SÉRIES MANIA 2026 - Parte 6: Producción francesa

Como hacemos habitualmente, para cerrar nuestras crónicas del festival Séries Mania dedicamos nuestra atención a las producciones que han formado parte de la Competición Francesa, una importante selección que muestra los próximos estrenos destacados de los canales y plataformas en Francia, aunque este año se ha notado la ausencia de Canal+. Séries Mania Forum ha reflejado esta semana los datos de participación, con 5.200 profesionales acreditados de un total de 75 países, además de 97 expositores de 27 delegaciones internacionales, lo que supone un récord de participación. El momento culminante fue la firma histórica del Convenio del Consejo de Europa sobre la coproducción de obras audiovisuales en forma de series, que reunió a nueve delegaciones ministeriales en el Grand Palais de Lille, entre las que no se encontraba España. Pero, al margen de las cifras, se ha transmitido la sensación de que Séries Maria Forum se ha visto afectada por la cercanía del Berlinale Series Market y los London TV Screenings, que desde hace dos años también incorpora lo que antes era conocido como el Series Market en Cannes. La mayor parte de los paneles se han dedicado a presentar las próximas producciones de diferentes países, pero con la ausencia de destacadas delegaciones de Estados Unidos y Reino Unido, e incluso tener como país invitado a Corea del Sur no ha resultado en actividades destacadas, al margen del tradicional panel dedicado a la producción actual. También se han cancelado sin ninguna explicación algunos importantes keynotes de plataformas como SkyShowtime y Fremantle, lo que no repercute en la calidad de estos encuentros, que corren el riesgo de ser una sucesión de Coming Next from... en los que se presentan un puñado de series de próximo estreno. Es cierto que actividades como Buyers Upfront o las sesiones de pitching siguen teniendo un importante papel, pero Séries Mania Forum tiene que replantearse cómo competir con similares encuentros que se producen en fechas cercanas. 

CRISTÓBAL TAPIA DE VEER: LOS SONIDOS COMO MELODÍA

En colaboración con Carte Blanche Sœurs Jumelles, un festival de música e imagen que se celebra en Rochefort, uno de los invitados del festival Séries Mania fue el compositor chileno-canadiense Cristóbal Tapia de Veer (1973, Chile). Conocido por sus peculiares bandas sonoras para series como Utopía (Channel 4, 2013-2014), The White Lotus (HBO Max, 2021-), hasta que tuvo una ruptura pública con su creador Mike White, con acusaciones mutuas en las redes sociales y entrevistas, y más recientemente El señor de las moscas (BBC, 2026). También cuenta con algunos destacados trabajos para largometrajes como Smile (Parker Finn, 2022), Ponyboi (Esteban Arango, 2024) y Babygirl (Halina Reijn, 2024), y en España trabajó en el largometraje Ventajas de viajar en tren (Aritz Moreno, 2019), por la que fue nominado a los Premios Feroz. Los orígenes del compositor en medio de la dictadura chilena han marcado su trayectoria, como él mismo afirmaba: "Nací en 1973, justo en el año en que Salvador Allende fue asesinado y se estableció la dictadura de Augusto Pinochet. Mi madre corría bajo las bombas de los militares conmigo entre brazos, de ahí quizás viene mi gusto por las percusiones. En Latinoamérica tenemos un sentido del humor muy negro, estamos en un modo de supervivencia y a veces nos reímos de cosas absolutamente horribles que ocurren en el mundo. Es una manera de mantenerse vivo, y en la música funciona de la misma forma para mí, elijo detalles a veces bastante oscuros de los personajes". La familia de Cristóbal Tapia de Veer se trasladó primero a Francia, cuando él solo tenía dos años, y posteriormente su madre y él regresaron a Chile mientras el padre se quedaba en Francia. Pero tras poco tiempo, madre e hijo decidieron volver a marcharse, esta vez como refugiados políticos en Canadá, donde el compositor obtuvo la doble nacionalidad, canadiense y chilena. "En mi familia no hay músicos profesionales, pero la música siempre ha estado presente. Empecé a ir al Conservatorio en Montreal y comencé a interesarme por los instrumentos de percusión". 

Con su grupo One Ton, con el que obtuvo una nominación a los premios Juno de la música en Canadá, estuvo de gira en diferentes países, y de ahí surgió su primera colaboración en el mundo de la televisión. "Mi primer trabajo fue casi por casualidad. Yo estaba en Estados Unidos de gira con mi grupo One Ton y un director británico buscaba un músico que no tuviera el sonido habitual de una banda sonora. El director era Marc Munden, y con él hice mi primera miniserie, Pétalo carmesí, flor blanca (BBC, 2011) y después colaboré con él en Utopía (Channel 4, 2013-2014). El primero era un drama de época y tenía libertad para descontrolame, simplemente respetando el contexto, pero no corrí los riesgos que después asumí con Utopía. Si solamente hubiera hecho eso, no tendría la carrera profesional que tengo ahora". La habilidad de Cristóbal Tapia de Veer es la de introducir sonoridades peculiares procedentes de instrumentos u objetos que encuentra en diferentes partes del mundo, y asumiendo constantemente riesgos. En Utopia, por ejemplo, usó los sonidos de una música brasileña para una escena de tortura. Con el director Marc Munden ha trabajado en otros proyectos posteriores, como la reciente El señor de las moscas (BBC, 2026): "Tuve la suerte de que él era un director muy respetado, que había ganado varios premios BAFTA, y me permitió sorprenderle, hacer cosas muy arriesgadas. Si hubiera sido otro director, seguramente los productores habrían desechado mi música, pero al tener él ese grado de respeto en la profesión y permitirme tanta libertad, he podido hacer cosas muy excéntricas".   

El acercamiento de Cristóbal Tapia de Veer a las bandas sonoras no trata de subrayar sino añadir: "Para mí, la música debe estar en una dimensión diferente que se aporta a la serie. Es un elemento para destacar lo que hay entre líneas. No entiendo cuando una banda sonora subraya lo que ya se está explicando en los diálogos. Yo dejo de ver una película o una serie cuando detecto eso. Mi acercamiento a las series es el mismo que en las películas durante el primer episodio. En el piloto ya introduces todo lo que va a predominar en la banda sonora: el tono, la melodía, y después incluso otro compositor podría encargarse del resto". En la reciente película Babygirl (Halina Reijn, 2024) aportó algunas ideas propias después de muchas propuestas rechazadas: "Propuse que hubiera dos bandas sonoras diferentes: compuse música clásica, porque el personaje de Nicole Kidman es una persona equilibrada, con una vida organizada. Pero la música representa el cambio que hay en su vida cuando conoce a otra persona. Hice mi propuesta a la directora, y no obtuve ninguna respuesta. Después, me mandó un mensaje diciéndome que al productor de A24 le había gustado". Su trabajo para las tres temporadas de The White Lotus (HBO Max, 2021-), que le proporcionó tres premios Emmy, proviene de la música que compuso para el episodio Black Museum (T4E6), dirigido por Colm McCarthy, de la serie Black Mirror (Netflix, 2011-). De hecho, el tema principal es una variación de "Always on, always suffering": "Ellos lo habían utilizado como temp track para la secuencia de una cena, así que lo que hice fue ir añadiéndole diferentes capas y elementos, como una flauta de botella o una percusión de congas, transformándolo en lo que finalmente se escucha. Incluso algunos sonidos los tenía en mi ordenador desde hacía años. Esa voz femenina casi tribal la grabé cuando trabajaba en un proyecto con Kanye West en 2015, pero al final decidí guardarla y acabó encajando bien en la serie".  

Actualmente, Cristóbal Tapia de Veer sigue viviendo en Montreal, en una casa en las montañas: "Allí tengo mi estudio de música, que he construido yo mismo. Yo he fabricado los muebles y las estanterías. Hace cinco años que compré la casa y ahora es el lugar donde me siento más cómodo para componer". Respecto a cierta polémica que surgió cuando modificó el tema principal de The White Lotus para su tercera temporada, que recibió críticas de muchos espectadores, afirmaba que "no tengo mucho interés en trabajar en una misma serie durante muchas temporadas. No lo he hecho nunca con ninguna serie, y solo con The White Lotus he llegado a la tercera temporada. Para mí es necesario cambiar para seguir sobreviviendo, y eso era lo que me interesaba de la tercera temporada. Una parte de la audiencia no quería que el tema principal cambiara, pero creo que conforme pasaban las semanas, había gente que escribía cosas más positivas y que decía que era su tema favorito. Lo que me interesaba de la serie era el lado oscuro. Nunca había trabajado en una comedia negra, por eso traté de encontrar la parte que más me atraía. Suceden cosas horribles en esa serie". La colaboración entre Cristóbal Tapia de Veer y el creador Mike White terminó de una manera brusca cuando se intercambiaron acusaciones a través de las redes sociales, así que la cuarta temporada no tendrá su música. En una entrevista en The New York Times en la que anunció que dejaba la serie, el compositor chileno manifestó que había tenido diferencias creativas con Mike White desde la primera temporada, porque el director y guionista quería música menos experimental. Una de las discusiones fue alrededor de la no inclusión de la versión completa del tema principal de la tercera temporada "Enlightment", que el músico quería que apareciera en algún momento al margen de la versión recortada de los créditos iniciales. Él mismo publicó la versión larga en su canal de YouTube, pero aclarando que ésta no había sido la razón por la que había dejado la serie. Para sus composiciones, Cristóbal Tapia de Veer siempre utiliza sonoridades que provienen de objetos que ha ido encontrando en sus viajes, o de instrumentos autóctonos chilenos: "Busco sonidos emocionales, y uso todo tipo de instrumentos o de herramientas que traigo de otros países, como el cuerno de un rinoceronte, o incluso un sonido que acabo de grabar en el móvil. Es el instinto el que me lleva a usar esos instrumentos o esos sonidos".

LAS SERIES MÁS DESTACADAS DEL FESTIVAL

Eldorado

Francia, Bélgica 2026 | Arte, 6x40' | Episodios 1-2-3 | Competición Francesa | ★★★★☆ 

Creada por Tarek Haoudy, Nacim Mehtar

Dirigida por Louis Farge

Séries Mania '26: Mejor Actor (Karim Leklou)

Ha adquirido cierta actualidad esta miniserie que coproducen el canal francés Arte y la cadena pública belga RTBF en torno a una de las estafas más desconocidas que se produjeron en Francia en los años setenta, y que hasta 1983 no fue desvelada por el semanario satírico Le Canard Enchaîné en un impactante reportaje. El engaño se produjo después de la crisis del petróleo de 1973 que sucedió al liberalismo de las políticas del presidente Giscard d'Estaing, cuando la empresa francesa líder en la extracción de petróleo Elf Aquitaine fue engañada por un aristócrata belga y un ingeniero italiano, haciéndoles creer que habían inventado un dispositivo que era capaz de detectar la existencia de petróleo antes de realizar cualquier perforación, funcionando como una especie de escáner del terreno. La mentira fue descubierta poco después, pero la empresa ya había realizado grandes inversiones en los testeos del dispositivo, y la estafa fue ocultada en nombre de la seguridad nacional, con la implicación de François Mitterrand. El protagonista de la historia es Léo Sarda (Karim Leklou), un ejecutivo ambicioso que en 1976 trabaja en la empresa Elf, pero que solo ha llegado a su posición porque está casado con Simone de Lestrade (Nicole Colchat), la hija del director ejecutivo de la compañía, Georges de Lestrade (Patrick Chesnais). Desesperado por encontrar un proyecto que le sitúe en una posición más privilegiada frente al directivo que le ha confesado que "hubiera deseado que nunca conocieras a mi hija", Léo encuentra la posibilidad de demostrar su capacidad visionaria apoyando un proyecto que parece tan arriesgado como podría ser decisivo para el futuro de la empresa. El aristócrata belga Arnaud de Toledo (Jérémie Renier), una versión ficticia del personaje real, el noble Arnaud de Villegas y el falso genio inventor italiano Florindo Bonamici (Laurent Capelluto), proponen una reunión en las instalaciones de Elf para presentar su detector de petróleo y buscar financiación para su desarrollo. El ejecutivo Léo Sarda, convencido o auto-convencido de la eficacia de esta tecnología, dirigirá el proyecto junto a la ingeniera Emma Zenatti (Marie Colomb), adoptando una fe ciega como reflejo de la esperanza del reconocimiento personal, pero también del desarrollo industrial que les permita dejar atrás definitivamente la crisis económica. Eldorado (Arte/RTBF, 2026) es por tanto una serie en torno a la creencia que impulsa a los personajes principales, la necesidad de tener fe como una herramienta para alimentar el anhelo, desoyendo las señales de alarma que se producen a su alrededor. En este sentido, la serie conecta con las falsas empresas tecnológicas y las estafas económicas que se han producido en las últimas décadas, motivadas en buena medida por el mal funcionamiento de los protocolos de seguridad, más que por la capacidad de los estafadores para engañar a sus inversores. 

Producida con una textura cinematográfica, formato de pantalla 2:35 y una fotografía ocre que recrea los tonos de una película de los años setenta, Eldorado se toma libertades desde el punto de vista de la puesta en escena, igual que los creadores se han tomado libertades en el guión porque todavía existen muchas incógnitas sobre cómo se produjo esta estafa. Esta miniserie está dirigida por Louis Farge, que ha realizado thrillers como Follow (Calle 13, 2023), pero sobre todo ya abordó esta idea de las narrativas construidas como si fueran reales en la recreación del reality show Loft story en la primera temporada de la serie antológica Culte (Prime Video, 2024-). Una de las características más atractivas de esta producción es cómo consigue navegar por diferentes géneros: comienza como si fuera un thriller empresarial en los pasillos de Elf, pero al mismo tiempo es una historia de aventuras que se desarrolla en desiertos y selvas, y también adopta el carácter de un drama familiar, especialmente alrededor de Arnaud de Toledo y su esposa Iris (Clémentine Fargeas-Sichler). El director cuenta que la relación entre el noble belga y el inventor italiano la construyó como si se tratara de una relación amorosa, aunque no hay nada romántico ni sexual entre ellos. El sueño de compartir una utopía y alcanzar la posibilidad de una tecnología que consiga realmente detectar petróleo se convierte en una decepción cuando se revela la verdadera naturaleza de su relación personal. Y consigue adoptar un tono de drama psicológico a través de una cámara que atrapa a los personajes dentro de su propia negación de la realidad. Hay un toque aventurero en el Episodio 3 (T1E3), en el que un equipo de la empresa junto a los dos emprendedores realizan un trabajo de exploración en la selva de Ogooué-Maritime, en Gabón, que se convierte en una especie de Fitzcarraldo para sus protagonistas. Pero Eldorado es sobre todo una historia sobre la necesidad de agarrarse a la esperanza de la fe, aunque se sostenga en preceptos falsos: "Hoy en día, a nadie le importa la verdad; lo que importa es contar la historia correcta", dice uno de los personajes.  

Camarades

Francia 2026 | Arte, 8x35' | Episodios 1-2-3 | Competición Francesa | ★★★★☆ 

Creada por Benjamin Charbit, Dominique Baumard

Dirigida por Benjamin Charbit, Dominique Baumard

Séries Mania '26: Mejor Actriz (Manon Kneusé)

Otra serie francesa que se traslada al pasado, pero no con una mirada nostálgica, sino con una gran capacidad para dialogar con el presente, es esta creación de Benjamin Charbit, un autor muy activo que ha escrito series como Zorro (AMC+, 2024) y El sentido de las cosas (HBO Max, 2025), y largometrajes como La guerre des prix (Anthony Dechaux, 2026). En este caso, refleja la creación de un proyecto experimental llevado a cabo por el gobierno de Charles De Gaulle para tratar de apaciguar la revolución estudiantil de Mayo de 1968, a través de una idea tan brillante como perversa: la creación del Centro Universitario Experimental de Vincennes en otoño de ese mismo año, un proyecto que asimilaba buena parte de las reivindicaciones de los protagonistas de las protestas, pero aislándolo y alejándolo del centro de París. Durante más de una década, la izquierda radical llevó a cabo una reestructuración de la educación universitaria, y por este centro pasaron algunos de sus principales referentes, como  Madeleine Rebérioux, Hélène Cixous, Gilles Deleuze, Jean-François Lyotard o Jean Douchet. Pero en 1980 la universidad se integró dentro del sistema tradicional, trasladándose desde Vincennes hasta París y convirtiéndose en la actual Universidad Paris-VIII-Vincennes-Saint-Denis. De manera que Camarades (Arte, 2026) aborda una utopía educativa que acabó asimilada por el sistema, y que ya trató el cineasta Raoul Peck (1953, Haití) en su miniserie de ficción L'école du pouvoir (Canal+, 2009). Aunque en el caso del acercamiento actual, lo hace desde un punto de vista humorístico, a través de varios personajes, entre profesores y alumnos, que abrazan la subversión en medio de un clima político y social efervescente. En este contexto, Claudine (Manon Kneusé) es una prostituta del Bois de Boulogne, que acepta infiltrarse en este foco de izquierdismo para el servicio de inteligencia francés (RG), un lugar que ha ahuyentado a su clientela burguesa. Pero en Vincennes, no solo los estudiantes son revolucionarios sino también las ideas filosóficas que se abordan, desde Michel Foucault hasta Monique Wittig, pasando por el sociólogo Pierre Bourdieu. Un mundo lleno de ideas explosivas en el que se aborda la lucha de clases y la igualdad de género como conceptos que son innovadores. Al final del primer episodio, Claudine tiene su carnet de estudiante universitaria en una mano y un fajo de billetes en la otra, mientras un texto en pantalla nos pregunta: "¿A qué líder preferirías obedecer?". Inspirándose en personajes reales que fueron clave en el apogeo de la "teoría francesa", Camarades revive la caótica experiencia estudiantil a través de un humor absurdo que trata con ironía la confrontación de los pensamientos dentro de la propia izquierda, a veces marcados por ataques de verbalidad violenta, que refleja de una manera precisa las disputas en el seno de las izquierdas que en la actualidad han provocado el auge de las ideologías fascistas, lo que la conecta directamente con nuestra época. 

Construida como una comedia coral, también son protagonistas de Camarades el profesor Gérard (Pierre-François Garel) y su alumna Françoise (Lulja Comar) que encuentran junto a Amadéo (Micha Lescot) la complicidad necesaria para mantener las protestas estudiantiles, y el nuevo director André Merloux (Grégory Gadebois), que acaba de ser elegido con una ligera ayuda fraudulenta de su secretaria Nino (Émilie Incerti Formentini): "Lo único de lo que debe preocuparse es de ser el mejor director para Vincennes. El Partido piensa que usted es la mejor opción para este puesto, ¿Acaso va dejar el control a los gaullistas solo porque piensa que no está legitimado?". Adoptando un formato de cámara en mano en plano secuencia que reflejan la ebullición de los movimientos estudiantiles en una universidad que intenta construir una forma de educación libre y utópica, hay claras alusiones a la Nouvelle Vague en forma de referencias visuales o sonoras, como el tema principal de Georges Delerue para la película La noche americana (Francois Truffaut, 1973). Como curiosidad, algunos de los intérpretes de esta serie como Micha Lescot y Grégory Gadebois también participaron en otro acercamiento a la Nouvelle Vague y las revoluciones de Mayo del 68 en el largometraje Mal genio (Michel Hazanavicius, 2017), dedicado a la figura de Jean-Luc Godard. Desde una perspectiva actual, la serie trata estos idealismos surgidos en una época de revoluciones internas también con un tono irónico, utilizando muchas imágenes de archivo que se superponen a la ficción, y estableciendo paralelismos entre los discursos de ideología fascista y de ideología de izquierdas que a veces utilizan los mismos calificativos y enarbolan las mismas amenazas cuando se refieren al contrario. Los archivos, planteados desde el propio guión, sirven también para darle estructura a la serie a través de determinadas ideas que son predominantes en cada episodio: en el Episodio 4 (T1E4), podemos ver a Pierre Bordieu hablando sobre la revolución social, mientras que en el Episodio 5 (T1E5) Michel Foucault reflexiona sobre la vigilancia... La idea principal es que los pensadores que marcaron la época no estén interpretados por actores, sino que estén representados por sí mismos. La serie de Benjamin Chabit y Dominique Baumard, que ha trabajado en Oficina de infiltrados (SkyShowtime, 2015-2020) es un éxito en su retrato de la época y en el caos cargado de utopía que la rodeaba, permitiendo a través de la comedia que nos identificamos con los personajes protagonistas, tanto profesores como estudiantes, que son capaces de soñar con futuros posibles, de vivir la ilusión de reconstruir la sociedad desde el principio. Pero, al mismo tiempo, evitando caer en el presentismo y trasladando también las ramificaciones que surgieron de esta revolución intelectual y social. 

Enchaînés

Francia 2025 | France 2, 6x52' | Episodios 1-2 | Competición Francesa | ★★☆☆☆ 

Creada por Alain Moreau, Adriana Barbato, Fanny Talmone

Dirigida por Lauren de Butler

La deriva que se ha producido en el audiovisual respecto a plantearse quiénes deben ser los narradores de las historias que están relacionadas con la raza o las comunidades, es posiblemente una de las más relevantes que se han producido en nuestra sociedad en los últimos años. Ofrecer las herramientas a los autores autóctonos para narrar su propio pasado es un eje fundamental para que estos relatos no estén contaminados por la perspectiva unilateral que ha marcado la Historia y su representación en el cine y la televisión. Afortunadamente, hemos pasado de actores blancos que se pintaban la cara para interpretar a personajes indígenas no hace mucho tiempo atrás, a una conciencia clara de que solo quienes pertenecen a una comunidad son capaces de hablar de sus antepasados con el rigor necesario. Alain Moreau es uno de estos autores jóvenes que, nacido en Isla Reunión, que carga con el peso de las consecuencias de la colonización incluso hoy en día, ha tenido la oportunidad de contar la historia de sus antepasados en el drama Enchaînés (Encadenados) (France 2, 2026), una miniserie que habla sobre la esclavitud en Isla Reunión, antiguamente conocida como Isla Borbón, a través de la relación entre el amo Charles Bellevue (Olivier Gourmet) y sus esclavos en una plantación en 1809. Se le podría calificar como un propietario que guarda cierto respeto por sus esclavos, pero eso no quiere decir que no se aproveche del derecho de pernada, manteniendo relaciones sexuales con esclavas, o que no recurra a las prácticas abusivas de tortura para castigar a quienes han roto sus reglas, a veces el simple robo de una lechuga porque no tienen una alimentación adecuada. En este contexto, uno de los esclavos es el joven mestizo Isaac (Enzo Rose), y pronto conocemos que en realidad es hijo de una de las violaciones que ha cometido Bellevue. De manera que se encuentra en medio de un dilema en el que debe servir a quien sabe que es su padre al mismo tiempo que se enfrenta a sus abusos. Un ciclón arrasa con la plantación de café, que se encuentra al borde de la ruina debido a las pérdidas que ha tenido, pero son precisamente los esclavos los únicos que pueden acabar salvando una cosecha imprescindible para la supervivencia de la familia que los posee, pero también de la suya propia, tratando de evitar la posibilidad de que sean vendidos o abandonados, lo que acabaría resultando peor que la situación en la que se encuentran. El enfrentamiento entre Bellevue, un magnífico Olivier Gourmet, y el joven Isaac promete ser, desde los primeros episodios, el impulso principal de la temporada. El problema es que Enchaînés no puede evitar caer en un cierto tono de melodrama de hijos secretos y relaciones familiares complejas que suele caracterizar a muchas series de France Télévisions. A pesar de una buena puesta en escena y una recreación convincente de la época, en parte gracias al rodaje en lugares específicos de Isla Reunión, la serie acaba cayendo en el tono folletinesco sin capacidad de redención. 

Hay una representación muy cruda de la esclavitud, pero a veces estas escenas terminan teniendo un tono melodramático que no ayuda a que resulten realistas. El guión trata de manera evidente de centrarse en la dimensión humana, especialmente a través del dilema que debe enfrentar el protagonista Isaac, que acaba siendo elegido como una especie de controlador del resto de esclavos, viéndose obligado él mismo a utilizar métodos violentos como el látigo para evitar la responsabilidad de las acciones que llevarían consigo castigos más severos. Pero, a pesar de una puesta en escena convincente, Enchaînés no deja de ser una historia sobre la relación entre un padre y un hijo en escalas sociales opuestas, que se desarrolla a lo largo de diferentes momentos, incluso más allá de la liberación del joven, lo que permite que se traten aspectos como el de la vida de los "cimarrones", los esclavos liberados. Destaca una contundente banda sonora de la compositora Audrey Ismaël, que ha compuesto una canción para los esclavos que resuena como anhelo de emancipación. Pero los personajes son demasiado complejos, a pesar de las decisiones difíciles que deben tomar, y la narrativa sigue un camino convencional que no arriesga en la descripción de las dinámicas de poder que se establecen dentro de los mismos grupos de esclavos. Es interesante que se aborde la barbarie de la esclavitud, especialmente en un contexto en el que estamos viendo que se justifican invasiones y colonizaciones sin atender a sus consecuencias. Y posiblemente el tono adquirido no provenga tanto de la perspectiva del creador Alain Moreau o la dirección de Lauren de Butler, quien también dirigió el año pasado la miniserie 37 secondes (Arte, 2025), premiada en Séries Mania, sino del propio formato habitual en France Télévisions, que muchas veces deriva, por razones de audiencia, hacia el tono de drama de sobremesa. Como ocurría en la miniserie de época Montmartre (France Télévisions, 2025), que se desarrollaba durante el nacimiento de los primeros cabarets de París, pero también desde una construcción de melodrama sobre la venganza de tres hermanos. Esta serie acaba abordando un tema tan relevante como la esclavitud sin una verdadera profundidad y quedándose en una propuesta dramática y demasiado trillada como para que realmente consiga un efecto emocional en el espectador, por muchos latigazos que muestre en pantalla. 

La dernière heure

Francia 2026 | Arte, 6x10' | Episodios 1-2-3-4 | Competición Formatos Cortos | ★★★☆☆ 

Creada por Joseph Safieddine, Hélène Faure, Maud Konan

Dirigida por Joseph Safieddine

Séries Mania '26: Premio de Estudiantes de la Région Hauts-de-France

El joven autor Joseph Safieddine (1986, Francia) ha venido publicando en los últimos años novelas gráficas que hablan sobre la experiencia de su familia procedente de Líbano, y especialmente la personalidad misteriosa de su padre, originario de Tiro, ciudad costera del sur de Líbano, que abandonó en 1975 después del estallido de la guerra civil. Pero, como el autor afirmaba en una entrevista, era un padre "que hablaba árabe pero nunca hablaba en árabe con sus hijos, que no mencionaba nada de lo que había sucedido antes de marcharse de Líbano, que eligió llamarse Stéphane cuando su verdadero nombre era Mustapha". Por eso, esta figura que para él resulta intrigante está presente en todos sus cómics, desde Les lumières de Tyr (2012) hasta su obra más conocida, Yallah bye (2017), que ganó numerosos premios. Su publicación más reciente ha sido Les fusibles (2023, Les Editions Dupuis), ilustrada por Cyril Doisneau, que a través de una historia de expatriación, desarraigo y transmisión de cultura e identidad, sigue inspirada por esta figura paterna que no ha revelado todos sus secretos… Él mismo se ha encargado de adaptar esta novela gráfica al formato de serie para Producciones Digitales de Arte, una línea editorial del canal Arte que está dedicada a realizar series de formato corto que se emiten tanto en su plataforma como en las redes sociales. La dernière heure (Arte, 2026) está compuesta por seis episodios de diez minutos y transcurre en una casa familiar en Líbano durante una hora, la que tarda la embajada francesa en rescatarles mientras en las calles se están produciendo protestas violentas. Billie (Sawsan Abbès) es una joven arquitecta que acaba de llegar a su tierra natal para descubrir sus raíces, visitando a su padre Mustapha (Mustapha Abourachid), quien se cambió el nombre por Stephane cuando emigró a Francia. Pero las revueltas en las calles y el peligro de que las casas sean asaltadas se convierte en un riesgo, por lo que Billie llama a la embajada francesa para que le ayuden a salir del país. Durante la hora de espera, Billie reconecta con los que quedan de su familia: su abuelo Bilal (Mounir Maasri), que ya sufre las consecuencias del alzheimer y su tío Georges (Abdelhafid Metalsi), que se encara con su hermano por haberle dejado al cuidado de sus padres mientras él emigraba. También aparece Zeina (Hiam Abbass), una antigua profesora de Mustapha que suele visitar y cuidar a Bilal, y que ha sido herida durante las manifestaciones. Esta serie de una hora de duración que transcurre durante una hora ofrece una visión de la violencia sistemática frente a las protestas sociales en Líbano, pero sobre todo adopta un formato casi teatral que aborda las fracturas emocionales dentro de una familia en el interior de su propia casa. 

Billie descubre algunos aspectos desconocidos de su padre, quien siempre había subestimado sus estudios de arquitectura y sus dibujos. Pero, mientras busca el pasaporte de Mustapha, se da cuenta de que él en realidad también había sido dibujante en su juventud. Construyendo un drama intergeneracional, La dernière heure habla sobre la necesidad de reconectar y también sobre la identidad, aunque no únicamente. La presencia de esa figura paterna que siente orgullo por ser el nexo de unión entre dos generaciones, entre el Líbano destruido y ensangrentado por las guerras, y su hija, a quien ha querido proteger de las cicatrices de su dramática historia, revela sin embargo que esta protección está basada en la negación del pasado y en algunos secretos familiares. La serie se construye a partir de los diálogos y algunos descubrimientos que ofrecen a Billie una perspectiva más clara de sus orígenes, pero al mismo tiempo una visión más confusa de su identidad. La violencia del trasfondo es solo una barrera para mantener a esta familia en un espacio común en el que no hay lugar donde esconder el pasado. Con un reparto de actores conocidos como Mustapha Abourachid o la gran Hiam Abbass, la historia se desarrolla entre diálogos precisos e interpretaciones ajustadas, aunque transmite la sensación de no desarrollar del todo una historia demasiado constreñida por el límite de tiempo. El contexto de Oriente Medio como un espacio de inestabilidad continua sirve para subrayar la desconexión entre generaciones que tratan de encontrar su propio lugar a través de la búsqueda de su propia identidad. 

Privilegios

Francia 2026 | HBO Max, 6x52' | Episodios 1-2 | Competición Francesa | ★★★☆☆ 

Creada por Marie Monge, Vladimir de Fontenay

Dirigida por Marie Monge, Vladimir de Fontenay

Séries Mania '26: Mejor Música

Si hemos hablado antes de un compositor, precisamente esta serie consiguió el premio a la Mejor Banda Sonora dentro de la competición francesa. Es indudable que HBO Max Francia ha puesto sus esperanzas en una producción ambiciosa en la que ha reunido a un equipo destacado, entre los que se encuentra el músico Amine Bouhafa (1986, Túnez), que no suele prodigarse en las series porque enlaza un largometraje detrás de otro. Solo ha participado en dos series en los últimos años: el estupendo drama Nismet (Arte, 2025) y el thriller diplomático The deal (RTS, 2025), mientras que en cine ha conseguido un premio Cesar por Timbuktú (Abderrahmane Sissako, 2014) y este año fue nominado por la música de La hija pequeña (Hafsia Herzi, 2025). En el caso de Privilegios (HBO Max, 2026) su banda sonora, compuesta durante la fase de montaje de la serie, aporta sonoridades electrónicas, con utilización de voces femeninas y algunos instrumentos solistas, contribuyendo a aportar el ritmo necesario a una historia que se construye en cada episodio como si se tratara de un thriller en el que la protagonista debe hacer frente a situaciones cada vez más insólitas. Los creadores, Marie Monge y Vladimir de Fontenay, comentaban en la rueda de prensa que a veces lo que imaginaban en la ficción era menos impactante que lo que conocieron en la realidad, después de participar en unas prácticas dentro de un hotel de lujo, pero las situaciones que se producen en el interior de hotel La Citadel parecen demasiado poco verosímiles: más adelante el personaje principal protagonizará una escapatoria a través de los balcones del hotel que resulta demasiado exagerada. Adèle Charki (Manon Bresch) es una joven reclusa a la que le conceden un régimen de semilibertad que le permite trabajar en un hotel de lujo durante el día y regresar al centro de detención durante la noche. Es una oportunidad que han obtenido otros trabajadores como Yan (Sandor Funtek), que ha conseguido mantenerse en el puesto de asistente de los clientes durante dos años. En realidad, Adèle no deja de estar prisionera, bien sea dentro de una prisión real o en esta especie de jaula dorada en la que el trasfondo esconde manipulaciones y secretos que utilizan la información privilegiada en torno a los clientes para obtener ventajas frente a los competidores. La Citadel está dirigido con un amabilidad superficial y un estricto control por el maquiavélico Édouard Balzaim (Melvil Poupaud), que acaba estableciendo una especie de alianza con Adéle para utilizarla como espía y encargarle cometidos al borde de la ilegalidad, aunque Yan le advierte a ella sobre las intenciones del director del hotel en Séptima planta (T1E2): "Tu predecesor volvió a prisión con una condena doble debido a los favores que le pidió Édouard, y él no hizo nada para ayudarle". El actor Melvil Poupaud, con cinco nominaciones a los premios Cesar, parece disfrutar interpretando a este personaje que él mismo comentaba que se inspiró en Sam Rothstein (Robert DeNiro) de Casino (Martin Scorsese, 1995), destacando su lado oscuro y dándole vida como si fuera un mafioso que ahora se dedica a dirigir un hotel de lujo. La evolución de su relación con Adéle es uno de los aspectos más interesantes de la historia, un tira y afloja en el que ambos son aliados y enemigos al mismo tiempo: "No se mendiga un trozo de pastel, se coge", dice Melvil. 

Privilegios también es una serie que habla sobre tratar de encontrar un lugar, incluso dentro de una sociedad que establece escalas sociales que son difíciles de traspasar. La verticalidad de La Citadel refleja la posición social de sus huéspedes, incluso desde el título de algunos episodios: la séptima planta es la que ocupan los más privilegiados. Pero la serie también acaba en contradicciones narrativas: se menciona constantemente la idea de que los clientes no deben cruzarse con los trabajadores, de la invisibilidad de sus cometidos, pero en realidad las tramas se sustentan precisamente en las interacciones de Adèle, que en muchos casos resultan absolutamente inverosímiles, como cuando la búsqueda de una boa en No molestar (T1E1) la lleva a una situación peligrosa, o cuando una estrella de fútbol le invita a jugar un partido en su consola en Séptimo piso. Hubiera sido interesante algo más de realismo y menos tendencia a forzar las situaciones en las que se ve metida la protagonista, porque hay personajes ambivalentes como Esther  de Louvey (Anne Azoulay) que tienen posibilidades de un desarrollo mas profundo. Aunque puede ser tentador comparar Privilegios con la representación del lujo que hacen series como The White Lotus (HBO Max, 2021-), en realidad no hay muchas similitudes, como describía el guionista y director Vladimir de Fontenay en la rueda de prensa: "Creo que la primera temporada de The White Lotus se estrenó cuando ya estábamos escribiendo el guión. Obviamente, tenemos referencias de series que nos gustan, pero esta concretamente no era una de ellas. De hecho, nosotros no nos enfocamos en los clientes, sino solamente en los trabajadores del hotel". También comentó que, cuando iban a reunirse con HBO Max barajaron cómo plantearles la serie, y pensaron en la posibilidad de una trama que se extendiera durante cuatro temporadas. Privilegios tiene éxito en aportar un ritmo permanente en cada episodio, estableciendo una interesante relación entre los dos protagonistas, pero a veces sus historias resultan demasiado forzadas, precisamente para mantener ese tono de thriller que al mismo tiempo pretende plantear preguntas sobre la escalera social y el carácter manipulador de la interacción social. 

La hija pequeña se estrena en Filmin el 15 de mayo. 

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Películas mencionadas (disponibles en la fecha de publicación):

Babygirl se puede ver en Movistar Plus+.

Ventajas de viajar en tren se puede ver en Prime Video y SyShowtime.

La noche americana se puede ver en Filmin y Prime Video. 

Timbuktú se puede ver en Filmin. 

Casino se puede ver en RTVE Play. 

SÉRIES MANIA 2026 - Parte 5: Del drama vertical al drama real

Esta semana el otro festival de series destacado que se celebra en Francia ha presentado su programación oficial. Canneseries, que tendrá lugar entre el 23 y el 28 de abril, llega a su novena edición con un programa que incluye una lista de producciones de 17 países, dos de ellos representaciones nuevas, como son Austria e Irán. España estará presente por partida doble en la Sección Oficial, compuesta por ocho series, aunque es nuestra única representación: Yo siempre a veces (Movistar Plus+, 2026) y Se tiene que morir mucha gente (Movistar Plus+, 2026) serán las que competirán con el interesante drama deportivo finlandés sobre abusos en un equipo de esquí titulado Guts (Yle, 2025), el oscuro policíaco danés Snake killer (Prime Video, 2026), el drama familiar danés Harvest (DR, 2026), el drama criminal sueco Summer of 1985 (SVT, 2026), la producción iraní The red and the black cat (Filimo, 2025) y la comedia británica Alice and Steve (Disney+, 2026). Fuera de competición se proyectarán la nueva antología Paris Police 1910 (Cosmo, 2026), la serie de acción Prisoner (Sky, 2026), el drama de carretera California Avenue (BBC, 2026), que presentó Hugo Blick en Séries Mania, la nueva serie de Richard Gadd, Half man (HBO Max, 2026), y dos producciones muy esperadas: los primeros episodios de Ciudad de las estrellas (Apple tv, 2026), una nueva ucronía dentro del universo de Para toda la humanidad (Apple tv, 2019-2027), y The terror: Devil in silver (AMC+, 2026), la nueva entrega de esta prestigiosa antología. Entre las docuseries, destacamos la interesante producción belga The deal with Iran (VRT, 2026), sobre un conflicto entre Irán y Bélgica tras el arresto de un diplomático, y la docuserie The oligarch and the art dealer (Arte, 2026), sobre la relación entre un marchante de arte suizo y un oligarca ruso, que se pudo ver en el festival CPH:DOX. El jurado de la Sección Oficial estará formado, entre otros, por la directora española Isabel Coixet, el joven actor Mamadou Sidibé, protagonista de Un prophète. La série (Canal+, 2026), y Lesli Linka Glatter, conocida productora y directora de series como The Morning Show (Apple tv, 2019-) y Mujeres imperfectas (Apple tv, 2026).

TENDENCIAS EN EL SECTOR AUDIOVISUAL

Las jornadas de Séries Mania Forum se abren habitualmente con un balance de las últimas tendencias del sector audiovisual, a través de una exploración llevada a cabo por la empresa de gestión de datos Ampere Analysis, que presentó los resultados de su estudio "A year in series", que analiza la evolución desde 2023 hasta 2025. La primera conclusión es que los ingresos obtenidos por la industria han disminuido desde los 15 mil millones de dólares en el período 2020-2023 hasta los 9 mil millones de dólares entre 2023 y 2025. Solo los canales FAST los únicos que han experimentado un crecimiento, mientras que la televisión lineal, la tv de pago, las salas de cine y el streaming han sufrido caídas. En el caso de las plataformas de streaming han disminuido sus encargos originales, lo que antes se denominaban "Originals", y han aumentado sus adquisiciones. Se produce menos y se compra más, lo que contrasta con la habitual justificación de la subida de precios. Entre 2023 y 2025, las adquisiciones de Netflix han aumentado un 18% y sus producciones originales han disminuido un 16%; en Amazon, un aumento de compras del 26% frente a una disminución de originales del 15%; en Disney+ han aumentado las adquisiciones el mismo porcentaje que han disminuido los originales, un 28%; y es significativo el dato de HBO Max, con un aumento del 306% de adquisiciones, pero también ha experimentado un aumento del 88% en producciones originales, un dato motivado por los continuos vaivenes de la compañía. Mientras que la norma es que en Estados Unidos y Europa el estreno de producciones originales ha decrecido, en Asia se ha producido el efecto contrario, un aumento de estrenos de producciones asiáticas en las plataformas occidentales. 

Otra característica destacada en este período entre 2023 y 2025 ha sido la irrupción de los denominados microdramas o dramas verticales, lo que ha provocado la incorporación de las redes sociales como competidores directos de las plataformas de streaming. Mientras que se está produciendo un significativo descenso en el consumo de tiempo de los espectadores en el sector del streaming, los visionados de este tipo de historias de bajo presupuesto y alta rentabilidad han aumentado considerablemente. El crecimiento exponencial de la producción de microdramas en las dos plataformas principales, ReelShorts y DramaBox, ha permitido que ya puedan ofrecer acceso a unos 4.332 títulos. 

MICRODRAMAS: EL SOFT PORN DE LA ACTUALIDAD

Si el tema estrella en otras ediciones de Séries Mania Forum eran los peligros o beneficios de la Inteligencia Artificial, este año ha sido el auge de los microdramas, pero exponiendo algunos de los desafíos que supone la extensión destacada de esta forma de producir historias que, en realidad, también está impulsada por la aceptación por parte de los usuarios de la IA, especialmente en las versiones en otros idiomas para numerosos países. La distribución de estos dramas verticales formados por historias sencillas con numerosos cliffhangers, de presupuesto bajo y episodios cortos pensados para su visionado en formato vertical, es decir, en los móviles, ha sufrido un gran aumento durante el último año. Como describía Beatrice Rossmanith, fundadora de la consultora Mothership Media Consultancy, el tiempo que los espectadores dedican al visionado de este formato ha crecido un 311% desde 2024, con un 55% de dominio asiático, un 16% en Latinoamérica, un 5% en Estados Unidos y un 4% del total de consumo en Europa. Y con una predominancia muy cercana: "En España se está produciendo un incremento significativo, siendo el segundo crecimiento más importante en 2025 en términos de descargas de apps, solo detrás de los asistentes de IA. Y de hecho se está moviendo significativamente más rápido de lo que lo está haciendo el mercado europeo". Podríamos ver el ecosistema de los microdramas como un reflejo del futuro cercano de las plataformas de streaming, con una concentración de unas pocas empresas que dominan el mercado. Un 80% de los dramas verticales son producidos y distribuidos por solo cuatro apps: DramaBox, ReelShort, GoodShort y NetShort, a las que se ha incorporado StoryTV porque es la plataforma dominante en un mercado tan amplio como la India, aunque sin ninguna penetración en los mercados internacionales.

El drama romántico destaca como el género predominante

En uno de los paneles dedicados a estos microdramas, Krystof Safer, fundador de la productora checa de dramas verticales Vertifilms, destacaba cuál fue el origen de esta tendencia: "Durante la pandemia del COVID, los productores chinos comenzaron a realizar este tipo de historias cortas, que se quedaban dentro del mercado chino. Pero alguien pensó que estaría bien ponerles algo de picante, algunos desnudos y escenas eróticas, y como aquello no pasaría la censura del gobierno chino, decidieron exportarlo a Estados Unidos y les encantó. Así surgieron los microdramas, que en cierto sentido tienen relación con el cine para adultos. Para mí los microdramas son historias pornográficas disfrazadas". Una de las características de estos microdramas son los títulos que despiertan interés por parte del espectador, pero en un sentido similar al de las películas eróticas, como destacaba Nadine Marsh-Edwards, productora ejecutiva de Greenacre Studios: "Los títulos son los mismos que los de películas pornográficas, y se entiende porque son utilizados como herramientas de clickbait. Les dicen al espectador que este título es sexy y les invitan a ver algunos episodios gratis para después ofrecerles la suscripción. Así que entiendo de donde provienen, pero creo que debería haber una forma de intervención que regule el tipo de historias que estamos contando".

Es evidente que los productores de formatos tradicionales y las plataformas de streaming están reaccionando contra un formato que está ocupando parte de su espacio y de sus ganancias, pero también es cierto que hay algunas preocupaciones sobre el tipo de historias que está consumiendo el espectador de una forma que no admitiría en otros ecosistemas. Un estudio realizado por la plataforma de seguimiento Beta Series, comparó los contenidos DEI (Diversidad, Igualdad, Inclusión) entre las series más populares en su plataforma de usuarios y otros tantos microdramas de éxito, como describía Rémi Tereszkiewicz: "Comparamos series como Dexter (SkyShowtime, 2006-2013), El juego del calamar (Netflix, 2021-2025), producciones francesas como Néro (Netflix, 2025), Los centinelas (Movistar Plus+, 2025-) o La estación de las chicas perdidas (Disney+, 2025), e incluso dramas canadienses como Empatía (Movistar Plus+, 2025-). Analizamos su contenido mediante este criterio y lo comparamos con los microdramas más vistos en YouTube y plataformas especializadas, como Our secret language, Aemardel, The golden eyed heiress, Love triangle o One night with the CEO". Mientras que la representación femenina principal era de un 55% en las series que podríamos considerar tradicionales, disminuye hasta un 48% en los dramas verticales, mientras que cuando se compara la inclusión del consentimiento en las escenas íntimas, pasa de un escaso 2,3 cada 10 escenas a una ausencia completa en los microdramas, donde el consentimiento no está presente. Esto resulta preocupante, porque las historias que se presentan en los microdramas están regresando a los arquetipos del pasado y las definiciones de género que parecían superadas, con hombres dominantes y mujeres materialistas: "Lo que me preocupa más es que este retroceso también se está produciendo en Hollywood. En un festival de cine al que fui recientemente, cuatro o cinco películas tenían como protagonista a una mujer que sufría una crisis nerviosa", comentaba la productora ejecutiva Caroline Hollik.  

Los títulos reflejan el regreso de los estereotipos sexuales

Esto también está provocado por cómo es el sistema de producción de los microdramas, descrito por Elisabeth Le Hot, CEO de Adami, la asociación de gestión de derechos de autor en Francia: "Es un modelo diseñado para Inteligencia Artificial, con escasos ciclos de desarrollo. Los guiones se producen en masa y se traducen a numerosos idiomas usando IA. Un storyline sencillo y simple se replica docenas de veces, creando un ecosistema narrativo estandarizado y repetitivo. Algunas veces se utiliza la IA para crear estos guiones, y suelen caer en estereotipos negativos respecto a la representación femenina, que habitualmente son descritas como materialistas y manipuladoras". Curiosamente, sin embargo, el sector que más consume este tipo de historias es el femenino, como apuntaba Hasret Ozcan, presidenta de Inter Medya, una productora turca que produce microdramas: "Lo que nos dice el mercado es que la audiencia femenina es la que está más dispuesta a gastar dinero en estas historias, y es cierto que, si buscas una audiencia global, el mayor interés está en los dramas románticos con elementos como la riqueza y la pobreza, o la escala social. Nosotros también queremos abordar otros géneros como el terror, pero para mercados más específicos como el asiático, especialmente Indonesia, donde el horror es el género más consumido. Pero si queremos pensar en historias que puedan alcanzar los mercados globales, el género romántico sigue siendo el más demandado". Y ella misma describía su sistema de escritura de guiones: "La narrativa clásica ha dejado de funcionar. Nosotros contamos con una mesa de guionistas, y lo que hacemos es crear los cliffhangers primero, y después volver atrás y construir la historia. Es más difícil, porque solo tienes un minuto y medio para establecer ese cliffhanger. Así que es más complicado que una narrativa tradicional". 

Lo que parece cierto es que hay modelos estereotipados del pasado que han conseguido conectar con los espectadores, pero utilizando los mismos ganchos que usaban las películas eróticas. Y esto también es un reflejo de la sociedad. De hecho, la industria de los dramas verticales ha conseguido basarse exclusivamente en las tendencias que reflejan los algoritmos, y a pesar de que puedan parecer historias repetitivas y claramente heteropatriarcales, lo que se produce es lo que el público demanda. Pero en cierta manera se trata menos de una evolución y más de una involución, como afirmaba Nadine Marsh-Edwards: "Tengo dos hijas y he visto cómo han ido pasando de ver una serie en familia en el salón, a verlas en sus ordenadores portátiles, después en sus móviles, luego en sus móviles y en la televisión, al mismo tiempo que están escuchando música. Pero las conversaciones que tenemos en nuestra casa sobre la representación de las mujeres jóvenes en estas series es muy sorprendente. Realmente me he sentido muy impactada por cómo se representa a las mujeres, y a los hombres, en estas historias". 

LAS SERIES MÁS DESTACADAS DEL FESTIVAL

Babies

Reino Unido 2026 | BBC, 6x60' | Temporada completa | Panorama Internacional | ★★★★★ 

Creada por Stefan Golaszewski

Dirigida por Stefan Golaszewski

Esta es una de esas series a las que no le beneficia un visionado parcial, como el que suele proyectarse en festivales como Séries Mania, porque necesita una perspectiva completa para entender realmente cuáles son los resortes de la narrativa y el camino que siguen sus personajes. No es que haya grandes sorpresas ni giros de guión impredecibles, sino que en los dos episodios de la miniserie Babies (BBC, 2026) que se proyectaron en el festival no está totalmente expuesto el tema principal de una historia que, efectivamente, gira en torno a una pareja que tiene dificultades para conseguir un embarazo, sufriendo la desgarradora experiencia de un aborto espontáneo, sino que habla sobre todo de la incomunicación y de la soledad que determinadas vivencias pueden acabar provocando, incluso a pesar de que éstas sean compartidas. Tampoco está del todo claro en los primeros episodios cuál es la función de la otra pareja protagonista, pero conforme se desarrolla es cada vez más fácil situarla dentro del contexto. Estrenada desde este fin de semana en Gran Bretaña, Babies es la última propuesta del autor Stefan Golaszewski (1980, Reino Unido), que comenzó su trayectoria en un grupo de sketches llamado Cowards y posteriormente fue creador de dos series muy reconocidas en Gran Bretaña como Him & her (BBC, 2010) y, sobre todo, Mum (BBC, 2016-2019), una comedia romántica con una estupenda Lesley Manville. Aunque en España se le puede recordar más por Marriage (BBC, 2022), la miniserie sobre un matrimonio en crisis protagonizada por Sean Bean y Nicola Walker. El estilo que ha ido cultivando Stefan Golaszewski se acerca a un naturalismo a veces descarnado, que recuerda a los resortes del Free Cinema de los años sesenta y también a cineastas como Chantal Akerman y su exploración de la cotidianidad. Pero este estilo puede ser exasperante para un cierto tipo de público, que consideraba tediosa una escena de Marriage en la que el matrimonio cargaba un lavavajillas después de una cena. Algo de eso también hay en Babies, lo que es importante para espectadores aprensivos: las conversaciones banales, las risas tontas, los momentos que no parecen tener importancia... pero, igual que ocurría en aquélla, hay un trasfondo que no se expresa pero que revela las grietas de la conexión humana. En la primera escena del Episodio 1 (T1E1), la pareja formada por Stephen (Paapa Essiedu) y Lisa (Siobhán Cullen) se encuentran en una reunión familiar en la que, inevitablemente, alguien aparece mostrando el orgullo de tener un bebé. Lisa necesita salir de la reunión y solo Stephen es consciente de la turbulencia de emociones que ella está sufriendo, una sensibilidad que florece en cualquier momento, meses después de haber tenido un aborto espontáneo. Ambos deciden intentarlo otra vez cuando hayan pasado los efectos del duelo por la muerte del que podría haber sido su primer hijo, y se enfrentan a cierta despreocupación fría del médico que les atiende, para quien uno o dos abortos es algo relativamente normal en las parejas actuales. El retrato de estos sentimientos proviene de una experiencia real que tuvo Stefan Golaszewski, pero él mismo ha dicho que no se trata de una historia autobiográfica. Luego está la pareja formada por Dave (Jack Bannon), el mejor amigo de Stephen y un tipo que parece sentirse incómodo fuera de los comentarios banales y las bromas tontas, pero que tiene la responsabilidad de un hijo con una pareja anterior, sin saber exactamente cómo ejercer de padre, y Amanda (Charlotte Riley), una mujer estirada, con un trabajo más estable económicamente, que mantiene una peculiar relación con Dave, no del todo comprometida. Conforme se desarrolla la historia, comprendemos que es importante la amistad entre Stephen y Dave, a pesar de que se han ido distanciando poco a poco, sobre todo desde la nueva pareja de Dave. Cuando las dos parejas deciden quedar para cenar, lo hacen en un lujoso restaurante al que Dave jamás habría ido, y el encuentro es tan embarazoso como el que podrían tener cuatro desconocidos. Pero Amanda también proviene de una relación anterior con Harry (Luke Norris) marcada por la enfermedad.  

Babies no es una serie fácil de ver, pero no especialmente por los momentos en los que la pareja principal se enfrenta al miedo (en vez de la alegría) cuando descubren que Lisa está de nuevo embarazada, con una intensa escena en el Episodio 2 (T1E2) durante una primera exploración obstétrica que adopta solo la perspectiva de los rostros de Lisa y Stephen conforme se transforman sus emociones. Lo más desgarrador es la depresión que sufre progresivamente ella, la impotencia que siente él por no saber cómo confortarla, la sensación de soledad que transmiten ambos... En definitiva, el secreto necesariamente guardado de la pérdida, que no encaja exactamente dentro de una conversación entre amigos. Así que los arrebatos emocionales de Lisa también deben ser disimulados, lo que acrecienta su propia depresión: "Deja de decirme lo que se supone que tengo que hacer. Durante meses me has dicho lo que tenía que hacer, con tus pastillas y tu estúpido pensamiento positivo y tus putas tonterías", acaba estallando Lisa. En la propuesta de Stefan Golaszewski no hay respuestas fáciles pero sí preguntas en torno a cómo compartir acontecimientos tan dolorosos como un aborto, si es necesario involucrar a la pareja en momentos dramáticos del pasado, cómo proyectar la soledad para que sea compartida pero también respetada o, simplemente, cómo abordar los temas difíciles en el entorno social: "Deberías encontrar una forma de hablar del tema", le dice Lisa a Stephen cuando su respuesta ante las condolencias es, cuanto menos, incómoda. Los conflictos son permanentes, pero no de una manera explosiva sino sutil, exponiendo la dificultad de encontrar una forma negociada de enfrentarse al drama del aborto dentro de la pareja, como en una discusión que tienen ambos en el Episodio 3 (T1E3). La naturalidad de las escenas a veces puede parecer que describe a los personajes de una manera demasiado inmadura, pero se explica en los reflejos sobre cómo se conocieron Stephen y Lisa. Mientras Amanda comienza a tener dudas sobre si querría tener un hijo con Dave, porque lo considera incapaz de afrontar la paternidad, al menos viendo la indiferencia con la que trata a su hijo Daniel. A pesar de todo, los personajes transmiten ternura, con el peso de una protagonista complejo en los hombros de Siobhán Cullen, a la que hemos visto recientemente en la segunda temporada de Obituary (AMC+, 2023-), y de Paapa Essiedu, quien incluso ha recibido amenazas de muerte por haber sido elegido para interpretar uno de los personajes principales en Harry Potter (HBO Max, 2026), lo que demuestra lo desequilibrados que pueden estar algunos fans de J.K. Rowling. Babies habla también del sentimiento de fracaso, que expone de una manera demasiado cruda Dave durante una boda en el Episodio 4 (T1E4), y de la falta de comunicación, que se refleja en el Episodio 5 (T1E5) más centrado en la relación de los personajes con sus padres. A veces, el dolor que desprende la serie proviene de los silencios y de las situaciones embarazosas a las que se enfrentan los protagonistas, y en este sentido Babies demuestra una escritura meticulosa, conmovedora y precisa. Un poco menos que la sencilla canción "Volcano" que suena como apertura y final de cada episodio, compuesta e interpretada por Stefan Golaszewski, y que ha incluido en su álbum autoeditado Songs (2026).  

Bienvenue à Kingston-Falls

Canadá 2026 | ICI Tou.tv, 6x45' | Episodios 1-2 | Panorama Internacional | ★★★★☆ 

Creada por Robin Aubert

Dirigida por Robin Aubert

Séries Mania '26: Mejor Actor (Maxime Le Flaguais)

Una de las propuestas más singulares de esta edición de Séries Mania proviene, nuevamente, de la pequeña pero productiva industria audiovisual de Quebec, con una serie que homenajea y al mismo tiempo parodia a los tradicionales dramas criminales en los que un pequeño pueblo es impactado por una muerte violenta. En Bienvenue à Kingston-Falls (ICI Tou.tv, 2026), el descubrimiento es tan horrible como ridículo: un hombre aparece en el campo semienterrado y decapitado, con una bicicleta "aparcada" en su culo. Si una serie comienza con esta imagen, ya sabemos que lo que ocurrirá a continuación podrá ser cualquier cosa menos convencional. Desde luego, no lo es el inspector Gabriel Serpent (Maxime Le Flaguais), un policía en busca de redención cuyas vacaciones son interrumpidas por este macabro acontecimiento, en un pequeño pueblo en el que la ausencia de conflictos es tal que la comisaría está en peligro de ser clausurada. Gabriel Serpent considera que liderar la investigación le permitirá impedir que esto se produzca, pero la llegada de la detective Cynthia Quinn (Marie-Ève ​​Milot), demasiado aficionada al alcohol y apodada "chien pisteur" (perra rastreadora), perturba la tranquilidad de la comisaría con sus métodos procedentes de la gran ciudad. El protagonista también tiene algunas peculiaridades, como su participación en el club de ganchillo del pueblo, junto a algunas de las mujeres ancianas, con las que comparte los avances de la investigación porque, como afirma una de ellas en el Episodio 2 (T1E2): "Lo que se dice en el club de tejer se queda en el club de tejer". Conduciendo su escarabajo Volkswagen, el inspector conoce los entresijos de las relaciones vecinales, pero conforme avanza la investigación también se hace más complicado encontrar el camino que le lleve a alguna pista fiable. Con un tono que puede recordar a series policíacas como la francesa Polar Park (Sundance tv, 2023), que participó en la competición francesa de Séries Mania hace unos años, también contiene el espíritu de Twin Peaks (Filmin, 1990-1991) en esa construcción de personajes peculiares en una pequeña población. El creador Robin Aubert (1972, Canadá) es un conocido actor, guionista y director que ha estrenado películas como Los hambrientos (2017) y Felizmente casados (Jean-François Rivard, Robin Aubert, 2020), pero que se enfrenta por primera vez al formato de series. También tiene un sentido del humor particular, que demostró en la presentación del panel Coming Next from Canada, en el que en lugar de hacer una presentación de su proyecto, contó una anécdota sobre una señora con la que se encontró en un parque de Lille, lo que evidencia que la historia se desarrollará por caminos impredecibles. 

Kingston Falls es una localidad ficticia cuyo nombre, según su autor, procede de la influencia de dos ciudades: Danville, donde se rodó la serie, y Kingsey Falls, en la región canadiense de Bois-Francs. Curiosamente, Danville también fue el escenario de la secuela de una de las comedias policíacas más exitosas de la historia en Quebec, Dos polis en apuros 2 (Alain Desrochers, 2016), que diez años después ha vuelto a llevarse la pantalla en Bon Cop, Bad Cop (Patrick Huard, 2026), una película que recupera a los protagonistas principales. Entre los personajes singulares que rodean al inspector Serpent se encuentra la forense Guylou (Micheline Bernard), que siempre tiene alguna anécdota que contar en el momento más inoportuno, como cuando deduce el tiempo que lleva muerto el cadáver por la firmeza de sus nalgas: "Me recuerda a un hombre hindú que conocí en Goa. Uno que tenía un bar de karaoke. También tenía un culo duro y musculoso. No podía creerlo". De manera que Bienvenue à Kingston-Falls mezcla este sentido del humor peculiar con una trama de investigación en la que lo importante es el retrato de este entorno lleno de personajes divertidos, envueltos en un ritmo de tranquilidad campestre.

Das manko (Flaws)

Alemania 2026 | ZDF, 4x25' | Episodios 1-3-4 | Panorama Internacional | ★★☆☆☆ 

Creada por Arne Feldhusen, Bastian Reiber, Colectivo Das Manko

Dirigida por Arne Feldhusen

Séries Mania '26: Mejor Dirección

Las comedias fìsicas son un terreno cada vez menos explorado en los formatos de series, que suelen decantarse por narrativas más tradicionales. Desde Alemania, sin embargo, se ha propuesto una miniserie de tan solo cuatro episodios que utiliza el humor sin apenas diálogos para construir una sátira sobre el mundo laboral a través de un grupo de funcionarios incompetentes que son enviados a un curso de formación de ejecutivos. Pero, atrapados en un autobús autónomo, se ven envueltos en un viaje absurdo que los conduce a desastres profesionales, incluyendo un caos hospitalario, una minirrevolución de carretillas elevadoras y un intento descabellado de entrar al cielo. Uno de las creadores y director de la serie, Arne Feldhusen (1971, Alemania) es un reconocido cineasta que ha dirigido episodios de éxitos como Deutschland 86 (Sundance tv, 2018) y Buba (Netflix, 2022), y que ahora se embarca en esta peculiar propuesta que aglutina a un grupo de actores y creadores, de manera que los guiones surgen en parte de improvisaciones y de creaciones propias de los mismos intérpretes. Das manko (Flaws) (ZDF, 2026) camina por terrenos muy arriesgados a través de un planteamiento de caricaturización del entorno laboral de unos funcionarios que no tienen demasiado trabajo y cuyas jornadas monótonas se ven interrumpidas por una inspección que trata de dilucidar quienes son más aptos para ejercer sus funciones, aunque en realidad ninguno de ellos tiene aptitudes para nada. Pero dentro del espíritu caótico de la propuesta, hay un sentido de comunidad y de colaboración que surge con un objetivo principal: escaquearse del trabajo. Aunque tiene cierto encanto, Flaws cae en algunos lugares comunes, como en el episodio Ascenso en beige (T1E1), en el que una voz en off describe al grupo de humanos como si se tratara de un documental que habla de los comportamientos y rutinas de los animales. Es una idea poco ingeniosa que alterna con algunos sketches más divertidos y visuales, como el que transcurre en la pequeña zona de fumadores, o la celebración del Día del Schnitzel, un momento especial en el que la comida en la cantina es menos monótona de lo habitual. El tipo de comedia física puede recordar a los clásicos del cine mudo como Charles Chaplin o Harold Lloyd, pero también a referentes más modernos como Jacques Tati, pero solo funciona dependiendo del grado de implicación que consiga del espectador. Para nosotros, es más divertida cuando es más surrealista, como en el episodio ¡Genial! ¡No he comido en años! ¡Es para morirse! (T1E4), en el que participan en un seminario de motivación un tanto caótico. Los movimientos que generan la comedia física surgen de disciplinas como el ballet y el circo, componiendo un grupo que consigue tener personalidades propias y al mismo tiempo espíritu colectivo. Pero la efectividad de este acercamiento humorístico a nuestras sociedades estructuradas y los entornos laborales no termina de funcionar de una manera lo suficientemente sólida, únicamente en momentos puntuales. 

Yo siempre a veces se estrena en Movistar Plus+ el 23 de abril. 

Ciudad de las estrellas se estrena en Apple tv el 29 de mayo.

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Películas mencionadas (disponibles en la fecha de publicación):

Dos polis en apuros se puede ver en Netflix.