SÉRIES MANIA 2026 - Parte 2: Distopías

El mundo de las series continúa desplegándose en el festival Séries Mania, con la inauguración de su Foro Profesional Séries Mania Forum donde se presentan las últimas novedades de las plataformas de streaming y canales de televisión, mientras se proponen debates y encuentros profesionales sobre el estado actual del audiovisual. En el entorno del festival también se entregan algunos premios como el Premio Vidocq que desde hace siete ediciones otorga un jurado de profesionales de la seguridad a la mejor serie policíaca francesa del año. En esta ocasión, el premio ha recaído en La estación de las chicas perdidas (Disney+, 2025) por su "realismo y su sutil representación de una investigación criminal". También se han entregado los primeros premios del foro profesional. En Series Mania Buyers Upfront, que presenta una selección de proyectos a compradores internacionales, entre los que se encontraba la serie española In vitro (3Cat/HBO Max, 2026), la ganadora del premio del jurado ha sido la producción francesa R91 (M6, 2026), sobre una investigación criminal en el interior del portaaviones nuclear Charles De Gaulle (R91). Entre las sesiones de presentación Co-Pro para proyectos que buscan coproducción ha ganado la propuesta Red pants (10x60'), sobre la formación de una banda criminal femenina en los años setenta, que es el primer proyecto de Kirguistán que se ha presentado en Séries Mania, mientras que el premio SeriesMakers ha recaído en el proyecto canadiense Chacachá! (8x30') sobre una mujer cuya altísima presión arterial le lleva a buscar alivio en el baile latino, desatando el caos en su familia. El proyecto ha sido creado por Alison Fairweather Murray, directora de la película argentina Alison (2022). En la primera jornada de Séries Mania Forum, Audiovisual from Spain, que hoy ha ofrecido un desayuno a los profesionales, ha presentado su paquete de series propuestas para comparadores internacionales, entre ellas Las hijas de la criada (Atresmedia, 2026), Pura sangre (Mediaset, 2026), la tercera temporada de Citas Barcelona (Prime, 2023-), Ravalear (HBO Max, 2026), seleccionada en el Festival de Berlín y en Crossover Series, Millenial mal (Filmin, 2026), Day one (3Cat/Prime, 2026) y Por cien millones (Movistar Plus+, 2026). 

STEVEN MOFFAT Y SUE VERTUE: EL TÁNDEM IMPRESCINDIBLE

En una edición muy británica en la que hoy estará presente el creador Russell T. Davies, otro de los invitados destacados ha sido Steven Moffat (1961, Escocia), uno de los nombres fundamentales de la creación para la televisión inglesa de las últimas décadas, y a los que une la participación de ambos en diferentes etapas de la serie Doctor Who (BBC, 2005-). Pero con un acertado criterio, la organización de Séries Mania decidió que en la clase magistral de Steven Moffat también participara su esposa Sue Vertue (1960, Reino Unido), reconocida productora británica a través de su compañía Hartswood Films que heredó de su madre, la también productora de televisión Beryl Vertue. Entre los proyectos previos a su colaboración en la carrera de su marido Steven Moffat se encuentra la clásica comedia Mr. Bean (Prime Video, 1990-1995). El guionista y la productora se conocieron en 1996 en el Festival de Televisión de Edimburgo, como él mismo recordaba bromeando: "Yo solía acudir al festival para conocer mujeres, y me salió tan bien que acabé conociendo a Sue y ya no he podido volver nunca más para ligar". Aunque Sue Vertue comenzó a trabajar junto a Steven Moffat en sitcoms como Coupling (BBC, 2000-2004), ella nunca se ha involucrado en la etapa de Doctor Who, aunque pudo haberlo hecho: "Cuando retomé la serie después de Russel T. Davies, tenía que buscar un productor ejecutivo y por supuesto se lo pedí a Sue, pero ella me dijo que no. En realidad nunca le ha gustado mucho Doctor Who, pero lo cierto es que tenía que dirigir su productora e involucrarse en una serie como ésta requiere que le dediques todo tu tiempo durante un año, incluso en Navidad. Creo que convivir con una persona con la que al mismo tiempo estás trabajando en Doctor Who sería un error". Entre los éxitos en los que han colaborado juntos se encuentran sin embargo algunas de las series más destacadas de Steven Moffat: Sherlock (Prime, 2010-2017), Drácula (Netflix, 2020), Desde dentro (Netflix, 2022), La mujer del viajero en el tiempo (HBO Max, 2022) y Douglas is cancelled (SkyShowtimne, 2024). 

Sue Vertue destacaba que ambos tienen una forma muy parecida de abordar los proyectos, y aunque generalmente es Steven Moffat quien ejerce como showrunner, los dos tienen una participación completa en la producción que proviene de su etapa en las comedias de situación: "Quizás porque ambos procedemos de las sitcom, estamos acostumbrados a ir al set todos los días, seguramente porque tenemos esa costumbre de estar pendientes de si funcionan las bromas. Pero la gente piensa que es un poco extraño que estemos allí cada día. Sin embargo, funciona bien para nosotros y también para los actores, que pueden hacerte preguntas sobre algunos cambios del guión". A la pregunta del periodista Léa Veinstein, que ejerció como moderador, sobre por qué Sue Vertue no firma como co-showrunner, Steven Moffat respondió negando la mayor: "Showrunner es un término periodístico, no existe tal cosa. No aparece en ningún contrato ni aparece en los créditos. Se trata de un término periodístico para definir a un productor ejecutivo que también ha escrito el guión. En una producción bien hecha hay solo unos cuantos jefes, en este caso Sue y yo, y el director. Y la línea de autoridad se encuentra sobre todo en quién lleva razón en un tema determinado, quién tiene la mejor idea. Así que no se trata de una competición sobre quién manda". Respondiendo preguntas sobre la clásica serie Sherlock, que en cierta manera revolucionó la forma de acercarse al personaje, Steven Moffat contaba una anécdota sobre la elección de los dos protagonistas: "Cuando escogimos a Benedict Cumberbatch, en la BBC nos dijeron que les parecía un buen actor, pero también señalaron: "Bueno, está bien, pero nos prometiste un Sherlock Holmes sexy y él no lo es". Pero de pronto, cuando se puso el abrigo oscuro, algo pasó, se transformó. Mientras que Martin Freeman llegó después de haber visto a muchos candidatos para Doctor Watson. De hecho, uno de los primeros que barajamos fue Matt Smith, que luego interpretaría a Doctor Who. Pero pensamos que se parecía demasiado a Sherlock Holmes". A lo que Sue Vertue añadía: "Hicimos una prueba con Martin Freeman, pero estuvo muy cascarrabias, y pensamos que en realidad no estaba interesado en el personaje. Sin embargo, nos llamó después y nos dijo que quería hacerlo, así que le llamamos para las nuevas audiciones".  

La divertida clase magistral que duró más de una hora ofreció jugosas anécdotas sobre la forma de escribir de Steven Moffat, descrita por su esposa: "Steve tiene una forma muy ruidosa de escribir, porque él interpreta las voces de todos los personajes mientras está escribiendo. Y cuando escribía Doctor Who y tenía que poner las voces de los antagonistas era tan escandaloso que nuestro hijo le decía a sus amigos cuando le visitaban: "No os preocupéis, mi padre no está loco. Solo está escribiendo". También surgió la cuestión de introducir el humor en sus proyectos, incluso cuando se trata de dramas más serios. Según Steven Moffat: "Yo tiendo a pensar que, si una escena es aburrida, hay que introducir una broma. La alternativa sería mostrar a alguien triste mirando por la ventana. Entonces, mejor ve a por el gag. La vida real es divertida, el drama es lo que no es real. En el drama, si alguien está triste, se introduce la deferencia de que comience a llover y entonces el personaje parece más noble, con el pelo húmedo. En la vida real, si te estás despidiendo de tu persona amada, esperas desesperadamente que se largue ya porque tienes ganas de mear. La vida es una constante colisión entre cosas ridículas. La comedia es la verdad y el drama es la mentira. En Sherlock creo que una de las cosas que supimos captar bien es que, si lees las novelas originales, son divertidas. Hay una tendencia a tratarlo como un drama de época, muy serio, muy noble, pero en las historias originales Sherlock Holmes es muy divertido". Y uno de los asistentes también preguntó sobre la tendencia a escribir una narrativa no lineal, lo que el guionista también justificaba haciendo referencia a la vida real: "Cuando me preguntan sobre escribir historias de una manera no lineal, suelo hacer otra pregunta: ¿Cuál es el orden adecuado de una historia? Piensa en la historia de tu vida, en tu relación con tu mejor amigo. ¿Es tu punto de vista el orden correcto? ¿Recuerdas en orden tu primer encuentro, después el segundo y después el tercero? No, recuerdas un momento concreto, y después otro anterior, y luego otro posterior. Yo creo que las historias son falsos recuerdos, que el orden real de una historia está en el sentido de prioridad. Si cuentas una historia de varios personajes en un orden cronológico, ¿cuál es el punto de vista, el de un Dios que lo ve todo? Porque cada uno cuenta su propia experiencia. Por eso tiendo a escribir historias no lineales, porque creo realmente que es así como suceden. No hay un testigo astral que las coloque en el orden correcto. Para mí hablar de un orden cronológico me parece desconcertante". 

Uno de los proyectos más personales de Steven Moffat fue la miniserie Douglas is cancelled (SkyShowtime, 2024), que aborda el tema de la cultura de la cancelación y suscitó cierta controversia, porque él mismo estuvo envuelto en la vida real en algunas polémicas sobre cierto machismo en el tratamiento de los personajes femeninos en series como Doctor Who: "Para mí es una serie muy clásica que abunda en que una discusión solo se produce cuando las dos personas tienen la razón, al menos en sus propios términos. Madeleine es la heroína, a veces también es la estafadora. Douglas es un hombre decente, pero abierto a mirar hacia otro lado en el momento en que no debería hacerlo. La escribí primero como una obra de teatro. Yo había dejado Doctor Who y Sherlock al mismo tiempo, y realmente quería escribir teatro. Porque pensaba que todo el mundo querría ver una obra escrita por mí, y resulta que a nadie le interesó y ni siquiera fue representada. Algunos dijeron que yo no estaba cualificado para hablar sobre el movimiento MeToo". La última serie que ha escrito Steven Moffat y ha producido Sue Vertue es la comedia Number 10 (BBC, 2026), que hace referencia al número 10 de Downing Street donde reside el Primer Ministro británico, pero no la define como una comedia política: "Trata sobre un gobierno británico, pero no sabemos de qué partido se trata, como en Sí, primer ministro (BBC, 1986-1988). No sabes de qué partido son, y por lo que pude comprobar en mi trabajo de investigación, realmente no hay mucha diferencia entre unos y otros. Pero no se trata de una sátira. Toma la idea de que, sea cual sea el desastre que se origine, esta gente tiene la intención de encontrar la mejor salida. Realicé un extenso trabajo de documentación por primera vez en mi vida y hay muchas historias interesantes que se producen dentro de esa casa". Pero sobre todo destaca cierto carácter británico que está definido por ese portal de Downing Street: "Si nos comparamos con los gobiernos de otros países, lo que nos representa a los británicos es el Nº 10 de Downing Street. Ves a un lado el Foreign Office en su edificio gigante y poderoso, y luego ves esta calle pequeña, que parece una calle de una tienda de juguetes. Eso somos nosotros, eso es lo que somos. Es un edificio antiguo, los baños no funcionan a veces, el ascensor se atasca... Y dentro de una pequeña habitación donde se toman las decisiones importantes hay una espada, y si a alguien se le ocurre moverla, está rompiendo una ley ancestral. Esto es real. Pero no se trata de una serie sobre política, es una workplace dramedy". 

LAS SERIES MÁS DESTACADAS DEL FESTIVAL

Ethernel

Bélgica 2026 | RTBF, 6x45' | Episodios 1-2 | Panorama Internacional | ★★★★☆ 

Creada por Romain Renard, Olivier Tollet

Dirigida por Nicolas Boucart, Olivier Tollet

Desde su condición de historia noir con toques de ciencia-ficción, establece un mundo distópico en el que el logro de conectar con la muerte solo sirve para subrayar que el más allá es, por lo menos, tan deprimente como nuestra propia existencia. 

La producción audiovisual belga suele ofrecer propuestas interesantes, y este año está representada a través de tres destacadas series, como la esperada Ethernel (RTBF, 2026), que se estrena en su país a principios de abril, un thriller criminal de ciencia-ficción que plantea reflexiones sobre el duelo y la conexión con el más allá. Envuelta en una atmósfera de sociedad futurista pero atemporal, con una fotografía azulada que destaca la frialdad de los rascacielos, la historia comienza cinco años atrás cuando Anne (Noémie Schellens), la esposa del policía David Novack (Michaël Abiteboul) es asesinada durante un asalto a su casa. Él y su hija pequeña son testigos de su muerte mientras el asaltante consigue escapar. Años después, el mundo ha sido testigo de un descubrimiento sorprendente: Etherna es un revolucionario dispositivo que permite hablar con la conciencia de los fallecidos, que mantienen todos sus recuerdos hasta el último instante de su muerte, pero para poder contactar necesita escanear un objeto concreto que haya sido importante para la persona muerta. La Brigada Etherna es un departamento de la policía encabezado por David Novack que se encarga de buscar los objetos transicionales de las víctimas de crímenes, de manera que sus propias conciencias puedan servir como testigos ante la justicia para identificar a sus asesinos, y él se ha convertido en un experto en deducir a través de la escena del crimen cuál puede ser este objeto. Mientras tanto, él mismo no ha conseguido encontrar el objeto de transición que le conecte con Anne, y su hija Sam (Anaïs Barba de Calignon) no sale de casa, sufriendo una especie de agorafobia provocada por el trauma. La muerte de una acaudalada coleccionista belga pone a David en contacto con Lara Di Angeli (Edwige Baily), que trabaja para la Oficina Italiana de Lucha contra el Tráfico de Bienes Culturales, al haber desaparecido un cofre muy valioso. De esta investigación surgen algunas sorpresas, como la descripción del asesino con una marca en la cara que recuerda a la que tenía el causante de la muerte de Anne, lo que provoca que David se involucre en una investigación de la que sus superiores prefieren mantenerle alejado. Creada por Olivier Tollet y Romain Renard, que ha trabajado como músico en la serie María Antonieta (Movistar Plus+, 2024-2025), y se encarga también de una banda sonora claramente influida por las sonoridades de Vangelis para Blade Runner (Ridley Scott, 1982), pero demasiado intrusiva, Ethernel se enmarca dentro del denominado noir belga que ha surgido después de los éxitos internacionales de series como La tregua (La Une, 2015-2018) y Enemigo público (Prime, 2016), aunque introduciendo esa textura de ciencia-ficción que la diferencia. Es una historia que transcurre con un ritmo pausado, pero que establece las conexiones entre los personajes con una eficacia notable, mientras crea esta sociedad que de alguna manera ha cambiado su percepción respecto a la vida y la muerte al establecer una conexión mutua. 

Por ejemplo, Elsa (Alexia Depicker), la hermana de David, es una forense que conecta con la conciencia de los propios cadáveres a los que realiza la autopsia, entablando conversaciones sobre sus vidas mientras explora el interior de sus cuerpos. La serie aborda la investigación criminal como una obsesión personal del protagonista, del que su propio compañero Stephane Seghers (Gilles De Schryver) parece tener ciertas reticencias: "Lleva años persiguiendo a un fantasma que ni siquiera existe. Puede ser peligroso", le dice a sus superiores. Pero sobre todo establece una propuesta que reflexiona sobre la vida más allá de la muerte, presentando una especie de limbo en el que los fallecidos todavía son conscientes de su propia existencia y de su propia desaparición, a veces de forma dramática. Y algunas subtramas abundan en estas ideas casi filosóficas, como la que protagoniza Nathan (Jean Pierre Baudson), el padre de David que vive en su casa e imparte clases a su nieta Sam, puesto que ella ni siquiera va a la escuela. Consciente de que está cada vez más afectado por el alzheimer, Nathan busca la colaboración de la hija de un amigo para suicidarse con pastillas antes de que su memoria se vea cada vez más perjudicada; con la existencia de Etherna, si fallece con los recuerdos todavía claros, también permanecerá así cuando contacten con él: "Si no tomo medidas a tiempo, todos mis recuerdos, toda mi consciencia, desaparecerán para siempre", dice en el Episodio 2 (T1E2). Con algunos descubrimientos sorprendentes al final de este episodio, Ethernel plantea la existencia de posibles cultos que se desarrollan alrededor de los dispositivos y de la conexión con los muertos, estableciendo una sociedad que, lejos de sanar a través de la posibilidad de conocer más detalles sobre el más allá, parece haber derivado, desde este conocimiento, hacia una cierta melancolía existencial, en una conciencia de que después de la vida no existe un lugar mejor, sino uno que al menos es tan deprimente como el nuestro.  

The best immigrant

Bélgica 2025 | Streamz, 5x52' | Episodios 1-2 | Panorama Internacional | ★★★★☆

Creada por Raoul Groothuizen, Cristina Poppe

Dirigida por Michael Abay

Mirando de manera satírica a las políticas antiinmigración de las ideologías populistas que están impregnando Europa, la propuesta se construye como un drama que se esfuerza en encontrar el equilibrio entre la ironía y la denuncia social. 

Surgida a partir de la convocatoria de la llamada Academia Streamz, para presentar ideas de series nuevas cuya ganadora se aseguraría el desarrollo de su producción, la propuesta planteada por Raoul Groothuizen y Christina Poppe fue seleccionada finalmente para convertirse en una serie, en parte gracias a un concepto que está basado en cierta realidad actual, aunque llevándolo al extremo. Bélgica está gobernada por primera vez por el partido nacionalista Nueva Alianza Flamenca (N-VA), en un gobierno que necesitó siete meses de negociaciones tras las elecciones de 2024, y que se sostiene en cuatro formaciones políticas, con Bart de Wever como primer ministro, un nacionalista flamenco que ha tenido estrechos contactos con Carles Puigdemont. Su política de inmigración pasa por establecer condiciones más estrictas, pero no ha planteado, como otros partidos extremistas europeos, la deportación de inmigrantes, aunque el ambiente conservador actual está incluyendo en los programas electorales de algunos partidos iniciativas que serían inconcebibles hace años. The best immigrant (Streamz, 2025) plantea esta realidad distópica cuando el partido de extrema derecha VPV accede al gobierno y entre sus primeras decisiones está la deportación obligatoria de millones de inmigrantes, estén o no legalizados, pero con un objetivo claro, como se afirma en una conversación en el episodio Una oportunidad para quedarse (T1E1): "Los americanos, canadienses y europeos pueden quedarse. Incluso esos estúpidos hooligans ingleses. Está claro quienes quieren que se vayan". Y entre ellos se encuentra la pareja formada por Muna (Jennifer Heylen), una joven de origen sudanés adoptada por una familia belga, que es profesora de lengua flamenca en una escuela de primaria, y Jamal (Farouk Ben Ali), un profesor de gimnasia de origen libio. Como el resto de los trabajadores inmigrantes de la escuela en la que trabajan, son detenidos por la policía siguiendo una ley de emergencia de "pureza territorial", para iniciar un proceso de expulsión, cada uno a su país de origen, aunque eso suponga separarlos. Pero una productora de televisión avispada, Lauren Goossens (Charlotte Timmers) ha puesto en marcha un concurso titulado The best immigrant, una mezcla entre Gran hermano y El juego del calamar, en el que los concursantes pueden ganar una residencia permanente si superan las pruebas de nacionalidad flamenca que se les plantean: en los dos primeros episodios, se trata de preguntas sobre la lengua y la historia nacionales muy parecidas a las que se proponen en los exámenes de integración cívica que existen realmente en Bélgica, y que muchos han planteado que no superarían ni los propios belgas. Lauren encuentra en la pareja formada por Muna y Jamal a unos concursantes potencialmente atractivos para los espectadores, así que les propone participar en el concurso. The best immigrant está presentado por Nathan Lodewijks (Louis Talpe), un extremista que incluso llega a plantear en el episodio Visita importante (T1E3) por qué el concurso tiene que tener un título en inglés en vez de en flamenco, y co-presentado por Tarik Mousawi (Saïd Boumazoughe), quien comienza a tener conflictos éticos sobre su participación en esta farsa, aunque tampoco se puede permitir el lujo de enfrentarse a la productora por su propio origen familiar. 

De manera que The best immigrant se plantea como una sátira que toma elementos de la realidad para llevarlos al extremo, pero de una manera más dramática de lo que podría pensarse. Las características del concurso, con una convivencia grabada 24 horas por cámaras, podría haber dado lugar a una comedia, pero los creadores parecen tomarse en serio la realidad distópica que plantean. En su estreno el pasado mes de diciembre en la plataforma de lengua flamenca Streamz y posteriormente en la parte francesa a través de BeTV, la serie ha suscitado cierta polémica porque el líder del partido de extrema derecha Vlaams Belang, la acusó de pintar la imagen de "una Flandes racista gobernada por la extrema derecha para influir negativamente en los votantes", mientras desde la productora negaban que el gobierno propuesto en la serie estuviera inspirado en ese partido. La propia serie plantea al principio que "no está basada en hechos reales, sino en una realidad que nos afecta". Es cierto que algunos elementos pueden sonar a propuestas conocidas, como el lema "Flandes vuelve a ser nuestro" que remite inmediatamente al famoso "Make America Great Again" de la administración norteamericana. Y de hecho este tipo de consignas nacionalistas que no se creen ni siquiera quienes las convocan, acaban teniendo cierta permeabilidad en un sector de la sociedad. Lo más interesante de The best immigrant es cómo expone una perspectiva que ha pasado de ser totalmente inconcebible a convertirse en una realidad asumible por las sociedades occidentales. Las audiencias del concurso o la reacción de los ciudadanos belgas ante esta ley de emergencia expresan también cómo el apoyo silencioso es el peor cómplice de este tipo de políticas, y la postura de mantenerse al margen acaba siendo el impulso necesario para desarrollar las iniciativas más extremistas. También es cierto que el guión a veces cae en el retrato estereotipado y simplista, creando innecesarios antagonistas como un guardia de seguridad racista que tiene una obsesión sexual con una de las concursantes, Sarah (Mariam Hakobyan), llegando al extremo del abuso. Con una estética marcada por las luces de neón de la televisión, que parecen convertir la realidad en una imagen falsa, pero que a veces adopta una tonalidad parecida a sociedades distópicas como El cuento de la criada (HBO Max, 2017-2025), esta propuesta belga se centra en los concursantes y en cómo su realidad se ha transformado en un juego de entretenimiento en el que se plantea el concepto del "buen inmigrante", el que renuncia a sus orígenes y su cultura para adoptar completamente la cultura y la educación del lugar donde vive, como una especie de integración aparente y solamente superficial para satisfacer las políticas nacionalistas.

Queen of Mars

Japón 2025 | NHK, 3x90' | Temporada completa | Panorama Internacional | ★★★☆☆ 

Creada por Satoshi Ogawa | Escrita por Reiko Yoshida

Dirigida por Takegorō Nishimura

Una propuesta de ciencia-ficción insólita y desafiante que funciona como una interesante reflexión sobre las ambiciones colonizadoras interespaciales del ser humano y el futuro distópico que estamos construyendo.

Dentro de las actividades organizadas por la cadena pública japonesa NHK para conmemorar su centenario en 2025, se planteó la producción de una serie de televisión. Pero el director Takegorō Nishimura no imaginaba una historia ambientada cien años atrás, sino lo opuesto: una trama que se desarrollara cien años en el futuro. Así que la miniserie Queen of Mars (NHK, 2025), planteada en un formato de tres episodios de 90 minutos cada uno, aunque también se distribuye en el formato de seis episodios de 50 minutos, se desarrolla en 2125, cuando el planeta Marte ya ha sido colonizado y habitan en él unas 100.000 personas, muchas de ellas nacidas allí, sin haber conocido nunca la Tierra. El proceso de desarrollo del proyecto ha sido curioso, porque el primer paso fue encargar al autor de ciencia-ficción Satoshi Ogawa que escribiera una novela, sobre la que posteriormente la guionista Reiko Yoshida realizó la adaptación en forma de guión, de manera que hubo algunas fases en las que se estaba escribiendo el libro Queen of Mars (2025) al mismo tiempo que se desarrollaba la serie. Por tanto, la creación de la historia no ha sido exactamente una adaptación posterior, sino paralela. Se pueden encontrar algunas similitudes entre el concepto de esta serie y el que se plantea en la quinta temporada de Para toda la humanidad (Apple tv, 2019-), que se estrena a finales de marzo, porque también se sostiene en la rebelión de un grupo de habitantes de Marte que comprueban que han sido traicionados por sus representantes. En el Episodio 1 (T1E1), la rebelde Chip (Yukino Kishii), habla sobre la visión idealista de comenzar un mundo mejor desde cero tras la colonización de Marte, pero la imposibilidad de lograrlo por caer en los mismos errores de la vida terrestre: "La gente que vino al principio vivía en armonía sin nacionalidades ni razas. Éramos habitantes de un planeta difícil llamado Marte, y teníamos que trabajar duro para sobrevivir. Pero cuando llegó ISDA, los nombres se convirtieron en números. Y ahora tu madre quiere obligarnos a regresar a la Tierra". Marte está controlado de forma autoritaria por la Agencia de Desarrollo Espacial Interplanetario (ISDA), con implantes subcutáneos que funcionan como comprobantes de residencia y rastreadores de ubicación y un dispositivo intraauricular llamado Moby que proporciona traducción en tiempo real para eliminar las barreras de comunicación en un planeta caracterizado por su diversidad cultural. Pero todo se ha convertido en un negocio, y los implantes también sirven como forma de control de sus habitantes, por lo que un grupo de rebeldes ha decidido eliminar sus implantes y enfrentarse a la autoridad. La protagonista de la historia es Lili E1102 (Suri Lin), una joven ciega que es hija de Takima Suzuki (Rie Miyazawa), la responsable de la rama Tanegashima que controla ISDA. Nacida en Marte, acaba de superar las pruebas de adaptación para poder viajar a la Tierra, donde la espera el joven científico Shiraishi Aoto (Suda Masaki), con el que mantiene una relación sentimental a distancia. Pero antes de que pueda viajar, Lili es secuestrada por el grupo rebelde, que pretende utilizarla como intercambio para evitar los planes de ISDA: abandonar su presencia en Marte, elaborando un controvertido plan de repatriación para sus habitantes, debido a algunos fenómenos que desestabilizan la colonia, como los frecuentes martemotos. 

Otra trama paralela es la que protagoniza el biólogo Riki Kawanabe (Hidetaka Yoshioka), que trabaja para la empresa Whale Corporation, fundada por el engreído director ejecutivo norteamericano Luke Madison (Deyemi Okanlawon). Su misión es explorar los lugares inhabitados de la superficie marciana, que está reproducida en el desierto de Arabia Saudita, buscando algún tipo de elemento desconocido en el planeta terrestre. Pero sus antecedentes son controvertidos, ya que hace veintidós años canceló en la Tierra una rueda de prensa en la que iba a presentar el descubrimiento de un nuevo material, debido a las acusaciones de que se trataba de un fraude. Con asesoramiento del departamento científico de la cadena NHK, Queen of Mars ofrece una buena presentación de personajes en el primer episodio de una hora y media, para ir desarrollando una trama en la que se mezclan ciertas dosis de acción en un entorno de ciencia-ficción y de relaciones políticas entre las diferentes facciones que controlan y explotan las colonias en Marte, lo que puede hacernos recordar por momentos a series como The Expanse (Prime Video, 2015-2022). En su reflexivo planteamiento sobre la lucha por la autodeterminación de los habitantes de Marte, y por ser considerados ciudadanos del mismo nivel que los terrestres, enfrentándose contra el negocio de la explotación colonizadora, la serie propone algunos planteamientos interesantes. Pero se enfoca cada vez más en la naturaleza de un misterioso elemento que ha descubierto el científico Riki Kawanabe, y la capacidad del inmenso poder que despliega para modificar de forma trascendental el futuro de la Tierra y de Marte. Según sus responsables, el poder del misterioso objeto no se basa en una fantasía, sino que se trata de una extensión de la realidad científica tal como se entiende en 2025. Digamos que la propuesta más política va dejando paso, especialmente en el Episodio 3 (T1E3), a un planteamiento más cercano a la pura ciencia-ficción, lo que no resulta contraproducente, aunque se dejen algunos de los temas a un lado. Hay una buena representación del universo que rodea a la colonia marciana, aunque también es cierto que las posibilidades presupuestarias de un canal público son menores que las de una plataforma de streaming, y a veces se transmite cierta sensación retro por la modestia de la puesta en escena, especialmente en los entornos coloniales. Pero el director Takegorō Nishimura es lo suficientemente inteligente como para no querer ser demasiado ambicioso, de manera que buena parte de la acción se desarrolla en espacios cerrados donde hay un mayor control de la puesta en escena. Rodada entre Arabia Saudita y la región japonesa de Kantō para representar diversos paisajes marcianos, ha participado en los efectos visuales el técnico Katsurō Onoue, que ha trabajado en Shin Godzilla (Hideaki Anno, Shinji Higuchi, 2016). La serie también destaca por una variada banda sonora del compositor Yuta Bandoh (1991, Japón), responsable de la música de la serie de animación Kaiju No. 8 (Crunchyroll, 2024), que en este caso se decanta por una tonalidad más sinfónica. A pesar de una cierta tendencia a la construcción de personajes algo arquetípicos, Queen of Mars es una propuesta de ciencia-ficción insólita dentro de los márgenes de las televisiones públicas y funciona como una interesante reflexión sobre las ambiciones colonizadoras interespaciales del ser humano y el futuro distópico que estamos construyendo.

Les saturnides

Canadá 2026 | Unis tv, 6x12' | Temporada completa | Formatos Cortos | ★★★★☆ 

Creada por Neegan Sioui Trudel | Escrita por Jocelyn Martel Thibault

Dirigida por Neegan Sioui Trudel

Consigue construir una atmósfera de desasosiego a través de una historia inspirada en el confinamiento, para plantear preguntas relevantes sobre la condición humana en momentos de crisis de supervivencia. 

La delegación de Quebec ha llevado a esta edición de Séries Mania al mayor número de representantes que han viajado al festival francés, con más de 120 visitantes que acompañan a las tres producciones que compiten en diferentes secciones y a la serie que clausurará Séries Mania dentro de unos días, además de una presencia importante de propuestas audiovisuales en el Foro profesional. La primera que ha despertado atención es Les saturnides (Unis tv, 20206), una propuesta que se sitúa en una distopía en la que la normalidad se convierte en extrañeza cuando la aparición de misteriosas nubes provoca que los habitantes de Montreal no puedan conciliar el sueño. Aunque la premisa puede recordar a la reciente producción sueca Wake (Prime, 2026), la perspectiva no se coloca en el desarrollo de una historia de conspiraciones gubernamentales y catástrofes, sino que adopta un acercamiento más íntimo, y prácticamente durante toda la temporada, exceptuando los dos últimos episodios, tiene lugar en un único escenario, un apartamento de lujo al que Philippe (Rüdi Loup) ha llevado a su novia Camille (Rosalie Bonenfant), una madre protectora que, con ciertas reticencias, ha dejado a su hija pequeña Zoé (Marjorie Lalonde) en la localidad cercana de Saint-Anne junto a su padre Marc (Alex Bergeron). La aparición repentina de estas nubes y las consecuencias que provocan dejará aislada a Camille junto a su novio, pero al menos con la tranquilidad de que el insomnio solo afecta a la ciudad de Montreal. La conexión a través del móvil es el único medio de comunicación con su hija, pero la sociedad tal como la conocemos comienza a colapsar conforme pasan los días y la falta de sueño provoca comportamientos cada vez más violentos de los ciudadanos. Producida por una pequeña productora, Oraquan Médias, que aborda esta historia de una manera más íntima aprovechando las posibilidades que ofrece un bajo presupuesto, Les saturnides está inspirada en el aislamiento que provocó la pandemia del Covid-19 y cómo la sociedad asumió la existencia de un virus, estableció tendencias conspiranoicas y se enfrentó a un frenesí mediático en el que las fake news y las noticias reales se mezclaban, creando una percepción de incredulidad. Mientras Camille y Philippe se encuentran encerrados, la relación entre ambos se deteriora, afectando especialmente a la estabilidad psicológica del segundo, de manera que la serie que compite en la sección de Formatos Cortos adopta progresivamente el tono de un thriller que se va oscureciendo, mientras Camille consulta en internet los efectos secundarios del insomnio, como la irritabilidad, la falta de atención, las alucinaciones y la crisis cardíaca, que conforme pasan los días comienzan a formar parte de su propia realidad cotidiana. La situación de crisis se hace cada vez más evidente cuando Camille contacta con su vecino Maxime (Max Laferrière), que está solo con su hija, enfrentándose al insomnio permanente, mientras las noticias describen las medidas adoptadas por el gobierno, entre ellas el confinamiento de toda la ciudad, prohibiendo cualquier tipo de desplazamiento que no sea de emergencia. 

Les saturnides tiene una duración total de una hora y cuarto, pero está adecuadamente estructurada en un formato de episodios cortos que establecen una narrativa fragmentada y cada vez más cargada de tensión, lo que logra la cámara cercana de Neegan Sioui Trudel, cocreador de la serie y director. Un aspecto interesante de la historia es cómo introduce un comentario social sobre las comunidades indígenas, que son las primeras que denuncian que algo extraño está pasando debido a la falta de sueño, pero que no son escuchadas hasta que el problema se extiende a toda la sociedad. Neegan Trudel afirma que le interesa introducir esta falta de atención que tiene la sociedad canadiense hacia los problemas cuando solo afectan a las comunidades indígenas, a las que se desoyen sus reclamaciones, pero sin que esta denuncia sea una parte central de la historia, sino un entorno que está presente de una manera relevante sin necesidad de que la propia serie adopte los estereotipos de las producciones que parecen enfocarse principalmente en los temas indígenas. Como thriller psicológico, la serie funciona perfectamente, planteando al mismo tiempo cuestiones relevantes sobre la sociedad cuando se enfrenta a una crisis de supervivencia, como en una violenta escena que se produce en una farmacia en la que la falta de existencias de melatonina provoca una situación de tensión. Es interesante también situar la acción en un piso alto de un edificio desde cuyos amplios ventanales se puede ver toda la ciudad. Pero esta perspectiva no acerca sino que aísla cada vez más, hasta que los protagonistas deciden cubrir las ventanas con papeles de periódico para evitar la entrada de luz, lo que proporciona a la atmósfera de la historia una sensación de opresión cada vez mayor. La corta duración de la serie provoca que se establezca un ritmo constante en el que se amplifica una carga de suspense en torno a las consecuencias de la emergencia y el progresivo deterioro psicológico de Philippe. Aunque a veces el desenlace de algunos personajes pueda parecer más conveniente para el guión que realmente verosímil, Les saturnides se dirige hacia su conclusión con la suficiente seguridad como para plantear un final arriesgado y ambiguo que plantea preguntas relevantes sobre la maternidad y los sacrificios. 

Por cien millones se estrena en cines el 26 de marzo. 

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Películas mencionadas (disponibles en la fecha de publicación):

Blade runner se puede ver en Filmin, HBO Max, Movistar Plus+ y Prime.

Shin Godzilla se puede ver en Acontra+ y Filmin.