaje incrédulo, pero solo para reforzar el carácter religioso de la historia. En este sentido, la aportación musical de Paolo Buonvino se desarrolla por una vía eminentemente melódica, en la que el compositor es especialista. El piano es el instrumento principal, que se convierte en protagonista en composiciones como "Where are you?" o en "Mater Natura", que tiene una cadencia próxima a Ennio Morricone. Y no abandona realmente ese tono apaciguado que en cierta manera representa la tranquilidad que transmiten las apariciones de la Virgen, una especie de eco celestial taciturno que encontramos en temas como "I believe", pero que tiene su máxima expresión en la hermosa composición "The angel of Portugal", reflejo de un profundo sentimiento religioso, sin necesidad de hacer uso de elementos tradicionales como las voces solistas, casi ausentes en toda la banda sonora, exceptuando la colaboración de Andrea Bocelli o la hermosa composición final "Ich liebe", para voz solista femenina.
Para la serie de televisión The Singapore grip (BBC First, 2020), la compositora Anne Dudley crea una ecléctica banda sonora que refleja la época de la Singapur colonial, a través de las vicisitudes de una familia británica. La historia tiene lugar en los años 50, durante la amenaza de invasión del ejército japonés, y la música se desarrolla en diferentes vertientes. Por un lado, composiciones que reflejan la época a través de creaciones de corte jazzístico como el tema principal, "Singapure Skyline", y otros que acompañan a las fiestas que se celebran en la mansión de los protagonistas. Por otro lado, creaciones que introducen instrumentaciones orientales como el característico violín erhu chino o la pipa, que se incorporan para subrayar el contexto colonial, como en "Rising Sun", aunque a veces encontramos también instrumentos orientales insertados en los temas de jazz, como una suerte de convivencia entre las dos culturas. Por último, los instrumentos de cuerda son los que predominan en las escenas dramáticas, haciendo alguna incursión en la música minimalista, como en "Strait of Malacca". Es una banda sonora breve, de unos 30 minutos, para ser música de una miniserie de televisión, y confirma de nuevo a Anne Dudley como una de las compositoras más destacadas, aunque en los últimos años esté más dedicada a ambiciosos proyectos televisivos.
Historia distópica sobre el racismo, con un planteamiento que resulta algo absurdo, la película recientemente estrenada tiene mejor envoltura que contenido, aunque el planteamiento de construir un argumento en torno a la esclavitud, pero con elementos del cine de terror, podría resultar interesante al principio. Aunque habían colaborado con el compositor Joseph Trapanese en la banda sonora de La dama y el vagabundo (Charlie Bean, 2019), los hermanos Roman GianArthur y Nate Wonder debutan con esta partitura en la composición de música para cine. Ambos trabajan habitualmente junto a la cantante Janelle Monáe, que es la protagonista de la película, y en su debut crean una partitura que tiene al mismo tiempo una tonalidad clásica apoyada en los violines, pero reflejando esa atmósfera terrorífica en la que se desarrolla la película, sobre todo en el magnífico tema principal, "Opening". Su principal influencia es el trabajo de Bobby Krlic para Midsommar (Ari Aster, 2019), en cuanto a la forma como la música interactúa con la película, y se desarrolla a través de fragmentos intensos, fascinantes, como esa composición coral y marcial en "Battle Choir", que es arrolladora, y que lentamente va adentrándose en terrenos más de género, como en "Day broken", en la que el violín solista introduce sonoridades que distorsionan el crescendo de los violonchelos. Un trabajo notable que merecía una mejor película.
Peter Gregson es un violonchelista y compositor británico que realiza incursiones en el mundo del cine ocasionalmente, como en la película Un pequeño caos (Alan Rickman, 2014). Paolo Sorrentino utilizó algunos de los temas de su álbum autónomo Bach: The Cello Suites (2018, Deutsche Grammophon) en la serie The new Pope (HBO, 2019). Ahora podemos escuchar la banda sonora de Blackbird (La decisión) (Roger Michell, 2019), remake de la película danesa Corazón silencioso (Bille August, 2014), en torno a la reunión de una familia para decidir si cumplen el deseo de su madre de que se le practique la eutanasia antes de que su enfermedad terminal empeore. La banda sonora tiene esa cadencia melancólica de los trabajos de Peter Gregson, con ese sonido característico que surge de la mezcla entre el violonchelo clásico, el violonchelo eléctrico y los sintetizadores. Esa textura sonora ofrece una ambientación musical insólita, un sonido que es al mismo tiempo clásico y moderno, siempre moviéndose entre dos aguas. Y encaja perfectamente en una película que habla, precisamente, sobre la frontera entre la vida y la muerte, y sobre el libre albedrío. Aunque ciertamente para los que conocen el trabajo de Peter Gregson esta banda sonora es una continuación del sonido característico de su autor (incluye, de hecho, algunas piezas de The Cello Suites), se trata de una creación que se introduce en el alma de los personajes, que resulta al mismo tiempo conmovedora y lúcida.
La película estrenada por Netflix pretende comenzar una franquicia que tiene como protagonista a la joven Enola Holmes, una especie de lectura feminista del universo de Sherlock Holmes que la protagonista Millie Bobby Brown puso en marcha como productora. El resultado es una película disfrutable que se beneficia de unos trepidantes primeros veinte minutos para ir perdiendo energía progresivamente. Sin embargo, el trabajo musical de Daniel Pemberton brilla en muchos momentos, casi siempre unido al personaje protagonista y su evolución, con temas destacables como esa divertida reinterpretación del universo sonoro de Harry Potter que es "Cracking the Chrysanthemums cypher", tema unido a las investigaciones de Enola Holmes. También destacan las composiciones que subrayan la acción, como el espléndido "Train escape", o el tema que describe la llegada de la protagonista a Londres, "London arrival", que ofrece una versión especialmente dinámica y contundente del tema principal. Estamos ante una banda sonora que permite a Daniel Pemberton usar recursos variados, en ocasiones ahogados por las mezclas de sonido, como en "Tick tock", un juego sonoro que utiliza el movimiento de las agujas de un reloj como metrónomo, pero que se aprecia más en la edición musical que en la propia película.
The man in the hat (John-Paul Davidson, Stephen Warbeck, 2020) es una pequeña película protagonizada por Ciarán Hinds que tiene la particularidad de ser el debut como director y guionista del compositor británico Stephen Warbeck. Y también firma su banda sonora, que está muy presente en la película porque el protagonista es un personaje lacónico que apenas dice dos frases en toda la historia. La música se convierte así en parte de la narrativa en la forma más amplia de la definición, una especie de sustitución de las palabras del protagonista, que se expresa a través de la banda sonora. Así, la partitura define al personaje como un hombre tranquilo desde el tema "Marseille", que sitúa la acción en el Sur de Francia. Y a lo largo de la banda sonora se irá componiendo esta road-movie viajando en un Fiat que le hará encontrarse con los personajes más curiosos. Stephen Warbeck crea un trabajo musical que tiene un aire afrancesado, en algunos momentos cercano a compositores clásicos como George Delerue o Nino Rota, aunque también es inevitable pensar en Luis Bacalov en algunos momentos. Pero no es una composición simple, sino que cuenta con una gran variedad temática y de instrumentos solistas, desde el acordeón a la guitarra o la mandolina. Se trata de un trabajo de gran belleza, de optimismo desbordante, que consigue traspasar la función de la música de cine para convertirse en una perfecta envoltura del protagonista.
Music Super Circus 25 / 9 / 2020
Surgido de la intensa escena musical de jazz de Bergen, el compositor noruego Gaute Storaas ha venido trabajando en los últimos años en el mundo del cine, con bandas sonoras para películas como la nominada al Oscar Un hombre llamado Ove (Hannes Holm, 2015). En esta ocasión pone música a esta miniserie, una producción sueca de cuatro episodios que ha conseguido un gran éxito en su país y que prepara ya su segunda temporada. La historia se centra en la boda de dos jóvenes que será el escenario de un desliz entre otros miembros de sus familias que dará lugar a un cúmulo de situaciones cada vez más complejas. El trabajo de Gaute Storaas es espléndido, empezando con un tema principal que utiliza sonidos de gaitas para establecer un momento de tranquilidad casi pastoral antes de la tormenta. Los acordes de este tema se repiten cada vez más intensos hasta que estallan en el dinámico y dramático "Olyckan". Hay momentos de comedia que están representados por el ritmo de tango en "Vredesmond", y destaca el desarrollo de "Förspel", un tema de 10 minutos que a veces tiene el estilo de Angelo Badalamenti. La música está interpretada por la Orquesta Sinfónica de Bratislava, bajo la dirección del español David Hernando Rico, que ha dirigido numerosas bandas sonoras en Eslovaquia.
El compositor inglés Steven Price es de nuevo el encargado de poner música a un documental presentado por Sir David Attenborough, tras sus colaboraciones en las series The hunt (BBC, 2015) y Nuestro planeta (BBC, 2019), En este caso, sin embargo, el acercamiento es más íntimo, porque se trata de un documental que el propio David Attenborough denomina "declaración testimonial", una especie de exposición de sus propias preocupaciones ante el futuro del medio ambiente, desde su visión de un hombre con 94 años. Utilizando una formación de cuerdas reducida, acompañada por algunos instrumentos solistas como el piano o la flauta, Steven Price nos propone un viaje musical que se aparta de la espectacularidad habitual en las producciones medioambientales e introduce una visión más cercana, más personal. Hay temas de gran belleza en su sencillez, como "Evolution undone", que tiene un aire minimalista. Y aunque de vez en cuando se escucha la voz de David Attenborough, no llega a ser un elemento molesto, sino necesario porque este proyecto, en su conjunto, es un testimonio, una declaración íntima de un hombre que ha dedicado toda su vida a transmitir su pasión por la naturaleza, y que se representa en temas de una gran profundidad emocional como "Saving ourselves".
Fátima se estrena en cines el 16 de octubre.
Quién eres se puede ver en Amazon Prime.
Perry Mason se puede ver en HBO España.
El magnífico Iván se puede ver en Disney +.
Enola Holmes y David Attenborough: Una vida en nuestro planeta se pueden ver en Netflix.
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