En nuestra tercera parte, seguimos repasando las bandas sonoras más interesantes del panorama cinematográfico actual, deteniéndonos en la segunda mitad del año, y enfocándonos en los álbumes editados entre los meses de junio y agosto. Nuestro particular repaso pretende acercar a nuestros lectores aquellos trabajos musicales que nos parecen más destacados en este año 2019.
J'accuse - Alexandre Desplat
Warner Classics 8 / 11 / 2019
Al margen de su muy nominado trabajo para la nueva adaptación de la novela Mujercitas (Greta Gerwig, 2019), nos parecen muy superiores otras composiciones de Alexandre Desplat en 2019, especialmente sus colaboraciones con producciones europeas dirigidas por dos grandes directores como Comportarse como adultos (Costa-Gavras, 2019) o esta J'accuse (El oficial y el espía) (Roman Polanski, 2019). Especialmente en esta historia de espías, Alexandres Desplat desgrana un ramillete de contundentes composiciones que, desde el impetuoso "J'accuse" con el que se abre la banda sonora, mantiene en todo momento el ambiente tenso que acompaña a la trama. En todo caso, la película aporta una mirada fría y seca a esta investigación de un oficial militar sobre la posible colaboración de un capitán judío con Alemania, y la música tiene también ese aire distante, pero al mismo tiempo aporta buena parte del suspense, en temas magníficamente estructurados como "Alfred Dreyfus", leitmotiv del personaje objeto de la investigación. Es en este sentido en el que Alexandre Desplat aporta todo su talento para ofrecernos una visión poliédrica del personaje.La utilización de las cuerdas y el piano en temas como "L'attentat" nos recuerdan en ocasiones a los mejores trabajos de Ennio Morricone, especialmente en su colaboración con Roman Polanski en el thriller Frenético (Roman Polanski, 1988).
J'ai perdu mon corps - Dan Levy
Lakeshore Records 8 / 11 / 2019
Una de las más absorbentes películas de animación del año es ¿Dónde está mi cuerpo? (Jérémy Clapin, 2019), hermosa historia de iniciación amorosa que sin duda es de lo mejor que hemos visto recientemente en el género. Se trata del primer trabajo para una película de animación que ha realizado el compositor, del que conocemos otros trabajos suyos como El imperio de los lobos (Chris Nahon, 2005). Pero estamos ante un hermosa, bucólica y casi diríamos que mágica banda sonora que, a través de los sonidos de sintetizador, en forma de instrumentaciones de viento, consigue aportar esa doble vertiente de romanticismo y fantasía en la que se mueve la película. Desde el hermosísimo tema principal, "J'ai perdu mon corps", que nos introduce en la búsqueda que realiza una mano cortada del resto de su cuerpo, hasta los acordes más románticos de "Fluorescent", estamos ante un trabajo excepcional lleno de sensibilidad. La relación de amor está marcada más por las sonoridades de cuerdas, como en "Intuition", pero en todo momento tiene un aire de fantasía que casi parece introducirnos en una historia de ciencia-ficción, pero que contribuye a darle a la película ese carácter etéreo y mágico. Funcionan también las aportaciones que tienen un aire más de acción, como en la secuencia en la que el protagonista sigue a la chica de la que se ha enamorado, en "Rosalie". Estamos ante un hermoso trabajo que aporta una fascinante mirada mágica a una de las mejores películas de animación del año.
Marriage story - Randy Newman
Warner Classics 8 / 11 / 2019
Al margen de su muy nominado trabajo para la nueva adaptación de la novela Mujercitas (Greta Gerwig, 2019), nos parecen muy superiores otras composiciones de Alexandre Desplat en 2019, especialmente sus colaboraciones con producciones europeas dirigidas por dos grandes directores como Comportarse como adultos (Costa-Gavras, 2019) o esta J'accuse (El oficial y el espía) (Roman Polanski, 2019). Especialmente en esta historia de espías, Alexandres Desplat desgrana un ramillete de contundentes composiciones que, desde el impetuoso "J'accuse" con el que se abre la banda sonora, mantiene en todo momento el ambiente tenso que acompaña a la trama. En todo caso, la película aporta una mirada fría y seca a esta investigación de un oficial militar sobre la posible colaboración de un capitán judío con Alemania, y la música tiene también ese aire distante, pero al mismo tiempo aporta buena parte del suspense, en temas magníficamente estructurados como "Alfred Dreyfus", leitmotiv del personaje objeto de la investigación. Es en este sentido en el que Alexandre Desplat aporta todo su talento para ofrecernos una visión poliédrica del personaje.La utilización de las cuerdas y el piano en temas como "L'attentat" nos recuerdan en ocasiones a los mejores trabajos de Ennio Morricone, especialmente en su colaboración con Roman Polanski en el thriller Frenético (Roman Polanski, 1988).
Lakeshore Records 8 / 11 / 2019
Una de las más absorbentes películas de animación del año es ¿Dónde está mi cuerpo? (Jérémy Clapin, 2019), hermosa historia de iniciación amorosa que sin duda es de lo mejor que hemos visto recientemente en el género. Se trata del primer trabajo para una película de animación que ha realizado el compositor, del que conocemos otros trabajos suyos como El imperio de los lobos (Chris Nahon, 2005). Pero estamos ante un hermosa, bucólica y casi diríamos que mágica banda sonora que, a través de los sonidos de sintetizador, en forma de instrumentaciones de viento, consigue aportar esa doble vertiente de romanticismo y fantasía en la que se mueve la película. Desde el hermosísimo tema principal, "J'ai perdu mon corps", que nos introduce en la búsqueda que realiza una mano cortada del resto de su cuerpo, hasta los acordes más románticos de "Fluorescent", estamos ante un trabajo excepcional lleno de sensibilidad. La relación de amor está marcada más por las sonoridades de cuerdas, como en "Intuition", pero en todo momento tiene un aire de fantasía que casi parece introducirnos en una historia de ciencia-ficción, pero que contribuye a darle a la película ese carácter etéreo y mágico. Funcionan también las aportaciones que tienen un aire más de acción, como en la secuencia en la que el protagonista sigue a la chica de la que se ha enamorado, en "Rosalie". Estamos ante un hermoso trabajo que aporta una fascinante mirada mágica a una de las mejores películas de animación del año.
Lakeshore Records 8 / 11 / 2019
No deja de ser curioso que para una historia trágica como ésta, se haya elegido a un compositor com Randy Newman. No porque no esté familiarizado con la composición de música para films dramáticos, sino porque su acercamiento a la música de cine tiene un aire de vieja escuela que, en principio, podría parecer no óptimo para esta historia. En todo caso, Randy Newman ya colaboró con el director Noah Baumbach en su anterior película, The Meyerowitz stories (New and selected) (Noah Baumbach, 2017), por lo que la elección parecía obvia. Y ciertamente la aportación del compositor es crucial en la película, aunque la presencia de la música no sea muy abundante. En los dos primeros temas de la banda sonora, "What I love about Nicole" y "What I love about Charlie", con los que también comienza la película en esos deseos de felicidad que plantea la relación de los protagonistas, Randy Newman ya pone sobre la mesa la base musical de su trabajo. Y será a lo largo de la historia, llena de altibajos emocionales, cuando la presencia de la música, en casi todo momento haciendo referencia a esos dos temas iniciales, sea la que nos recuerde el sentimiento amoroso que, en el fondo, recorre a los protagonistas. La música, en este caso, funciona en muchos momentos como ese elemento sensorial que nos identifica con los personajes, y de ahí su gran contribución. Hay momentos en los que parece que estemos escuchando al Randy Newman de El mejor (Barry Levinson, 1984), y en general de su filmografía junto al director, como ese "Procession to the Trailer". Randy Newman aporta principalmente el tono más amable, sin subrayar el drama, que el director plantea sin aspavientos, y esa es una de las mejores bazas con que cuenta la banda sonora.
Ford v Ferrari - Marco Beltrami & Buck Sanders
No deja de ser curioso que para una historia trágica como ésta, se haya elegido a un compositor com Randy Newman. No porque no esté familiarizado con la composición de música para films dramáticos, sino porque su acercamiento a la música de cine tiene un aire de vieja escuela que, en principio, podría parecer no óptimo para esta historia. En todo caso, Randy Newman ya colaboró con el director Noah Baumbach en su anterior película, The Meyerowitz stories (New and selected) (Noah Baumbach, 2017), por lo que la elección parecía obvia. Y ciertamente la aportación del compositor es crucial en la película, aunque la presencia de la música no sea muy abundante. En los dos primeros temas de la banda sonora, "What I love about Nicole" y "What I love about Charlie", con los que también comienza la película en esos deseos de felicidad que plantea la relación de los protagonistas, Randy Newman ya pone sobre la mesa la base musical de su trabajo. Y será a lo largo de la historia, llena de altibajos emocionales, cuando la presencia de la música, en casi todo momento haciendo referencia a esos dos temas iniciales, sea la que nos recuerde el sentimiento amoroso que, en el fondo, recorre a los protagonistas. La música, en este caso, funciona en muchos momentos como ese elemento sensorial que nos identifica con los personajes, y de ahí su gran contribución. Hay momentos en los que parece que estemos escuchando al Randy Newman de El mejor (Barry Levinson, 1984), y en general de su filmografía junto al director, como ese "Procession to the Trailer". Randy Newman aporta principalmente el tono más amable, sin subrayar el drama, que el director plantea sin aspavientos, y esa es una de las mejores bazas con que cuenta la banda sonora.
The Mandalorian - Ludwig Göransson
Disney Records 12 / 11 / 2019 - 27 / 12 / 2019
Para la serie de televisión con la que se estrenó el nuevo canal digital Disney +, convertida en el mayor éxito de visualizaciones en una plataforma digital, la banda sonora viene firmada por el joven compositor sueco Ludwig Göransson, en racha tras conseguir el Oscar por Black Panther (Ryan Coogler, 2018), con proyectos tan estimulantes como la última película de Christopher Nolan, Tenet (2020). Disney + además estableció una insólita política en la edición de la música, publicando en los principales canales de streaming la banda sonora de cada capítulo, de forma que no estamos ante un álbum que resume el trabajo musical de una temporada, sino que tenemos la posibilidad de conocer las composiciones casi al completo. También resulta, por tanto, más difícil encajar en un pequeño resumen como éste los aciertos y errores del trabajo de Ludwig Göransson, pero sin duda es un planteamiento interesante y novedoso. Lo mejor y lo peor que se puede decir de la banda sonora es que se desentiende totalmente del universo musical creado por John Williams para la saga de Star Wars, y por el contrario, crea un concepto nuevo que, en cierta medida es lógico, porque se trata del spin off de un personaje secundario. En este sentido, el leitmotiv principal es todo lo contrario a la fanfarria orquestal de la saga de las galaxias, con una solitaria flauta que presenta a un personaje también solitario ("Hey Mando!"), hasta que entran las percusiones que marcan el compás del tema. Su desarrollo, no obstante, tal como va apareciendo a lo largo de la serie, se nos antoja casi más al universo musical de Rocky que al de Star Wars, y tiene más que referencias a las músicas compuestas por el propio Ludwig Göransson para Creed (Ryan Coogler, 2015). Es más interesante, en todo caso, cuando la banda sonora se despega de las sonoridades electrónicas para acercarse a esos aportes orquestales que marcan la estela de la saga. Especialmente a partir de la mitad de la serie, con temas como "Night riders", que encontramos en el episodio 5. Un trabajo disperso pero que logra momentos certeros sin necesidad de apoyarse en el legado de John Williams.
A vida invisìvel de Euridice Gusmão - Benedikt Schiefer
Milan Records 15 / 11 / 2019
Una de las películas que más nos han gustado este año ha sido esta producción brasileña que está dotada de una gran carga de romanticismo, pero también de tragedia y de revelación de la difícil situación de la mujer en la sociedad brasileña. La banda sonora está firmada por el compositor alemán Benedikt Schiefer, que suele introducir en sus trabajos musicales elementos de diseño sonoro a veces con cierto aire experimental, como en el thriller Seules les bêtes (Dominik Moll, 2019). La música de Benedikt Schiefer va más allá del simple subrayado musical, y envuelve con efectos de sonido y grabaciones en la naturaleza las escenas en las que se introduce, como en el ensoñador comienzo de esta película. Pero al mismo tiempo el compositor crea temas de profundo romanticismo trágico, como en el espléndido "Guida's dance" que funciona como uno de los temas principales de la película. Esta historia de separación de dos hermanas se desarrolla también en dos trazos diferentes en su banda sonora: la descripción del drama de las protagonistas, que se refleja en temas como "Dear diary", una continuación del tema principal, aquí interpretado por un piano con aire de tristeza; y la descripción de la esperanza del reencuentro, en composiciones de mayor luminosidad, pero también cargadas de tragedia, como "A whole life together". Es sin duda satisfactorio que se editen trabajos como éste, para una película que mereció una mayor atención en su distribución internacional.
Milan Records 15 / 11 / 2019
Una de las películas que más nos han gustado este año ha sido esta producción brasileña que está dotada de una gran carga de romanticismo, pero también de tragedia y de revelación de la difícil situación de la mujer en la sociedad brasileña. La banda sonora está firmada por el compositor alemán Benedikt Schiefer, que suele introducir en sus trabajos musicales elementos de diseño sonoro a veces con cierto aire experimental, como en el thriller Seules les bêtes (Dominik Moll, 2019). La música de Benedikt Schiefer va más allá del simple subrayado musical, y envuelve con efectos de sonido y grabaciones en la naturaleza las escenas en las que se introduce, como en el ensoñador comienzo de esta película. Pero al mismo tiempo el compositor crea temas de profundo romanticismo trágico, como en el espléndido "Guida's dance" que funciona como uno de los temas principales de la película. Esta historia de separación de dos hermanas se desarrolla también en dos trazos diferentes en su banda sonora: la descripción del drama de las protagonistas, que se refleja en temas como "Dear diary", una continuación del tema principal, aquí interpretado por un piano con aire de tristeza; y la descripción de la esperanza del reencuentro, en composiciones de mayor luminosidad, pero también cargadas de tragedia, como "A whole life together". Es sin duda satisfactorio que se editen trabajos como éste, para una película que mereció una mayor atención en su distribución internacional.
Fox Music 15 / 11 / 2019
El compositor Marco Beltrami vuelve a colaborar con Buck Sanders en esta banda sonora que le permite abandonar cierta zona de confort en la que estaba situado en los últimos años para ofrecernos uno de esos trabajos creativos que hemos oido en otras ocasiones. Ya durante la celebración de los World Soundtrack Awards en Gante, Marco Beltrami nos comentó que ésta era una de las bandas sonoras que más ha disfrutado, utilizando casi exclusivamente una banda de instrumentistas solistas, sin elementos orquestales, para acercarse a la sonoridad de los años sesenta en los que se desarrolla la película. Los elementos electrónicos, por su parte, aportan el sonido más característico de los coches de carreras, en composiciones trepidantes como "Chasing Bandini" (que utiliza principalmente instrumentos como la guitarra y la percusión), y en general en todas las espectaculares secuencias de competición. En este sentido, Marco Beltrami y Buck Sanders consiguen crear un sonido único que funcionan perfectamente como complemento al rugir de los motores y como potenciador de la tensión de las escenas más trepidantes. Pero al mismo tiempo la música también también se acerca a los personajes, adoptando un estilo jazzístico, como en "Ferrari Factory" o en el excelente "Team player", que aborda la difícil decisión a la que se tiene que enfrentar el protagonista. Estamos una banda sonora que se distancia de otros trabajos de Marco Beltrami, pero al mismo tiempo tiene un sonido muy característico y la firma inconfundible de su autor.
El compositor Marco Beltrami vuelve a colaborar con Buck Sanders en esta banda sonora que le permite abandonar cierta zona de confort en la que estaba situado en los últimos años para ofrecernos uno de esos trabajos creativos que hemos oido en otras ocasiones. Ya durante la celebración de los World Soundtrack Awards en Gante, Marco Beltrami nos comentó que ésta era una de las bandas sonoras que más ha disfrutado, utilizando casi exclusivamente una banda de instrumentistas solistas, sin elementos orquestales, para acercarse a la sonoridad de los años sesenta en los que se desarrolla la película. Los elementos electrónicos, por su parte, aportan el sonido más característico de los coches de carreras, en composiciones trepidantes como "Chasing Bandini" (que utiliza principalmente instrumentos como la guitarra y la percusión), y en general en todas las espectaculares secuencias de competición. En este sentido, Marco Beltrami y Buck Sanders consiguen crear un sonido único que funcionan perfectamente como complemento al rugir de los motores y como potenciador de la tensión de las escenas más trepidantes. Pero al mismo tiempo la música también también se acerca a los personajes, adoptando un estilo jazzístico, como en "Ferrari Factory" o en el excelente "Team player", que aborda la difícil decisión a la que se tiene que enfrentar el protagonista. Estamos una banda sonora que se distancia de otros trabajos de Marco Beltrami, pero al mismo tiempo tiene un sonido muy característico y la firma inconfundible de su autor.
La última película de Terrence Malick es una conmovedora historia en torno a los principios éticos de un campesino austríaco durante la II Guerra Mundial. La primera colaboración entre James Newton Howard y el director desemboca en una magnífica banda sonora, de tonalidad casi pastoral, que sin duda es uno de los grandes trabajos del año. Vida oculta (Terrence Malick, 2019) es la primera película del director que tiene una línea argumental continua desde El nuevo mundo (Terrence Malick, 2005), pero si en aquel caso la música compuesta por James Horner sufría ciertas mutilaciones en favor de composiciones clásicas, el trabajo de James Newton Howard parece haber sido más respetado, y contribuye a lo largo de la película a mostrar el sufrimiento de los personajes, pero rodeado de una belleza formal que en cierta medida evoca también al paisaje bucólico que les rodea. La música, con el violín como instrumento solista, nos recuerda en algunos momentos a otros excelentes trabajos del compositor, como aquella colaboración con el violinista Joshua Bell en Resistencia (Edward Zwick, 2008). Evocadora, hermosísima en muchos momentos, pero al mismo tiempo cargada de tristeza en la lectura de las cartas que se envían los protagonistas, hay momentos sublimes como ese largo tema "Love and suffering" que sigue la pauta de excelentes suites creadas por James Newton Howard. En las secuencias de la prisión y el sacrificio, la música se hace más dura, más siniestra, como en "Descent". En definitiva, estamos ante uno de los mejores trabajos musicales del año.
22D Music 12 / 12 / 2019
Breve y conciso trabajo del compositor Bruno Coulais para esta película basada en una novela de Henry James , que funciona a la perfección en su tonalidad de cierto aire de misterio pero al mismo tiempo de gran belleza formal. Coulais sostiene la música en la presencia solista del piano, acompañado por una reducida formación de cuerdas que otorga cierto grado de intimidad a la descripción de personajes, como en el tema "Coline cherche Simon", que interpretan solo los violines. A pesar de la corta duración de la banda sonora, que no llega a los 20 minutos, hay destellos de una gran belleza en composiciones como "Le vent du sud", que describe el escenario en el que se desarrolla la historia, rodeado de paisajes naturales. En general, la edición de las bandas sonoras compuestas por Bruno Coulais no suelen sobrepasar los 30 minutos, por lo que no estamos ante una excepción, sino todo lo contrario. Por su parte, "La porte bleue", tema principal de la película, es un excelente pasaje con el piano como protagonista, que podría recordar en algunos momentos a la música de Alberto Iglesias, y que funciona perfectamente como compendio de esa mezcla de delicadeza y al mismo tiempo intriga que se mantiene a lo largo de toda la banda sonora.
Breve y conciso trabajo del compositor Bruno Coulais para esta película basada en una novela de Henry James , que funciona a la perfección en su tonalidad de cierto aire de misterio pero al mismo tiempo de gran belleza formal. Coulais sostiene la música en la presencia solista del piano, acompañado por una reducida formación de cuerdas que otorga cierto grado de intimidad a la descripción de personajes, como en el tema "Coline cherche Simon", que interpretan solo los violines. A pesar de la corta duración de la banda sonora, que no llega a los 20 minutos, hay destellos de una gran belleza en composiciones como "Le vent du sud", que describe el escenario en el que se desarrolla la historia, rodeado de paisajes naturales. En general, la edición de las bandas sonoras compuestas por Bruno Coulais no suelen sobrepasar los 30 minutos, por lo que no estamos ante una excepción, sino todo lo contrario. Por su parte, "La porte bleue", tema principal de la película, es un excelente pasaje con el piano como protagonista, que podría recordar en algunos momentos a la música de Alberto Iglesias, y que funciona perfectamente como compendio de esa mezcla de delicadeza y al mismo tiempo intriga que se mantiene a lo largo de toda la banda sonora.
Warner Records 13 / 12 / 2019
La aproximación de Theodore Shapiro a esta historia sobre el abuso de poder y el escándalo protagonizado por el principal gestor de Fox News, Roger Ailes, uno de los personajes más siniestros del mundo de la comunicación en Estados Unidos, es atractiva y al mismo tiempo singular. La banda sonora se mueve en dos terrenos diferentes. Por un lado, la descripción del personaje masculino "depredador", que es mostrado a través de percusiones contundentes, como en el muy descriptivo "Problems with women". Por otro lado, Theodore Shapiro da voz literalmente a las mujeres víctimas del abuso sexual a través de la presencia de tres voces femeninas: Caroline Shaw, directora de la formación vocal Roomful of Teeth; la vocalista Petra Haden, de la que recomendamos especialmente su album con el pianista Mark Kozelek "Joey always smiled" (2019, Caldo Verde Records); y la fundadora del grupo Bangles, Susanna Hoffs. Las tres acoplan sus espléndidas y diferentes tonalidades vocales para aportar presencia femenina en la banda sonora, a través de composiciones casi "a cappella" como el muy destacado "Elevator trio", magnífico en el subrayado musical del primer encuentro entre las tres protagonistas en un ascensor. O en el ritmo de vals que encontramos en "Accusers's waltz", interpretado por Caroline Shaw, sutil reflejo de la indefensión de las acusadoras frente a la maquinaria comunicadora del depredador.
La aproximación de Theodore Shapiro a esta historia sobre el abuso de poder y el escándalo protagonizado por el principal gestor de Fox News, Roger Ailes, uno de los personajes más siniestros del mundo de la comunicación en Estados Unidos, es atractiva y al mismo tiempo singular. La banda sonora se mueve en dos terrenos diferentes. Por un lado, la descripción del personaje masculino "depredador", que es mostrado a través de percusiones contundentes, como en el muy descriptivo "Problems with women". Por otro lado, Theodore Shapiro da voz literalmente a las mujeres víctimas del abuso sexual a través de la presencia de tres voces femeninas: Caroline Shaw, directora de la formación vocal Roomful of Teeth; la vocalista Petra Haden, de la que recomendamos especialmente su album con el pianista Mark Kozelek "Joey always smiled" (2019, Caldo Verde Records); y la fundadora del grupo Bangles, Susanna Hoffs. Las tres acoplan sus espléndidas y diferentes tonalidades vocales para aportar presencia femenina en la banda sonora, a través de composiciones casi "a cappella" como el muy destacado "Elevator trio", magnífico en el subrayado musical del primer encuentro entre las tres protagonistas en un ascensor. O en el ritmo de vals que encontramos en "Accusers's waltz", interpretado por Caroline Shaw, sutil reflejo de la indefensión de las acusadoras frente a la maquinaria comunicadora del depredador.
Music Film Recordings 13 / 12 / 2019
La irregular película presentada en la Mostra de Venecia que se centra en las vicisitudes a las que se enfrentó la actriz francesa Jean Seberg, protagonista de Al final de la escapada (Jean-Luc Godard, 1960), cuando el FBI la consideró sospechosa tras su implicación a favor de los derechos civiles, está marcada musicalmente por un ecléctico e interesante trabajo del australiano Jed Kurzel. Aunque la película recibió críticas poco satisfactorias, y en general tiene un aire de telefilm que resulta convencional, es destacable el trabajo del compositor, que desgrana un ramillete de creaciones musicales que van desde la aportación de cuerdas que transmiten cierta soledad de la protagonista, hasta la introducción de elementos electrónicos que contribuyen a resaltar la persecución a la que se sometida. Temas como "Break in" aportan cierta luminosidad, pero en general se trata de una banda sonora que contribuye a resaltar el dramatismo de la historia, en composiciones de suspense como "Party talk" o "Floating Jean". Hay referencias a la película de la que fue musa la actriz, en "Breathless", y sonoridades casi experimentales, también referenciando a la Nouvelle Vague, de género jazzístico como en el electrizante "Typewriter". La música adopta un cariz misterioso en ocasiones, a través del piano, que interpreta una melodía triste y al mismo tiempo tétrica en "The folder", que cierra la banda sonora con una sensación de desasosiego.
La irregular película presentada en la Mostra de Venecia que se centra en las vicisitudes a las que se enfrentó la actriz francesa Jean Seberg, protagonista de Al final de la escapada (Jean-Luc Godard, 1960), cuando el FBI la consideró sospechosa tras su implicación a favor de los derechos civiles, está marcada musicalmente por un ecléctico e interesante trabajo del australiano Jed Kurzel. Aunque la película recibió críticas poco satisfactorias, y en general tiene un aire de telefilm que resulta convencional, es destacable el trabajo del compositor, que desgrana un ramillete de creaciones musicales que van desde la aportación de cuerdas que transmiten cierta soledad de la protagonista, hasta la introducción de elementos electrónicos que contribuyen a resaltar la persecución a la que se sometida. Temas como "Break in" aportan cierta luminosidad, pero en general se trata de una banda sonora que contribuye a resaltar el dramatismo de la historia, en composiciones de suspense como "Party talk" o "Floating Jean". Hay referencias a la película de la que fue musa la actriz, en "Breathless", y sonoridades casi experimentales, también referenciando a la Nouvelle Vague, de género jazzístico como en el electrizante "Typewriter". La música adopta un cariz misterioso en ocasiones, a través del piano, que interpreta una melodía triste y al mismo tiempo tétrica en "The folder", que cierra la banda sonora con una sensación de desasosiego.
Decca Records 13 / 12 / 2019
La última película del director francés François Girard nos trae también el último trabajo musical de Howard Shore para una historia que se desarrolla a lo largo de varias décadas, que tiene como telón de fondo la II Guerra Mundial y que está protagonizada por un violinista aventajado. Todos estos elementos son perfectos para un compositor de la talla de Howard Shore, lo que le ha permitido moverse en tres vertientes distintas: por un lado, la elección de músicas clásicas del siglo XX, de autores como Paganini, para ser utilizadas en la película; por otro lado, la composición de una pieza de concierto para el clímax; y por otro, la creación de la música original que subraya las escenas. Estos tres aspectos confluyen de una forma excepcional en este trabajo. "The Song of the Names for Violin and Orchestra" es una hermosa composición de sonoridad judía que está interpretada por el violín solista del joven talento Ray Chen, que participa también en otros pasajes de la banda sonora. Por su parte, la música presente en las escenas de la película tienen el sello característico de su autor, en creaciones más livianas como "Bicycling" o en composiciones más dramáticas como el intenso "It ended in silence". El violín de Ray Chen soporta principalmente los temas principales, aportando un aire "yidish" que también nos sitúa en el contexto histórico, como en "Synagogue 1947" o en "Treblinka Memorial". Mientras que la voz solista de Daniel Mutlu otorga una condición casi alegórica a temas como "The song of names prayer".
Uncut gems - Daniel Lopatin
Warp Records 16 / 12 / 2019
A la lista de interesantes aportaciones electrónicas en el campo de las bandas sonoras este año podemos añadir esta singular aportación de Daniel Lopatin, que aporta un enfoque interesante a su nueva colaboración con los Safdie tras aquella Good time (Benny Safdie, Josh Safdie, 2017) que también funcionaba como creación de un entorno sonoro particular. Desde la chocante escena introductoria del film, ya comprobamos que el trabajo de Daniel Lopatin circula por caminos nada convencionales, con ese tema de sonoridades casi místicas que se introduce en los 8 minutos de "The ballad of Howie Bling". A partir de ahí, la película de los hermanos Safdie es una sucesión de situaciones cada vez más insólitas que le ocurren al protagonista, un gilipollas que no puede evitar toma decisiones incorrectas. Es, como el protagonista de aquella otra película, un antihéroe, y la música no hace más que subrayar esa condición de personalidad perdida, adquiriendo una tonalidad que está muy cerca de los sonidos electrónicos de Tangerine Dream o Giorgio Moroder en los años 80. La música de Daniel Lopatin no es un simple enunciado de la asfixia del protagonista (en composiciones como "School play"), sino que funciona como aportación casi contradictoria en algunas escenas, como la discusión entre el personaje principal y su novia después de que ésta le haya puesto los cuernos con el cantante The Weeknd, que es subrayada con una tema coral, casi vikingo ("Fuck you Howard"), que aporta una mirada irónica a la absurda situación. Esta es la principal
La última película del director francés François Girard nos trae también el último trabajo musical de Howard Shore para una historia que se desarrolla a lo largo de varias décadas, que tiene como telón de fondo la II Guerra Mundial y que está protagonizada por un violinista aventajado. Todos estos elementos son perfectos para un compositor de la talla de Howard Shore, lo que le ha permitido moverse en tres vertientes distintas: por un lado, la elección de músicas clásicas del siglo XX, de autores como Paganini, para ser utilizadas en la película; por otro lado, la composición de una pieza de concierto para el clímax; y por otro, la creación de la música original que subraya las escenas. Estos tres aspectos confluyen de una forma excepcional en este trabajo. "The Song of the Names for Violin and Orchestra" es una hermosa composición de sonoridad judía que está interpretada por el violín solista del joven talento Ray Chen, que participa también en otros pasajes de la banda sonora. Por su parte, la música presente en las escenas de la película tienen el sello característico de su autor, en creaciones más livianas como "Bicycling" o en composiciones más dramáticas como el intenso "It ended in silence". El violín de Ray Chen soporta principalmente los temas principales, aportando un aire "yidish" que también nos sitúa en el contexto histórico, como en "Synagogue 1947" o en "Treblinka Memorial". Mientras que la voz solista de Daniel Mutlu otorga una condición casi alegórica a temas como "The song of names prayer".
Warp Records 16 / 12 / 2019
A la lista de interesantes aportaciones electrónicas en el campo de las bandas sonoras este año podemos añadir esta singular aportación de Daniel Lopatin, que aporta un enfoque interesante a su nueva colaboración con los Safdie tras aquella Good time (Benny Safdie, Josh Safdie, 2017) que también funcionaba como creación de un entorno sonoro particular. Desde la chocante escena introductoria del film, ya comprobamos que el trabajo de Daniel Lopatin circula por caminos nada convencionales, con ese tema de sonoridades casi místicas que se introduce en los 8 minutos de "The ballad of Howie Bling". A partir de ahí, la película de los hermanos Safdie es una sucesión de situaciones cada vez más insólitas que le ocurren al protagonista, un gilipollas que no puede evitar toma decisiones incorrectas. Es, como el protagonista de aquella otra película, un antihéroe, y la música no hace más que subrayar esa condición de personalidad perdida, adquiriendo una tonalidad que está muy cerca de los sonidos electrónicos de Tangerine Dream o Giorgio Moroder en los años 80. La música de Daniel Lopatin no es un simple enunciado de la asfixia del protagonista (en composiciones como "School play"), sino que funciona como aportación casi contradictoria en algunas escenas, como la discusión entre el personaje principal y su novia después de que ésta le haya puesto los cuernos con el cantante The Weeknd, que es subrayada con una tema coral, casi vikingo ("Fuck you Howard"), que aporta una mirada irónica a la absurda situación. Esta es la principal
Disney Records 20 / 12 / 2019
Una de las propuestas del nuevo canal digital Disney + para el mes de diciembre fue esta película de aventuras, muy cercana a la historia real del perro Balto, con Willem Dafoe como protagonista. Para ella, el compositor Mark Isham ha creado la que quizás sera una de las mejores bandas sonoras del año para una historia de aventuras. La música sigue los parámetros clásicos del género, utilizando una orquesta con predominio de instrumentos de cuerda, y la utilización del violonchelo que nos retrotrae con cierto aire de nostalgia a la América profunda, como en el sosegado "Determination". Hay hermosísimos pasajes como "To lead", que aportan grandiosidad a la historia y reflejan la condición heróica de los protagonistas, y también espléndidas suites que aportan cierto grado de asfixia como en "Perilous sound", con una magnífica utilización de las percusiones en contraposición con el violonchelo solitario que describe al protagonista. Y encontramos en el tema final "Harnessed to your heart" un reflejo del espléndido trabajo de Mark Isham en esta banda sonora, con una sensibilidad melódica que está por encima de lo que hemos escuchado en los últimos meses. Marl Isham es un compositor que suele contribuir con excelentes trabajos musicales, aunque a veces camina por circuitos algo trillados. Pero cuando consigue creaciones cargadas de fuerza como ésta, nos da bandas sonoras de gran intensidad.
Una de las propuestas del nuevo canal digital Disney + para el mes de diciembre fue esta película de aventuras, muy cercana a la historia real del perro Balto, con Willem Dafoe como protagonista. Para ella, el compositor Mark Isham ha creado la que quizás sera una de las mejores bandas sonoras del año para una historia de aventuras. La música sigue los parámetros clásicos del género, utilizando una orquesta con predominio de instrumentos de cuerda, y la utilización del violonchelo que nos retrotrae con cierto aire de nostalgia a la América profunda, como en el sosegado "Determination". Hay hermosísimos pasajes como "To lead", que aportan grandiosidad a la historia y reflejan la condición heróica de los protagonistas, y también espléndidas suites que aportan cierto grado de asfixia como en "Perilous sound", con una magnífica utilización de las percusiones en contraposición con el violonchelo solitario que describe al protagonista. Y encontramos en el tema final "Harnessed to your heart" un reflejo del espléndido trabajo de Mark Isham en esta banda sonora, con una sensibilidad melódica que está por encima de lo que hemos escuchado en los últimos meses. Marl Isham es un compositor que suele contribuir con excelentes trabajos musicales, aunque a veces camina por circuitos algo trillados. Pero cuando consigue creaciones cargadas de fuerza como ésta, nos da bandas sonoras de gran intensidad.
Quartet Records 26 / 12 / 2019
Interesante trabajo de tono asfixiante creado por la compositora madrileña Zeltia Montes para este thriller situado en la comunidad valenciana. La música es de tono oscuro, lo que está representado por esa sonoridad grave que aportan los violonchelos durante casi todo el tiempo, especialmente en momentos de suspense como "Las cañas". Este sonido que resulta en ocasiones tan incómodo como lo son las propias imágenes, se da la mano con otros pasajes de corte electrónico que establecen la frialdad de la alta sociedad valenciana, pero también se incorpora en una suerte de entramado caótico en composiciones como "La droga", que suponen un acercamiento psicológico y desasosegante. Hay excelentes momentos musicales que, aun siguiendo las pautas habituales de la música para cine negro, tienen una contundencia notable, como los misteriosos "Eliminar pruebas" y "A mi", que destacan la condición de thriller para introducirnos en la oscuridad de una trama que Zeltia Montes no enfatiza desde el punto de vista de la ambientación, sino más bien desde la perspectiva de la oscuridad moral de los personajes.
Mimi and the mountain dragon - Rachel Portman
Interesante trabajo de tono asfixiante creado por la compositora madrileña Zeltia Montes para este thriller situado en la comunidad valenciana. La música es de tono oscuro, lo que está representado por esa sonoridad grave que aportan los violonchelos durante casi todo el tiempo, especialmente en momentos de suspense como "Las cañas". Este sonido que resulta en ocasiones tan incómodo como lo son las propias imágenes, se da la mano con otros pasajes de corte electrónico que establecen la frialdad de la alta sociedad valenciana, pero también se incorpora en una suerte de entramado caótico en composiciones como "La droga", que suponen un acercamiento psicológico y desasosegante. Hay excelentes momentos musicales que, aun siguiendo las pautas habituales de la música para cine negro, tienen una contundencia notable, como los misteriosos "Eliminar pruebas" y "A mi", que destacan la condición de thriller para introducirnos en la oscuridad de una trama que Zeltia Montes no enfatiza desde el punto de vista de la ambientación, sino más bien desde la perspectiva de la oscuridad moral de los personajes.
Decca Classics 26 / 12 / 2019
La BBC estrenó estas Navidades este cortometraje que está basado en el cuento del escritor Michael Morpurgo. Aunque no hemos tenido oportunidad de ver el cortometraje, el hecho de que tanto la película como la propia banda sonora duren unos 25 minutos indica que la música de la compositora Rachel Portman está presente en cada momento. Y sin lugar a dudas, tras su audición, está claro que se trata de una música descriptiva, que nos hace introducirnos en la ambientación y la acción que transcurre en esta historia sobre una niña que encuentra un dragón bebé e inicia un viaje fantástico para tratar de devolverlo a su madre. Rachel Portman aporta en esta banda sonora una espléndida composición que desde el tema de inicio, "Opening and a little girl called Mimi", ya nos introduce en un mundo de fantasía que después se sostiene en los sonidos de las flautas para el momento en el que la protagonista encuentra al dragón bebé. El tema principal, en todo momento presente, es hermoso y muy en línea con el estilo característico de la compositora, divertido y sencillo, y se vuelve más dramático en pasajes como "Climbing the mountain". Son hermosas también las dos canciones que se incluyen en la banda sonora, "Lullaby" y "Mimi's song", interpretadas por las actrices Claire Martin (la madre) y Esther Graves (Mimi).
La BBC estrenó estas Navidades este cortometraje que está basado en el cuento del escritor Michael Morpurgo. Aunque no hemos tenido oportunidad de ver el cortometraje, el hecho de que tanto la película como la propia banda sonora duren unos 25 minutos indica que la música de la compositora Rachel Portman está presente en cada momento. Y sin lugar a dudas, tras su audición, está claro que se trata de una música descriptiva, que nos hace introducirnos en la ambientación y la acción que transcurre en esta historia sobre una niña que encuentra un dragón bebé e inicia un viaje fantástico para tratar de devolverlo a su madre. Rachel Portman aporta en esta banda sonora una espléndida composición que desde el tema de inicio, "Opening and a little girl called Mimi", ya nos introduce en un mundo de fantasía que después se sostiene en los sonidos de las flautas para el momento en el que la protagonista encuentra al dragón bebé. El tema principal, en todo momento presente, es hermoso y muy en línea con el estilo característico de la compositora, divertido y sencillo, y se vuelve más dramático en pasajes como "Climbing the mountain". Son hermosas también las dos canciones que se incluyen en la banda sonora, "Lullaby" y "Mimi's song", interpretadas por las actrices Claire Martin (la madre) y Esther Graves (Mimi).
¿Dónde está mi cuerpo? e Historia de un matrimonio se pueden ver en Netflix.
Vida oculta y Bombshell (El escándalo) se estrenan el 7 de febrero.
La canción de los nombres olvidados se estrena el 20 de marzo.
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