Visions du Réel 2025 - Parte 1: Resistencias

Desde el pasado viernes se celebra una nueva edición del Festival Visions du Réel en la ciudad suiza de Nyon, donde hasta el 13 de abril se dan cita algunas de las producciones documentales más relevantes del año. Consolidada como el segundo festival más importante de Suiza, después del reconocido Festival de Locarno, Visions du Réel pone también un especial énfasis en las narrativas menos tradicionales, de manera que muchas de las películas que se presentan se encuentran en la frontera entre géneros y formas visuales, desplegando una de las programaciones más singulares y atractivas del panorama de festivales en el mundo. También la elección de los invitados sigue este camino de diversidad, y en esta edición los protagonistas de los premios honoríficos son tres grandes cineastas: Raoul Peck (1953, Haití), nominado al Oscar por el documental I am not your negro (2016); Corneliu Porumboiu (1975, Rumanía), ganador de Un certain Regard en el Festival de Cannes por Politist, adjectiv (2009) y El tesoro (2015); y la directora Cláudia Varejāo (1980, Portugal), ganadora del León de Plata a la Mejor Dirección en la Mostra de Venecia por Lobo & perro (2022), además del cineasta Asif Kapadia (1972, Inglaterra), del que próximamente se estrenará su última película, 2073 (2024). Visions du Réel presenta una interesante programación formada por documentales que representan la realidad pero también se cuestionan qué es la realidad, algo que muestra bien la película de apertura, sobre las narrativas falsas creadas alrededor del origen del coronavirus, que comentamos a continuación. Durante dos semanas vamos a repasar las películas más relevantes de la selección que este año forma parte del festival Visions du Réel. 

Blame

Christian Frei

Suiza 2025 | Inauguración / Grand Angle | ★★★★☆

La película de apertura de Visions du Réel retrocede hasta las primeras investigaciones en torno a la pandemia del coronavirus pero acaba teniendo una conexión destacada con la actualidad, tanto que el final del documental advierte sobre las consecuencias desastrosas que podría tener que Robert F. Kennedy, jr. se convirtiera en Secretario de Salud de Estados Unidos, finalmente elegido para el cargo en febrero. Pero el último documental del realizador Christian Frei (1959, Suiza), que fue nominado al Oscar por War photographer (2001) y ganador en el Festival de Sundance con Turistas espaciales (2008) y Genesis 2.0 (2018), comienza como una historia de amistad entre tres científicos: Linfa Wang de Singapur y Zhengli Shi de China, que trabajaron juntos en el Instituto de Virología de Wuhan, y el británico Peter Daszak, cuya ONG EcoHealth Alliance se dedicaba a estudiar los más de 800 virus que existen en el mundo susceptibles de expandirse en forma de pandemia, y el pasado mes de enero fue desmantelada a través de las políticas de desfinanciación de la nueva administración de Donald Trump. Narrada en primera persona por el propio director, Blame (Christian Frei, 2025) deja claro desde el principio que tiene una perspectiva subjetiva, tanto como el punto de vista del dron que sale de una cueva acompañando el vuelo de los murciélagos y sobrevolando una pequeña aldea donde los científicos encontraron el origen del virus que provoca el SARS (Síndrome Respiratorio Agudo Grave) en el año 2005, cuando ya se advertía de una pandemia posible que podría extenderse a nivel mundial. Años después, se detectaron los primeros casos de Covid-19 que acabaron paralizando el mundo, lo que refleja la falta de atención de los gobiernos a las advertencias de los científicos. El director ofrece destellos de las consecuencias del coronavirus a través de imágenes fijas, pero sobre todo está interesado en el comienzo de una campaña de desinformación, surgida principalmente en Estados Unidos, que culpaba a China por la falta de control y como el origen de un posible (pero improbable) ataque biológico. Donald Trump hacía referencia en numerosas ocasiones al "virus chino" para contrarrestar las críticas a su tardía gestión de la pandemia en Estados Unidos, que en 2024 seguía siendo el país con una mayor cantidad de afectados por el Covid-19, más de 100 millones de personas. Las investigaciones científicas sobre el origen del virus dieron como resultado, con la máxima probabilidad, que surgió de un mercado de alimentos frescos de Wuhan, donde las condiciones sanitarias eran pésimas, pero no se descartó la posibilidad de que hubiera surgido en el Instituto de Virología de Wuhan, donde trabajaba Linfa Wang, que se convirtió en objeto de las acusaciones de negligencia, siendo retratada como una especie de "científica malvada" a través de las redes sociales. 

Surgieron teoría de la conspiración principalmente defendidas por los sectores conservadores y los activistas antivacunas, con actores que fueron relevantes durante la pandemia, como Li-Meng Yan, que afirmaba que el SARS-Cov-2 había sido creado en un laboratorio, huyó a Estados Unidos y fue reclutada por el ultraderechista Steve Bannon, que la formó en medios de comunicación para que propagara la teoría del virus de laboratorio, con la ayuda del presentador de Fox News Tucker Clarkson. La comunidad científica ha negado esa posibilidad y Li-Meng Yan nunca ha presentado pruebas de ninguna investigación seria sobre el tema. Christian Frei está interesado en establecer el paralelismo entre la propagación del virus y la transmisión de las noticias falsas que fueron surgiendo alrededor de la pandemia. En la actualidad, el 60% de los norteamericanos siguen pensando que el virus surgió en un laboratorio de Wuhan, a pesar de que no existe ninguna prueba de esta posibilidad, que para la comunidad científica es solo de un 1% frente al 99% de que su origen fuera el que descubrieron los tres científicos en 2005. La desclasificación de documentos de la CIA y el FBI mostraba que no existía ninguna evidencia de la creación de un virus en un laboratorio, pero mientras tanto se publicaban libros como Wuhan cover-up (2023), de Robert F. Kennedy, jr., que defiende la teoría de la conspiración y la connivencia del departamento de salud de Estados Unidos y el gobierno chino para ocultar el verdadero origen del coronavirus. Desde una especie de retiro en Tailandia después de que Peter Daszak comenzara a recibir amenazas de muerte, el director se reúne con la periodista independiente china Jane Qiu y el divulgador científico Philipp Markolin. Los cuatro asisten a la desfinanciación de EcoHealth Alliance: "Esto no es solo un ataque a una organización. Esto es un presidente diciéndole a la sociedad lo que debe hacer o no debe hacer la ciencia. Es un presidente que no lee o no entiende lo que lee. No le importan los hechos, ni le importa la gente", dice Peter Daszak, quien el pasado mes de enero fue inhabilitado durante cinco años. EcoHealth, que ya ha sido desmantelada, tuvo que hacer frente a ocho demandas que la acusaban de haber provocado el coronavirus, seis de las cuales fueron finalmente desestimadas. Blame plantea los peligros de la intromisión política en la ciencia a través de narrativas interesadas y de la propagación del virus de la desinformación, y deja un mensaje preocupante. Si pensábamos que, tras hacer frente a una pandemia mundial, estamos más preparados para cuando llegue otra, es todo lo contrario.  

Niñxs

Kani Lapuerta

México, Alemania 2025 | Competición Internacional | ★★★★☆

IDFA Forum '22: Mejor Pitching

Hay una intención clara desde el principio en esta película de romper las narrativas tradicionales de los documentales, jugando con los puntos de vista, contando la historia desde una primera persona e incorporando al director Kani Lapuerta (1989, España) como una parte de la historia en algunos momentos. Nacido como un proyecto cuando la protagonista Karla Bañuelos tenía solo siete años, esta propuesta sigue el proceso de transición de una joven transexual en la etapa más compleja, entre la infancia y la adolescencia, construyéndose como una historia de crecimiento que al mismo tiempo refleja el empoderamiento de una joven que tiene clara la pertenencia propia de su cuerpo y que está rodeada, además, de unos padres modélicos que la acompañan en el camino, casi con la misma ilusión que ella. Pero a pesar de la pretensión de deshacerse de los estereotipos sobre la representación de la transexualidad, que inevitablemente parece destinada al drama y la tragedia, Niñxs (Kani Lapuerta, 2025) tampoco puede evitar el peso del contexto. Karla es una joven transexual que vive en un pequeño pueblo a poco más de una hora de Ciudad de México, y a pesar de que Tepoztlán es descrito como "un refugio para hippies", siguen sobrevolando las inevitables huellas de la transfobia y el transfeminicidio, casi asumidos como un peligro habitual en un país como México. Cuando le preguntan a Karla cómo se ve en el futuro, ella se imagina a sí misma muerta en una zanja, y de hecho se ensaya este posible final para la película, pero inmediatamente es enterrado bajo la explosión de optimismo que quiere representar esta historia. También hay pequeños detalles de esa preocupación por parte de los padres de Karla, como cuando su madre le prohíbe que salga demasiado maquillada por la noche, como una muestra de inquietud más que de censura. Lo que consigue Kani Lapuerta con especial habilidad en su docuficción Niñxs es transformar un ejercicio cinematográfico que nació como un juego y una experimentación, en una propuesta colectiva que se va construyendo al mismo tiempo que se graba el crecimiento de Karla, lo que acaba dando como resultado una película divertida y colorista que transmite una energía juvenil, estructurándose a partir de conversaciones entre Kani y Karla que a veces son desenfadadas y otras abordan cuestiones más relevantes sobre qué significa ser transexual en México. 

Niñxs también se puede definir como una historia de resistencia, aunque en general el entorno que rodea a Karla es positivo, sobre todo gracias a una familia, sus padres Chío y Assur, que reconocen su identidad desde el primer momento. A lo largo de los nueve años en los que se ha rodado la película, asistimos a algunas de las pequeñas victorias de Karla, como asistir a su primera manifestación del Orgullo o conseguir el cambio de nombre y de género en su documento de identidad en el Registro Civil de México. Karla describe su capacidad para aislarse de los comentarios negativos que puede recibir en el colegio o cuando camina por la calle, pero asimismo los efectos psicológicos de la disforia: "Me sentía perdida, sola en el mundo". Pero es especialmente atractiva la forma en que se juega también con el género del documental, cuando se recrean escenas de conversaciones que seguramente se han producido en la intimidad familiar, como Karla diciéndole a su padre que está pensando en comenzar un tratamiento hormonal: "No me gusta, pero lo entiendo", le contesta él. También se abordan realidades diferentes, como la de su amigo Oliver, un chico transexual cuyos padres no tienen la misma comprensión que los de Karla. Algunos pasos en la vida de la protagonista se convierten en desafíos mayores, como cuando comienza a estudiar la preparatoria, para lo que tiene que desplazarse todos los días a Ciudad de México, a un barrio algo peligroso, lo que supone salir de su zona de seguridad, el entorno que la ha visto crecer. La película es interrumpida por Karla en algunas ocasiones, hablando con Kani sobre el desarrollo de la historia, incluso echándole las cartas para saber si la va a terminar por fin, en una mezcla de documental metanarrativo y ficción que recuerda a otras propuestas como Adrianne & the Castle (Shannon Walsh, 2024), con la que también comparte ese tono kitsch. Karla se define a sí misma como "demasiado glitter para tan poco mundo", y en ese juego desenfadado, Niñxs construye algunos de sus sueños, como ser bastonera (cheerleader) o muestra la operación de reasignación de sexo a la que aspira como uno de esos videos humorísticos de tik tok que a ella le gustaba grabar cuando era más joven. Al final, Niñxs demuestra que el camino hacia la transición de género no tiene que ser solitario, sino colectivo, como la propia película que habla de una niña que ha ido construyendo su propio recorrido personal desde la falda del cerro Tepozteco hasta conquistar el mundo con su historia. 

Aurora

João Vieira Torres

Brasil, Francia, Portugal 2025 | Competición Internacional | ★★★☆☆

A partir de un sueño que regresa a la memoria del director, el artista franco-brasileño João Vieira Torres (1981, Brasil) inicia un viaje personal que tiene algo de ritual por las huellas de su familia en el Nordeste de Brasil, marcado por el desierto, la agricultura y las creencias evangélicas mezcladas con el sincretismo que predominan en muchas regiones brasileñas. Las pesadillas, a veces casi premonitorias, que tenía el director cuando era niño desaparecieron cuando se marchó de Brasil, iniciando un trabajo como artista en Francia que ha explorado temas relacionados con la infancia y el exilio, en cortometrajes como Ghost children (João Vieira Torres, 2016), seleccionado en el Festival de Rotterdam. El sueño tiene relación con su abuela paterna Aurora, a la que no conoció, pero que ha tenido una presencia constante en su familia, que de alguna manera se representa en un pozo de agua surgido en medio de una gran sequía que comenzó a llenarse durante el amanecer y ha permanecido así desde entonces, llamándole el Pozo de la Aurora, como un reflejo de la permanencia del recuerdo y de la influencia del pasado. Su abuela era partera y dio a luz a muchos de los bebés que nacieron en la zona, y aunque el viaje en principio tiene como objeto encontrar a algunos de estos niños, ya ancianos, que su abuela sacó del vientre de sus madres con sus propias manos, "los hijos tocados por Aurora", este documental con tono de performance personal se centra cada vez más en cinco mujeres de su familia a lo largo de tres generaciones, tan marcadas por la tragedia que se llegó a pensar que estaban malditas: "Dicen que las mujeres de mi familia sufren tanto porque hay una maldición sobre ellas". Con un estilo poético que a veces perjudica al ritmo de la película, la mirada de João Vieira Torres se detiene en las fotografías antiguas familiares a través de los pequeños detalles, como unas manos o un rostro, casi como si estuviera componiendo las piezas de un puzzle para reconstruir el recuerdo a través de la imagen. El viaje iniciático comienza en Sertão da Bahia, el lugar donde nació su abuela, y la región en la que solo algunos miembros de la familia siguen viviendo. Donde surgen las historias relacionadas con la bisabuela Vitória, de la que Aurora heredó su dedicación a traer bebés al mundo, y que era una mujer indígena secuestrada y obligada a vivir con un hombre blanco, a la que le dieron el nombre cristiano de Vitória: "Nunca supe cuál era su verdadero nombre". São Paulo, a 2.500 kms de distancia de Sertão da Bahia, fue el destino de la emigración interior de buena parte de la familia, y allí su tía Cida describe casi con naturalidad cómo fue obligada a casarse cuando tenía 14 años porque había quedado embarazada de un primo: "Me casé sin saber lo que era un beso". 

Aurora (João Vieira Torres, 2025) se desenvuelve entre el mundo de los muertos y de los vivos, la memoria de las imágenes de miembros de la familia que el director va conociendo cada vez más, como una de las hijas de Aurora, llamada Vitória, que se entregó el mundo del espiritismo y que murió dando a luz a su quinto hijo, según se cuenta porque el hospital estaba lleno de malos espíritus. Y regresa la idea de esa maldición que se cierne sobre las mujeres de la familia pero que no es más que el reflejo de la violencia constante que han sufrido a lo largo de varias generaciones. Una prima de João Vieira murió asesinada junto a su novia por su prometido, convirtiéndose en la atención de los periódicos que describían a los asesinos con apodos que suavizaban su imagen: "Los asesinos eran los protagonistas de las noticias, las víctimas eran solo un número". El regreso a Brasil también está marcado por el encuentro con los espíritus, y la búsqueda, desde la no creencia, de una cierta tranquilidad a través de la figura del Eshu, un intermediario entre los orishas y los humanos. Aurora se equilibra entre la espiritualidad, la memoria y el viaje personal que también reconoce el propio trayecto realizado por el director desde que se marchó de Brasil, y cómo su identidad queer influyó en la relación con su familia, como cuando su madre le escondió un juguete porque era de color rosa. Cuenta que cuando le llevaron a terapia, el psicólogo le preguntó qué juguetes eran sus preferidos y él respondió, mintiendo, que prefería el tren eléctrico. Entre anécdotas que se cuentan con cierto desenfado, surgen historias de violencia, abuso sexual, feminicidio y represión, que se mantienen como una huella permanente que, principalmente, ha marcado a las mujeres a lo largo de varias generaciones. La sombra de estos recuerdos convertidos en sueños y en la presencia de los muertos, se ha transmitido a lo largo del tiempo como una extensión de las influencias trasplantadas a Brasil a la fuerza, desde las culturas cristianas. 

GEN_

Gianluca Matarrese

Francia, Italia, Suiza 2025 | Grand Angle | ★★★★☆

Sundance '25: Sección World Cinema

Tesalónica '25: Mermaid Award (Mejor Película LGBTIQ+)

En el Hospital Niguarda de Milán, el Dr. Maurizio Bini dirige el departamento de Diagnóstico y Terapia de Esterilidad y Criopreservación desde el año 1995, pero buena parte de su labor se dedica también a las terapias hormonales y las cirugías de reasignación de género. Centrándose principalmente en la consulta del especialista cuando acuden sus pacientes, el documental GEN_ (Maurizio Matarrese, 2025), estrenado en el Festival de Sundance y premiado en Tesalónica, presenta un espacio de seguridad en el que no hay discursos sin fundamento, desinformación o frases hechas, sino empatía, comprensión y una clara vocación de mostrar los caminos que tiene la ciencia para conseguir la felicidad de diversas formas: asegurar la fertilidad o reafirmar los géneros. La película comienza, sin embargo, en un bucólico paisaje boscoso a las afueras de Milán en el que Maurizio Bini se dedica a buscar hongos, la práctica a la que le gustaría dedicar su tiempo cuando se jubile, como él mismo dice a una de las doctoras. Esa serenidad del bosque se traslada al espacio de su consulta, que sin embargo a veces se ve interrumpida por los sonidos de las taladradoras en una obra de construcción cercana, que afecta incluso a la práctica de las cirugías más delicadas. Ese ruido de fondo representa de alguna manera el ruido constante al que se enfrenta la ciencia dedicada a esta especialidad: mientras Maurizio Bini se dirige al hospital, la radio transmite un fragmento de un discurso de Giorgia Meloni sobre la maternidad en su concepto más heteronormativo, negando la posibilidad de otras formas de fertilidad. A lo largo de las consultas, el doctor se enfrenta a las contradicciones de los continuos cambios legislativos que establecen nuevas limitaciones: "Es absurdo que hayas esperado tanto tiempo y ahora la ley haya cambiado. Los médicos no somos legisladores. Muchas veces se toman decisiones entre lo que es justo y lo que es legal. Y en tu caso es injusto que la ley haya cambiado", le dice a una paciente que está en el límite de los 46 años que ahora establece la ley italiana para poder someterse a una PMA (Procreación Médica Asistida), después de haber sufrido tres abortos naturales. En un formato observacional que recuerda al documental Notre corps (Claire Simon, 2023), la cámara se sitúa a cierta distancia, enfocándose en los rostros pero dejando espacio para cierta intimidad entre médico y pacientes. Se muestran historias breves y numerosas a lo largo de la película que no pretenden profundizar en ninguna de ellas sino ofrecer la diversidad de facetas que pueden tener las prácticas médicas que se dedican a las identidades presentes y futuras. 

GEN_ no plantea discursos éticos sino que presenta historias personales, y establece la necesidad de que la ciencia les proporcione respuestas. Un bloque del documental está enfocado en jóvenes menores de edad que acuden con sus padres a la consulta para una reasignación de sexo, una tendencia sobre la que Maurizio Bini tiene una teoría: "La consulta de menores es reciente, porque las familias se han vuelto más afectivas. Los padres quieren que sus hijos se sientan bien emocionalmente. Las generaciones normativas anteriores no tenían ningún interés en la felicidad de sus hijos". Hay una evidente intención, no obstante, de presentar las consultas de personas transgénero dentro del contexto del resto de consultas sobre fertilidad, donación de esperma o procreación asistida, presentando la normalidad de estas necesidades que sin embargo son fundamentales para el desarrollo de las personas. La consulta del Dr. Bini se presenta como un lugar que se aísla del ruido que lo rodea, que establece dentro de la legalidad los caminos adecuados para llegar a la felicidad, el objetivo que parece querer alcanzar el especialista. Y presenta solo historias positivas, evitando los conflictos, o presentándolos en su vertiente más amable, como cuando Maurizio Bini llama por teléfono a una madre reacia a que su hijo se someta a una reasignación de género. Pero tampoco ofrece una visión parcial y demasiado complaciente, reflejando las dificultades a las que se enfrentan los médicos a través del testimonio de una doctora y su experiencia con "una madre muy agresiva, con su hijo y conmigo, diciendo que promovíamos este tipo de tratamientos porque estábamos financiados por farmacéuticas. Que vendíamos enfermedades psiquiátricas. Diciendo delante de su hijo que lo que necesitaba era un psiquiatra, no un doctor". La realidad de una sociedad cambiante que se enfrenta a la obligación de responder a las necesidades relacionadas con la identidad de género se muestra en este relevante documental que presenta la diversidad como una normalidad, frente a las políticas de negación y de invisibilidad que no la elimina, sino que solo la oculta. La resistencia de los especialistas médicos a las tendencias que tratan de regresar a una perspectiva binaria se representa en el trabajo diario y en la profesionalidad, una reivindicación cada vez más necesaria de la autonomía y la pertenencia única de los cuerpos. 

Les voyageurs

David Bingong

Camerún, España 2025 | Competición Cortometrajes y Mediometrajes | ★★★☆☆

En el año 1995 se colocó por primera vez una valla de alambre en Ceuta para impedir el paso de inmigrantes subsaharianos y africanos a Europa. Desde entonces, se han invertido millones de euros en hacerla más alta y fortificada, con torres de control, cámaras de infrarrojos, túneles subterráneos con sensores de movimiento, unidades móviles de cámaras nocturnas, patrullas a los dos lados de la frontera y drones, como indica la productora Irene Gutiérrez: "La tecnología que se prueba en Israel después es adoptada en Ceuta". Aunque parte de la inmigración ha venido utilizando la ruta canaria en los últimos años, las imágenes de jóvenes saltando la doble valla y huyendo de la policía marroquí y española, se han convertido en una representación impersonal del viaje que llevan a cabo para llegar a Europa, pero también se utiliza con una intención política. El profesor Lorenzo Gabrielli, asociado a la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, describe estas imágenes en el último número de la revista Scripta Nova afirmando que "el ‘espectáculo fronterizo’ es central para justificar el enfoque en términos de ‘crisis migratorias’, así como para legitimar la excepcionalidad y el exceso que caracterizan la respuesta política frente al movimiento de personas". Y continúa escribiendo que "La iconografía hegemónica del espectáculo migratorio representa cuerpos racializados, principalmente varones, en grupos numerosos y con caras no reconocibles (...) un elemento iconográfico que enlaza directamente con el imaginario colectivo del ‘otro’, heredado de la época colonial y de la esclavitud" (Scripta Nova, 31/3/2025). Este enfoque es necesario para entender cómo Les voyageurs (David Bingong, 2025) se reivindica a través de todo lo contrario, la representación de los rostros, los cuerpos y las experiencias en primera persona de los jóvenes inmigrantes que desde África intentan entrar en Ceuta. Y es este aspecto lo que refleja la importancia de este especie diario visual en el que David Bingong muestra, y relata, parte de su recorrido de casi dos años hasta conseguir llegar a España en 2014, el mismo año en el que se produjo la llamada tragedia del Tarajal, cuando cruzaron la valla entre 200 y 300 inmigrantes, siendo repelidos por la Guardia Civil utilizando fuerzas antidisturbios para que no consiguieran pisar tierra firme desde el agua, lo que provocó la muerte de 14 inmigrantes ahogados. 

Después de comenzar su viaje desde Camerún, David Bingong conoció a un periodista español que le proporcionó una cámara de video para que pudiera grabar, con la dificultad de hacerlo en un entorno en el que se evitan los móviles y los aparatos electrónicos para no ser localizados por la policía marroquí. Cuando la directora Irene Gutiérrez estaba grabando en la frontera el cortometraje Bridge (Irene Gutiérrez, Youssef Drisi, 2014) para la webserie Connected Walls (Grizzly Films, 2015-2015), conoció a David y las imágenes que estaba grabando, que finalmente se han convertido en el mediometraje Les voyageurs (David Bingong, 2025). La posibilidad de utilizar una cámara en vez de los habituales móviles, permite que las imágenes tengan una mayor calidad y el acercamiento a este grupo de inmigrantes de diferentes procedencias resulte mucho más claro. Desde el principio hay un espíritu de comunidad con un objetivo común, conseguir saltar la valla y atravesar el mar hasta Ceuta desde la localidad de Castillejos, en Marruecos. La solidaridad se convierte en su mejor aliada cuando son perseguidos por la policía marroquí constantemente, y ellos mismos se describen como soldados o guerreros, tanto que hasta las improvisadas tiendas de campaña construidas con palos y plásticos son llamadas "búnker". Pero en Les voyageurs no vemos la persecución de la policía de manera directa, sino sus consecuencias, como cuando queman todo su campamento, tampoco se muestra el salto de la valla, sino el resultado de sus constantes fracasos. De manera que la película convierte en elipsis lo que habitualmente se muestra en otros documentales o en las noticias, lo que se convierte en su principal virtud. Vemos, por el contrario, las eternas esperas, las reuniones para preparar el próximo asalto, el regreso a Tánger para recobrar fuerzas, y sobre todo las canciones que se convierten en gritos de orgullo para no desfallecer. David Bingong dirige actualmente la agrupación musical Les Griots d’Afrique, con la que ha escrito e interpreta la canción "Les voyageurs" para esta película. El grupo está formado por hombres jóvenes africanos, de los que no conocemos sus experiencias personales porque seguramente muchos comparten las mismas. El principal valor de Les voyageurs es desprenderse de la imagen impersonal de la inmigración para poner rostros, voces y miradas en primera persona.

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Películas mencionadas:

I am not your negro y El tesoro se pueden ver en Filmin.

Lobo & perro se puede ver en Filmin, FlixOlé y Prime Video. 

Notre corps se puede ver en Mubi. 

SÉRIES MANIA 2025: Parte 6 - Producción francesa

Nuestra última crónica del festival Séries Mania aborda algunos de los paneles celebrados durante Séries Mania Forum y se enfoca en producciones francesas que han participado en su programación al margen de las que hemos comentado, y algunos estrenos recientes que han formado parte de las presentaciones de distribuidoras internacionales. Estos últimos días ha habido anuncios importantes como la confirmación del regreso de Barón Noir (Canal+, 2016-), en un contexto político complejo tras la condena e inhabilitación de Marine LePen, y que incorporaría personajes presentados en esa especie de historia paralela que se desarrolló en La fiebre (Movistar Plus+, 2024), que establecía una conexión con el universo de Barón Noir.

También se ha presentado estos últimos días la programación de Canneseries, el otro gran festival internacional dedicado a este formato que se celebra en Francia, y que desde esta edición se encuentra pendiente de su supervivencia fuera del paraguas del MIPTV, el importante mercado de televisión que se ha trasladado a Londres. Por el momento, ha elaborado una programación destacada con alta presencia de compañías francesas como Mediawan, y presentaciones fuera de concurso de producciones como La agencia (SkyShowtime, 2024-), que todavía está inédita en Francia, El Conde Montecristo (France tv, 2024) o Duster (Max, 2025), el thriller ambientado en los años setenta y protagonizado por Josh Holloway. También se podrá ver la segunda temporada de The Walking Dead: Dead City (AMC+, 2023-), mientras que uno de los protagonistas del universo zombi, el actor Norman Reedus, formará parte del jurado oficial. Si España ha triunfado este año en Séries Mania, Canneseries no le ha dedicado demasiado espacio en su programación, solo con la presencia de la actriz Lola Dueñas en el jurado y dos series indirectamente relacionadas. En Sección Oficial se presenta el thriller gastronómico Fusión (Reykjavik fusion) (AMC+, 2025), producción islandesa cuya distribución internacional gestiona la compañía española The MediaPro Studio, y también la belga How to kill your sister (Streamz, 2025), que cuenta el viaje de dos hermanas por España. Hay mucha presencia de Bélgica en esta edición, con series como Holy shit! (Streamz, 2024) y The big fuck-up (Streamz/Prime Video, 2025) fuera de competición, la comedia Dead end (Play4, 2025) en Oficial y el drama juvenil Oh, Otto! (Streamz, 2024) en Formatos Cortos. En la competición principal destaca la presencia de dos esperadas series noruegas: Better man (NRK, 2025), sobre un machista que se ve obligado a travestirse, y Nepobaby (TV2, 2025), la última serie escrita por Henriette Steenstrup, creadora y protagonista de Perni (Filmin, 2021-2025). Canneseries se celebra entre el 24 y el 29 de abril, y también le dedicaremos algunas crónicas. 

NETFLIX: SER LOCAL PARA SER GLOBAL

Entre los paneles dedicados a Netflix, nos centramos en el denominado El auge de las auténticas historias locales europeas en Netflix, en el que participó la destacada productora española Emma Lustres, de la compañía gallega Vaca Films, que está a punto de estrenar la segunda temporada de Clanes (Netflix, 2024-2025). Uno de los aspectos que mejor ha sabido manejar la plataforma de streaming es enfocarse en diversificar la producción local para proporcionarle una pantalla global, de manera que muchas series consiguen éxito específicamente en los países en que se desarrollan, pero con la posibilidad de tener una repercusión internacional. Precisamente, al mismo tiempo que se celebraba el festival en Lille, también se estaba rodando en esta ciudad una de las próximas producciones de la plataforma, Recalé (Netflix, 2026), que ha creado y está dirigiendo François Uzan, uno de los guionistas de Lupin (Netflix, 2021-), de la que se ha anunciado una cuarta y quinta temporadas. Respecto a la incorporación de temas locales en sus producciones, destacaba que en esta nueva serie "un estafador (Alexandre Kominek) se infiltra como profesor en una escuela secundaria durante tres semanas como parte de un acuerdo de reducción de condena, para identificar al hijo de un criminal. Es una comedia de infiltración, en la que quería hablar sobre el sistema educativo en Francia, sobre política y sobre la identidad francesa, qué significa ser un ciudadano francés". Nico Moolenaar, productor de la serie Ferry: La serie (Netflix, 2023-), prepara el drama criminal Amsterdam Empire (Netflix, 2025), que se desarrolla en el mundo de las cafeterías de cannabis en la ciudad holandesa: "Busco lo que sea interesante de mi y de mi región. Yo soy tanto holandés como belga, tengo esta visión desde el exterior. Así que Amsterdam Empire se desarrolla en el mundo de los coffee-shops de Amsterdam, un escenario muy interesante para contar una historia, porque mucha gente no conoce los matices de estos coffe-shops". 

La productora española Emma Lustres tiene una larga trayectoria en el cine español, y actualmente se está rodando su producción Golpes (Rafael Cobos, 2025), que protagonizan Luis Tosar y Jesús Carroza, pero también tiene pendiente de estreno la segunda temporada de Clanes (Netflix, 2024-2025): "España es un país multicultural, como Galicia, donde tenemos nuestra propia lengua y nuestra propia cultura. Pero también hay mucho narcotráfico en la región de Galicia, que en general ha sido una criminalidad sin mucha violencia y formada por personas de la zona. Eso es lo que hemos querido mostrar en Clanes, a la que hemos dado más importancia en la construcción de los personajes". Los participantes en esta mesa redonda querían mostrar también que Netflix no se impulsa solo por algoritmos, sino que cuenta con equipos de desarrollo en cada país que eligen los proyectos más adecuados para la plataforma. En el caso de España, Emma Lustres destacaba que "Netflix ha traído por supuesto más trabajo y más estabilidad al sector, pero sobre todo ha contribuido a cambiar la mirada de los espectadores y de los políticos respecto al audiovisual. España es un país muy politizado, hace cincuenta años teníamos un dictador, y hay una visión de la cultura como demasiado subvencionada y demasiado de izquierdas. Pero Netflix, al conseguir éxitos internacionales con series españolas, ha cambiado la forma en que se nos ve desde la política, que ahora nos considera un sector económico fuerte, y el público se ha dado cuenta de que nuestras historias también tienen resonancia a nivel global". 

REGULACIÓN EUROPEA FRENTE AL CAOS EN ESTADOS UNIDOS

Una de las características principales de la Unión Europea frente a otros mercados como el estadounidense es la necesidad de una regulación del sector audiovisual, las empresas tecnológicas y aspectos como la inteligencia artificial (IA), con el objetivo de proteger los contenidos y las producciones de cada país. En muchos territorios europeos se han implementado tasas a las plataformas de streaming para exigir una inversión mínima en producción local y en presencia de contenido europeo, algo contra lo que están luchando en los tribunales plataformas como Netflix, que actualmente tiene en marcha varios litigios contra países como Bélgica. Podría hacerse la pregunta de si las plataformas norteamericanas llevarían a cabo inversiones en producción europea si no existieran estas tasas que les obligan a ello (por otro lado, también se benefician de las deducciones que han implementado la diferentes regiones para los rodajes en sus territorios). Pero las cifras son bastante claras: según un estudio de Ampere Analysis, desde 2020 hasta 2024, durante el desarrollo de la Directiva de Servicios de Comunicación Audiovisual (AVMSD), la inversión de las plataformas de streaming en producción europea ha aumentado un 146% en aquellos países con obligaciones fiscales de inversión, mientras que en los que no las han incorporado este aumento ha sido de un 73%. Uno de los casos más claros es el de Italia, que con el nuevo gobierno de extrema derecha redujo la obligación de inversión local, y según datos de marzo de 2024 analizados por Ampere Analysis, la inversión de Netflix en producciones italianas se ha reducido desde unas 25 producciones a solo 10, y la de Prime Video desde 35 producciones a poco más de 10, entre un 50% y un 60% de desinversión. 

Mapa de obligaciones de inversión en Europa (Fuente: CNC)

Durante el panel Preservar un modelo europeo: los desafíos de la revisión de la AVMSD para 2026 se analizó el impacto de las nuevas directrices que se pretenden incluir en la Directiva Audiovisual. Laurence Farreng, miembro del Parlamento Europeo, destacaba que "Lo que esta atacando Donald Trump y su administración es la identidad digital europea. Las compañías tecnológicas consideran las tasas como impuestos. Pero lo importante es definir lo que es una creación europea, y en este sentido tenemos que incluir también a Gran Bretaña. Ellos están volviendo a mirar hacia Europa y la Gran Bretaña de ahora no es la misma que la que era con Boris Johnson". Para Susana Gato, presidenta de la Asociación Europea de Producción Audiovisual, la clave principal está en la propiedad intelectual: "La propiedad Intelectual es el único patrimonio que tienen los productores. No son las cámaras, ni los estudios. Eso es lo que permite hacer nuevas temporadas, spin offs de sus trabajos, y ahí está la relevancia de la definición de un trabajo europeo. Tenemos que mantener una flexibilidad en esta Directiva". Pero el único representante de una plataforma multinacional, Yohann Benard, Director de Asuntos Públicos Europeos en Amazon Francia, destacaba algunas contradicciones de las diferentes legislaciones europeas: "Hay directivas que son beneficiosas para la inversión en producciones locales, pero también hay una paradoja en la regulación porque por un lado quiere impulsar nuestras inversiones en producciones europeas. Pero en Francia, si Amazon invierte en una producción, ésta no se considera como europea". Para Oliver Herard, director general del Centro Nacional de Cinematografía de Francia (CNC), la amenaza comercial de la nueva administración norteamericana requiere "una respuesta colectiva de Europa. Las plataformas se benefician de las inversiones locales porque éstas contribuyen a su atractivo y su éxito. Las producciones europeas deben tener el control de los productores locales, más allá de ofrecer servicios de producción que ahora las califican como europeas. Creemos que la exigencia de contenido europeo en las plataformas deberían aumentar desde el 30% actual hasta un 50%". 

LAS SERIES MÁS DESTACADAS DEL FESTIVAL

© Jean Philippe Baltel / M6

Clean

Francia 2025 | 4x46' | Temporada completa | Competición Francesa | ★★★☆☆ 

Creada por Claire Lemaréchal, Franck Philippon

Dirigida por Cathy Verney

Uno de los grandes éxitos de la televisión francesa es ACI: Alta Capacidad Intelectual (atresplayer, 2021-), cuya quinta temporada de hecho clausuró esta edición de Séries Mania, congregando como suele ser habitual a numeroso público. Su protagonista es una limpiadora cuyo alto coeficiente intelectual sirve para que colabore con la policía en la resolución de casos, aunque no para que abandone su clase social. En un estudio sobre la representación de la sociedad francesa en el audiovisual, publicado por Arcom (Autoridad Reguladora de la Comunicación Audiovisual y Digital), se indicaba sin embargo que la representación de las categorías socioprofesionales de los niveles más bajos en las pantallas disminuyó entre 2013 y 2023, pasando del 16% al 8% (Télérama, 19/2/2025). De alguna manera, Clean (M6, 2025), miniserie que se estrena entre el 4 y el 11 de abril en Francia, cubre estos dos aspectos: quizás quiere seguir el impulso del éxito más destacado de la televisión francesa, y al mismo tiempo introduce como protagonista a una de las componentes de ese estamento laboral subrepresentado en las películas y series. De hecho, la invisibilidad que soportan las limpiadoras de grandes oficinas es uno de los elementos que permiten a Lola (Alix Poisson) acceder a información financiera privilegiada sin que nadie se percate. En España la serie Las invisibles (SkyShowtime, 2023) incidía en esa idea de las trabajadoras de determinados sectores que pasan desapercibidas, pero al igual que en Matlock (Movistar Plus+, 2024-), que hace referencia a la invisibilidad de las personas mayores, esta circunstancia se utiliza como una ventaja. Durante una de sus jornadas laborales nocturnas en las oficinas de una empresa de inversión, Lola escucha una conversación telefónica en la que se deduce que un corredor de bolsa está recibiendo información privilegiada sobre un movimiento bursátil seguro. Agobiada por las deudas y la separación de su marido David (Sébastien Pouderoux), Lola decide utilizar esta información para realizar ella misma pequeñas inversiones, y se da cuenta de que consigue beneficios. De forma que involucra a su amiga Jess (Léonie Simaga), que le ayuda a introducir un micrófono en la oficina del inversor para escuchar sus conversaciones privadas. Cuando consiguen sus primeros 150 € de beneficios comienzan a pensar en ampliar su plan de espionaje casero, involucrando a otra de sus compañeras de trabajo, Mina (Thaïs Vauquières).

El argumento puede sonar conocido porque se trata de un remake francés de la serie británica Cleaning up (BritBox, 2019), protagonizada por Sheridan Smith en el papel de una limpiadora que trabaja en unas oficinas de Londres. Pero solo se presenta como inspirada en la producción inglesa porque, aunque sigue caminos parecidos en los primeros episodios, se distancia cada vez más conforme se desarrolla. Una de las diferencias más notables respecto a Cleaning up es que elimina la ludopatía de la protagonista, lo que para el personaje de Sheridan Smith se convierte en un grave problema cuando las cantidades ganadas son más importantes, mientras que en la versión francesa, Lola es un personaje más amable que se enfrenta a problemas económicos que no se derivan de sus adicciones, sino de su situación como madre de familia separada. En este sentido, Clean subraya el carácter social, y de alguna manera suaviza, para bien y para mal, la complejidad del personaje protagonista. Buena parte del episodio final transcurre en medio de una huelga de las limpiadoras que se rebelan contra los horarios abusivos y las condiciones de trabajo que les impone la empresa de limpieza. Como en la versión original, Lola comenzará a introducirse cada vez más en los círculos financieros alternativos, llevando una doble vida mientras hace creer a inversores poco legales que es una corredora de bolsa con experiencia (la parte más inverosímil de la historia). Pero en realidad esta serie pretende reflejar la dificultad de traspasar las barreras sociales a través de un plan que cuestiona también la frontera entre legalidad e ilegalidad en las operaciones bancarias tradicionales, y el tráfico de información privilegiada que permite a las entidades financieras conseguir grandes beneficios. Lola, Jess y Mina, en realidad, realizan a pequeña escala el mismo tipo de estrategias que llevan a cabo las corporaciones bancarias a mayores niveles. Adaptada por Claire Lemaréchal y Franck Philippon, que han trabajado en numerosos procedimentales y el año pasado estrenaron en la misma plataforma el thriller Les espions de la terreur (M6, 2024), esta nueva propuesta construye acertadamente una dramedia social que quiere ser relevante más allá de resultar un simple entretenimiento, pero que simplifica demasiado al personaje protagonista respecto a la versión inglesa. Pero al menos nos ofrece una vertiente más relajada de la excelente actriz Alix Poisson después de algunos personajes más dramáticos en series como Las senderistas (Sundance TV, 2023) y, sobre todo, El caso del Sambre (Movistar Plus+, 2023).

Mémoire vive

Francia, Bélgica 2025 | 4x52' | Temporada completa | Series Market | ★★★★☆ 

Escrita por Anne-Gaëlle Daval, Laurent Burtin, Maax Thuvertie

Dirigida por Arnaud Malherbe

Un thriller protagonizado por una anciana justiciera que está tratado con humor negro, referencias a los hermanos Coen y un personaje conmovedor y al mismo tiempo implacable en su sed de justicia. 

Otro remake francés que no está incluido en la programación oficial de Séries Mania pero se ha presentado dentro del Mercado de Series como parte del catálogo de la distribuidora alemana Beta Film y se ha estrenado hace unas semanas en Francia, es Mémoire vive (M6, 2025), cuyo título internacional es Unforgettable - Memories of revenge. Se trata de una versión de la serie turca Şahsiyet (Persona) (Puhu TV, 2018-), que ya tuvo un remake mexicano, Asesino del olvido (HBO Max, 2021), protagonizado por Damián Alcázar. La diferencia en esta nueva historia es que por primera vez la protagonista es una mujer, Esther Lefebvre (Clémentine Célarié), quien tras recibir un diagnóstico de alzheimer, decide cobrarse, antes de perder la memoria, la venganza que nunca se había atrevido a enfrentar, persiguiendo a los responsables de un acto criminal que la afectó a ella en el pasado. De esta forma, Esther se convierte en una especie de anciana justiciera, con un plan perfectamente trazado para matar a todos los culpables. La serie, como la que comentamos anteriormente, mezcla el tema social en torno a la invisibilidad de la vejez, con una trama de suspense que consigue que simpaticemos con una asesina, una mujer que busca justicia antes de que sus recuerdos se borren debido a la enfermedad. Y está dotada de un humor negro sutil que se muestra desde la primera secuencia en la que Carmen (Geneviève Emmanuelli), la esposa de un empresario español que se convierte en una de las víctimas de Esther, baila flamenco mientras su marido está muerto y la policía antidisturbios está a punto de forzar la entrada de la casa. Carmen, que padece demencia senil, se convertirá posteriormente en una improbable compañera de viaje de Esther en su búsqueda de justicia. También aporta una tonalidad especial, muy cercana a los hermanos Coen, la banda sonora del compositor Flemming Nordkrog (1972, Dinamarca), que últimamente ha trabajado en varios proyectos franceses como la miniserie Kabul (France tv, 2025), con un tema principal que hace claras referencias a la música de Carter Burwell (1954, Nueva York) para la película Fargo (Joel Coen, Ethan Coen, 1996). Mientras la protagonista lleva a cabo su venganza, la investigadora Célia Le Goff (Élisa Erka) rastrea las circunstancias de las muertes que están comenzando a producirse, sin saber que tiene algo en común con la asesina. 

Hay una mezcla entre comedia y drama muy acertada cuando la serie describe el progresivo deterioro de la memoria de Esther: acude a su trabajo como si fuera un día normal, sin acordarse de que hace años que se jubiló, olvida su móvil en el frigorífico, e incluso encuentra a su gato muerto porque no se ha acordado de darle de comer. El médico que le ha diagnosticado los primeros síntomas de un alzheimer que evolucionará hasta perder la memoria, le sugiere que haga una lista de las cosas que le quedan pendientes, e inmediatamente surge este trauma de un pasado que quedó impune. Es una forma interesante de introducir una trama de venganza y el hecho de convertir al protagonista masculino de las versiones anteriores en una mujer le proporciona una lectura mucho más profunda desde el punto de vista social. El misterio que rodea a las muertes se manifiesta cuando Esther deja mensajes que llevan el nombre de Célia Le Goff, la investigadora que se ocupa del caso, estableciendo un vínculo que mantiene el paralelismo entre los dos personajes, pero que quizás se revela demasiado tarde. La enfermedad de Esther le da una especie de impulso para llevar a cabo esta cruzada, mientras se abordan temas como la vejez, el sexismo y los traumas que permanecen enterrados. Clémentine Célarié, a la que también hemos visto recientemente en Las senderistas (Sundance TV, 2023), ofrece una interpretación que es al mismo tiempo robusta y conmovedora, para un personaje que se aborda con la suficiente complejidad. Y el tono de humor negro y al mismo tiempo cierto aire retro que le aporta el director Arnaud Malherbe, responsable de series como Moloch (Dark, 2020) y películas como El último disparo (2013), consigue introducir una textura atractiva a la historia. También hay un interesante tratamiento de las relaciones familiares cuando Marianne (Émilie Caen), la hija de Esther, decide volver de Londres junto a su hijo, poniendo en peligro los planes de la protagonista. Mémoire vive es un thriller psicológico hábil y entretenido que consigue tratar temas sociales al mismo tiempo que construye una trama de venganza especialmente efectiva. 

Intraçables (Log out)

Francia, Suiza 2025 | 6x45' | Episodios 1 & 2 | Competición Francesa | ★★★☆☆ 

Creada por Ami Cohen, Raphaël Meyer

Dirigida por Louis Farge, Luc Walpoth

Séries Mania '25: Mejor Música (Anthony D'Amario, Edouard Rigaudière)

Sus primeros episodios ofrecen lo que prometen, un thriller conspiranoico trepidante, influido por el tono de las películas de los años noventa, a partir de una historia que reflexiona sobre las huellas digitales y nuestra relación con la tecnología. 

Desde los primeros minutos, esta coproducción franco-suiza tiene cierta tonalidad que recuerda a los thrillers conspiranoicos de los años noventa, como El informe pelícano (Alan J. Pakula, 1993), a lo que contribuye especialmente la música de sonoridad electrónica, premiada en Séries Mania, que aportan los compositores Anthony D'Amario y Edouard Rigaudière, que han colaborado juntos siguiendo este mismo estilo en series como Follow (Calle 13, 2023), también dirigida por Louis Farge. Intraçables (Log out) (TF1, 2025) comienza con un prólogo en el que Giulia Conforti (Sofia Essaïdi) y su marido David Becker (Alexis Michalik) disfrutan de la boda de su mejor amigo Alban (Vincent Heneine), cuando se produce una aparente explosión de gas que acaba con la vida de David. Siete años después, Giulia vive en Ginebra junto a su hijo adolescente Achille (Arcadi Radeff), trabajando como taxista y sufriendo todavía las consecuencias físicas y psicológicas del suceso. Una noche, sin embargo, se sube al taxi un hombre cuyo rostro ella reconoce haberlo visto en el momento en que se produjo la explosión años atrás, lo que le devuelve algunos recuerdos de los que hasta el momento no había sido consciente. Cuando pierde el control de su coche eléctrico, que parece manejado desde el exterior, Giulia recibe una amenaza en su móvil y decide huir fuera de la ciudad, colocándose en lo que se conoce como estado de "muerte digital", una desconexión completa de todos los aparatos electrónicos para escapar de la vigilancia continua. El tono de thriller remite a la idea de que nuestra conexión permanente permite que nuestros movimientos sean susceptibles de ser rastreados, lo que el director subraya con el punto de vista de cámaras de vigilancia que monitorean las calles e incluso el propio taxi de Giulia, de dónde surge esta persecución que vive el personaje y a la que arrastra a su hijo Achille, quien no entiende las motivaciones de su madre. Los primeros episodios plantean con eficacia la trama de suspense y las preguntas sobre la amenaza invisible que acecha a Giulia y la muerte de su marido, respuestas que solo puede dar el pasado.

El segundo episodio comienza años antes, cuando David es profesor de una universidad y Giulia ha realizado trabajos como corresponsal de guerra, mientras que en el presente la jefa de brigada Josèphe Brunner (Irène Jacob) inicia una investigación que está relacionada con Giulia en su último día de trabajo antes de jubilarse. Hay que reconocer que la serie entra directamente en el thriller sin rodeos, y resulta trepidante en algunos momentos, pero quizás porque los primeros episodios son solo un planteamiento de la trama principal, algunas de las situaciones llegan a ser algo absurdas, como las constantes idas y venidas de Achille, un personaje del que resulta demasiado conveniente que sea, precisamente, un hábil hacker. Hay lugares comunes en esta serie y la presencia de algunos actores destacados en papeles secundarios que ya podemos intuir que no van a ser tan secundarios. Pero dentro de una acción constante, se proponen reflexiones interesantes sobre la identidad digital y el rastro que dejamos en el ciberespacio cada vez que pulsamos una tecla del ordenador o del móvil. En este sentido, hay aspectos destacados que pueden ser desarrollados a lo largo del resto de los episodios, mientras Intraçables se sitúa en un término intermedio entre el thriller paranoico y el drama psicológico, lo que puede llevar a callejones sin salida como La locura (Netflix, 2025), o puede construir narrativas interesantes que abordan temas como nuestra relación con la tecnología. Los dos primeros episodios ofrecen lo que prometen, aunque hay que esperar para empezar a obtener respuestas. Pero al menos tranquiliza la presencia en el guión de Ami Cohen (1982, Francia), creadora del interesante drama Missions (Movistar Plus+, 2017-2022), sobre una misión tripulada al planeta Marte, y guionista de la divertida comedia Murder Club (M6, 2024), premio a la Mejor Actriz en la Competición Francesa de Séries Mania '24, y del reciente thriller ambientado en alta mar En haute mer (Arte, 2024). 

© Jean Fablab Channel / 2Horloges / Arte

El'Sardines

Argelia, Francia 2025 | 6x11' | Episodios 1, 2, 3 & 4 | Formatos Cortos | ★★★★☆ 

Escrita por Kaouther Adimi, Zoulikha Tahar

Dirigida por Zoulikha Tahar

Séries Mania '25: Mención Especial del Jurado - Formatos Cortos

Una historia de emancipación femenina que está contada con humor y toques de poesía, y que sabe desarrollar un relato sutil que explora la situación de la mujer en la sociedad argelina. 

La primera producción argelina que participa en Séries Mania, obviamente coproducida con Francia, es una historia de resiliencia protagonizada por una joven, Zouzou (Meriem Amiar), que tiene la firme decisión de salir de su país para buscar otros horizontes. Ella tiene 30 años, es bióloga marina y su objetivo es encontrar la razón por la que las sardinas han abandonado misteriosamente las costas Orán. Aunque en la historia se utiliza como una metáfora de libertad, lo cierto es que Argelia se ha visto obligada en los últimos años a importar sardinas de Túnez para poder satisfacer la demanda dentro de sus fronteras. Esta circunstancia afecta al negocio de su padre Hakim (Rabie Ouadjaout): "Una tienda sin sardinas es como una floristería sin rosas", le dice. Pero este hermoso relato rodado con absoluta delicadeza habla sobre otros temas, como la emancipación y la autodeterminación de una joven que siente cada vez más la opresión de un entorno que la reduce a una sola perspectiva, la de una mujer soltera. Especialmente cuando está a punto de celebrarse la boda de su hermana menor Inès (Marwa Bakir) dentro de seis días, Zouzou se ve rodeada de rumores sobre la falta de un pretendiente, mientras su madre Naïma (Dalila Nouar), que ahora es la única que mantiene a su familia con su trabajo como abogada, parece más pendiente de los rumores de los vecinos por no haber conseguido casar a su hija mayor. Aunque Zouzou está decidida a marcharse junto a su amiga Warda (Lina Boumedine), también trata de buscar la forma de comunicárselo a su familia. Pero en L'attente du visa (T1E1) comprobamos que ella misma tiene cierta tendencia a dejar las conversaciones importantes para más adelante, como cuando recibe la noticia de que a ella le han confirmado la visa pero a su amiga Warda se la han rechazado. En Le salon de Nadia (T1E2), la peluquería de Nadia (Meriem Medjkane) se convierte en un espacio seguro donde puede hablar de sus  aspiraciones sin que la juzguen, un lugar donde las mujeres se reúnen para confesar sus secretos, como cuando Zouzou habla sobre su necesidad de salir de Argelia en La confession (T1E4): "Para mi es una salida, sería bueno para mi carrera, pero sobre todo para mi estado mental. Irme lejos, poder respirar un poco". 

El'Sardines (Arte, 2025) sin embargo no está contada como un drama, sino que está salpicada de sutiles matices de humor y de toques de poesía, que provienen de la propia condición de poeta de su directora Zoulikha Tahar (1992, Argelia), que fue elegida para el programa Berlinale Talents del Festival de Berlín en 2023. La figura materna es uno de los temas que interesan a la directora, lo que está bien reflejado en esta webserie que dedica mucho tiempo a establecer esa particular relación que mantiene Zouzou con Naïma, una madre estricta que al mismo tiempo carga con todo el peso de la tradición familiar. El'Sardines habla también de las rebeliones íntimas que se producen en la protagonista frente a la tradicional posición de la mujer en una sociedad contradictoria. Zouzou menciona cómo su madre no le permitía hablar con chicos, incluso ni siquiera tener amigas, pero cuando alcanzó los 25 años empezaron las preguntas sobre por qué no tenía novio. Y esa constante confrontación entre la libertad personal y las exigencias de la sociedad se representan con sensibilidad en esta historia. Incluso hay alguna referencia en Le cataclisme (T1E3) a que la boda de Inès con un joven de Argel en realidad es la única forma posible de salir de Orán, en su caso a través del matrimonio. Zouzou es una joven impulsada por su necesidad de liberación, pero al mismo tiempo retenida por sus inseguridades: mantener su viaje en secreto, aislarse de Warda cuando ésta no obtiene el visado, pensar en quedarse porque sus planes no pueden llevarse a cabo como esperaba... Pero es hermosa y sutil la construcción de ese lugar seguro de la peluquería donde Zouzou puede, al menos, expresar sus contradicciones y sus dudas sin recibir el peso de la obligación que se le supone como mujer. El'Sardines es una historia de emancipación femenina contada con humor y aliento poético, a través de animaciones que reflejan la liberación de Zouzou a través del mar, y que sabe desarrollar un relato sutil que explora la situación de la mujer en la sociedad argelina. 

© Artous

Friendcast

Francia 2025 | 5x13' | Temporada completa | Formatos Cortos | ★★★★☆ 

Escrita por Raphaël Marriq

Dirigida por Raphaël Marriq

Una propuesta inteligente sobre la fragilidad de las amistades cuando salen de su zona de confort, sobre la incomunicación y la dificultad de compartir las problemáticas íntimas cuando los vínculos comienzan a romperse.

Apoyada por las ayudas a la creación CNC Talents del Centro Nacional de Cinematografía, aportando un presupuesto de algo menos de 30.000 €, este proyecto de Raphaël Marriq habla de las amistades y cómo pueden evolucionar cuando se exponen públicamente a través de un pódcast. Pero la idea de cinco amigos que se reunieron durante el confinamiento para hablar de sus inquietudes comienza a sufrir las consecuencias de las vidas personales de cada uno de ellos cuando no están restringidos por un espacio concreto, de manera que sus inquietudes, reproches y miedos salen a la luz en forma de discusiones constantes, incluso delante del micrófono. El pódcast grabado para ArturRadio ha tenido un notable éxito, pero la productora Samia (Inès Melab) está preocupada por su continuidad. Thibault (Thomas Fera) es quien parece tener más problemas para seguir trabajando en equipo, especialmente después de haber roto su relación sentimental con Claire (Lou Howard), quien le oculta que ahora está saliendo con Eddy (Raphaël Marriq). Por su parte, Flo (Clémence Lestag) sigue colaborando en la parte técnica a través de videollamada, porque se marchó a vivir a Grecia, mientras surgen algunos problemas personales, como cuando Arthur (Boris Bégard) recibe la llamada desde África de Ingma (Camille Léon-Fucien), con la que tuvo una breve relación hace siete años, y que ahora le presenta a través de videollamada a su hijo. Friendcast (Artous, 2025) muestra la transformación de un proyecto que tiene un planteamiento personal y amistoso pero que se ve afectado cada vez más por su crecimiento y por su entorno. Los derechos del pódcast los ha adquirido el grupo de comunicación Benjay, pero esto también exige que tengan que dar cabida a entrevistas con actrices como Marion Séclin, interpretándose a sí misma, que ha decidido iniciar una carrera como cantante, aunque por las maquetas que ha grabado no parece demasiado dotada para ello. Para Thibault, el proyecto original se ha distorsionado cuando se ven obligados a tratar temas de actualidad: "La gente escucha las noticias todos los días. A nadie le importan. Ahora vamos a entrevistar a un antropólogo, que no sé ni siquiera a qué se dedica. ¿Qué será lo próximo? ¿Un historiador, un economista?". Pero la evolución más profesionalizada de esta colaboración refleja la mayor distancia que se ha producido entre el grupo de amigos, la falta de comunicación y la progresiva dificultad para compartir sus inquietudes o sus problemas con los demás. 

La serie se desarrolla en los alrededores del canal Saint-Martin, una zona de París que tiene un colorido especial y un ambiente bohemio y turístico. La elección del pódcast que obliga a reunirse cada semana a un grupo de amigos que cada vez tienen menos cosas en común es una manera inteligente de llevarlos a compartir un espacio cerrado, pero que resulta incluso más restringido que cuando estaban en el confinamiento, cuando grababan el pódcast en casa de Thibault, bebiendo cerveza y fumando porros, charlando de cualquier tema de una manera desenfadada, sin estar sometidos a las imposiciones comerciales. De manera que Friendcast retrata el distanciamiento progresivo, pero sin poder distanciarse realmente, incluso en el caso de Flo, cuyas discusiones con su pareja que se escuchan fuera de campo a través de la videollamada indican que su continua vinculación con el pódcast tampoco es bien aceptada por su compañero. La serie ha sido rodada en la sede de Artous, un colectivo de artistas que ha producido anteriormente la webserie Rétro (Artous, 2019), también creada y dirigida por Raphaël Marriq, que ganó el premio a la Mejor Serie en Seriesland, el Festival Internacional de Contenido Digital de Bilbao. Friendcast es una historia sobre la fragilidad de la amistad cuando sale de su zona de confort y se enfrenta a las exigencias de la sociedad, y de los proyectos que pierden su esencia cuando se incorporan a las tendencias comerciales, pero sobre todo habla de la incomunicación y de la dificultad de compartir las problemáticas íntimas cuando los vínculos comienzan a romperse, en este caso aquellos que parecían sólidos durante unas circunstancias tan particulares como el confinamiento. 

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Películas mencionadas:

Fargo se puede ver en Filmin y Prime Video.

El último disparo se puede ver en Prime Video.