Como hemos realizado en otras ocasiones, repasamos a continuación las mejores bandas sonoras que, a nuestro juicio, se han publicado durante 2018, enfocándonos ahora en los últimos tres meses. Esta es la música de cine que nos parece más interesante.
Jean-François i el sentit de la vida - Gerard Pastor
Gerard Pastor 6 / 6 / 2018
El debut en la dirección de Sergi Portabella se inicia con referencias al acoso escolar para introducirnos al personaje protagonista, un joven que se siente fascinado por el existencialismo de Albert Camus o Jean-Paul Sartre para acabar iniciando un viaje a París con el objetivo de conocer personalmente al primero. La película se convierte así en una road-movie que acompaña a un adolescente por un viaje físico y también "existencial". La aportación del joven compositor Gerard Pastor juega aquí un papel fundamental porque toma un camino poco convencional para arropar la aventura del protagonista. Igual que Serge Portabella plantea desde el principio un presente casi anacrónico en el que no encontramos apenas elementos tecnológicos, el compositor adopta el estilo barroco para acompañar la historia. Más cercano a Bach en las escenas del colegio, especialmente en "El mite de Sísif" y con mayor referencia a Vivaldi a partir del momento en el que aparece Lluna, la acompañante de la que se enamora Jean-François, en temas como "El viatge", Gerard Pastor demuestra su conocimiento profundo de los resortes estructurales e instrumentales de la música barroca, y construye una excelente partitura que funciona casi como otro compañero de viaje. En cierta manera, la banda sonora de Jean-François y el sentido de la vida (Sergi Portabella, 2018) nos recuerda a Georges Delerue en composiciones extraordinarias como Un pequeño romance (George Roy Hill, 1979), lo que sin duda es un valor añadido. Estamos ante una de las bandas sonoras más fascinantes de este año.
El debut en la dirección de Sergi Portabella se inicia con referencias al acoso escolar para introducirnos al personaje protagonista, un joven que se siente fascinado por el existencialismo de Albert Camus o Jean-Paul Sartre para acabar iniciando un viaje a París con el objetivo de conocer personalmente al primero. La película se convierte así en una road-movie que acompaña a un adolescente por un viaje físico y también "existencial". La aportación del joven compositor Gerard Pastor juega aquí un papel fundamental porque toma un camino poco convencional para arropar la aventura del protagonista. Igual que Serge Portabella plantea desde el principio un presente casi anacrónico en el que no encontramos apenas elementos tecnológicos, el compositor adopta el estilo barroco para acompañar la historia. Más cercano a Bach en las escenas del colegio, especialmente en "El mite de Sísif" y con mayor referencia a Vivaldi a partir del momento en el que aparece Lluna, la acompañante de la que se enamora Jean-François, en temas como "El viatge", Gerard Pastor demuestra su conocimiento profundo de los resortes estructurales e instrumentales de la música barroca, y construye una excelente partitura que funciona casi como otro compañero de viaje. En cierta manera, la banda sonora de Jean-François y el sentido de la vida (Sergi Portabella, 2018) nos recuerda a Georges Delerue en composiciones extraordinarias como Un pequeño romance (George Roy Hill, 1979), lo que sin duda es un valor añadido. Estamos ante una de las bandas sonoras más fascinantes de este año.
Milan Music 22 / 6 / 2018
La colaboración entre el director David Robert Mitchell y el músico Rich Vreeland desembocó en la excelente banda sonora de la película It follows (David Robert Mitchell, 2014), con reminiscencias a la música creada por Goblin para las películas de terror italianas de los años setenta. Ahora ambos se reúnen nuevamente par desarrollar un trabajo más clásico y ambicioso, que en este caso bebe de las fuentes del cine "noir", con especial referencia a Bernard Herrmann, Elmer Bernstein y también Angelo Badalamenti. La historia de un joven voyeur que se ve inmerso en una trama detectivesca rememora a la clásica La ventana indiscreta (Alfred Hitchcock, 1954), pero la visión que nos ofrece David Robert Mitchell es más cercana a Carretera perdida (David Lynch, 1997) o Mulholland Drive (David Lynch, 2001). Rich Vreeland utiliza aquí su nombre artístico, Disasterpiece, y se enfrenta a su trabajo más ambicioso, con elaboradas orquestaciones y uso de instrumentos de cuerda y viento que generan una extensa partitura en la que siempre está presente ese sonido "noir", con potentes sonoridades como en "The cult of the whale, & other tales", pero con especial referencia herrmaniana en "Jefferson's legend". En otros pasajes como "The white rabbit / Make the best of it" el uso de los instrumentos de viento resulta más cercano a ese Angelo Badalamenti en sus colaboraciones con David Lynch. Estamos por tanto ante una elaborada, extensa y compleja banda sonora que supone la consolidación de un tándem director-compositor que ha dado lugar hasta el momento a dos creaciones singulares.
La colaboración entre el director David Robert Mitchell y el músico Rich Vreeland desembocó en la excelente banda sonora de la película It follows (David Robert Mitchell, 2014), con reminiscencias a la música creada por Goblin para las películas de terror italianas de los años setenta. Ahora ambos se reúnen nuevamente par desarrollar un trabajo más clásico y ambicioso, que en este caso bebe de las fuentes del cine "noir", con especial referencia a Bernard Herrmann, Elmer Bernstein y también Angelo Badalamenti. La historia de un joven voyeur que se ve inmerso en una trama detectivesca rememora a la clásica La ventana indiscreta (Alfred Hitchcock, 1954), pero la visión que nos ofrece David Robert Mitchell es más cercana a Carretera perdida (David Lynch, 1997) o Mulholland Drive (David Lynch, 2001). Rich Vreeland utiliza aquí su nombre artístico, Disasterpiece, y se enfrenta a su trabajo más ambicioso, con elaboradas orquestaciones y uso de instrumentos de cuerda y viento que generan una extensa partitura en la que siempre está presente ese sonido "noir", con potentes sonoridades como en "The cult of the whale, & other tales", pero con especial referencia herrmaniana en "Jefferson's legend". En otros pasajes como "The white rabbit / Make the best of it" el uso de los instrumentos de viento resulta más cercano a ese Angelo Badalamenti en sus colaboraciones con David Lynch. Estamos por tanto ante una elaborada, extensa y compleja banda sonora que supone la consolidación de un tándem director-compositor que ha dado lugar hasta el momento a dos creaciones singulares.
Eighth Grade - Anna Meredith
Columbia Records 13 / 7 / 2018
Calificada por la publicación Pitchfork como "una de las mentes más innovadoras de la actual música británica", la compositora escocesa Anna Meredith ocupa un puesto privilegiado en el panorama de la creación experimental tras su aclamado debut Varmints (2016, Moshi Moshi) y, más recientemente, con su particular revisión de las "Cuatro Estaciones" de Antonio Vivaldi en su segundo abum, Anno (2018, Mushi Mushi), editado este pasado mes de agosto. Ahora realiza su debut en el terreno de las bandas sonoras con la comedia adolescente Eighth Grade (Bo Burnham, 2018), una de las sensaciones del último Festival de Sundance. El youtuber Bo Burnham realiza también su primera incursión en el cine como guionista y director, con una comedia sobre el paso de la adolescencia a la madurez, y sin duda es arriesgada su apuesta por la compositora Anna Meredith para su película. En realidad, la banda sonora incluye algunos de los iconos musicales de la creadora en los últimos años, como ese "Nautilus" que suena en la fiesta de cumpleaños a la que asiste la protagonista, marcado por las fanfarrias electrónicas que transmiten optimismo, y que en cierta manera marca el estado de ánimo que predomina en el disco, también presente, en el alegre "Rhododendron". El tema principal, "Being yourself" es una composición muy característica de su autora, vitalista y especialmente minimalista en su versión "MIDI", en la que se nos muestra solo en su versión de piano. Como hemos comentado en otras ocasiones, la incorporación de nuevos talentos musicales a la música de cine está aportando en los últimos años una concepción diferente y especialmente innovadora. Y la primera aportación de Anna Meredith es notable.
Sony Classical 13 / 7 / 2018
En los últimos años los que siempre hemos admirado la capacidad creativa de Danny Elfman hemos tenido la sensación de cierto agotamiento creativo por parte del compositor, o quizás podría decirse más bien que sus últimas bandas sonoras se mueven en una posición acomodaticia, dando lugar a trabajos incluso mediocres. Y de pronto nos encontramos con las sonoridades jazzísticas que conforman el "Main Title" de la última película de Gus Van Sant que, a continuación, dan paso a ese aire melancólico en el piano de "1st drink" y "Phone call", un poco al estilo de Jon Brion, y nuestros oídos se disponen a prepararse para un auténtico festival de creatividad y hallazgos musicales maravillosos. Porque la banda sonora de No te preocupes, no llegará lejos a pie (Gus Van Sant, 2018) nos devuelve ese Dany Elfman que en algunos momentos conecta con sus inicios musicales, especialmente en las aportaciones vocales de Petra Haden en temas como "Out of reach". Es esta melancolía la que predomina en la historia del dibujante de cómics alcohólico y tetrapléjico John Callahan que ha llevado Gus Van Sant a la pantalla con una excelente interpretación de Joaquin Phoenix, y que Danny Elfman nos transmite con un trabajo sobrio y maduro que en algunos momentos se desborda en explosiones jazzísticas como "The liquor store". Esta inteligente, imaginativa y a veces sarcástica banda sonora es sin duda de lo mejor que ha compuesto Danny Elfman en los últimos años.
Ruth - Ben Sollee
En los últimos años los que siempre hemos admirado la capacidad creativa de Danny Elfman hemos tenido la sensación de cierto agotamiento creativo por parte del compositor, o quizás podría decirse más bien que sus últimas bandas sonoras se mueven en una posición acomodaticia, dando lugar a trabajos incluso mediocres. Y de pronto nos encontramos con las sonoridades jazzísticas que conforman el "Main Title" de la última película de Gus Van Sant que, a continuación, dan paso a ese aire melancólico en el piano de "1st drink" y "Phone call", un poco al estilo de Jon Brion, y nuestros oídos se disponen a prepararse para un auténtico festival de creatividad y hallazgos musicales maravillosos. Porque la banda sonora de No te preocupes, no llegará lejos a pie (Gus Van Sant, 2018) nos devuelve ese Dany Elfman que en algunos momentos conecta con sus inicios musicales, especialmente en las aportaciones vocales de Petra Haden en temas como "Out of reach". Es esta melancolía la que predomina en la historia del dibujante de cómics alcohólico y tetrapléjico John Callahan que ha llevado Gus Van Sant a la pantalla con una excelente interpretación de Joaquin Phoenix, y que Danny Elfman nos transmite con un trabajo sobrio y maduro que en algunos momentos se desborda en explosiones jazzísticas como "The liquor store". Esta inteligente, imaginativa y a veces sarcástica banda sonora es sin duda de lo mejor que ha compuesto Danny Elfman en los últimos años.
sonaBLAST! Records 13 / 7 / 2018
Ben Sollee es un violonchelista norteamericano que ha realizado algunas incursiones en el mundo del cine, componiendo la banda sonora del documental Maidentrip (John Schlesinger, 2013) y colaborando como instrumentista con Christopher Young en la música de la película Caza humana (Mark Steven Johnson, 2013), o más recientemente en la película Beauty Mark (Harris Doran, 2017). Entre sus recientes trabajos destacamos esta composición para la videodanza Ruth (Keone Madrid, 2018), una serie de creaciones coreográficas rodadas a lo largo de todo el mundo y divididas en nueve capítulos. La diversidad de los escenarios y de los formatos presentados permite a Ben Sollee desplegar una variada paleta musical que va desde los sonidos más étnicos y percusivos en "Temple dance" hasta pasajes más románticos como "Floating lights". Resulta especialmente destacable la canción "An innocent fiction", espléndida composición en la que la voz y el violonchelo conforman un dúo instrumental de gran belleza, o esa colaboración con la cantante Carly Johnson en el hermoso "Keep holdin' on" que reivindica a Ben Sollee como uno de los compositores más interesantes del momento.
Puzzle - Dustin O'Halloran
Sony Masterworks 27 / 7 / 2018
Basada en la película argentina Rompecabezas (Natalia Smirnoff, 2009), esta versión norteamericana está protagonizada por Kelly Macdonald, principal artífice de esta historia intimista sobre un ama de casa que dedica sus ratos de ocio a completar rompecabezas. Y no parece arriesgado predecir que la película podría tener un lugar destacado en la lista de premios más destacados de la temporada, teniendo en cuenta que las anteriores películas producidas por su director, Pequeña Miss Sunshine (Jonathan Dayton, Valerie Faris, 2006) y Loving (Jeff Nichols, 2016), ya tuvieron presencia en los Oscar. El apartado musical, firmado por Dustin O'Halloran, también conocido como Hauschka, es una preciosa banda sonora intimista, apoyada principalmente en hermosas melodías que tienen al piano como principal protagonista. Casi podríamos decir que es un trabajo minimalista, elaborado con una orquesta de cámara, en el que, al margen de los teclados, incorpora instrumentos de viento y cuerda, especialmente en temas de gran belleza como "Puzzle one" o "Essay". Dustin O'Halloran muestra una especial sensibilidad para trasladar este ambiente intimista de la película, apoyándose principalmente en breves pinceladas que se despliegan a lo largo de una banda sonora breve pero repleta de emocionantes propuestas.
American Dream - Thomas Bergersen
Thomas Bergersen 31 / 7 / 2018
El compositor noruego afincado en Estados Unidos ha formado parte del equipo de creadores de la compañía de Hans Zimmer, habiendo creado música para superproducciones como Interstellar (Christopher Nolan, 2014) o Batman v Superman (Zack Snyder, 2016). Pero también es el fundador de la empresa Two Steps from Hell, junto a Nick Phoenix, que desarrolla una exitosa cacería como creadores de música para trailers publicidad y videojuegos. A lo largo de su trayectoria, Thomas Bergersen ha demostrado también su interés en la música clásica, y ahora lo expone en su Sinfonía American Dream, una composición para orquesta y coros que conecta directamente con la tradición de clásicos músicos norteamericanos como Aaron Copland o Charles Ives. La Sinfonía está creada como una pieza única de unos 45 minutos, pero también se incluye en el álbum editado por el propio Thomas Bergersen en la versión dividida en temas autónomos. Y especialmente destacamos en esta última fragmentos corales como "All hands on deck" o "Quien eres tú", con esa sonoridad hispana. American Dream es el reconocimiento de Thomas Bergersen como un compositor que ha absorbido la tradición musical norteamericana para construir un homenaje a su país de residencia y sin duda es una de las composiciones más interesantes del año, aunque no sea específicamente un trabajo para el cine, y a pesar de la no especialmente notable calidad sonora de la edición.
Christopher Robin - Jon Brion, Geoff Zanelly
Walt Disney Records 3 / 8 / 2018
Aunque Jon Brion y Geoff Zanelly han colaborado por separado en diversos proyectos de la productora Walt Disney, ahora ambos colaboran en la banda sonora de esta película de reciente estreno. A lo largo de este trabajo, de cadencia apacible en su mayor parte, podemos encontrar sin embargo la firma de cada uno de los autores, más sofisticada en el caso de Jon Brion, y más contundente en las composiciones de Geoff Zanelly. Pero en su conjunto forman un trabajo compacto mucho más armonioso que otras colaboraciones entre compositores. La banda sonora comienza con un hermoso prólogo, "Storybook" que introduce el tema principal a piano, muy característico del estilo de Brion, y más tarde desarrollado en formato jazz en espléndidos temas como "Easy to lose your way in a foggy day". Hay momentos de especial sensibilidad, como el hermoso tema "Evelyn goes it alone", que de nuevo tiene al piano como principal protagonista. Pero sobre todo la banda sonora funciona como homenaje al trabajo de los hermanos Sherman, con referencias puntuales a algunas de sus creaciones. Y especialmente con la propia participación de Richard Sherman, el único de los hermanos que vive aún, quien a sus 90 años ha compuesto tres canciones para la película, interpretando dos de ellas. En la irónica "Busy, doing nothing", vemos a Richard Sherman en pantalla cantando la canción durante los créditos finales, mientras que "Christopher Robin" nos recuerda a aquella bonita canción "The eyes of love", no usada en la película Mary Poppins (Robert Stevenson, 1964).
Pope Francis: A man of his word (Instrumental version) - Laurent Petitgand
Back Lot Music 3 / 8 / 2018
El documental en torno a la figura del Papa Francisco, dirigido por Wim Wenders, se estrenó la pasada semana en España. Se trata de una especie de homenaje cinematográfico a una figura que, aun dentro de cierta controversia, fascina a los católicos y también de alguna manera a quienes no tienen una vocación religiosa. Al margen del contenido del documental, una entrevista que puede parecer más o menos hagiográfica, hay que reconocer sobre todo la espléndida labor musical que realiza el compositor francés Laurent Petitgand, colaborador del director en varias de sus películas. La música tiene un aire místico que encaja bien con esa visión casi santificada que propone la historia, y da lugar a una banda sonora que contiene hermosos pasajes de tonalidad espiritual, como el propio "St. Francis", que incorpora voces corales y es de una gran elegancia. Hay también aportaciones electrónicas en pasajes más introspectivos, como en "Adam, where are you?", donde el violonchelo funciona como conexión terrenal, también presente en el absorbente tema final, "Mother Earth". Por su parte, la guitarra solista en "Here we are" es la conexión con los orígenes argentinos del Papa Francisco. Estas dos son versiones instrumentales que aparecen en esta edición discográfica, ya que existe otra edición anterior que incorpora las voces del Papa Francisco y Wim Wenders, así como canciones de Patti Smith. Nosotros preferimos la música aislada de Laurent Petitgand, sin incorporaciones externas.
Ben Sollee es un violonchelista norteamericano que ha realizado algunas incursiones en el mundo del cine, componiendo la banda sonora del documental Maidentrip (John Schlesinger, 2013) y colaborando como instrumentista con Christopher Young en la música de la película Caza humana (Mark Steven Johnson, 2013), o más recientemente en la película Beauty Mark (Harris Doran, 2017). Entre sus recientes trabajos destacamos esta composición para la videodanza Ruth (Keone Madrid, 2018), una serie de creaciones coreográficas rodadas a lo largo de todo el mundo y divididas en nueve capítulos. La diversidad de los escenarios y de los formatos presentados permite a Ben Sollee desplegar una variada paleta musical que va desde los sonidos más étnicos y percusivos en "Temple dance" hasta pasajes más románticos como "Floating lights". Resulta especialmente destacable la canción "An innocent fiction", espléndida composición en la que la voz y el violonchelo conforman un dúo instrumental de gran belleza, o esa colaboración con la cantante Carly Johnson en el hermoso "Keep holdin' on" que reivindica a Ben Sollee como uno de los compositores más interesantes del momento.
Basada en la película argentina Rompecabezas (Natalia Smirnoff, 2009), esta versión norteamericana está protagonizada por Kelly Macdonald, principal artífice de esta historia intimista sobre un ama de casa que dedica sus ratos de ocio a completar rompecabezas. Y no parece arriesgado predecir que la película podría tener un lugar destacado en la lista de premios más destacados de la temporada, teniendo en cuenta que las anteriores películas producidas por su director, Pequeña Miss Sunshine (Jonathan Dayton, Valerie Faris, 2006) y Loving (Jeff Nichols, 2016), ya tuvieron presencia en los Oscar. El apartado musical, firmado por Dustin O'Halloran, también conocido como Hauschka, es una preciosa banda sonora intimista, apoyada principalmente en hermosas melodías que tienen al piano como principal protagonista. Casi podríamos decir que es un trabajo minimalista, elaborado con una orquesta de cámara, en el que, al margen de los teclados, incorpora instrumentos de viento y cuerda, especialmente en temas de gran belleza como "Puzzle one" o "Essay". Dustin O'Halloran muestra una especial sensibilidad para trasladar este ambiente intimista de la película, apoyándose principalmente en breves pinceladas que se despliegan a lo largo de una banda sonora breve pero repleta de emocionantes propuestas.
Thomas Bergersen 31 / 7 / 2018
El compositor noruego afincado en Estados Unidos ha formado parte del equipo de creadores de la compañía de Hans Zimmer, habiendo creado música para superproducciones como Interstellar (Christopher Nolan, 2014) o Batman v Superman (Zack Snyder, 2016). Pero también es el fundador de la empresa Two Steps from Hell, junto a Nick Phoenix, que desarrolla una exitosa cacería como creadores de música para trailers publicidad y videojuegos. A lo largo de su trayectoria, Thomas Bergersen ha demostrado también su interés en la música clásica, y ahora lo expone en su Sinfonía American Dream, una composición para orquesta y coros que conecta directamente con la tradición de clásicos músicos norteamericanos como Aaron Copland o Charles Ives. La Sinfonía está creada como una pieza única de unos 45 minutos, pero también se incluye en el álbum editado por el propio Thomas Bergersen en la versión dividida en temas autónomos. Y especialmente destacamos en esta última fragmentos corales como "All hands on deck" o "Quien eres tú", con esa sonoridad hispana. American Dream es el reconocimiento de Thomas Bergersen como un compositor que ha absorbido la tradición musical norteamericana para construir un homenaje a su país de residencia y sin duda es una de las composiciones más interesantes del año, aunque no sea específicamente un trabajo para el cine, y a pesar de la no especialmente notable calidad sonora de la edición.
Aunque Jon Brion y Geoff Zanelly han colaborado por separado en diversos proyectos de la productora Walt Disney, ahora ambos colaboran en la banda sonora de esta película de reciente estreno. A lo largo de este trabajo, de cadencia apacible en su mayor parte, podemos encontrar sin embargo la firma de cada uno de los autores, más sofisticada en el caso de Jon Brion, y más contundente en las composiciones de Geoff Zanelly. Pero en su conjunto forman un trabajo compacto mucho más armonioso que otras colaboraciones entre compositores. La banda sonora comienza con un hermoso prólogo, "Storybook" que introduce el tema principal a piano, muy característico del estilo de Brion, y más tarde desarrollado en formato jazz en espléndidos temas como "Easy to lose your way in a foggy day". Hay momentos de especial sensibilidad, como el hermoso tema "Evelyn goes it alone", que de nuevo tiene al piano como principal protagonista. Pero sobre todo la banda sonora funciona como homenaje al trabajo de los hermanos Sherman, con referencias puntuales a algunas de sus creaciones. Y especialmente con la propia participación de Richard Sherman, el único de los hermanos que vive aún, quien a sus 90 años ha compuesto tres canciones para la película, interpretando dos de ellas. En la irónica "Busy, doing nothing", vemos a Richard Sherman en pantalla cantando la canción durante los créditos finales, mientras que "Christopher Robin" nos recuerda a aquella bonita canción "The eyes of love", no usada en la película Mary Poppins (Robert Stevenson, 1964).
El documental en torno a la figura del Papa Francisco, dirigido por Wim Wenders, se estrenó la pasada semana en España. Se trata de una especie de homenaje cinematográfico a una figura que, aun dentro de cierta controversia, fascina a los católicos y también de alguna manera a quienes no tienen una vocación religiosa. Al margen del contenido del documental, una entrevista que puede parecer más o menos hagiográfica, hay que reconocer sobre todo la espléndida labor musical que realiza el compositor francés Laurent Petitgand, colaborador del director en varias de sus películas. La música tiene un aire místico que encaja bien con esa visión casi santificada que propone la historia, y da lugar a una banda sonora que contiene hermosos pasajes de tonalidad espiritual, como el propio "St. Francis", que incorpora voces corales y es de una gran elegancia. Hay también aportaciones electrónicas en pasajes más introspectivos, como en "Adam, where are you?", donde el violonchelo funciona como conexión terrenal, también presente en el absorbente tema final, "Mother Earth". Por su parte, la guitarra solista en "Here we are" es la conexión con los orígenes argentinos del Papa Francisco. Estas dos son versiones instrumentales que aparecen en esta edición discográfica, ya que existe otra edición anterior que incorpora las voces del Papa Francisco y Wim Wenders, así como canciones de Patti Smith. Nosotros preferimos la música aislada de Laurent Petitgand, sin incorporaciones externas.
La nueva colaboración entre el director Spike Lee y el trompetista Terence Blanchard supone una cierta continuidad de su trabajo juntos a lo largo de los años. Infiltrado en el KKKlan (Spike Lee, 2018), ha supuesto un éxito comercial y al mismo tiempo introduce esos elementos políticos tan característicos en el cine de Spike Lee, algo que no conseguía el director desde La última noche (Spike Lee, 2002). La música de Terence Blanchard para el cine suele estar apoyada casi siempre en una gran orquesta que incorpora instrumentos solistas de jazz. Aquí su sonido nos remite en buena medida a la década de los 70 en la que se desarrolla esta historia sobre un policía negro y un judío que tratan de infiltrarse en las filas del Ku Klux Klan. La película comienza con imágenes de la película Lo que el viento se llevó (Victor Fleming, George Cukor, 1939) sobre las que vimos el prólogo musical "Gone with the Wind", que no hace referencia a la música de Max Steiner, pero sí contiene fragmentos de dos clásicos temas sureños. A continuación, Terence Blanchard plantea las líneas a seguir por una banda sonora que, en general, tiene un planteamiento más elegante y menos violento del que pudiera pensarse en una historia de estas características. Destaca sobre todo "Ron's Theme", espléndido tema que incorpora un leit-motif de siete notas que se va adaptando a diversos instrumentos a lo largo del disco, y desemboca en una sonoridad funk que veremos también en el resto de la banda sonora, como ese magnífico "Blut und boden (Blood and soil), que es un ejemplo del excelente trabajo de imbricación entre la orquesta e instrumentos solistas, aquí la guitarra eléctrica, que caracteriza el trabajo de Terence Blanchard, y que podemos decir que es una de las mejores composiciones del año.
Green days by the river - Laura KarpmanArt Farm West 18 /8 / 2018
Laura Karpman es una compositora nacida en Los Angeles que ha desarrollado una larga trayectoria en el mundo del cine y la televisión, aunque últimamente han resultado especialmente destacables sus trabajos para la serie Underground (WGN, 2016-) y para la película París puede esperar (Eleanor Coppola, 2016). Resulta interesante en su trabajo su exploración de los sonidos étnico, bien sean africanos u orientales, habitualmente presentes en los proyectos en los que trabaja. Así ocurre en dos de sus bandas sonoras editadas este año, muy prolijo en trabajos musicales para documentales y series de televisión. Por un lado, Green days by the River (Michael Mooleedhar, 2017) es una película de Trinidad y Tobago que se acerca a la vida de un joven de 15 años en los años cincuenta. La banda sonora es un ejemplo de esta exploración que comentábamos, con una ambientación musical formada generalmente por instrumentos étnicos que aportan no solo información sobre el escenario en el que se desarrolla la historia, sino que también propone una mirada introspectiva a los personajes. Especialmente destacable es el tema "Port Spain", que suena en la llegada del protagonista a la capital, Puerto España, y el uso de voces etéreas en "Rosalie's kiss", una suerte de tema casi de ensoñación. O la sensibilidad que despliega en "Joan returns", una hermosa versión a piano del tema principal. Inventing Tomorrow - Laura Karpman
Lakeshore Records 28 /9 / 2018
Por su parte, el documental Inventing tomorrow (Laura Nix, 2018) es otra aproximación a los peligros del cambio climático, pero desde un punto de vista más optimista, ya que se acerca a tres adolescentes de diversas nacionalidades que compiten desarrollando proyectos científicos para evitar la degradación del planeta. Presentado en el pasado Festival de Sundance, el documental se desarrolla en la India, México e Indonesia, hasta que los protagonistas llegan a Los Angeles para participar en la Feria Internacional de Ciencia e Ingeniería. La música de Laura Karpman aquí, sin embargo, no resulta especialmente étnica a pesar de la diversa procedencia de los adolescentes, sino que abunda en la tradición sinfónica occidental y resalta esa visión optimista, de mirada hacia el futuro, que representan estos jóvenes científicos. Temas como "ISEF", dedicado a la Muestra, aportan una vitalidad que resulta contagiosa. Pero al mismo tiempo también está presente en la banda sonora esa multiculturalidad que representa el concurso de jóvenes creadores de todo el mundo en temas como "Preparations".
Air-Edel Records 27 /8 / 2018
El hijo de Patrick Doyle, con quien colaboró en algunos trabajos como La huella (Kenneth Branagh, 2007), ha comenzado una interesante trayectoria en el cine y la televisión, destacando sobre todo su trabajo para la miniserie The Moonstone (BBC, 2016) . A pesar de su juventud, Patrick Neil Doyle ya viene aportando composiciones de gran complejidad como la que presenta en el documental Nae pasaran (Felipe Bustos Sierra, 2018) que se centra en los trabajadores de una fábrica en Glasgow en 1974 que se negaron a realizar reparaciones en los motores de aviones de guerra con destino a Chile en solidaridad con las víctimas del golpe de Estado que protagonizó el General Pinochet. Es una historia personal contada por el hijo de un exiliado chileno que desarrolló su trayectoria en Escocia, y está magníficamente reflejada en la música, llena de sensibilidad, que ha compuesto Patrick Neil Doyle. Temas como "Dictatorship" son de una gran belleza y dramatismo, muy en la línea de algunas composiciones de su padre, pero con una personalidad propia. Algunos pasajes tienen ciertas reminiscencias de la música minimalista de La huella (Kenneth Branagh, 2007), como "Recognition", con la incorporación de sonoridades escocesas, mientras que en otros como el melancólico "History repeating", el uso de la guitarra se evoca la cercanía humana de las víctimas chilenas. Es sin duda una excelente carta de presentación de un compositor a tener en cuenta.
BMG 24 /8 / 2018
Para la nueva versión de la autobiografía escrita por el ex-convicto Henri Charrière, el compositor David Buckley se enfrentaba a la inevitable comparación con la excelente banda sonora de Jerry Goldsmith para Papillon (Franklin J. Schaffner, 1973). Y ciertamente su planteamiento es completamente opuesto al de aquél. Aquí, David Buckley explora una sonoridad que resulta prácticamente elegíaca, convirtiendo casi la cárcel en la que se desarrolla la historia en una suerte de emplazamiento religioso. Están por tanto presentes, en temas de grandeza espiritual como "Céphale", esos coros que establecen un diálogo entre las voces femeninas y las masculinas, como también lo están en esa extensión temática de aire místico, "Myrtil", que conforma uno de los momentos más sobresalientes de la banda sonora. David Buckley opta por instrumentos étnicos en algunos momentos, pero casi siempre mantiene ese discurso elegíaco. Aunque estamos ante una película de acción, aunque con críticas en general adversas a esta aparentemente innecesaria versión, los momentos más dinámicos de la banda sonora resultan casi fantasmales, como ese "Tabac d'Espagne" que incluye frases en francés. Para devolvernos finalmente a ese ambiente elegíaco, en el tema final, "Revez, mes anges", que concluye una de las propuestas más arriesgadas del año.
Back Lot Music 31 /8 / 2018
Esta película de terror gótico producida en Irlanda es una de las interesantes muestras del género que se han producido este año. Y sin duda el trabajo de Stephen Rennicks en la banda sonora contribuye a dar ese aire siniestro a la película, pero sin recurrir a los resortes habituales de las incursiones musicales en el terror. Aquí nos encontramos ante una banda sonora que se va desarrollando plácidamente, como la propia historia a la que acompaña, primero con instrumentaciones sencillas, especialmente en el uso de los instrumentos de viento y el arpa en temas como "To Hundreds" o "The matter of his legs", para ir introduciendo poco a poco elementos de distorsión que comienzan a aparecer en "Guests arrive" e irán creciendo a medida que se desarrolla la banda sonora. En en momentos de acción como "Dog attack" en los que nos envuelven las cuerdas con mayor dosis de tensión, también presente en el uso de los vientos altos, con un sonido mucho más penetrante que las flautas del comienzo. La banda sonora está compuesta por una larga lista de temas, casi todos de corta duración, pero en la que encontramos algunos momentos más extensos que nos introducen en una sonoridad casi ensoñadora, como en "Faraday flashback", para desembocar en los excelentes "End Credits".
WaterTower Music 31 /8 / 2018
Resulta significativa la evolución de la música compuesta por Abel Korzeniowski desde su llegada a Hollywood. En sus primeras bandas sonoras desarrolló principalmente su faceta romántica clásica europea, realizando trabajos sobre todo apoyados en excelentes pasajes melódicos. Pero desde su participación en la serie de terror victoriano Penny dreadful (Showtime, 2014-2016), sus composiciones se han tornado más oscuras. No es apresurado pensar que el compositor polaco habrá tenido numerosos encargos para poner música a películas de terror en estos años, pero finalmente ha sido La monja (Corin Hardy, 2018), nueva película de la saga Expediente Warren la que ha contado con su participación. Y podemos decir que su exploración del terror en Penny dreadful le ha servido para acabar creando una de las mejores partituras del género que hemos escuchado en los últimos años. Desde el comienzo, ese poderoso "God ends here", en el que las voces corales elegíacas acaban siendo absorbidas por los coros masculinos y, sobre todo, por la gutural voz solista que representará a lo largo de toda la banda sonora, a Valak, el demonio encarnado en la monja. Solo encontramos pequeños atisbos de luminosidad en temas como "Sister Irene", de una gran belleza; porque el resto de las composiciones se adentran en los sonidos más oscuros, desde el siniestro "Perpetual adoration" hasta el intenso "Lost souls" en el que Korzeniowski experimenta con diferentes sonoridades que extrae de un uso poco convencional de los instrumentos de cuerda.
Quartet Records 5 /9 / 2018
Aunque ha pasado algo desapercibido por la cartelera, En las estrellas (Zoe Berriatúa, 2018) es uno de los títulos españoles más interesantes de la temporada. Esta historia de carretera que homenajea al cine de toda la vida tiene entre sus principales virtudes una emotiva y sensible banda sonora del joven compositor Iván Palomares. La partitura pivote en torno a un "Tema principal" a piano que está presente a lo largo de todo el trabajo en breves pinceladas, pero que durante la banda sonora parece inacabado, casi sin terminar de desarrollarse, hasta que finalmente se nos muestra al completo en los "Créditos finales", planteando así una especie de continuación de la historia más allá de la propia película. Es sin duda uno de los hallazgos más inteligentes de este espléndido trabajo, que también nos presenta otros momentos especialmente interesantes, sobre todo en la utilización de hermosos pasajes melódicos en forma de vals como "Barrio de antaño". Es también destacable la representación musical de la figura del padre, un personaje que encarna cierto patetismo melancólico, y que está especialmente patente en "Víctor en su casa quemada", tema del que se incluye una versión alternativa, de corte más dramático, no utilizada en la película. Sin duda, Iván Palomares consigue con este trabajo una excelente carta de presentación en el cine español, y nos invita a estar atentos a sus próximas composiciones.
Quartet Records 7 /9 / 2018
El documental de Guillermo de Oliveira es un homenaje al cine y, especialmente a sus fans, a través de la reconstrucción en Burgos del cementerio que se convirtió en el escenario principal del final de la película El bueno, el feo y el malo (Sergio Leone, 1966), con motivo del cincuenta aniversario de su estreno. Con entrevistas a algunos de los que participaron en el filme, entre ellos el editor Eugenio Alabiso y el compositor Ennio Morricone, el documental propone una revisión del mito cinematográfico a través de la recuperación de un icono local que ha alcanzado el reconocimiento internacional. La banda sonora creada por la compositora Zeltia Montes es un inteligente acercamiento a este mito (especialmente representado por la música que compuso Morricone), porque no pretende emular las sonoridades de aquel trabajo excepcional, sino que ahonda más en el terreno de la admiración y el respeto. Y lo hace utilizando como instrumentos principales aquellos que estaban presentes en la música del maestro italiano, con momentos referenciales como los nostálgicos "Opening Credits" y "First stone", pero introduciendo nuevas propuestas en excelentes pasajes como el marcial "The bridge". Zeltia Montes introduce una voz femenina solista, en este caso sí en clara referencia al estilo de Ennio Morricone, en "Unearthed", concluyendo así el homenaje desde la distancia, pero siempre aportando una personalidad propia en una banda sonora que huye de los recursos fáciles para tomar el camino del riesgo.
Scoring Records 14 /9 / 2018
La última comedia comercial que llega desde Alemania, después del éxito de Toni Erdmann (Margen Are, 2016), es esta amable historia sobre un jardinero de carácter agrio que encuentra en la aviación la forma de escapar a sus preocupaciones. El largo título original expresa bien el espíritu de la película: Grüner wird's nicht, sagte der Gärtner und flog davon (Florian Gallenberg, 2018), algo así como "No se pondrá más verde, dijo el jardinero, y se fue volando". La banda sonora está firmada por el joven compositor alemán Enis Rotthoff, que trabaja entre Berlín y Los Angeles, y que consigue aquí una agradable partitura con sonido campestre, alegre en algunos momentos pero sobre todo cargada de gran sensibilidad. A ello contribuye la aportación del violonchelista Johannes Moser, cuyo instrumento se convierte en elemento principal de la partitura desde el hermoso tema "New horizons", en el que aporta las adecuadas dosis de sensibilidad. En general se trata de una banda sonora que aporta al personaje principal esa humanidad que no se encuentra en la superficie de su carácter huraño. En este sentido, Enis Rotthoff crea una música introspectiva que ahonda más en la faceta cómica de la historia que en el principio más serio. Hay hermosos pasajes que acompañan a las imágenes aéreas como "Take me with you", pero también elementos sonoros estrictamente cómicos, como el divertido "Dinner with Grandma". Un trabajo de gran belleza.
Lakeshore Records 14 /9 / 2018
El director Paul Feig se ha especializado en comedias femeninas como La boda de mi mejor amiga (Paul Feig, 2011), o más recientemente la defenestrada versión de Cazafantasmas (Paul Feig, 2016). Su última película tiene de nuevo como protagonistas a mujeres, pero aporta más dosis hitcockianas, aunque su mayor virtud es que el director no se toma demasiado en serio la trama, construyendo así una historia con grandes dosis de humor negro. En este aspecto, la banda sonora del siempre efectivo Theodore Shapiro se revela como un elemento primordial en esa ambientación sarcástica que contiene la película. La partitura pivote sobre un espléndido tema principal, "A simple favor", que ya en sí mismo merece la pena. Con cierto aire a Alexandre Desplat, se trata de un irónico leitmotiv que escucharemos en diversas versiones a lo largo de toda la banda sonora, y que baila especialmente en sus revisiones más dinámicas, como "Breadcrumbs". Pero también resulta interesante la incursión de Theodore Shapiro en los momentos de suspense, en los que abandona parte de las sonoridades electrónicas para desarrollar más una composición apoyada en la instrumentación tradicional, como en "I saw my mom / Ring flashback". Lo más interesante del trabajo de Theodore Shapiro es lo bien que funciona la mezcla de sonidos electrónicos con la orquestación tradicional, algo que en muchos casos no suele compactar adecuadamente. Pero temas como "Three-way" son un ejemplo de cómo imbricarlos con efectividad.
La Vingt-Cinquième Heure 28 /9 / 2018
En 2016, el astronauta francés Thomas Pesquet cumplió su sueño de participar en una misión espacial, permaneciendo durante seis meses en la Estación Espacial Internacional, y convirtiéndose en el miembro más joven del Cuerpo Europeo de Astronautas. El documental 16 levers de soleil (Pierre-Emmanuel Le Goff, 2018) nos acerca a la experiencia de este ingeniero aeronáutico a través de imágenes que captó el propio Thomas Pesquet en su viaje espacial. Pero el documental, presentado en la pasada edición del Festival de Cannes y que ahora se estrena en Francia, no solo funciona con su faceta ilustrativa, sino que también establece una propuesta a través de la obra literaria de Antoine de Saint-Exupéry, considerado como un visionario, que está presente en la propia banda sonora en el tema "St Exupéry". El saxofonista francés Guillaume Perret es el encargado de componer este apasionante trabajo, apoyado en los sonidos jazzísticos que le caracterizan, junto a los sonidos reales que se escuchan en la Estación espacial Internacional. Hay momentos absolutamente oníricos como "Outside Thomas", junto a explosiones sonoras como en "A certain trip 1", que muestran las virtudes del saxo eléctrico interpretado por Guillaume Perret. Uno de los temas, sin embargo, "Into the infinite", está interpretado por el propio Thomas Pesquet en la Estación Espacial.
Varèse Sarabande 28 /9 / 2018
Desde que nos deslumbrara con su trabajo para la película A ghost story (David Lowery, 2017), hemos estado atentos a las creaciones del compositor Daniel Hart, que últimamente ha trabajado más en el campo televisivo. Su nueva colaboración con el director de aquélla, es esta película que ha trascendido especialmente después de que Robert Redford anunciara que The old man & the gun (David Lowery, 2018) sería su último trabajo para el cine. Aquí, Daniel Hart se adentra en la cadencia sonora del soft-jazz creando una de las más hermosas bandas sonoras de este año, que debería valerle su primera nominación al Oscar. Son temas que tiene un cierto aire al John Barry de los primeros años ochenta, especialmente en fragmentos largos como el espléndido "Three day bank", pero también despliega sus virtudes en pequeñas pinceladas como "The Diner - Part Two". La película, basada en la historia de real de un ladrón de bancos que se escapó de la prisión de San Quintín cuando tenía 70 años, permite desarrollar a Daniel Hart una amplia gama de composiciones, interpretadas or una formación de jazz junto a una pequeña sección de cuerdas. Curiosamente, Daniel Hart afirmaba en una entrevista al comienzo del rodaje que él y el director tenían la idea de que fuera una banda sonora muy contundente y percusión. Finalmente, decidieron realizar un trabajo mucho más soft y en cierta manera algo melancólico, y sin duda fue una decisión acertada.
Varèse Sarabande 28 /9 / 2018
La compositora Anne Chmelewsky desarrolla una interesante carrera en el terreno de la música contemporánea, siendo autora de tres óperas y trabajos de intensa belleza como su reciente EP Some One Lost (2017, Plume Records). En el campo audiovisual, tras haber colaborado con Ricky Gervais en la serie Derek (Netflix, 2012-2014), se enfrenta a su banda sonora más ambiciosa en esta producción británica que narra una relación interracial en la Alemania nazi. Aunque la película obtuvo críticas irregulares en el Festival de Toronto, destaca especialmente el trabajo musical, que nos ofrece una sutil banda sonora con cierto aire a las composiciones cargadas de sensibilidad de la también británica Debbie Wiseman. Con el piano como instrumento principal, especialmente en los temas que envuelven a la protagonista, la hija de un hombre negro y una mujer blanca, la compositora desarrolla un espléndido tema principal, "Where hands touch", que iremos encontrando a lo largo de toda la banda sonora. Pero destacan especialmente los hermosos leitmotivs dedicados a personajes, como "Ash" y, especialmente, "Hermione", con esa sonoridad trágica que contiene. Es en los temas finales cuando el violín solista toma mayor protagonismo, cuando la historia se desarrolla en un campo de concentración, en composiciones cargadas de dramatismo como "We have to survive", para culminar con unos "End Titles" perfectos en su estructura y su elaborada tensión, que remarcan el pesimismo de la banda sonora.
La monja se estrenó el 7 de septiembre
El Papa Francisco: Un hombre de palabra y Un pequeño favor se estrenaron el 28 de septiembre
16 levers de soleil se estrenó en Francia el 3 de octubre
Christopher Robin se estrenó el 5 de octubre
Desenterrando Sad Hill se estrena el 19 de octubre
Jean-François i el sentit de la vida se edita en DVD el 24 de octubre
Infiltrado en el KKKlan se estrena el 2 de noviembre
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