Mecal 2021: Cortometrajes para no perderse (o perderse en ellos)

Tras una edición digital el año pasado, Mecal no ha podido este año regresar a la edición presencial, por lo que continúa en formato online con su 23 edición, debido a las restricciones por el coronavirus. El Festival Internacional de Cortometrajes y Animación de Barcelona destaca por una amplia programación que incluye lo más destacado del panorama de los últimos meses. Mecal Pro se puede ver hasta el 22 de abril en la plataforma festhomeTV, con abonos de 12€ y entradas individuales de 2,90€ para las diferentes sesiones que incluyen varios cortometrajes cada una. También se puede encontrar una selección muy pequeña, casi anecdótica, de la programación de Mecal en Filmin. A continuación hacemos un repaso de algunos de los trabajos que se incluyen en las secciones competitivas de este festival de cortometrajes. 

COMPETICIÓN ANIMACIÓN

Casi cincuenta cortometrajes divididos en seis sesiones forman parte de esta Sección Oficial. Entre ellos encontramos interesantes trabajos realizados en España como Homeless Home (Alberto Vázquez, 2020), que consiguió el Premio del Jurado en el Festival de Annecy y estuvo nominado al Goya; Yo (Begoña Arostegui, 2020), que también fue seleccionado en Annecy; Candela (Marc Riba, Anna Solanas, 2020), que pasó por Abycine; o Mad in Xpain (Coke Riobóo, 2020), que pudimos ver en Animario. También se incluyen en la selección otros cortometrajes que ya comentamos en nuestra crónicas del Festival de Annecy, como Something to remember (Niki Lindroth Von Bahr, 2019), Altötting (Andreas Hykade, 2020), A mãe de sangue (Vier Nev, 2019) o el islandés Yes-people (Gísli Darri Halldórsson, 2020), que está nominado al Oscar. 

Ce qui résonne dans le silence, 8'

Francia, 2021

Marine Blin

El debut como directora de Marine Blin es una hermosa fábula sobre la representación de la muerte y la apropiación del luto por parte de los adultos. La protagonista es una niña que no ha podido despedirse apropiadamente, descrita en una narración que habla de la muerte para abrazar la vida. Con la voz en off de la actriz Saâlla Kitar como elemento principal de la narración, la historia está dividida en dos partes: la primera tiene que ver con los recuerdos, y utiliza una animación neutra, en tonos pastel, que ofrece una visión de la memoria reconstruida. La segunda se presenta en forma de dibujos hiperrealistas, con una animación más epidérmica, en la que se muestra el proceso de maquillaje del cadáver de una mujer, que la directora investigó con un profesional de la tánatoestética. Y hermosa partitura de cuerdas del compositor Pierre Caillet que eleva la belleza de las imágenes.  

Todo es culpa de la sal, 10'

Colombia, 2020

María Cristina Pérez

En este cortometraje, la directora colombiana ofrece una historia contada desde una visión muy personal. Seleccionada en la Competición Internacional del Festival de Clermont-Ferrand 2021, se trata de un trabajo artesanal, dibujado y animado por ella misma, que muestra a una familia de osos perezosos que ofrecen una cotidianidad superficial, que en el fondo esconde comportamientos como la violencia y el abuso. Esta representación de la familia se conecta directamente con la influencia de Tokyo story (Yasujirô Ozu, 1953), pero el hecho de mostrarla a través de unos animales tan encantadores refuerza el contraste con un trasfondo emocional mucho más complejo. María Cristina Pérez transmite a través de esta historia su propia experiencia personal en su familia, y en el aspecto relacionado con la técnica de animación, hay una clara referencia a los animadores canadienses Amanda Forbis y Wendy Telby, que también trabajaron con animales "humanizados" en su prestigioso cortometraje When the day breaks (1999), nominado al Oscar. 

The natural death of a mouse, 20'

Alemania, 2020

Katharina Huber

La realizadora rusa, pero formada en Alemania, propone en su último cortometraje una visión fuera de lo convencional en torno a las decisiones que tomamos cada día. Un gato atrapa a un ratón y surge la incertidumbre sobre si la protagonista debería salvarle o no de una muerte segura. Es un reflejo de la dicotomía entre el deseo de superación en un sentido espiritual-moral y la duda sobre su utilidad en la manera de salvar el mundo. Se asegura la producción de plátanos, pero con pesticidas que son perjudiciales para nuestra salud. Nos alimentamos mientras nos asesinamos a nosotros mismos. Hay una mezcla de ideas casi infinitas en esta historia que mezcla técnicas de animación con imágenes reales, en una propuesta experimental que fusiona cierto sentido del humor negro con una sensación turbadora. El cortometraje recibió el German Short Film Award 2020 al mejor cortometraje alemán. 

COMPETICIÓN FICCIÓN

Casi una treintena de producciones forman parte de la competición internacional, que se muestra a través de siete sesiones. Entre ellos encontramos el cortometraje israelí White eye (Tomer Shushan, 2019), que ya comentamos cuando se presentó en el Krakow Film Festival 2020, y que ha conseguido una nominación al Oscar. 

Cet autre hiver, 25'

Francia, 2020

Margo Brière Bordier

El primer cortometraje de Margo Brière Bordier, seleccionado en Alcine 2020, cuenta el reencuentro de una madre y una hija después de que la primera abandonara a la segunda cuando era pequeña. Esta historia de desencuentro emocional que tiene como fondo una tormenta, que se convierte casi en un personaje silencioso, está interpretada por dos grandes actrices: Adèle Exarchopoulos, protagonista de La vida de Adèle (Abdellatif Kechiche, 2013), y a la que recientemente hemos podido ver en Mandibules (Quentin Dupieux, 2020), que interpreta a la hija; y Lola Dueñas, que ya ha hecho varias incursiones en el cine francés con películas como Les ogres (Léa Fehner, 2015) o La fille du patron (Olivier Loustau, 2015). Los silencios son importantes como trasfondo emocional, como una representación de lo poco que se tienen que decir estos dos personajes que, a pesar del vínculo maternal, son prácticamente dos desconocidas. La directora pone la cámara al servicio del trabajo interior de ambas actrices, lo cual es una buena decisión, porque las dos transmiten una gran intensidad solo con la mirada. 

The Neolith, 30'

Gran Bretaña, 2020

Daniel Boocock

El director define este proyecto como algo más que un cortometraje, como "una declaración creativa". Y ciertamente consigue crear una experiencia que introduce al espectador en una atmósfera inmersiva, a través del sonido y las espectaculares imágenes rodadas en Isle of Skye, en Escocia. El paisaje abrupto, montañoso y húmedo es el escenario por el que se mueve un grupo de hombres violentos en una época indeterminada. Su llegada a un lugar prácticamente deshabitado, en el que solo existe una pequeña choza donde una mujer espera a que el hombre regrese de la caza, se muestra como una invasión. No hay diálogos, solo algunos gritos que establecen la jerarquía. No se ha desarrollado aún el lenguaje en su expresión gramatical, sino que las acciones están marcadas por la dominación. Aunque desde el punto de vista narrativo le falta algo de consistencia, The Neolith nos sumerge en una experiencia audiovisual fascinante, con una utilización del sonido y la imagen 4K que acaba siendo hipnótica. 

On n'est pas des animaux, 16'

Francia, 2020

Noé Debré

¿Estamos ante una burla de los hombres y su obsesión por el sexo? ¿O se trata de una burla a las mujeres y la cosificación? Lo que consigue el director y guionista Noé Debré, reconocido guionista francés de películas como El príncipe olvidado (Michel Hazanavicius, 2020) y creador de la serie Parlement (France TV, 2020-), con esta comedia seleccionada en Sundance 2021, es establecerse en un término medio que puede ser interpretado de varias formas. No se trata de una indefinición en el mensaje, sino de una postura equidistante que nos sitúa en el terreno de la duda, y en las contradicciones de las relaciones entre hombres y mujeres. Él está obsesionado con ella y desde hace tres años se encuentra en un estado de profunda depresión amorosa, pero en lo primero que se fija cuando vuelve a verla es en sus tetas. Ella abre una cuenta de instagram en la que habla de la incapacidad de los hombres para provocarle un orgasmo. No quiere sentirse cosificada, pero se ha operado las tetas. No somos animales. 

Meats, 10'

EE.UU., 2020

Ashley Williams

La actriz Ashley Williams, a la que hemos visto en Como conocí a  vuestra madre (Fox, 2005-2014), y últimamente se ha especializado en películas navideñas como Una Navidad inesperada (Alex Zamm, 2017) debuta como directora con un cortometraje que nos sitúa en sus contradicciones como vegana. Seguramente inspirada en una experiencia real, es una historia sencilla en la que ella misma interpreta a una mujer vegana que está embarazada  y que se siente aterrorizada porque ha comenzado a tener antojos de carne. La historia se desarrolla en una carnicería gourmet en la que ella acaba de comprar un cordero entero para hacer frente a esos antojos. Básicamente es un monólogo ante la mirada paciente del carnicero, y de alguna forma también es una forma de enfrentarse a sí misma con la tentación de la carne, sobre todo cuando participa en el desmembramiento del cordero. Es una mirada interesante desde el punto de vista vegano que no evita el debate sobre las contradicciones que provoca esta decisión. 

Sër Bi (Les tissus blanc) 20'

Francia-Senegal, 2020

Moly Kane

La trayectoria del joven director senegalés Moly Kane es un ejemplo de fortaleza. Nacido en un barrio pobre de Dakar, sufre una discapacidad en sus piernas que a muchos jóvenes les lleva a la mendicidad, debido al rechazo de la sociedad senegalesa. Pero tuvo la fortuna de ser amadrinado por la directora de cine Euzhan Palcy, que le dio la oportunidad de dirigir su primer cortometraje, Moly (Moly Kane, 2011), centrado precisamente en cómo se ve la discapacidad en su país. Posteriormente dirigió Muruna (2014), sobre el abuso sexual a las jóvenes dentro de sus propias familias, y este interés por la emancipación de las mujeres se repite en su nuevo cortometraje. Aunque se trata de una ceremonia que cada vez es menos frecuente, el acto social de la noche de bodas pone su foco en la novia, y se trata de una experiencia traumática en la que debe demostrar que aún siguen siendo virgen. Esta cultura de la virginidad en el matrimonio se convierte en una representación del papel de la mujer en la sociedad senegalesa. Inspirado por la película Moolaadé (Ousmane Sembene, 2014), que tenía como protagonistas a seis jóvenes que escapaban de esta ceremonia de "purificación", Moly Kane construye un relato que acompaña a la protagonista en su trayectoria por diversos curanderos que pretenden "devolverle" su virginidad. Y aunque el final es abrupto, esta indefinición resulta aún más amarga, cuando la protagonista contempla una de estas ceremonias, sintiéndose de alguna manera desplazada de su propio entorno. 

Hva om du hadde danset, 20'

Noruega, 2020

Fredrik Johansen, Laurens Pérol

Los directores de este cortometraje, estudiantes de cine en Alemania y Noruega, construyen un relato en torno a la fragilidad de las relaciones sentimentales, a través de una pareja que se reencuentra en la isla de Lofoten para comprobar que hay cada vez más distancia en su forma de ser y de entender su relación. Uno de los directores, Laurens Pérol, interpreta a un tercer personaje que  de alguna manera deja al descubierto aún más las diferencias entre la pareja protagonista. La historia tiene una clara referencia a la desintegración sentimental que se mostraba en la película Happy together (Wong Kar Wai, 1997), incluyendo una escena de baile que representa la aproximación emocional y la separación física al mismo tiempo. 

COMPETICIÓN DOCUMENTAL

En cinco sesiones se presentan los veinticuatro cortometrajes de no-ficción que forman parte de la Sección Oficial. Entre ellos se encuentran varias producciones españolas como Ulisses (Joan Bover, 2020), Quebrantos (María Elorza, Koldo Almandoz, 2021), Garza (Daniel Pérez Silva, 2021), Barbudos (Tucker Dávila Wood, Larry Mancuso, 2020), Before I die (Iker Esteibarlanda, 2020) o el excelente Gorria (Maddi Barber, 2020), que ya comentamos en nuestra crónica del Festival Curtocircuito 2020. Estos son otros cortometrajes de no-ficción que nos parecen interesantes. 

Das spiel, 17'

Suiza, 2020

Roman Hodel

Estrenado en la Mostra de Venecia 2020 y más tarde en el Festival de Toronto 2020, el debut como director de Roman Hodel se centra en un partido de fútbol de la liga suiza, pero enfocando su atención principalmente en el árbitro Fedayi San. Aunque amplía su mirada para mostrar la complejidad de la organización de un partido de fútbol, desde los comentaristas hasta los responsables de la seguridad, lo que analiza el documental es sobre todo esta figura controvertida, de la que depende que se sigan las reglas del juego, y que a veces tiene que apaciguar a los jugadores o mostrarse vehemente en sus decisiones. Es un punto de vista singular, que también reflexiona sobre lo que ha significado la introducción del VAR que teóricamente facilita la labor del árbitro, pero que se muestra tibio cuando se trata de decisiones que afectan a estados de ánimo o ritmo del juego. En este sentido, Das spiel (The game) consigue ser reflexivo y contundente al mismo tiempo.  

The nightwalk, 15'

Francia, 2021

Adriano Valerio

El director italiano Adriano Valerio, ganador de una Mención Especial en Cannes por el cortometraje 37º4 S (2013) presenta ahora una historia sobre el confinamiento a través de la experiencia de uno de sus mejores amigos (Francesco en la realidad, Jarvis en la película), cuando viajó a Shanghai para estudiar y acabó encerrado en su piso debido a las medidas de restricción de movimientos por la pandemia. A través de una voz en off que tiene un tono melancólico, Adriano Valerio ofrece el relato de la experiencia de un confinamiento férreo, y la conexión con un acontecimiento importante en la vida del protagonista. Con claras referencias a La jetée (Chris Marker, 1962), la historia está contada a través de fotografías realizadas por el propio protagonista durante el confinamiento, que se mezclan con fragmentos de películas y con algunas imágenes grabadas en Shanghai. Se nota una cierta construcción ficticia en el relato, pero no enturbia la capacidad para mostrar la soledad del aislamiento. Nightwalk consiguió el Premio Canal + en el Festival de Clermont-Ferrand 2021.

The Ballet of Service, 15'

Holanda, 2020

Marlies Smeenge

Una representación de las estrictas normas que rigen en la Academia de Mayordomos de Limburgo, en la que se forma personal de servicio para establecimientos de alto rango. Hay un buen trabajo de dirección, que alterna travellings y planos fijos para mostrar la perfección coreográfica que se exige a los alumnos. Pero también hay una sensación de cierto anacronismo de élite que tiene que ver con la "representación". "Todo es interesante", es la mejor respuesta diplomática en una conversación con el jefe. "No somos amigos de los jefes, por eso nuestras respuestas deben ser diplomáticas, no tienes que contar la verdad", afirma el tutor. Se podría hacer una sesión doble entre este cortometraje y el documental El aprendiz (Davide Maldi, 2019), que mostraba también una escuela de camareros de élite. Muy interesante el trabajo musical del joven compositor madrileño Ezequiel Navarrete, con un aire de clasicismo que encaja perfectamente con las imágenes. 

Antelopes, 8'

Francia, 2020

Maxime Martinot

Espléndido trampantojo documental que envuelve en un aparente relato sobre el extraño comportamiento de la naturaleza, sobre un texto escrito por Marguerite Duras en el que se habla de un fenómeno ocurrido en las costas de Marruecos, adonde se desplazaron miles de antílopes para arrojarse al mar. Este suicidio colectivo se convierte en una representación del suicidio de la humanidad, a través de un documental que primero nos presenta el relato, después nos muestra imágenes de antílopes distorsionadas por la tecnología y finalmente descubre sus verdaderas intenciones. Una reflexión bien elaborada sobre la mentalidad de rebaño y la renuncia a la libertad frente a la vigilancia continua.  

Mon père, Elvis, 15'

Canadá, 2019

Eric Piccoli

El productor quebequés Eric Piccoli cuenta una historia personal a través de la figura de su padre, un imitador de Elvis Presley que, tras 16 años fuera de los escenarios, decide regresar para ofrecer un último concierto a sus 70 años. El propio director relata su sorpresa ante la obsesión de su padre por la figura de Elvis Presley, hasta el punto que su hermana se llama Priscilla, como la viuda del cantante, y él mismo tiene como segundo nombre Elvis. Es un relato íntimo en el que no termina de encajar la mirada hacia la proclamación de Donald Trump como presidente de los Estados Unidos, que se entiende como una posición política del director, o quizás como una representación no necesaria de la deriva populista del país donde nació la estrella del rock.   

El 23 Internacional de Cortometrajes y Animación de Barcelona. Mecal se puede ver en FesthomeTV y Filmin hasta el 22 de abril.  

The Neolith se puede ver en Filmin hasta el 22 de abril y de forma gratuita en Vimeo. 

El muelle (La jetée) se puede ver en Filmin y Mubi. 

Happy together se puede ver en Filmin y desde el 30 de abril en Mubi. 

Parlement, Cuentos de Tokio, La vida de Adéle, y Moolaadé (Protección) se pueden ver en Filmin.

El aprendiz se puede ver en Mubi. 

Pinku eiga (Pink Films): erotismo con trasfondo social

Berlinale Forum dedicó un ciclo en 2018 a las denominadas pinku eiga, también conocidas como Pink Films (Películas rosas), que se han venido produciendo en Japón desde los años sesenta. Una colección de títulos restaurados por la productora alemana Rapid Eye Movies, que están producidos por Keiko Sato, fundamental en el desarrollo de estas películas, utilizando el seudónimo masculino Asakura Daisuke para disfrazar su condición de mujer en una industria mayoritariamente controlada por hombres. La plataforma MUBI recoge estos días un ciclo de cinco películas que son un reflejo de la liberación sexual de los años sesenta, pero en algunos casos van más allá del erotismo soft (la censura japonesa ni siquiera permitía la exhibición del vello púbico) para reivindicarse como obras artísticas e incluso de activismo político. 

El pinku eiga nació con Flesh market (Satoru Kobayashi, 1962) que produjo la compañía Okura Eiga, aún hoy en día prolífica en la producción de este tipo de películas. Su estreno se produjo en el Teatro Uenu Okura de Tokio, pero dos días después la policía irrumpió en el cine y confiscó todas las copias y negativos. Sin embargo, la productora pudo montar una nueva versión con material no confiscado, eliminando las escenas que resultaban más polémicas, y estrenarla poco después. La repercusión que tuvo la actuación policial convirtió a Flesh market en un gran éxito de taquilla, hasta el punto que Okura Eiga pasó de producir cuatro películas en 1962 a realizar 213 títulos en 1965.

Así nació el término eroduction, que más tarde se convertiría en pinku eiga. Las películas incluidas bajo esta denominación tienen en común su bajo presupuesto y el rodaje principalmente en 35 mm. y en blanco y negro, aunque a partir de los setenta se fueron introduciendo escenas en color para resaltarlas. Y, por supuesto, la introducción de secuencias eróticas en las que el cuerpo de la mujer era el objeto de deseo, pero también de abuso. La representación de la femineidad está siempre bajo el control de los hombres, y por eso puede resultar sorprendente que una de las principales impulsoras fuera una mujer.   

Este subgénero se inició cuando también se estaba produciendo la denominada "Nueva Ola del Cine Japonés", una especie de transcripción de la Nouvelle Vague francesa, que tuvo como principales representantes a directores como Nagisa Oshima, Masahiro Shinoda, Yoshishige Yoshida y, por proximidad estilística, también Yasuzo Masumura y Shohei Imamura. Así que la producción de estas películas rosas también suponía una especie de contestación al cine tradicional, introduciendo elementos subversivos y políticos, y establecía una conexión clara con esa Nueva Ola a través de directores como Masao Adachi, responsable de A gushing prayer (1971), que fue colaborador de Nagisa Oshima.  

Keiko Sato fue la responsable de la productora Kokuei, que se convirtió en una de las principales generadoras de películas rosas, pero con un enfoque que no solo se dirigía a un público adulto principalmente masculino, sino que pretendía aportar una libertad creativa a los directores para que pudieran "hacer películas sinceras que manifiesten la personalidad o el carácter distintivo de sus creadores, no simples películas para adultos". En cierto modo se puede decir que las Pink Films se convirtieron en una forma de ensayo de los nuevos directores en el cine, porque permitía una libertad creativa que el cine tradicional no ofrecía. 

En realidad, las películas que forman parte del ciclo que MUBI dedica al Pink Cinema son las que menos encajan con exactitud en lo que se define como una película rosa. Efectivamente, son producciones realizadas con bajo presupuesto y escenas eróticas, pero contienen elementos que convierten al erotismo en una anécdota más que en un objeto principal. Es el caso de Kôya no dacchi Waifu (Inflatable sex dolls of the Wasteland) (Atsushi Yamatoya, 1967), un film noir que supuso el debut como director de Atsushi Yamatoya, que ese mismo año había participado en el guión de Marcado para matar (Seijun Suzuki, 1967), considerada una de las mejores películas yakuza de la historia. La historia comienza con el encargo de un empresario a un asesino a sueldo para que mate a los responsables de la violación y asesinato de su amante, que además han grabado en su presencia. 

La película se va desarrollando hacia terrenos casi alucinatorios, en una forma de contar la historia que bucea en el pasado del protagonista y que propone una trama que se dobla sobre sí misma. Se podría definir como una especie de cine negro psicológico, en el que el director ensaya con una planificación a veces experimental, subrayada por una excelente banda sonora de free jazz del pianista Yôsuke Yamashita. Pero la historia y los diálogos son bastante desastrosos y la falta de presupuesto provoca momentos ridículos. La mujer está representada en sus extremos, como una ninfómana y como un objeto inanimado (literalmente), pero la película no contiene demasiadas escenas eróticas. Se trata también de un ejemplo del ritmo de producción de las películas rosas, ya que al mismo tiempo que participaban en esta películas, los actores Noriko Tatsumi y Yūichi Minato protagonizaron Tayô na nyûeki (Love's milky drops) (Ario Takeda, 1967), que se rodó en los mismos decorados. 

El presupuesto de las películas rosas estaba limitado a 3,5 millones de yenes (unos 25.000 €), por lo que los directores no se podían permitir la utilización del color, aunque en algunos títulos se resaltaron determinadas escenas utilizando el color. Por tanto, Burû firumu no onna (Blue Film Woman) (Kan Mukai, 1969) es una rareza en ese contexto, ya que se trata de una de las pocas películas rodadas íntegramente en color, y una de las pocas que han sobrevivido en su copia original de 35 mm. Su director, Kan Mukai, es uno de los principales representantes del Pink Cinema, al que se dedicó durante casi toda su vida, dirigiendo unas 200 películas y produciendo más de 500. Y en este caso sí se trata de una historia que se puede enmarcar directamente en el subgénero, con todas sus consecuencias. 

Con menor tendencia a la experimentación que en otros de los títulos que podemos ver en el ciclo, Blue Film Woman tiene un comienzo casi onírico, en el que el color se resalta en una secuencia que parece evocar a los títulos de crédito de las películas de James Bond, pero después la historia se desarrolla de forma lineal, enfocándose principalmente en el aspecto erótico. Cuando un padre de familia pierde todo su dinero en una mala inversión, un prestamista le exige el pago de los intereses, pero le propone ofrecerle otro préstamo con el que pueda pagar el anterior a cambio de tener relaciones sexuales con su esposa. La mujer se convierte en un objeto de intercambio entre hombres, pero también provocará la ruptura familiar. Su hija, una joven estudiante, promete que vengará a su familia consiguiendo una importante suma de dinero... haciéndose puta. 

Blue Film Woman se presenta como una historia más convencional que otras de las que podemos ver en la retrospectiva. Pero introduce un interesante acercamiento a la psicodelia en su concepción visual, tanto en la secuencia del comienzo como en aquellas que se desarrollan dentro de la discoteca, o las que muestran la aparente sumisión sexual de la protagonista. En este sentido, Kan Mukai ofrece un trabajo novedoso en el tratamiento de la imagen, aprovechando el color, pero también propone una cierta crítica social al capitalismo. La prostitución funciona aquí como una representación de las virtudes y los defectos de una sociedad capitalista. "Es tan estúpida. Piensa que está mal tener sexo por dinero". De forma que hay un trasfondo que alimenta en buena medida el interés de la película. Hay un atisbo de empoderamiento femenino, pero la victoria no es posible en una historia que está destinada a un público eminentemente masculino, y por tanto el objeto sexual que se rebela (la mujer) acaba siendo castigado.    

En algunos casos sin embargo se pueden encontrar películas rosas en las que la mujer está representada como una heroína, como en Onna jigoku uta: Shakuhachi benten (Women hell song) (Mamoru Watanabe, 1970). El director es otro de los nombres fundamentales de este subgénero, que cultivó durante más de cuarenta años, y en este film presenta una historia protagonizada por Okayo, una mujer a la que persigue un policía corrupto, que la atrapa y la vende a un gángster sádico. Ella tiene en su espalda un tatuaje de Benten la diosa de la fortuna, lo que supone una ofensa para los hombres.

En esta película, rodada en blanco y negro pero con inserciones en color para las escenas de sexo, hay una representación de la violencia y la tortura que funciona como reflejo de la opresión patriarcal. El director utiliza insertos de grabados japoneses eróticos, y sitúa la violencia sexual en un entorno de paisajes naturales que parece idílico, como una suerte de contraposición estética que refuerza aún más el carácter dramático de la escena. El hecho de convertir en heroína a la protagonista, creando una especie de mezcla entre el pinku eiga y el jidaigeki (drama de época), provoca que las escenas de violación y sadismo adquieran un significado diferente, más como una representación crítica que como una visión de la violencia desde un punto de vista estético. Porque, al contrario de lo que ocurre en Blue Film Woman, por ejemplo, el castigo acaba siendo para los violadores, no para la víctima. De hecho, esta película es una secuela de Otoko-goroshi: Gokuaku benten (Mamoru Watanabe, 1969), que también estaba protagonizada por Tamaki Katori, actriz que protagonizó el clásico Flesh market (Satoru Kobayashi, 1962) y que fue una de las musas del los pink films.

En los años setenta las películas rosas se enfrentaban a dos amenazas: por un lado, el desarrollo de un cine erótico más explícito y perverso que se denominó Roman Porno; por otro, la aparición del video para adultos, que permitía la producción de películas directamente pornográficas, ya que su consumo era privado. Pero la producción de Pink Films se convirtió en una industria propia que funcionaba al margen de la convencional. El ritmo de producción era tan barato y rápido que les permitía mantener también un ciclo de exhibición constante, con sus propias distribuidoras y sus propias salas de cine, e incluso con su propia ceremonia de premios anuales. Las películas que no tenían éxito eran rápidamente sustituidas por otras, mientras que las más populares se exhibían hasta que literalmente se degradaban las copias. 

A pesar de ello, la producción de películas no disminuyó, y entre ellas destacan algunos títulos importantes como Gushin prayer: A 15-year-old prostitute (Masao Adachi, 1971). Como hemos comentado antes, su director fue colaborador de Nagisa Oshima y Kôjî Wakamatsu, pero sobre todo era un activista político de izquierdas. De hecho, esta es una de sus últimas películas antes de incorporarse al Ejército Rojo y vivir durante veintiocho años en el Líbano. Antes había realizado otras pink films como Sei chitai: Sex zone (1968), y había presentado en el Festival de Cannes de 1971 dos películas como guionista: Okasareta Byakui (Violated angels) (Kôjî Wakamatsu, 1967) y  Seizoku: Sekkusu Jakku (Sex Jack) (Kôjî Wakamatsu, 1970).

En Funshutsu kigan 15-sai no Baishunfu (Gushin prayer), el director presenta a cuatro adolescentes que toman conciencia de su sexualidad, pero que al mismo tiempo se plantean la pregunta de si pueden "vencer al sexo". La protagonista, Yasuko, intenta descubrir a través de sus relaciones sexuales si es capaz de sentir su propio cuerpo. Una de estas relaciones con un profesor provoca su embarazo, y por ello es considerada como una prostituta por sus amigos. En cierto modo, es una lectura contradictoria con esa revolución sexual de los años sesenta y setenta, en la que el cuerpo es objeto de reivindicación. Pero Masao Adachi lo convierte en un elemento político, en un instrumento de la aceptación de una identidad y en un reflejo de "la forma en que la sociedad está bloqueada", según sus propias palabras. En realidad, más que como una película representativa de las películas rosas, Gushin prayer se revela como una descripción de la juventud en una época de convulsión social. Lo que, al margen de la representación de lo femenino como objeto de abuso sexual (Yasuko es abusada por el maestro, pero también hay abuso verbal en la forma en que la tratan sus amigos), también se ve reflejado en la verbalización a lo largo de la película de cartas reales dejadas por adolescentes antes de suicidarse.  

Keiko Sato asumió la presidencia de la productora Kokuei en 1982, tras la muerte de Kazuyoshi Yamato, hijo de su fundador. Aunque venía trabajando como productora desde 1965, esta posición de poder le permitió dar una mayor libertad creativa a los directores, y de esta forma las pinku eiga se convirtieron en una especie de entrenamiento para jóvenes realizadores que podían desarrollar una mayor creatividad artística. De ahí surge en los noventa el grupo denominado pinku shitteno (The Four Heavenly Kings), formado por los directores Kazuhiro Sano, Hisayasu Sato, Toshiki Sato y Takahisa Zeze, que ejemplificaba una ruptura con el lenguaje convencional, mezclando la experimentación formal con las narrativas de vanguardia. Lo que ofrecía una múltiple posibilidad de acercamiento a los espectadores: “A los mayores les interesa el contenido pornográfico. Mientras que los jóvenes ven las películas por su lado artístico. Es un público mixto. Para mí, es algo muy poderoso”, dijo Takahisa Zeze.

En esta etapa surge Hentai kazoku: Aniki no yomesan (Abnormal family) (Masayuki Suo, 1984), debut del director, que ya había trabajado como guionista y asistente de dirección en Kandagawa Pervert Wars (1983), primera película rosa del posteriormente reconocido director Kiyoshi Kurosawa. Pero esta fue su única película dentro del subgénero, desarrollando una carrera como director no demasiado extensa pero más centrada en los géneros tradicionales, en la que destacan algunos títulos de resonancia internacional como Shall we dance? (Masayuki Sou, 1996), que funcionó tan bien en los Estados Unidos que se acabó realizando un remake, Shall we dance? (¿Bailamos?) (Peter Chelsom, 2004) protagonizado por Richard Gere, Jennifer López y Susan Sarandon.

La particularidad de Abnormal family está en su referencia al cine de Yasujirō Ozu, hasta el punto que podría considerarse como una especie de versión erótica de Tokyo Story (1953). De hecho, muchos críticos encuentran en algunas películas del director japonés una sexualidad implícita que no está representada directamente, sino que se muestra a través de objetos simbólicos, como un jarrón. Y podríamos decir que lo que hace Masayuki Suo es explicitar la sexualidad de las películas del maestro japonés. En la planificación, por ejemplo, utiliza algunos recursos muy característicos de Ozu, como su famoso tatami shot, una posición de cámara al nivel de suelo, a ras del tatami, que nos muestra una composición de escena muy cuidada pero al mismo tiempo estática, en la que la relevancia está en el ritmo interno de los diálogos.

En Abnormal family predominan los tatami shots, que Masayuki Suo utiliza como contraposición con las escenas sexuales. Al comienzo de la película, se alterna uno de estos planos frontales que muestra al padre y sus dos hijos mientras escuchan a su hermano y su cuñada mantener relaciones sexuales arriba, en el dormitorio, donde la cámara también se coloca a ras de la cama. De hecho, casi todas las escenas eróticas se ven desde el suelo o en un plano medio, pero en la mayor parte de las ocasiones su planificación funciona como contraste al de la representación familiar. De alguna forma se puede decir que Masayuki Suo realiza una deconstrucción del cine de Yasujirō Ozu, con algunos de sus elementos característicos: un jarrón, una tetera, un cartel o con la representación de la vida exterior frente a ese universo interior que se desarrolla dentro de la familia, y que también funcionaba en Ozu como una especie de caleidoscopio de la sociedad. Esta posición de la familia en la que todo queda es llevada al extremo incestuoso en Abnormal family, en la que la cuñada acaba iniciando sexualmente al hijo menor.

El sexo aquí es más explícito, pero menos violento que en otras películas rosas. O al menos propone una violencia “sosegada”, porque la esposa, Yuriko, adopta una posición tan estática en las relaciones sexuales con su marido Koichi (y más tarde con el hermano de éste, Kazuo), que parece casi una violación. Este estatismo contrasta con una especie de liberación sexual posterior, en una escena de masturbación. Al mismo tiempo, la hermana, Akiko, toma la decisión de trabajar en un soapland, una especie de baño turco que fue derivando hacia lo que hoy son los locales de masaje, eufemismo de la prostitución. Pero esta aparente transgresión social es mostrada como una forma de convertirse en una mujer independiente.

Posteriormente a los pinku shitteno surgió otro grupo de directores que habían trabajado como asistentes de aquellos, pero que tenían otro concepto diferente de la expresión artística. En la actualidad continúa produciéndose pinku eiga, ahora impulsado por el interés que ha despertado en el mercado internacional desde un punto de vista más cinematográfico, con las restauraciones realizadas por Rapid Eyes Movies y sus posteriores ediciones en DVD o en otros formatos digitales.

Durante el Festival de Taipei de 2011, el director Takahisa Zeze, que había ganado el Premio FIPRESCI en el Festival de Berlín por Heaven’s story (2010), afirmaba que no hay mucha diferencia entre el cine convencional y el cine erótico: “Algunas personas piensan que el arte es aburrido, mientras que otras lo encuentran entretenido. Como el arte, la pornografía es algo subjetivo. Uno no es superior al otro, y el límite entre los dos no debería existir. Nagisa Oshima fue procesado con cargos de obscenidad por la película El imperio de los sentidos (1976). Fue a la corte y preguntó: “'¿Por qué ser obsceno es un crimen?'”.

El ciclo Keiko Sato: Pinku Maverick se puede ver en MUBI. 

Las mejores bandas sonoras de 2021: Enero-Marzo

Como cada año, hacemos un repaso trimestral a las bandas sonoras más interesantes que se han ido editando en formato digital o físico. Durante el primer trimestre, algunas de estas ediciones pertenecen a producciones que se han estrenado durante el pasado año, pero cuyas ediciones digitales o físicas se han producido a comienzos de 2021. Precisamente esta circunstancia de transición entre un año y otro, y la temporada de premios provoca que la cantidad de ediciones sea menor. A continuación describimos los trabajos que más nos han gustado de estos primeros tres meses. 

Akelarre - Aránzazu Calleja, Maite Arroitajauregui

Plaza Mayor  8/01/2021

El trabajo musical de la película Akelarre (Pablo Agüero, 2020) es sin duda merecedor del Premio Goya que ha recibido. Porque se trata de una banda sonora que captura esta atmósfera opresiva de la Inquisición, al mismo tiempo que una cierta tonalidad mágica que rodea al grupo de jóvenes protagonistas que son acusadas de brujería. La colaboración musical comenzó con Maite Arroitajauregui, más conocida por su nombre artístico como Mursego, que sobre todo se encargó de las canciones que interpretan las niñas. Pero más tarde se incorporó Aránzazu Calleja, una compositora más veterana en la composición de música para cine, que se encargó de la parte más instrumental. Maite Arroitajauregui es chelista, mientras que Aránzazu Calleja es violinista, por lo que el acercamiento a la música no diegética tiene una lógica representación en un cuarteto de cuerda. La música contrapone el lado más poético de las niñas ("Eskailerak") con la atmósfera más grave y oscura de la inquisición ("Epaileak"). Las compositoras realizaron una investigación en torno a los instrumentos tradicionales vascos de la época en la que se desarrolla la película, el año 1609, pero finalmente se decidió utilizar como uno de los instrumentos principales la "nyckelharpa", también conocida como viola de teclas, que proviene de la música tradicional de Suecia, y que interpreta el músico Xabi Zeberio ("Kondena") junto a su formación Alos Quartet. Aunque la historia se basa en las memorias del juez de la Inquisición Pierre de Lancre, la película no es estrictamente historicista, sino que acompaña al proceso de madurez y transformación del grupo de jóvenes acusadas, y por tanto las coreografías y canciones, interpretadas por las propias actrices, representan también esta madurez, mucho más dulces al comienzo ("Festa") pero más viscerales, liberadoras... y amenazadoras al final ("Akelarre"). Es un trabajo espléndido y riguroso de acompañamiento musical a la transformación de los personajes principales. 

Patria - Fernando Velázquez

Quartet Records  15/01/2021

Editada tres meses después del final de la serie, la banda sonora de Fernando Velázquez llegó por fin en su formato de audio, con una estructura que se diferencia de la música tal como aparece en las imágenes. Porque, aunque la mayor parte de los títulos de los temas hacen referencia a un personaje concreto, no es un trabajo que esté realizado en base a leitmotivs, sino que tiene una creación que engloba a todos los personajes, una especie de paraguas musical de las emociones. También este punto de vista emocional se hace notar en la ausencia de instrumentaciones locales vascas, que pudieran situar la acción geográficamente. Hay una intención mucho más universal, de elementos fácilmente reconocibles, como ese clarinete que refleja la soledad de Bittori ("Geráneo"). Curiosamente, el tema principal ("Patria") surge como evolución del momento en el que la protagonista anuncia su regreso al pueblo colocando un geranio en su balcón. Hay también temas que Fernando Velázquez afirma que salieron de la edición final, como ese brote de esperanza de Nerea, que fue sustituido en la serie por una canción ("Nerea"). Patria es una banda sonora de sentimientos, de cierta sonoridad que refleja las heridas, como el aislamiento del Txato a través de las voces corales ("Txato txibato"), y que se libera también en el momento final, en esa especie de concordia gélida que es uno de los momentos más emocionantes de la novela y de la serie ("Miren y Bittori").    

The serpent - Dominik Scherrer

Dubois Records  15/01/2021

El compositor británico nacido en Suiza Dominik Scherrer es un músico habitual de la televisión inglesa para series como Primeval (BBC America, 2007-2011) o Agatha Christie: Miss Marple (ITV, 2004-2013), y ha colaborado con el director de The serpent (BBC, 2021), Tom Shankland, en otras producciones como Ripper Street (BBC, 2012-2016) o The missing (BBC, 2014-2016). Para esta espléndida serie estrenada recientemente en Netflix que trata sobre la investigación en torno a un asesino cuyas víctimas eran jóvenes turistas en Tailandia y otros países asiáticos, desarrolla una banda sonora que se sostiene principalmente en sintetizadores cuyo sonido hace referencia a las películas de los años setenta ("State of Flux"), porque la trama se desarrolla precisamente en esa década. La utilización de algunos instrumentos del entorno como los xilófonos o el hang (un instrumento de percusión metálico que tiene una sonoridad asiática pero de hecho se creó en Suiza), también nos sitúan en los ambientes desérticos ("Afghanistan driving") o nepalíes ("Colonel Somphol of Interpol"), creando una sonoridad que tiene una intención más ambiental que de descripción de los personajes. En la construcción que alterna presente con pasado, Dominik Scherrer establece mucho más misterio y tensión en las músicas que acompañan a la trama del asesino ("Dominique's passaport") que a la del joven secretario de la Embajada holandesa que comienza la investigación, en la que introduce incluso voces femeninas ("Embassy phone calls"). A través de la música, Dominik Scherrer consigue equilibrar las diferentes líneas temporales con las que se nos cuenta la historia con un sonido que las unifica y las fusiona en una sonoridad homogénea. 

The Cemil Show - Taner Yücel

Digital  21/01/2021

Esta producción turca presentada en el pasado Festival de Rotterdam, gira en torno a un personaje apático que se evade de su realidad a través de las películas Yesilçam, un subgénero de acción producido en Turquía en los años setenta que tenía una cierta reminiscencia de las blaxploitation norteamericanas. La película juega con la realidad y la ficción, que se va haciendo cada vez menos clara conforme el protagonista se obsesiona cada vez más con la maldad y la violencia que desprende una de las estrellas de estas películas. Al final, se trata de un retrato psicológico que comienza como una comedia pero que se va haciendo más inquietante. El compositor Taner Yücel ofrece también una banda sonora que se mueve en dos vertientes diferentes: la que representa las películas que obsesionan al protagonista y la que muestra la progresiva distorsión de la realidad que sufre. En la primera parte, el músico se deja influir por compositores clásicos como John Barry, con temas jazzísticos como "Zorbalar da sever", que suena como el címbalo húngaro sonaba en The ipcress files (Sidney J. Furie, 1965), y otras incursiones en las sonoridades de los setenta ("Romantique érotique"). Pero también hace un uso más amplio de la orquesta, siempre con cierta tonalidad antigua ("Kabus", "Kabus Overture"). En la segunda vía, los sintetizadores están más presentes, describiendo la deriva psicológica del protagonista ("Sanri/Içimdeki Alev"), pero que termina conectando la realidad con la fantasía a través del jazz e instrumentos solistas como la trompeta (Işiklar"). Es un interesante trabajo que consolida a Taner Yücel como una de las voces musicales más destacadas del panorama internacional. 

Wandavision - Christophe Beck, Kristen Anderson-López, Robert López

Hollywood Records  22/01/2021 - 12/03/2021

La banda sonora de Bruja Escarlata y Visión (Disney+, 2021-) se ha editado conforme se iban estrenando los episodios, la misma estrategia que con The Mandalorian (Disney+, 2020-). En este caso, es una decisión acertada, porque la evolución de las referencias a las sitcom de diferentes épocas ofrece una variedad de estilos que hace disfrutable cada banda sonora por separado. Christophe Beck, habitual compositor de música para películas producidas por Disney, consigue un trabajo muy acertado en la recreación de las composiciones para los distintos programas de televisión en los que habitan los personajes. Pero sobre todo acierta en la separación completa de los dos tipos de composición que necesita la trama: la de la fantasía y la de la realidad. En este sentido, no trata de fusionar o lanzar puentes entre la música referencial del pasado y la más sinfónica y espectacular del MCU, sino que establece estilos radicalmente diferentes, como si se tratara de dos películas diferentes (de hecho, es así de radical la separación entre ambos mundos). Comenta el compositor que intentaron imitar el estilo de las sitcom de los años sesenta, setenta y ochenta, pero tuvieron que introducir más música para subrayar las escenas, porque en las series de aquellas épocas no se utilizaba tanto la banda sonora como soporte emocional. Es espléndida la variedad de creaciones para los "momentos sitcom", utilizando principalmente instrumentos solistas y sintetizadores, que se despliegan sobre todo en los primeros episodios, mientras que las canciones introductorias están compuestas por Robert López y Kristen Anderson-López, creadores de éxitos musicales de Broadway como Avenue Q (2003) y The book of Mormon (2011), que ya colaboraron con Christophe Beck en la banda sonora de Frozen (Chris Buck, Jennifer Lee, 2013). Podemos encontrar auténticas delicias entre sus composiciones ("A newlywed couple", "We got something cooking", "W-V 2000 - Instrumental").  

Como decíamos, no hay una intención de fusionar el mundo de Westview y la realidad desde el punto de vista musical, lo cual es una decisión acertada. Christophe Beck introduce breves elementos de composiciones sinfónicas en algunas escenas que hacen referencia a la realidad, pero establece una separación absoluta de estilos, lo cual beneficia al desarrollo de la historia. Es a partir del final del tercer episodio cuando ya se crean las pautas de lo que será la música "de la realidad" ("No home"), con un tono enigmático y amenazador que de alguna forma ya dejaba apuntar en el espléndido tema para el personaje de Wanda ("Wanda's Theme (End Credits from Wandavision") que nos hacía presagiar la llegada de nuevos descubrimientos en los créditos finales de los primeros episodios. Resulta curioso cómo la duración de las bandas sonoras va aumentando, desde los escasos 7 minutos del Episodio 1 hasta los 36 minutos del Episodio 9. Esta mayor presencia musical nos sitúa completamente en la realidad y subraya las escenas de acción. Christophe Beck hace un excelente trabajo en temas que fusionan música electrónica y sinfónica ("Mission's failure"), y consigue brillar en los momentos relacionados con los personajes ("Wanda and Vision (Love Theme of Wandavision"), "I am Vision"), especialmente en el emocionante "Sokovia", variación del tema de Wanda, o en el espléndido cierre ("What I am"). 

The little things - Thomas Newman

WaterTower Records  29/01/2021

Hacía tiempo que Thomas Newman no se adentraba en terrenos oscuros y en atmósferas tenebrosas. Para una película que en general ha recibido malas críticas, y de hecho es bastante decepcionante, el compositor ha creado una banda sonora compleja, no especialmente agradable de escuchar. Con una mayor parte de composiciones atmosféricas, la música funciona sobre todo en el plano psicológico, porque la película, de hecho, no es una historia de persecución del asesino, sino una crónica de un policía veterano que trata de rendir cuentas con su pasado. Esta idea de la conexión con el pasado, de lo que está pendiente, se refleja en una banda sonora que utiliza bucles repetitivos, especialmente en el uso del arpa en los recuerdos del policía ("Buck twenty"). Destaca también el tema en torno al siniestro personaje de Sparma, con un riff de piano que muestra tensión ("I won't bite"), y que será el leitmotiv principal de la banda sonora. Es decir, el tema, que de hecho anticipa la condición de antagonista del personaje ("Shirley Temple to go"), convierte a éste en el objeto principal sobre el que circula la banda sonora. En la parte más atmosférica, creando un velo de misterio, destaca el uso de sonoridades de instrumentos de viento, pero muy sombrías ("Strong box") o de voces casi fantasmales ("Mosman's"). Thomas Newman crea continuas distorsiones de los instrumentos, que de alguna manera reflejan esa distorsión de la realidad, oscura, tenebrosa, en la que habitan los protagonistas. 

Minari - Emile Mosseri

Milan Records  12/02/2021

Nominada al Oscar, la banda sonora de Emile Mosseri, uno de los jóvenes compositores más interesantes del momento, nos introduce en una atmósfera casi de ensoñación en el retrato de esta familia de inmigrantes coreanos que tratan de construir una vida en tierras nuevas. El músico se centra principalmente en el personaje de Jacob, el padre de familia, como eje central de la banda sonora, porque también él es el soporte de su familia y el eje central de la historia. Para ello, utiliza una guitarra acústica desafinada que ofrece una conexión con la tierra, mientras que una voz femenina y una cierta sonoridad de theremin, pero ejecutada con un sintetizador Korg de los años ochenta ("Big Country"), proponen una atmósfera de sueño, de esperanza en una vida futura que surge, precisamente, de una pequeña zona de cultivo. Las canciones "Rain song" y "Wind song", que están cantadas en coreano por la actriz Han Ye-ri, que interpreta a la esposa de Jacob, transmiten cierto aire de liberación, pero al mismo tiempo también conectan con la relación entre el niño y la abuela, la más dulce de las que se crean en la película. Emile Mosseri crea una banda sonora que contiene elementos sencillos, pero que construye una compleja mirada psicológica, desarrollándose hacia una textura cada vez más melancólica. Encontramos también excelentes pasajes de serenidad, como "Grandma picked a good spot", que es una hermosa melodía interpretada al piano. 

Woman in motion - Colin O'Malley

Digital  16/02/2021

Este documental se centra en la figura de Nichelle Nichols, conocida por interpretar al personaje de la teniente Uhura en las tres temporadas de Star Trek (Paramount, 1966-1969). Pero su importancia relevancia va más allá, ya que fue una de las primeras actrices afroamericanas en tener  un personaje destacado en una serie de éxito (protagonizó el primer beso interracial de la historia de la televisión con el Capitán Kirk). Aunque Woman in motion (Todd Thompson, 2019) se detiene en su faceta posterior, como colaboradora de la NASA para reclutar astronautas afroamericanas a través del programa "Woman in Motion". Colin O'Malley es un compositor que ha trabajado sobre todo en la periferia de la música audiovisual, componiendo para parques temáticos, cadenas de televisión como CNN o videojuegos como Tomb Raider: Underwood (Eidos Interactive, 2008). En esta banda sonora nos ofrece una variada lista de composiciones que utiliza sintetizadores, una formación de cuerdas y voces corales. Hay creaciones de gran espectacularidad ("We are go for launch") que se sostiene sobre un diálogo entre instrumentos de viento y voces femeninas, que representan la relevancia del personaje principal. Y evita cualquier referencia a las sonoridades de la serie "Star Trek", aunque algunos temas subrayen momentos relevantes (They're doing Star Trek", "Creating Uhura"). Las voces femeninas aparecen sobre todo en las secuencias que se relacionan con la NASA ("Astronaut training"), pero el compositor introduce algún homenaje a la música de sintetizador de los años setenta ("Stratos"), y alcanza de nuevo pasajes de explosión orquestal en la última parte de la banda sonora ("The final launch"). Nichelle Nichols, que ahora tiene 89 años y le fue diagnosticada demencia en 2018, también ha sido bailarina y cantante, comenzando su carrera musical junto a Duke Ellington. También se incluye una hermosa versión de "Fly me to the moon" que ella misma interpretó a los ochenta y cuatro años en 2016. 

To Olivia - Debbie Wiseman

Decca Records  19/02/2021

Centrada en el contraste entre el éxito profesional de  la pareja formada por el escritor Roald Dahl y la actriz Patricia O'Neal y, por otro lado, la tragedia personal que marcó sus vidas con la muerte de su hija, víctima del sarampión, To Olivia (John  Hay, 2021) ha sido calificada de manipuladora por el hecho de alterar los acontecimientos reales para enfatizar el dramatismo de la historia. En todo caso, nos permite recuperar para el cine a la compositora Debbie Wiseman, más enfocada en la televisión en los últimos años. Su trabajo es clásico, pero al mismo tiempo muy efectivo. Desde el tema principal ("To Olivia") que se construye sobre dos pasajes melódicos, que representan a los dos protagonistas, pero que están intrínsecamente unidos durante toda la banda sonora. El piano solitario se refuerza con la aparición de las cuerdas, construyendo un muy hermoso tema inicial que marca las pautas del resto de la partitura, y que tiene una nueva oportunidad de desarrollarse en temas como "Sorry a second time". La orquesta se vuelve más oscura en aquellas escenas que tienen relación con la enfermedad de la hija ("Gone for a walk"), donde hacen su aparición los violonchelos, dando un dramatismo casi fúnebre a la música. La controversia que ha provocado la película proviene sobre todo de la forma en que muestra la influencia que tuvo la muerte de la hija en el rodaje de Hud, el más salvaje entre mil (Martin Ritt, 1963), que le dio a Patricia Neal su único Oscar, porque en la realidad este rodaje se terminó cuatro meses antes de que se produjera la tragedia. Esta circunstancia se muestra al final de la partitura, en "And the Oscar goes to...", que expande la orquesta para finalizar con una ligera muestra de esperanza. Aunque Patricia Neal no pudo recoger el Oscar porque estaba en un estado avanzado de embarazo del que sería su cuarta hija. 

Raya and the last dragon - James Newton Howard

Walt Disney Records  26/02/2021

Aunque su nominación al Oscar por la excelente Noticias del gran mundo (Paul Greengrass, 2020) ha reconocido su trabajo durante el año de la pandemia, posiblemente sea esta banda sonora la que contiene un estilo más claramente ligado al compositor, que viene colaborando con Disney desde hace muchos años. La banda sonora de Raya y el último dragón (Don Hall, Carlos López Estrada, Paul Briggs, 2021) es espectacular en la utilización de instrumentaciones muy variadas, que mezcla instrumentos orientales con una gran orquesta, coros y percusiones. Y en este terreno el compositor se encuentra muy cómodo. El tema principal ("Young Raya and Namaari") es muy hermoso y vital, y desarrolla el crecimiento del personaje a lo largo del resto de la banda sonora. Mientras que en las composiciones para escenas de acción ("Betrayed", "Escape from Talon") James Newton Howard utiliza principalmente percusiones chinas, instrumentos de viento y orquesta. Curiosamente, tratándose de una historia con personajes chinos, no hay una presencia muy importante de sonoridades de la zona, aunque se utilizan instrumentos característicos como la flauta transversal, el laúd o la cítara. Pero James Newton Howard opta en algunos momentos destacados por la introducción de sintetizadores ("Noi and the origins"). Hay algunas composiciones especialmente logradas, como el mágico "Sisu swims", o esa versión de aire espiritual del tema principal que encontramos en "Running in raindrops", que son muy reconocibles como sonido de James Newton Howard, e incluso recuerda a otros trabajos suyos como Waterworld (Kevin Reynolds, 1995). La banda sonora brilla especialmente en la parte final, que muestra el crecimiento personal de la protagonista, el final de un viaje hacia la madurez y hacia una convivencia en paz. El ramillete de composiciones ("The Druun close", "Return", "The new world") quizás no están a la altura de otros trabajos suyos para Disney, pero es uno de los más elaborados y vitalistas que ha realizado en los últimos años.

Zack Snyder's Justice League - Thomas Holkenborg

WaterTower Records  18/03/2021

El estreno de esta visión de la Liga de la Justicia por parte del director Zack Snyder se ha convertido en uno de los acontecimientos cinematográficos del año, y ha logrado eclipsar a la llegada a HBO Max de Wonder woman 1984 (Patty Jenkins, 2020). Convertido en una especie de "acto de justicia" con el que Zack Snyder pudo cerrar su trilogía de películas DC, este montaje del director le permite construir una especie de épica de superhéroes que solo ha sido posible a partir del momento en que el desarrollo de las plataformas digitales ha aumentado, con HBO Max como exponente de las producciones de Warner Bros. También ha supuesto para Thomas Holkenborg la oportunidad de regresar a un proyecto del que fue desplazado tras la renuncia de Zack Snyder, siendo sustituido por Danny Elfman en Liga de la Justicia (Joss Whedon, 2017). Y el resultado está a la altura de esta "ópera gráfica" creada por el director, en la que resuenan con más intensidad las sonoridades épicas en una banda sonora casi omnipresente a lo largo de sus cuatro horas de duración. Mientras que en la reciente Godzilla vs. Kong (Adam Wingard, 2021) el compositor Junkie XL/Thomas Holkenborg no consigue captar la esencia mítica de los monstruos, en Zack Snyder's Justice League su capacidad para la creación de una gran obra musical es indudable.

En primer lugar, porque es una continuación estilística de las partituras de Hans Zimmer para El hombre de acero (Zack Snyder, 2013) y Batman v Superman (Zack Snyder, 2016), recuperando sobre todo el tema de Supermán ("I teach you, overman"), mientras que Danny Elfman hacía una anacrónica referencia a la música de John Williams. Pero al mismo tiempo creando leitmotivs nuevos como el de Wonder Woman, más tribal ("Wonder Woman defending/And what rough beast"), porque la representación que hace Zack Snyder del personaje es más guerrera, o incluso introduciendo un nuevo tema para Batman, que rompe con el personaje atormentado de Batman v Superman para construir un perfil más heróico, que aparece en su majestuosidad coral al final de "A hunter gathers". Pero quizás el mayor acierto de Thomas Holkenborg es la creación de un tema sublime para la Liga de la Justicia ("Fight is our nature"), más desarrollado en "The crew at Warpower", que contrasta en su concepto heroico con la oscuridad del leitmotiv de Steppenwolf ("Indivisible"). Es un trabajo musical que se adhiere a las imágenes de Zack Snyder (más interesante en su faceta visual que en la narrativa), y que contribuye a otorgar a la película su carácter épico.  

Senior moment - Laura Karpman
Moviescore Media 26/03/2021

La compositora Laura Karpman es conocida especialmente por sus trabajos para televisión, con los que ha ganado 5 premios Emmy. Suyas son las bandas sonoras de Underground (WGN, 2016-2017) o Lovecraft Country (HBO Max, 2020-), y también de la comedia romántica Love is love is love (Eleanor Coppola, 2020). En el caso de Senior moment (Giorgio Serafini, 2021), se trata de una historia de amor en la madurez, con tres veteranos actores como protagonistas: William Shatner (volvemos al Capitán Kirk), Jean Smart y Christopher Lloyd, para la que la compositora ha creado una muy entretenida banda sonora repleta de hallazgos sonoros de una gran variedad creativa. El tema principal (“Senior Center”), es una dinámica composición apoyada en las bases electrónicas y el piano, que introduce al comienzo de la película elementos latinos, pero se va desarrollando hacia diferentes texturas a lo largo de la historia, como en “Car crash”, cuya introducción con un solo de batería le da una sonoridad jazzística. La mezcla entre los instrumentos orgánicos, que se asocian a estos personajes maduros (“Romance”) con ráfagas de sonidos electrónicos en forma de remixes (un poco al estilo de los ochenta), que aportan una vitalidad nostálgica (“Girl chase”), dan como resultado una sonoridad particular, alegre y desenfadada. Hay momentos más dramáticos como el magnífico “Heart attack”, que está construido casi como si se tratara de un tema de acción con toques de jazz. Pero nos quedamos sobre todo con el maravilloso canto a la vida que es “The calvary”.

La templanza - Iván Palomares

Lakeshore Records/Amazon  26/03/2021

La serie que adapta la novela de María Dueñas cuenta con una puesta en escena muy cuidada y, a pesar de algunos elementos de dirección que no encajan bien, se trata de una producción que ha sorprendido por su buen acabado, en una historia ambiciosa que se desarrolla entre Jerez, México y La Habana, representados con mayor o menor fortuna en la isla de Tenerife donde se rodó, que consigue desprenderse de la etiqueta de folletín para componer una serie de época más consistente. A ello contribuye la excelente composición musical de Iván Palomares, que se construye a partir de un tema principal muy hermoso ("La Templanza Opening Titles"), que tiene ese carácter de cierta épica romántica (anticipando el encuentro posterior entre los dos personajes principales), y que escuchamos más desarrollado en "Alan's Theme and the passage time", con el que se realiza ese recorrido de veinte años que nos lleva hasta los dos protagonistas de la historia, tras un prólogo dedicado a su juventud. Iván Palomares introduce también elementos electrónicos que otorgan cierta atemporalidad a la música, pero sobre todo subrayan esa época de transformación y modernización en la que se desarrolla la historia. El ambiente latinoamericano se muestra con la guitarra acústica como principal instrumento, centrado en personajes ("Fausta Calleja") o en espacios  ("Havana Harbor"), mientras que el viñedo de Jerez, escenario principal, se describe a través de la guitarra flamenca interpretada por Jaime Batanero en el magnífico "Reviving La Templanza", una mezcla de sonoridades flamencas e instrumentaciones de cuerda que funciona muy bien, y que se hace especialmente hermosa al final del episodio 4, en la escena de la muerte de uno de los personajes secundarios, que remite directamente a las raíces, con una especie de lamento flamenco interpretado por la voz de Marta Cañas. La edición digital, sin embargo, es muy breve, y no contiene muchas composiciones que en la serie tienen fuerza, como el rescate en la mina. Interpretada por la Sofia Session Orchestra & Choir, se trata de una banda sonora espléndida con una fuerte carga romántica. 

Akelarre y The serpent se pueden ver en Netflix. 

Patria y Zack Snyder's Justice League se pueden ver en HBO.

Wandavision se puede ver en Disney+.

La Templanza se puede ver en Amazon Prime.