Nuestro último repaso a las mejores bandas sonoras del año se centra en las ediciones discográficas que se han publicado entre octubre y diciembre. Con esta lista de música de cine destacada terminamos esta recopilación de trabajos para el cine que nos han parecido especialmente destacables, entre los que se encuentran compositores españoles como Alberto Iglesias o Zeltia Montes, pero también algunas recopilaciones dedicadas a la obra de músicos reconocidos en el ámbito cinematográfico.
MovieScore Media 1/10/2021
El joven compositor holandés Matthijs Kieboom es uno de los más interesantes de su país, y ya hemos comentado anteriormente algunas de sus bandas sonoras destacadas para películas como Wild (Luc Enting, 2018) y Pirates down the street (Pim van Hoeve, 2020), todas ellas editadas por MovieScore Media. Su último trabajo es el telefilm Alles van waarde (Stanley Kolk, 2021) producido por la cadena de televisión EO (Evangelische Omroep), una red de difusión de tipo religioso, que se estrenó el pasado mes de octubre. La historia comienza con un ataque violento contra dos hombres junto a una iglesia, que después se averigua que se trata de violencia homofóbica. El compositor utiliza un quinteto de cuerdas para introducir los elementos principales de la película, que tienen que ver con la aceptación de los demás, pero sobre todo con la aceptación de uno mismo. La película se desarrolla a través de la investigación de la detective Narin (Sinem Kavus), pero también se mezcla con la reconstrucción que hace el propio director durante la preparación del rodaje, por lo que se establece una conexión entre el género documental y la ficción que no siempre funciona. Pero la banda sonora se centra más en la historia de Rick (Abe Dijkman) y Marc (Teun Luijkx), y especialmente en las dudas que tiene este último sobre su relación en un entorno profundamente religioso. La música de Matthijs Kieboom se adentra en los terrenos del thriller ("Question Marks"), pero es más interesante en su vertiente más íntima. El compositor reinterpreta dos himnos religiosos para convertirlos en los temas principales de la banda sonora ("Love", "I am there, all the way"), que se sostienen en el piano y las cuerdas para describir los sentimientos, anotados por el uso del órgano que aporta el entorno religioso que oprime a los amantes. El quinteto de cuerdas destaca en composiciones que en algunos momentos de suspense parecen usar como referencia la música de Bernard Herrmann ("I don't want to lose this"), pero también se utiliza de una forma más agresiva en otras escenas ("Behind the church", "What are you doing?"). Destaca especialmente el tema de larga duración con el que se cierra la banda sonora ("Who is your God?"), que de nuevo introduce el órgano junto a los instrumentos de cuerda para establecer un diálogo entre ambos (la religión frente a los sentimientos), y que se desarrolla como tema de los créditos con la introducción de las percusiones.
Quartet Records 8/10/2021
La última película de Pedro Almodóvar es un melodrama político que en cierta manera utiliza los recursos del melodrama para hablar de la memoria de un país al que divide su mirada al pasado. Madres paralelas (2021) está protagonizada por hijas huérfanas o abandonadas, que creen en los brazos de madres que no son suyas, y establece un misterio central que evoca los melodramas de Douglas Sirk. En cierta manera, se podría decir que es una película que abraza el pasado también en su forma, que asume un lenguaje cinematográfico tradicional, y a ello contribuye también la música de Alberto Iglesias, que está presente para exponer el doble sentido de la historia, que parece elaborarse más en el terreno político que emocional. El piano se convierte en un instrumento que está presente en la representación de la vida ("Fotos a la niña"), pero también en la visión de la muerte ("En procesión/La fosa"). Porque si durante parte de la película la subtrama sobre el desenterramiento de las fosas comunes parece tener poca cohesión con la historia, lentamente nos damos cuenta de que se trata en realidad de un hilo conductor, que la música revela como tal desde el principio. El compositor española utiliza una formación instrumental pequeña, principalmente de cuerdas, con violines, viola, violonchelos y clarinete que establecen una ambientación de misterio, como en ese encuentro entre Arturo (Israel Elejalde) y Janis (Penélope Cruz) que se representa en "El visillo volante", que dará paso a la primera representación de la vida. Esta música de melodrama es la que acompaña a la relación entre ambos ("Las visitas") y que conecta el pasado con el presente. El arpa interpretada por Skaila Kanga se convierte en el instrumento de la revelación ("Prueba de maternidad", "Revelación de los secretos"), que regresa al final, junto al piano, para conectar la vida con la muerte, los secretos con las verdades, el pasado con el presente ("En procesión/La fosa").
Quartet Records 15/10/2021
Otro de esos trabajos sobresalientes de Zeltia Montes, que se está convirtiendo en uno de los nombres de referencia en el cine española gracias a su inabarcable inspiración que le permite adaptarse con facilidad a cualquier género, aunque la comedia no es el más habitual en su filmografía, más enfocada en el documental y el drama. Quizás el trabajo musical que la acerca más a este género es la película de animación La tropa de trapo en el país donde siempre brilla el sol (Alex Colls, 2010). Pero El buen patrón (Fernando León de Aranoa, 2021), que nos devuelve al director en su mejor estado de forma, es una comedia cínica en torno a un personaje complejo, y por tanto tiene un componente aún más difícil, que Zeltia Montes ha conseguido abordar con éxito. Su banda sonora está intrínsecamente ligada al personaje principal, Blanco (Javier Bardem), un monstruo con piel de cordero, y la música que la compositora le otorga de alguna manera funciona como complemento del personaje, una especie de representación de ese lado cínico que ayuda al espectador a situarlo en su contexto. La utilización de los instrumentos de viento como los clarinetes y ese compás irónico que aportan las cerdas en el tema principal ("Básculas Blanco") describen la doble cara del personaje desde el principio, definen y dibujan su personalidad maquiavélica ("Nuestros problemas son también sus problemas"). La banda sonora tiene un carácter intimista, sin embargo, muy apegado a los personajes, a través de una pequeña sección de instrumentos de la Sinfónica de Budapest, con la que se grabó la música. Hay alguna sonoridad cercana a Ennio Morricone, un compositor al que Zeltia Montes admira especialmente, en composiciones más dramáticas ("La moto"), que nos recuerdan a ese sonido característico del maestro italiano, especialmente en temas como "Me gustas de siempre", que incorpora las percusiones. La banda sonora se haciendo progresivamente más oscura conforme el personaje de Blanco va descubriendo su verdadera personalidad, y se presenta casi en tono de thriller ("El pueblo también caga") con el predominio de las cuerdas y los teclados. Es interesante cómo los clarinetes (lo afable) van dejando paso cada vez en mayor medida a las cuerdas ("lo oscuro"), estableciendo un magnífico desarrollo del personaje a través de la evolución musical, hasta desembocar en ese espléndido tema de los créditos finales ("La justicia") que en principio Zeltia Montes tenía previsto titular "La puta realidad" que, al fin y al cabo, es lo que muestra de forma espléndida esta nueva gran película de Fernando León de Aranoa.
Milan Records 15/10/2021
Primer trabajo del guitarrista Tóti Guđnason para el cine como compositor en solitario, después de haber trabajado junto a Hildur Guđnadóttir en la banda sonora de Joker (Todd Phillips, 2019). Como curiosidad, Tóti e Hildur son hermanos, aunque parezca que tienen apellidos diferentes, ya que en Islandia los apellidos se forman con el nombre del padre seguido del sufijo son (hijo de) o dóttir (hija de). Otras de las colaboraciones del compositor han sido en las bandas sonoras de Ólafur Arnalds para la serie Broadchurch (ITV, 2013-2017) y de Högni Egilsson para Katla (Netflix, 2021-). Por tanto, el estilo musical de esta película que tiene un planteamiento singular en el que los elementos fantásticos se introducen en la vida familiar de los protagonistas, sigue en cierta manera las sonoridades inquietantes de algunos de los trabajos en los que Tóti Guđnason ha participado. La película estaba pensada en un principio sin música, pero poco a poco fueron necesarios apuntes sonoros que crearan una atmósfera de cuento fantástico. El propio compositor define su banda sonora como un intento de diseñar algo "cercano al silencio", que representara de alguna forma esa sensación de quietud rural que describe la historia, y que permite por tanto que permanezcan en las sombras elementos de fantasía que conectan con la tradición mitológica de Islandia. La música comienza creando un ambiente inquietante ("Prelude") que se sostiene en sonidos de sintetizador para incorporar una cierta sensación etérea y al mismo tiempo maternal en la escena del parto ("The lambing"), en la que ya se nos advierte que ocurre algo extraño en el cordero recién nacido, cuyo leitmotiv ("Ada", "Searching for Ada") incorpora sonoridades de voces y violonchelo. Una de las escenas importantes de la historia, que se refiere al sentimiento maternal que enfrenta a Maria (Noomi Rapace) y la madre del cordero ("Mothers"), está expresado a través de unos violonchelos contundentes al principio, para ir luego creando un crescendo tenso. La banda sonora introduce sonoridades diferentes cuando se refiere al personaje de Pétur (Björn Hlynur Haraldsson), que es el tercer vértice foráneo que se incorpora a la historia ("Uncle Pétur"), y que de alguna manera enturbia esa atmósfera de cuento que se vive en la granja aislada. La banda sonora termina con el tema que da título a la película ("Dýriđ"), que contiene esa representación del silencio rural a través de una cierta tonalidad etérea, de ascensión, como si Ada fuera un ser vivo más allá de este mundo, acrecentado por una voz femenina que le da también cierto carácter religioso.
Hollywood Records 15/10/2021
Suele comentar Harry Gregson-Williams en las entrevistas que su trabajo comenzó de una forma poco convencional. Se trata de la primera colaboración con Ridley Scott desde que comenzara a trabajar en Alien: Covenant (2017) pero el director rechazara su partitura. Tras haber compuesto la música de películas como El reino de los cielos (2005), Marte (2015) y recientemente La casa Gucci (2021), se incorporó al proyecto cuando el rodaje se encontraba detenido a causa del coronavirus, y el director le pidió que comenzara componiendo un tema para la última página del guión (una escena que finalmente no aparece tal cual en la película). De ahí surgió la composición que cierra el álbum, "Celui que je désire", un hermoso tema vocal asignado a Marguerite (Jodie Comer) que se convierte en el tema sobre el que gira buena parte de la banda sonora. Está inspirado en una composición del músico medieval Thibaut de Champagne e interpretado por la soprano Grace Davidson, y se escucha a lo largo de buena parte de la banda sonora, lo que refuerza el punto de vista de la película, que cuenta un mismo acontecimiento desde tres versiones diferentes, pero es la de Marguerite la que predomina. En sentido opuesto a su colaboración en El reino de los cielos (Ridley Scott, 2005), el compositor decide no componer música para las escenas de batalla, sino que adopta la misma estructura de la película, dedicando un leitmotiv a cada uno de los personajes. Para Jean de Carrouges (Matt Damon) crea un tema con cierto tono heroico ("Jean de Carrouges"), que muestra la forma en que el personaje se ve a sí mismo, como un gran guerrero, aunque sus incursiones militares suelen acabar en fracasos. El tema se combina en varias ocasiones con el de Marguerite ("I offer you a name"), haciéndose más sosegado e introduciendo voces corales de Voces8, pero en el que la música de Marguerite, con base de viola de gamba, muestra su insatisfacción en el matrimonio. Por su parte, la composición dedicada a Jacques Le Gris (Adam Driver) es la más oscura, utilizando la voz del contratenor Iestyn Davies como una especie de aullido de lobo, y otorgándole el carácter más intrigante, sobre todo en el momento previo al encuentro con Marguerite ("Forgive me for intruding"). Harry Gregson-Williams introduce sintetizadores, sobre todo en la música que se refiere al duelo ("The duel"), pero usa instrumentos solistas medievales como la viola de gamba, el dulcimer o el laúd. Para los entornos relacionados con los personajes, hay una textura de música religiosa ("Court of King Charles"), que se hace más evidente en algunos momentos de introspección de Le Gris ("Confession"), que de alguna manera retrata la dualidad del personaje. Se trata de un trabajo notable, en el que Harry Gregson-Williams crea uno de sus mejores acercamientos a la música medieval.
Mondo 22/10/2021
El retraso en el estreno de numerosas películas provocado por la pandemia ha hecho que se hayan publicado varios trabajos del compositor Ben Lovett en los últimos meses de 2021. Entre ellos, nos parece especialmente interesante su nueva colaboración con Jacob Gentry, con el que trabajó en Synchronicity (Jacob Gentry, 2015). En este caso se trata de una película que bebe directamente de las películas sobre conspiraciones de los años setenta, como Klute (Alan J. Pakula, 1971) o El último testigo (Alan J. Pakula, 1974), a través de la investigación que realiza James (Harry Shum, jr.), un archivista de videos, en torno a una serie de inserciones de extrañas grabaciones en medio de la programación de dos cadenas de televisión de Chicago, que provenían de señales intrusas que manipularon las emisiones. Se trata de un hecho real ocurrido en 1987 que se conoce como el Incidente Max Headroom, porque en estas emisiones piratas aparecía una figura con la máscara del personaje de la serie Max Headroom (ABC, 1987-1988). Ben Lovett se inspira en bandas sonoras compuestas por David Shire, Michael Small y Lalo Schifrin ("Uncertain motives") para componer un trabajo musical que introduce también referencias al cine negro clásico, especialmente a través del uso de la trompeta, interpretada por Ben Hovey ("Opening Titles (James)", "Staircases to nowhere"), pero también en temas de acción que incorporan los platillos y una voz femenina con cierto aire misterioso ("Chinatown"). El compositor aporta asimismo una sonoridad que evoca a la época en la que se desarrolla la historia, el año 1999, un año antes del "efecto 2000", grabando la música mezclada en cintas VHS, de forma que el sonido tiene un ligero zumbido que retrotrae a la comunicación analógica ("Rock bottom"). En este sentido, se trata de una banda sonora que por sus características es más disfrutable en su edición en vinilo que con la limpieza sonora de la edición digital. Pero la película reflexiona sobre todo en torno a las teorías conspiranoicas y la obsesión del protagonista por encontrar al responsable de esos secuestros de emisiones, que Ben Lovett representa a través del piano interpretado por Taylor Pierson y la flauta que interpreta Gina Luciani ("Follow the tapes"). Un interesante trabajo musical que utiliza las sonoridades retro para crear una música inquietante y al mismo tiempo seductora.
Bedroom Community 29/10/2021
Esta es una banda sonora de reencuentro, con la que el compositor Nico Muhly publica de nuevo en Bedroom Community, un sello discográfico y colectivo de músicos que creó junto a Ben Frost y el ingeniero de sonido Valgeir Sigurðsson, y que tiene sede en Reykjavik. De hecho, es la primera vez en varios años que se reúnen algunos de los miembros fundadores de esta comunidad en la grabación de un disco. Gift of fire (Hiroshi Kurosaki, 2020) es una película japonesa que se centra en la carrera por la construcción de una bomba atómica que iniciaron durante la II Guerra Mundial los Estados Unidos, Rusia y Japón, centrándose en este último. El protagonista es Shu (Yûya Yagira), un joven científico que se introduce en el equipo liderado por Fumaku Arakatsu (Jun Nunimura) para construir esta bomba antes que los norteamericanos, y que poco a poco se irá planteando cuestiones éticas sobre los límites de la ciencia. Nico Muhly, que también ha puesto música recientemente a la excelente película The humans (Stephen Karam, 2021) crea en esta ocasión una pieza de música de cámara, que se sostiene sobre tres instrumentos principales: el piano que interpreta él mismo, la viola de Nadia Sirota y las percusiones de Justin Peters, con algunas aproximaciones sonoras de los sintetizadores. De forma que se compone una música intimista en la que no se asignan instrumentos solistas a los personajes, como podría ser lo habitual, sino que se construye una interacción entre los tres instrumentos principales para crear la atmósfera y las sensaciones que transmite la película. Esto se muestra claramente en el magnífico tema "Meeting", que comienza con percusión, incorpora después el piano e introduce a continuación el sonido rasgado de la viola, mostrando una tensión creciente en una composición que camina en la frontera del jazz. Cuando el científico protagonista visita al alfarero que le proporciona el uranio para una aleación amarilla, éste le dice que ya solo usa el color blanco para los ataúdes de los jóvenes que han ido a la guerra ("Yellow, fission & Title"). El sentimiento de fatalidad de un país que parece destinado a destruir o a ser destruido se expresa a veces con la introducción de sonoridades de órgano ("I have to die"), pero también hay algunos apuntes más melódicos y melancólicos ("Come back safe") expresados a través de algunos solos de piano de gran belleza. Gift of fire es un trabajo musical intimista, muy hermoso y emotivo que se refleja en momentos espléndidos como "Run to Setsu", y que consigue evitar los lugares comunes de la música de cine para adentrarse en terrenos más arriesgados.
Back Lot Music 29/10/2021
No se pueden separar las dos ediciones publicadas de la banda sonora de Última noche en Soho (Edgar Wright, 2021) porque la selección musical de temas clásicos de la música inglesa de los años 60 juega un papel fundamental en la película, hasta el punto que casi se podría definir como una especie de musical de terror. El director realiza un homenaje a la vida nocturna del Londres de esa década, incorporando iconos musicales, y también algunas estrellas del cine del momento como Diana Rigg (en su última película antes de fallecer en 2020), Terence Stamp o Rita Tushingham. Ana Taylor-Joy, que interpreta a la exuberante Sandie en los recuerdos del
Para el personaje de Eloise, la protagonista, el compositor nacido en Nottingham crea un tema acogedor al piano ("When I feel more at home", "Feel free to run a mile"), que es un momento de sosiego en una banda sonora que tiene sonidos contundentes, como en la escena en la que ella se siente acosada por las figuras del pasado ("Leave me alone"), una rotunda composición orquestal que incorpora metales y percusión de una forma que es cada vez más agresiva, y que en su segunda mitad podría ser perfectamente un tema para una película de James Bond. La presencia de Sandie, el recuerdo del pasado que aparece en la mente de la protagonista, está presente de forma constante, a través de susurros y frases que se escuchan en muchos de los temas. En los últimos pasajes de la partitura, Steven Price incorpora otro elemento brillante, un violín ("You have to let me go") que le da a la conclusión un ligero tono gótico y de resolución de un misterio.
Milan Records 5/11/2021
Esta película ha cosechado críticas en general bastante adversas, a pesar de ser un interesante acercamiento repleto de buenas ideas visuales a la figura del ilustrador Louis Wain (Benedict Cumberbatch), que se hizo famoso por sus dibujos de gatos en la Inglaterra victoriana, una época en la que a los gatos no se les consideraba como mascotas, sino como animales que solo servían para cazar ratones. Los dibujos del artista cambiaron la perspectiva de toda una sociedad respecto a los gatos, y hoy en día siguen formando parte de la iconografía artística inglesa. Pero la vida de Louis Wain estuvo marcada por la tragedia y una incapacidad para rentabilizar su fama, de forma que la película, a pesar de su tono amable, es básicamente una historia sobre el dolor. The electrical life of Louis Wain (Will Sharpe, 2021) es una producción de Amazon Prime que ya se puede ver en la plataforma en algunos países, pero que a España no llegará hasta abril del próximo año, y que cuenta con un reparto lleno de nombres destacados como Andrea Riseborough, Toby Jones, Taika Waititi, Nick Cave, Richard Ayoade y Olivia Colman como narradora. El compositor de la banda sonora, Arthur Sharpe, es el hermano del director, con el que ha trabajado desde sus primeras películas como Black pond (Tom Kingsley, Will Sharpe, 2011) y The darkest Universe (Tiani Ghosh, Will Sharpe, 2016), hasta las series Flowers (Seeso, 2016-2018) y la recién estrenada Cómo meterse en un jardín (Landscapers) (HBO Max, 2021). La idea principal de la historia de Louis Wain se refiere a lo que él llamaba "electricidad", la interrelación de diferentes elementos emocionales que conseguían un equilibrio perfecto, y que él solo conoció durante el breve periodo de tiempo en el que estuvo casado con Emily Richardson (Claire Foy), el amor de su vida. Para recrear esta idea de la electricidad, Arthur Sharpe utiliza dos instrumentos solistas que aportan un cierto tono de ensoñación. Por un lado, la sierra musical, interpretada por Austin Blackburn, que aparece en los momentos más ensoñadores ("Electricity") y bucólicos ("Precious weeks"), que en cierto modo refleja esa vida soñada por el artista que prácticamente le fue imposible alcanzar. Por otro lado el theremin, interpretado por Lydia Kavina, que está ligado al personaje de Louis Wain ("Elizabeth terrace"), pero que en muchos casos está acompañado por un violín, interpretado por Clio Gould, que hace presente la constante infelicidad que marca la vida del protagonista. Arthur Sharpe utiliza con brillantez la orquesta para recrear la elegancia de los salones de la época, en temas que utilizan el tempo del vals ("An extraordinary new discovery") que a veces tienen cierta sonoridad a la música de Rachel Portman. Otra idea brillante es la introducción de voces corales que evocan al maullido de los gatos ("Popular Wain") y que aportan un tono burlesco al éxito de las ilustraciones en la sociedad inglesa. La partitura se va haciendo cada vez más melancólica conforme se acerca la vejez de Louis Wain y se hacen visibles sus problemas psiquiátricos ("The Louis Wain Fund"), y entonces predomina el violín y la sierra musical ("The electrical life of Louis Wain"), que cierran un hermoso e imaginativo trabajo de Arthur Sharpe.
Lakeshore Records 10/11/2021
La actriz Rebecca Hall debuta en la dirección con esta elegante película que cuenta con una espléndida fotografía en blanco y negro del español Eduard Grau, en torno a la raza y la identidad. La historia está llena de ambigüedades que la directora transmite a través de un formato 4:3 y una clara elegancia en la disposición de los planos. Rebecca Hall es hija de la cantante de ópera Maria Ewing, mestiza de madre blanca y padre afroamericano, lo que explica su capacidad para encontrar esos matices que alimentan una película a la que se le ha criticado cierta frialdad. La banda sonora de Devonté Hynes abunda en esta ambigüedad a través de dos planos diferentes. Por un lado, utiliza muy asiduamente la composición "The homeless wanderer" de la pianista Emahoy Tsegué-Maryam Guèbrou, artista etíope que huyó a Londres cuando Mussolini invadió su país en 1935. Se trata de un tema que representa al personaje de Clare, pero que suena principalmente cuando aparece Irene caminando hacia su casa, es la representación de esa constante presencia de esa vida que traspasa los límites de la segregación y que parece más libre que la suya propia. El tema, sugerido por la propia Rebecca Hall, está muy presente en la película, pero no aparece en la banda sonora editada, solo en algunos apuntes ("Clare's letter"). Por su lado, Devonté Hynes aporta la elegancia de los instrumentos solistas que tienen su principal presentación en la música que se asigna a Irene ("Passing"), y que inteligentemente se construye como un dueto de trompetas que en la película se escucha con cierta lejanía, es el sonido de un vecino al que nunca vemos que practica la trompeta. Y esta representación del tema de Irene "fuera de ella" es una clara visión de su propia personalidad como una mujer que parece querer algo diferente a la vida que tiene, y que está presente en esa "libertad ficticia" de Clare. La relación entre las dos amigas que se reencuentran ("Irene and Clare") se muestra a través de un tema que une la trompeta (Irene) y el piano (Clare), con una cadencia elegante y melancólica. La primera vez que vemos a Irene, al comienzo de la película, está practicando el "passing" del título, cuando se hace pasar por una mujer blanca para acceder a los elegantes salones de un hotel de lujo al que no tienen acceso las personas de raza negra, una secuencia que se describe con un solo de piano ("The Drayton"). La edición de la música de Devonté Hynes dura tan solo veinte minutos, dada la presencia muy sutil a lo largo de la película, pero describe los matices de la historia a través de composiciones para piano y trompeta que sugieren cierto tono lánguido ("Autumn") pero de gran belleza.
Plaza Mayor 10/11/2021
El compositor madrileño Navid Hejazi alterna su trabajo en películas españolas como La piel del volcán (Armando Ravelo, 2021) con producciones internacionales tras graduarse en el Conservatorio Real de Madrid y el Berklee College of Music de Boston. Ha colaborado con compositores como Nima Fakhrara en The signal (William Eubank, 2014) y Becky (Jonathan Milott, Cary Murnion, 2020), pero éste es su proyecto más ambicioso. Guidance (Neysan Sobhani, 2021) es una producción china que tiene cierto paralelismo con esa ciencia-ficción romántica que hemos visto recientemente en otras películas como El canto del cisne (Benjamin Cleary, 2021) que proponen una relación sentimental en un entorno futurista. En este caso, una pareja decide probar un dispositivo que proporciona una vida sin mentiras a través de la ingestión de una pastilla, pero ambos subvierten Guidance para que a través de la mentira y la manipulación su relación pueda sobrevivir. Navid Hejazi estructura su banda sonora en dos ámbitos diferentes: el sonido futurista que se asocia al dispositivo y al entorno a través de sonoridades de sintetizador ("Guidance Infomercial", "Install pill"), y las composiciones que tienen un trasfondo más orgánico en relación a los personajes principales. El violín se convierte en estos pasajes en el instrumento solista ("Your father"), pero la relación sentimental entre los dos protagonistas está representada a través del piano ("The painting", "You still love him"), siempre en un tono melancólico que refleja una relación frágil y quebrada. Es un planteamiento sencillo, que confronta lo natural con lo artificial, los instrumentos tradicionales con los sintetizadores, pero que funciona perfectamente. Hay una cierta tonalidad tensa, de fatalidad, que se presenta desde el inicio ("Intro"), pero cuando aparece el violín solista (el ser humano) encontramos una creación melódica, de cierta belleza trágica. La música de Navid Hejazi a veces se inspira en los sonidos característicos de Hans Zimmer, posiblemente debido a sus prácticas en Remote Control, la empresa del compositor alemán, especialmente en el tema "Nightmare", que luego se desarrolla en la hermosa suite final ("I have to tell you something"). Guidance es un trabajo inspirado de Navid Hejazi que ya le sitúa, pese a su reciente incorporación al mundo de las bandas sonoras, en un compositor español al que hay que seguir.
Mercury Classics 12/11/2021
Jonny Greenwood se ha forjado en los últimos años una destacada posición como compositor de música de cine, principalmente a través de sus colaboraciones con el director Paul Thomas Anderson en películas como Pozos de ambición (2007), El hilo invisible (2017) o recientemente Licorice Pizza (2021). Pero este final de año nos propone otros dos trabajos con realizadores tan diferentes como Pablo Larraín y Jane Campion, pero que tienen en común un acercamiento íntimo a los personajes. De alguna forma, Jonny Greenwood utiliza los elementos tradicionales de la composición para cine, pero derivando hacia sonoridades más experimentales, con ciertas influencias de compositores como Krzysztof Penderecki. De esta forma, sus trabajos recientemente publicados reinterpretan los géneros tradicionales del drama de época y del western para convertirlos en algo sustancialmente diferente. La propuesta del director Pablo Larraín se centra en la descripción psicológica del personaje de Diana (Kristen Stewart), reticente a participar en la tradicional reunión familiar navideña. Conforme se acerca a ese encuentro marcado hasta el más mínimo detalle, que para ella resulta asfixiante, se introduce el tema principal ("Spencer"), que está compuesto para piano, pero que al comienzo de la película se interpreta al violín para ir desviándose hacia el terreno del jazz, con predominio de la trompeta de Byron Waller y la batería de Tom Skinner, que junto a Thom York forma parte del grupo The Smile. Se contrapone de esta forma el clasicismo de la música barroca con la "libertad" del jazz, la tradición con la visión más contemporánea que tiene Diana ("Ancient and modern"), mezclando el clavecín barroco, interpretado por Katherine Tinker de la London Contemporary Orchestra, con la trompeta. Pero la película muestra a un personaje que está en un entorno incómodo, a la que se exige que cumla unas normas férreas (tiene un vestido asignado a cada encuentro familiar), y en cierta manera Diana tiene cierto paralelismo con el personaje de Rose en El poder del perro (Jane Campion, 2021). Es notable la escena de la cena de Nochebuena, en la que no hay diálogos y solo la música "(The pearls") expresa la frustración y la as alucinaciones de la protagonista, desde un comienzo clásico hasta una sonoridad cada vez más disonante del cuarteto de cuerdas. Hay una cierta textura de terror en este recorrido psicológico de Diana, con la representación de fantasmas que conectan con su pasado ("Home/Lacrimosa"), e incluso las composiciones más tradicionales y hermosas ("Crucifix") tienen un tono melancólico y triste.
Lakeshore Records 17/11/2021
La banda sonora de El poder del perro (Jane Campion, 2021) es la más compleja de las dos que comentamos, porque está muchas veces en contradicción con las imágenes. Esto es importante en una película en la que destaca el subtexto bajo la superficie, en la que las emociones interiores de los personajes muchas veces no se reflejan de forma externa, pero se expresan a través de las miradas y el lenguaje corporal. Esto también le sirve a Jonny Greenwood para revertir los sonidos característicos del género Western, por ejemplo, cuando decide interpretar el violonchelo como si se tratara de un banjo en el momento en que Peter (Kodi Smith-McPhee), al que Phil (Benedict Cumberbatch) llama despectivamente Miss Nancy, llega a la casa ("Miss Nancy arrives"). O cuando utiliza una pianola mecánica ("Detuned mechanical piano") para el momento en el que Rose (Kirsten Dunst) toma una decisión importante. De hecho, el piano es el instrumento principal para la protagonista ("West alone"), ya que éste se convierte también en la representación de su opresión en un entorno en el que no encaja, que se muestra a través de un sonido distorsionado ("Paper flowers"). Las cuerdas se circunscriben al carácter más romántico de George (Jesse Plemons) especialmente en temas que aportan calidez ("So soft"), mientras que la compleja personalidad de Phil se describe con sonoridades más duras, más contundentes ("Mimicry", "They were mine"). Es interesante también el uso de los instrumentos de viento, en este caso dos trompas interpretadas por Richard Bayliss y Carys Evans, con los que el compositor subraya ese paisaje extraño del Oeste americano rodado en Nueva Zelanda y que, según Jonny Greenwood, se inspiró en las secciones de viento de la serie Star Trek (Paramount, 1966-1969). Este uso de cierta inquietud onírica se asocia también a la relación entre Phil y Peter, que se asienta en el entorno ("Best friends"). La música funciona en esta banda sonora como representación del interior de los personajes, y por tanto actúa en contradicción con las imágenes, lo que la convierte en una propuesta mucho más efectiva.
22D Music 26/11/2021
Fiel a la tradición del buen cine de animación que se produce en Francia, La cumbre de los dioses (Patrick Imbert, 2021) es una excelente muestra de las producciones que están enfocadas hacia un público adulto, a través de la adaptación de un manga en cinco volúmenes escrito por Jirō Taniguchi y Baku Yumemakura, y que fue estrenada en una sesión especial del Festival de Cannes. La película se enfoca en la búsqueda que realiza un fotógrafo de un alpinista que escaló el Everest, pero tiene un tema principal más amplio que reflexiona sobre la superación del ser humano y la necesidad de alcanzar los límites. Es una película que requiere de una banda sonora que describa los momentos solitarios de la escalada, y el compositor franco-tunecino Amin Bouhafa realiza un trabajo notable. Ganador de un premio César por Timbuktu (Abderrahmane Sissako, 2014), su experiencia en la animación está precedida por la serie Las aventuras de Paddington (Nickelodeon, 2020), pero éste es un trabajo diferente, en su condición de película para adultos. Por tanto, su acercamiento es más cercano a una película de ficción, introduciendo elementos electrónicos junto a guitarras en las escenas de la ciudad ("Looking for Habu"), pero desplegando una cierta melancolía en los momentos que recuerdan el pasado de Habu, el escalador desaparecido, y su compañero Mallory ("Mallory's legacy"), con el uso de los violonchelos y una cierta sensación de alucinación, para la que introduce teclados de sonoridad etérea como el ondes martenot o el cristal de Baschet, un instrumento creado en los años cincuenta, ambos interpretados por Thomas Bloch. Es precisamente en las secuencias que se desarrollan en la montaña donde Amine Bouhafa despliega una cierta melancolía en temas de gran belleza ("Habu's farewell", "The mountain call"), con la introducción de la flauta bansuri india y el piano que interpreta él mismo. La voz de la cantante japonesa Etsuko Chida está presente como un hermoso lamento fúnebre que es al mismo tiempo una especie de llamada de la montaña ("Fading in the snow", "The rope"). En el camino de la escalada, que es una metáfora de la búsqueda de un camino personal, es donde brilla especialmente la música, porque apenas hay diálogos en el ascenso en solitario. Y construye temas emocionantes como el melancólico "Ghost of a child" o "Through the Khumbu Valley", que es una hermosa composición para guitarras. El tema principal, que es el tema de la montaña, de la necesidad de superación para alcanzar la "cumbre de los dioses", está presente a lo largo de toda la banda sonora, y se despliega a través de los instrumentos de viento como el clarinete bajo, que refuerza la épica ("The summit"). Grabado en Abbey Road, como curiosidad apuntar que el director de la orquesta, James Shearman, es el mismo de la banda sonora de Madres paralelas (Pedro Almodóvar, 2021).
Silva Screen Records 26/11/2021
En la edición de este año de los World Soundtrack Awards, se pudieron celebrar los conciertos en directo de forma presencial que el año pasado solo se ofrecieron online debido a la pandemia del coronavirus. Max Richter y Eleni Karaindrou fueron los protagonistas de estos conciertos, pero también se realizaron las ediciones discográficas habituales de homenajeados de años anteriores interpretadas por la Brussels Philharmonic y el coro Vlaams Radiokoor, bajo la dirección de Dirk Brossé. Los tres discos editados este año son en realidad ampliaciones de ediciones anteriores dedicadas a los compositores Mychael Danna, que fue el invitado de honor en 2007, Gabriel Yared, que estuvo invitado en 2019, y Shigeru Umebayashi, que fue homenajeado en 2009. De hecho, para este último disco expandido se han grabado algunas composiciones inéditas del músico japonés como "Joan's cello", perteneciente a la película Hero (Sylvia Chang, Joan Chen, Shaohong Li, 2021), una antología que incluye tres historias protagonizadas por mujeres chinas durante la pandemia. También se incluyen otros temas inéditos como el arreglo especial que Shigeru Umebayashi realizó del tema "Moyou", incluido en la película The grandmaster (Wong-Kar Wai, 2017), pero que originalmente había compuesto para The day after (Hong Sang-Soo, 2017). Otras dos composiciones no editadas previamente de la película Un hombre soltero (Tom Ford, 2009) también se incluyen en la grabación, así como el hermoso tema autónomo "In times past and gone", una composición que tiene cierto eco de su trabajo para La casa de las dagas voladoras (Zhang Yimou, 2004), y que parece evocar otros tiempos con cierta melancolía, pero al mismo tiempo con una mirada épica. Es un espléndido complemento a la recopilación de algunos de sus trabajos más notables, no solo para producciones japonesas y chinas, sino también para películas internacionales como Tears for sale (Uros Stojanovic, 2008), de la que se incluye la espléndida "Vendetta March", o Incendiary (Sharon Maguire, 2008). Pero el compositor japonés parece haberse sentido más cómodo dentro del sistema de producción oriental, y de ahí surgen algunas de sus mejores bandas sonoras, de un romanticismo emocionante que ha influido en numerosos compositores posteriores, y que se pueden recuperar en esta reedición ampliada del recopilatorio que el Festival de Gante publicó en 2010. La ejecución por parte de la Brussels Philharmonic es, como de costumbre, exquisita, convirtiendo a esta orquesta en una de las pocas que mantienen la edición regular de sus grabaciones de bandas sonoras.
Lakeshore Records 10/12/2021
Una de las películas más singulares de final de año es el debut como directora de Camille Griffith, que propone una particular visión de la típica reunión familiar por Navidad, para ofrecer una reflexión sobre la relación entre el ser humano y el planeta. La película se abre como una de estas producciones navideñas habituales cada año, incluida la nueva canción "Christmas sweater", interpretada por Michael Bublé, o temas tradicionales como "Feliz Navidad" (1970) que escribió y popularizó José Feliciano. Y la primera aparición de la música de Lorne Balfe también tiene ese sonido navideño con los habituales cascabeles ("Thank you for coming"), en el momento de la llegada a la casa de los familiares que van a compartir la cena. Pero la primera ocasión en la que la banda sonora adelanta los acontecimientos es el tema que suena cuando aparece Sandra (Annabelle Wallis), el personaje que plantea la difícil situación que están a punto de vivir, y que en cierta manera es la representación de la directora: "Soy la persona molesta que en una cena quiere hablar de cosas reales, y pongo de los nervios a la gente porque no suelo hablar de tonterías". A través de Sandra, Lorne Balfe introduce el tema principal, el tema del apocalipsis, pero en un tono que tiene todavía una cierta cadencia navideña, con el órgano, el clarinete y la flauta como instrumentos principales ("Prepare for our own end"). Es una forma espléndida de mantener la atmósfera familiar, pero planteando ya el drama que les rodea, y que vuelve a sonar cuando Nell (Keira Knightley) explica a los niños cuál es el plan que tienen para después de la cena.
La elección de Lorne Balfe, un compositor habituado a bandas sonoras espectaculares para películas y series como La rueda del tiempo (Amazon, 2021-), es inteligente, porque aporta precisamente esa distopía que se plantea en una comedia negra que al mismo tiempo habla del fin de la humanidad: "Buscaba pensar a lo grande. Llenamos los silencios con una orquesta completa, coros vieneses y búlgaros, y solistas increíbles", comenta el compositor. Y, efectivamente, al mismo tiempo que el tono melancólico se apodera de la película, la música "apocalíptica" de Lorne Balfe, que hasta el momento ha estado en un plano más secundario, adquiere protagonismo. En la escena de los fuegos artificiales, se introduce una composición elegíaca, con un órgano que transmite un tono fúnebre y unos coros que aportan espiritualidad ("Indue Festa Vestis"), y la conexión con la madre de Nell se subraya con una versión dramática del tema principal ("Goodbye, my darling girl"). Lorne Balfe consigue transmitir el terror que se apodera de Art (Roman Griffin Davis) a través de un tema que es al mismo tiempo aterrador y sobrecogedor ("I am afraid"), pero las voces corales, ahora en un tono más sombrío, regresan en el momento de la decisión final ("It's time"), mientras en las cuerdas también predominan los violonchelos, a través de una composición que transmite una tristeza absoluta. Lorne Balfe aporta el sonido de una película apocalíptica a una historia que juega con los géneros de forma inteligente, y consigue un trabajo espléndido lleno de dramatismo. La versión del popular villancico "Stille Nacht" (1818) que da ese título irónico a la película, con coros infantiles, se convierte casi en un himno funerario, especialmente notable en "All is calm", que poco a poco va adquiriendo la forma de una elegía por la muerte del ser humano.
Lakeshore Records 17/12/2021
Cuando Nick Cave and The Bad Seeds publicaron el album Ghosteen (2019, Ghosteen Ltd.), el primero que Nick Cave compuso en su totalidad desde la muerte de su hijo adolescente, parecía el punto final de una colaboración duradera, y el propio Warren Ellis ha manifestado recientemente que pensó que era el momento de separarse. Sin embargo, esta idea no se materializó y ambos, arropados por su banda o en forma del dúo de compositores que trabajan para el cine, han seguido publicando algunos trabajos juntos. De hecho, la música del documental La panthère des neiges (Marie Amiguet, 2021) iba a estar compuesta solo por Warren Ellis pero, como él mismo cuenta: "Reservé cinco días y le pregunté a Nick si podía pasar un día para escribir un tema musical y grabar el piano. Vio la película y se quedó cuatro días". La película acompaña al fotógrafo Vincent Munier en su última misión en la meseta tibetana, un lugar donde se encuentran todavía algunas de las especies menos estudiadas del planeta. Le acompaña el escritor Sylvain Tesson para tratar de encontrar al leopardo de las nieves, uno de los felinos más difíciles de avistar en este espacio recóndito. La banda sonora incluye dos nuevas canciones interpretadas por Nick Cave and The Bad Seeds, "Les cerfs" y "We are not alone", pero se sostiene sobre todo en los sonidos apegados a la tierra que se representan a través del violín y la flauta ("L'attaque des loups"). El escenario, gélido e inhóspito, encaja perfectamente en esa tonalidad etérea que tienen las últimas colaboraciones de Warren Ellis y Nick Cave, y en cierto modo esta banda sonora se aleja de sus anteriores trabajos para el cine para acercarse más a los discos autónomos. En "Antilope" el órgano introduce las teclas del piano y da paso a la voz humana, tan ausente y extraña, que suena casi como un aullido, mientras susurra "where are you?" (¿dónde estás?"), una llamada a la fauna que, afortunadamente, ha conseguido evadir por el momento la influencia del hombre. Hay pasajes de una belleza extraordinaria ("Des affúts elliptiques"), que parecen llevarnos a un lugar lejano, a un estado de tranquilidad que solo se puede experimentar en la naturaleza, alejado de la civilización. Hay una especie de diálogo entre el piano y el violín en "La grotte", que nos transporta a este mundo alternativo, a esta sensación que transmiten las imágenes de estar en un planeta diferente, y la voz de Nick Cave suena como un lamento esta vez. La presencia del hombre se representa en esta banda sonora como la de un intruso, a través de susurros o de voces lejanas, como en el magnífico "Les ours", que establece una conexión entre la voz susurrada y las cuerdas amenazantes, desconfiadas. La panthère des neiges es un documental muy hermoso, que sin embargo se ve perjudicado por las constantes reflexiones de Sylvain Tesson como narrador, y de alguna forma la presencia del hombre menoscaba la belleza del paisaje. Pero cuando las imágenes (esas miradas penetrantes de los animales salvajes, sobrecogedoras, que consiguen captar sus fotografías) se dan la mano con la música, como en esa espléndida composición de 10 minutos con la que termina el album ("L'apparition/We are not alone"), la emoción se apodera de la historia.
Milan Records 17/12/2021
El remo es el deporte que comienzan a practicar algunas estudiantes para acceder a becas universitarias, pero la obsesión de Alex Dall (Isabelle Fuhrman) por conseguir batir a sus compañeras se convierte en un thriller psicológico impactante y extraordinario gracias a una dirección contundente de Lauren Hadaway, pero sobre todo a un diseño de sonido que captura los resortes internos de la mente enferma de la protagonista. En la efectividad de la película tiene mucha importancia la combinación entre sonido y música, ésta última compuesta por Alex Weston. Cuenta la directora que para tomarse un descanso de la postproducción de la película, seleccionó una playlist de temas musicales relacionados con Retrato de una mujer en llamas (Céline Sciamma, 2019), pero de pronto se colaron algunos temas compuestos por Alex Weston para The farewell (Lulu Wang, 2019) y así surgió su interés por colaborar con el compositor. Una decisión acertada, porque Alex Weston, del que también hemos destacado su excelente música para Wander darkly (Tara Miele, 2020), ha creado una banda sonora que, al mismo tiempo que se adentra en la mente de la protagonista, impulsa con las cuerdas el esfuerzo físico de las remadoras. Para ello utiliza un tema principal sencillo para quinteto de cuerdas y piano lo suficientemente dúctil para que suene relajado al principio ("Dull") pero se vaya desarrollando hacia una tonalidad más distorsionada y violenta al final ("Around the lake row"). Comenta Alex Weston que la grabación de la música durante la pandemia provocó que el quinteto de instrumentos estuviera más separado de lo habitual, de forma que el sonido era menos compacto y los micrófonos debían estar muy cerca de los instrumentos, lo que provoca que se capture lo orgánico de las cuerdas. Esto es particularmente efectivo en las escenas de competición, para las que Alex Weston creó una serie de frenéticos temas en los que los violines y violonchelos interpretan un ritmo muy rápido que impulsa el esfuerzo de las remadoras en las imágenes ("Training") pero que al mismo tiempo introduce el desconcierto psicológico de Dull ("Seat race"). Precisamente la introducción de sonoridades electrónicas que en cierta manera distorsionan lo orgánico (la mente frente al cuerpo) funciona con gran eficacia en los momentos más complejos de la evolución del personaje ("They wanted me to lose"). Este espléndido cuento oscuro sobre los peligros de la superación personal cuando se convierte en una obsesión está subrayado por una intensa y psicológica banda sonora que extrae oro de una pequeña formación de cuerdas.
Licorice pizza se estrena en cines el 11 de febrero.
The electrical life of Louis Wain se estrena en cines el 29 de abril.
La tropa de trapo en el país donde brilla el sol, Becky, Timbuktu, The grandmaster y The farewell se pueden ver en Filmin.
El último duelo, Alien: Covenant y El reino de los cielos se pueden ver en Disney+.
Beat girl se puede ver en Filmin y Plex.
Ipcress se puede ver en Filmin, Flix Olé, Movistar+ y Prime Video.
Landscapers se puede ver en HBO Max.
Passing (Claroscuro), El hilo invisible, El poder del perro y La cumbre de los dioses se pueden ver en Netflix.
El canto del cisne se puede ver en Apple tv+.
Un hombre soltero se puede en Rokuten.
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