En este mes de festivales que estamos recorriendo, tras cubrir Cannes, Annecy y Montecarlo nos encontramos con dos de las muestras cinematográficas más importantes de Gran Bretaña, cada una en sus propias categorías. Hasta finales de junio alternamos las crónicas del Sheffield Doc Fest y del Festival de Raindance, ambos inaugurados ayer. Raindance es un festival y una escuela de cine fundada por el productor Elliot Grove en 1992, y su programación atrae cada año a más de 16.000 espectadores, con la especial ventaja de celebrarse en el conocido distrito West End, foco del mundo artístico situado en el centro de Londres, donde se reúnen algunos de los más importantes teatros, cines y museos de la capital británica. Tradicionalmente celebrado en el otoño, entre finales de octubre y principios de noviembre, la 33 edición del Festival de Raindance se aleja del comienzo de temporada para iniciar una nueva etapa a comienzos del verano, lo que veremos cómo afecta a su tradicional repercusión. Este año, el festival entrega sus premios honoríficos Icon Awards al actor Jason Isaacs y la actriz Celie Imri, y en el jurado principal se encuentran nombres como Iain Glen, Iwan Rheon, Natascha McElhone y Cristo Fernández, quienes decidirán los premios del festival entre la programación más amplia que ha tenido tras la pandemia del coronavirus. Esta edición se ha inaugurado con el estreno mundial de una película ambientada en el mundo del boxeo, Heavyweight (Christopher M. Anthony, 2025), que comentamos a continuación. Pero la numerosa selección de películas del Festival de Raindance ofrece desde títulos muy independientes hasta producciones internacionales que se estrenan en Gran Bretaña, con un especial interés hacia el cine de terror, pero también incluyendo una amplia selección de documentales. En nuestras crónicas repasaremos parte de esta programación, de la que destacamos ahora algunos de los títulos que se podrán ver durante el festival.
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HeavyweightChristopher M. AnthonyReino Unido 2025 | UK Feature | ★★★★☆Raindance '25: Inauguración |
La película de inauguración del Festival de Raindance representa ese tipo de cine independiente que forma parte de su personalidad, a través de una historia centrada en un boxeador a punto de comenzar el enfrentamiento más importante de su carrera: tener la posibilidad de competir contra el campeón mundial de peso pesado después de la retirada de otros dos boxeadores. A pesar de que Derek Douglas (Jordan Bolger) es todavía un joven con pocas peleas a sus espaldas, se trata de una de esas ocasiones que debe aprovechar, como le recuerda su entrenador, Adam (Nicholas Pinnock) para quien el combate también suponer una oportunidad del cara a su reputación si el joven boxeador consigue ganar. Pero la película no muestra el enfrentamiento y ni siquiera sale del vestuario, estableciendo una dinámica de relaciones entre quienes acompañan a Derek y reflejando que para un boxeador no solo es importante el entrenamiento físico sino también estar preparado psicológicamente. El protagonista está lo suficientemente entrenado como para poder hacer frente al campeón del mundo, pero no parece claro si todo aquello que afecta a su estabilidad psicológica tiene el equilibrio necesario. Uno de los demonios que afectan al boxeador es la ausencia de su hermano mayor, que le había prometido asistir al combate pero aún no se ha presentado, lo que hace que Derek esté continuamente pendiente del teléfono. Para Adam, la presencia del hermano sería una distracción y trata de conseguir que el joven centre sus pensamientos en la pelea. Otro de los que le perturban es la visita de Cain Ikande (Osy Ikhile), un antiguo compañero de entrenamiento que ahora está con un equipo rival, lo que Derek siente como una traición. Desarrollándose completamente en el interior del vestuario, Heavyweight (Christopher M. Anthony, 2025) se presenta como una película de cámara en la que la interpretación de los actores es destacada, y la dinámica de influencias se construye con acierto en una historia que establece una dramaturgia clara en torno a los personajes y evita con habilidad dar la impresión de que estamos ante una obra teatral.
Uno de los aciertos del director es no caer en el recurso del plano secuencia, a pesar de que la historia se desarrolla en tiempo real, durante los 90 minutos previos al combate. Pero el montaje es esencial para dar fluidez a las interacciones de los personajes, con la progresiva crisis psicológica del protagonista que le lleva, incluso, a plantearse la retirada. Que en el equipo encontremos a algunos profesionales que trabajaron en Hierve (Philip Barantini, 2021), como la diseñadora de producción Aimee Meek, no debe ser casual, porque hay elementos en común con aquella, especialmente en el desarrollo psicológico de un personaje enfrentado a una presión constante. El peso pesado al que hace referencia el título no solo se refiere a la categoría de boxeo, sino sobre todo a los fantasmas que soporta Derek antes de enfrentarse al momento más importante de su carrera. Christopher M. Anthony, un técnico de efectos especiales que ha trabajado desde hace años en algunas de las películas más comerciales de la industria británica, debuta en la dirección usando la cámara para moverse alrededor de los personajes, simulando en cierto modo los desplazamientos que realizan los boxeadores en el ring. El auténtico combate en realidad se está desarrollando en el interior del vestuario, pero lo que está en juego es la estabilidad psicológica del protagonista. Incluso introduce un elemento de suspense al comienzo del segundo acto cuando Derek tiene un ataque de ira, rompiendo un espejo y haciéndose una herida en el puño. Resulta especialmente destacado el personaje de Adam, un entrenador que se enfrenta también a un momento importante en su carrera. Pero, mientras para el joven Derek ésta es una gran oportunidad, para Adam se trata de su última oportunidad de ser reconocido dentro del boxeo, lo que le proporciona una urgencia y una tensión al personaje que Nicholas Pinnock transmite con profundidad. La presión llega a hacerse intensa cuando aparecen otros personajes que distraen la atención de Derek, como el promotor Freddie Goodson (Jason Isaacs), que no está dispuesto a que se le mencione la posibilidad de suspender el combate. Pero también soporta con bastante solvencia el peso pesado de su personaje el actor Jordan Bolger, uno de los protagonistas de la serie de Steven Knight This town (Movistar Plus+, 2024). Heavyweight sabe mantener la tensión y construye un drama psicológico que tiene como trasfondo el boxeo, pero que habla sobre las responsabilidades y la carga psicológica del éxito.
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SabaMaksud HossainBangladés 2024 | Discovery Award | ★★★★☆Festival de Toronto '24: TIFF Lightbox |
A través de una historia cargada de sensibilidad, el debutante director bangladesí Maksud Hossain, nacido y criado en Abu Dabi, consigue una película que muestra la realidad social de Daca, la capital de Bangladés, una metrópoli de 20 millones de habitantes. La historia está protagonizada por Saba (Mehazabien Chowdhury), una joven de 25 años que vive cuidando de su madre Shirin (Roeya Prachy), que quedó tetrapléjica veinte años atrás debido a un accidente de tráfico, pero que ahora afronta otros problemas de salud que agravan su situación. Madre e hija fueron abandonadas por el marido de Shirin hace diez años, y viven solas en un pequeño apartamento en el que transcurre parte de la historia, estableciéndolo como una especie de prisión para ambas que dificulta incluso su propia relación. Shirin suele decir que vivir no es solamente respirar, y de alguna forma parece haberse rendido, mientras Saba todavía sueña con estudiar en Daca y tener un buen trabajo. Cuando su madre sufre un infarto y los médicos sugieren que solo podrá sobrevivir si se somete a una costosa operación, Saba busca trabajo para reunir el dinero que necesita, encontrándolo en un sórdido bar regentado por Ankur (Mostafa Monwar) que al principio no está dispuesto a contratarla pero finalmente mantiene una relación de amistad. Él también está ahorrando dinero mediante algunos negocios ilegales para poder viajar a Francia donde un familiar suyo tiene un restaurante, lo que contrasta con la idea de la permanencia que tiene Saba, para quien Daca puede ser una ciudad complicada y hostil pero no cree que la solución sea marcharse. Sin embargo, la situación cada vez más grave de su madre le hace tomar algunas decisiones difíciles y moralmente discutibles. La historia está basada en la experiencia de la esposa del director, Trilora Kahn, que ejerce como co-guionista, y que desde hace 25 años cuida a su madre después de quedar tetrapléjica por un accidente. Durante buena parte de la película, se transmite una sensación claustrofóbica que define la relación entre madre e hija, pero la aparición de Ankur como un hombre amable se convierte en una especie de liberación. Hay una escena en la que Saba, Ankur y Shirin salen a pasear por el Parque Zinda, que se presenta como un contraste con los ambientes cerrados que se han mostrado hasta ese momento, definiendo de alguna manera la forma en que Shirin concibe vivir para percibir esa belleza que su parálisis y el abandono de su marido le han impedido disfrutar durante todos esos años.
Afortunadamente, Saba (Maksud Hossain, 2024) consigue evitar ser un melodrama gracias a la manera en que el director trata a sus personajes con sensibilidad y empatía, incluso aunque tomen decisiones complicadas. A lo largo de la historia también se ofrecen algunos apuntes de la sociedad musulmana y sus limitaciones que predomina en la ciudad, cuando Ankur y Saba son interceptados por la policía solo por estar parados en un puente, y del sistema corrupto que se ha instalado entre las fuerzas del orden. Pero la película destaca sobre todo en la construcción de los personajes, especialmente en una relación entre madre e hija que se sostiene en el amor pero también en la frustración constante: Saba está irremediablemente atrapada en ese entorno familiar y cuando trata de conseguir una ayuda de sus tíos para vender el apartamento y reunir el dinero para la operación de su madre, recibe una actitud despectiva. Hay un pacto de convivencia entre madre e hija, pero también un obstáculo emocional que las separa, por eso la llegada de Ankur a la vida de Saba supone una forma de poder transmitir sus dudas y sus preocupaciones a alguien que sabe escuchar. Es interesante el retrato de Ankur como un hombre amable: "Soy diferente de otros hombres", dice él mismo, porque no tiene intención de aprovecharse de su relación con Saba, incluso cuando parece que para ella no sería recomendable compartir una cena en casa de un hombre al que apenas conoce. Pero la historia está contada con delicadeza y la actriz Mehazabien Chowdhury, una estrella del cine de Bangladesh, consigue una interpretación mesurada y emocionante. Estrenada mundialmente en el pasado Festival de Toronto, Saba ha iniciado una intensa presencia en festivales de cine internacionales y sus próximas proyecciones en Raindance y Sydney demuestran las cualidades de una película notable.
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Dui ShawNuhash HumayunBangladesh 2024 | Horror Features | ★★★★☆SXSW '25: Sección InternacionalFantasia '25: Sección Oficial |
Tras el estreno en Raindance Film Festival de su anterior película antológica, Petit Kata Shaw (Nuhash Humayun, 2023), donde ganó el premio a la Mejor Película Internacional, el realizador bangladesí regresa a la fórmula de historias independientes en lo que se ha planteado con un doble formato: como una serie de cuatro episodios para televisión y como un largometraje de dos horas y media para el cine, que es como se podrá ver en el festival de este año. Pero en el caso de Dui Shaw (Nuhash Humayun, 2024) hay una intención de abordar temas sociales y políticos más allá de las referencias al folclore y las tradiciones asiáticas. A lo largo de los cuatro episodios que componen la antología, el director trata temas como la corrupción, el paso del tiempo, los crímenes de odio y las estructuras sociales que provocan desigualdades, lo que permite que el conjunto sea interesante más allá de la atmósfera de inquietud que pueda conseguir. De hecho, podríamos decir que solo las dos primeras historias podrían ser consideradas dentro del género de terror específicamente, pero los relatos tienen un elemento en común respecto a la forma en que el verdadero horror se encuentra en cómo establecemos relaciones malsanas a través de restricciones ideológicas, creencias religiosas o falta de moralidad. El primer episodio, Waqt (T1E1) está protagonizado por un grupo de jóvenes que pretenden vandalizar un centro comunitario musulmán, pero sus acciones desembocan en un incendio que acaba con la vida de uno de ellos. Poco después, como si estuviera maldecido por su propio karma, Altaf (Refat Hasan Saikat) sufre un destino horrible tras conocer a una mujer. Pero lo que parece una especie de justicia del más allá, se va revelando como una referencia a los conceptos islámicos que establecen los castigos como un preludio de mayores tormentos después de la muerte. Cada tragedia en este caso está ligada a los horarios de oración islámicos. La segunda historia, Bhaggo Bhalo (T1E2) aborda también el destino, pero en este caso bajo el perfil de la predestinación, a través de un protagonista quiromántico cuyas predicciones son tan infalibles que ni siquiera cambian cuando sus destinatarios tratan de modificar sus acciones. Viviendo en un barrio marginal y con una madre necesitada de un riñón urgente, el quiromántico decide leerse su propia mano y su fortuna mejora: su madre consigue un riñón y él logra tener una nueva casa. Pero esta suerte trae consigo un precio que pagar y su destino es tan inevitable como el de aquellos a los que ha leído la mano. Abordando temas como la predestinación, es interesante cómo las predicciones del quiromántico no suponen una liberación para sus visitantes, sino que este conocimiento les provoca ansiedad y terror.
El episodio Antara (T1E3) está protagonizado por una joven que prepara té cada día para su marido, pero en un círculo repetitivo que resulta inquietante, descubriendo que en realidad está atrapada en un matrimonio abusivo con un shaitan (un espíritu maligno) que se ha apoderado del cuerpo de su esposo. Nuhash Humayun (1992, Bangladesh) evita contar la historia con el recurso de las apariciones fantasmales para mostrar sin embargo una realidad cotidiana que resulta aún más aterradora. Cada detalle de la casa, con el papel que cubre las paredes cada vez más ajado, establece una atmósfera que contribuye a crear inquietud. Cuando el marido/sheitan sale a la calle, susurra al oído a un niño que juega (el mismo niño al que el quiromántico del episodio anterior le había advertido que acabaría bajo la influencia de un shaitan) para que cometa un acto malvado. Antara se enfrenta a la pérdida progresiva de la memoria, lo que la conduce también a una pérdida de identidad (el recuerdo es el que perfila la personalidad), y en cierto modo establece el olvido como una prisión cada vez más opresiva. El último episodio, Beshura (T1E4) habla de la ambición desmedida de una aspirante a cantante que pone en peligro sus relaciones personales para conseguir la aprobación de los demás. Es una historia menos atmosférica pero contiene reflexiones sobre la moralidad y los sacrificios que provoca la necesidad de ser reconocida ante la sociedad. Quizás como cuento moral propone una mirada interesante a las estructuras sociales, pero es menos efectiva frente a los intrigantes y oscuros relatos anteriores. En su conjunto, Dui Shaw, que formará parte de la Sección Oficial del Festival Fantasia, es otra recopilación de historias impactante que hablan sobre la condición humana a partir de las tradiciones folclóricas de Bangladesh, pero cuyos temas son igualmente reconocibles en las sociedades occidentales.
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One-way ticket to the other sideVarios directoresBélgica, Alemania 2024 | UK Premiere | ★★★☆☆Festival de Oldemburgo '24: Sesión Especial |
El dúo musical Pornographie Exclusive es un grupo de Cold Wave/Electro-Rock formado por la actriz Séverine Cayron y el escritor y director Jérôme Vandewattyne (1989, Bélgica), ambos nacidos en Bruselas, colaborando juntos en proyectos cinematográficos como The Belgian wave (2023), que recibió el premio German Independence en el Festival de Oldemburgo '23. Coincidiendo con el lanzamiento de su primer álbum el pasado mes de enero, titulado Pornographie Exclusive (2025, Antibody), decidieron acompañarlo de una propuesta audiovisual que invita a una decena de directores de diferentes nacionalidades a crear videoclips para las canciones que forman parte del disco, pero con un presupuesto simbólico de 99 dólares cada uno. La mayor parte de los directores han participado con sus películas en distintas ediciones del Festival de Oldemburgo, creado en 1994 por Torsten Neumann, marido de la actriz Deborah Kara Unger. Ellos mismos han participado como productores ejecutivos de esta antología musical que recupera el espíritu de los videoclips clásicos, y presentando One-way ticket to the other side como un proyecto oficial del Festival de Oldemburgo. La sucesión de segmentos inspirados en las canciones se muestra conectado por una historia horizontal protagonizada por dos outsiders (Séverine Cayron y Jérôme Vandewattyne con máscaras) que inician un viaje por carretera en un mundo distópico, "suspendido entre el final y el principio", haciendo comentarios poético-filosóficos: "Parece que las estrellas están llorando esta noche, cariño", dice él. "Sí, bailemos bajo sus lágrimas", le responde ella. Su historia de road-movie en la que huyen de un pasado misterioso sirve como conexión para los diferentes estilos que adoptan los directores inspirándose en las canciones: A party in tears es la que abre el álbum y la que inicia este recorrido cinematográfico bajo la dirección de Guillaume Campanacci, que protagoniza una historia en blanco y negro que toma referencias de la Nouvelle Vague, pero para derivar hacia un desenlace caníbal. El director también presentó en la competición del Festival de Oldemburgo su largometraje Whenever I'm alone with you (Guillaume Campanacci, Vesper Ego, 2024).
Como suele ocurrir en estos casos, los segmentos son dispersos en su ejecución, limitados por un presupuesto mínimo, pero esta estética de cine de guerrilla que saca partido de los recursos más modestos consigue una textura especial, que está reforzada por la historia apocalíptica que protagonizan los fugitivos enmascarados. Los propios componentes de Pornographie Exclusive han acabado dirigiendo un segmento casi por casualidad, cuando estaban preparando la presentación que daría paso a la canción Icon, dirigida por Jean Gatien. Pero un cambio de localización les obligó a replantearse este interludio y lo convirtieron en un segmento propio, que lleva el título de From a bridge view, y que no se corresponde con ninguna de las canciones del álbum. Algunas de las propuestas se sostienen en personajes solitarios, como Electric blue, que muestra el recuerdo de una relación por las calles de Montreal, dirigida por Douglas Buck, que participó en el Festival de Sitges con su película Hermanas de sangre (2006). En Invitation to a suicide, dirigido por Buddy Giovinazzo, el protagonista se deja llevar por las calles grafiteadas de la deteriorada ciudad de Berlín, y en Cracks, de Katsuki Kuroyanagi, director de la película The city (2022), un joven camina y realiza acrobacias por el tradicional barrio Shibuya en Tokio. Estos segmentos que se desarrollan en diferentes lugares del mundo se conectan con el destino final de los dos forajidos, que parecen esperar la llegada de la destrucción absoluta de nuestro planeta. Pero los segmentos más interesantes son aquellos que transmiten estados de ánimo y atmósferas emocionales más que historias concretas, como Icon, de Jean Gatien, que está inspirado en el cine de Gaspar Noé y en la imagen de Dennis Hopper en una road-movie sobre un motorista que se traslada desde los ambientes de discotecas de la ciudad de Nueva York hasta los pantanos de Mississippi, o las distorsiones de fragmentos de grabaciones mediante inteligencia artificial en el segmento Slander que realiza el portugués Edgar Pêra, que ya presentó su inquietante largometraje Cartas telepáticas (2024) realizado solo con IA. Aunque con resultados irregulares, One-way ticket to the other side plantea un regreso a ese cine independiente rodado en una o dos jornadas para explorar las formas en que la música se puede expresar a través de las imágenes que sugiere.
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Die AkademieCamilla GuttnerAlemania 2024 | Película Extranjera | ★★★★☆Bavarian Film Awards '25: Mejor Actriz (Maja Bons) |
En el destacado documental Art Talent Show (Adéla Komrzý, Tomáš Bójar, 2022), premio Próxima y premio FIPRESCI en el Festival de Karlovy Vary, los directores introducían una cámara dentro de la Academia de Bellas Artes de Praga para observar el desarrollo de las clases y elaborar una reflexión sobre el arte contemporáneo que al mismo tiempo servía como balance de las preocupaciones de la sociedad. Algo parecido es lo que hace la directora Camilla Guttner (1982, Alemania) en su última película, pero desde una perspectiva de ficción a través de la joven aspirante a artista Johanna Benz, a la que todos conocen como Jojo (Maja Bons), que está preparada para ingresar en la Academia de Bellas Artes de Múnich, hasta que le comunican que en realidad solo ha sido aprobada para un año de pruebas, tras cuya evaluación se decidirá si puede ingresar. Frustrada por esta situación, Jojo aspira a ser una pintora como su abuela Elsa (Isolde Barth) y se refugia en la apuesta que ha hecho por ella su mentor, el profesor Robert Copley (Jean-Marc Barr), quien está convencido de que hay talento de artista dentro de Jojo. Pero también se enfrenta a otros profesores menos confiados como el despótico Norbert Roeg (Andreas Lust), que defiende que el arte debe ser provocativo y no tiene ningún problema en ejercer incluso el abuso con sus alumnos, lo que acaba provocando protestas por parte de los estudiantes. La propia directora Camilla Guttner estudió en la Academia de Bellas Artes de Múnich, al igual que el diseñador de producción Markus Dicklhuber, lo que proporciona una sólida descripción de la efervescencia artística al comienzo de un nuevo curso académico. Las pinturas que elabora el personaje de Jojo a lo largo de la película han sido pintadas por Camilla Guttner, quien debutó en la dirección con la interesante Sky blue (2017). La conexión con la realidad se establece también con la aparición de algunos artistas que se interpretan a sí mismos como el cantante suizo Dagobert, seudónimo de Lukas Jäger, con el que Jojo está a punto de dejar la academia y marcharse de gira, o el artista alemán Jörg Besser, conocido como Eggman porque suele empujar un carro con un huevo dorado, tal como hace en la película. Dagobert tiene una perspectiva crítica respecto al mundo del arte contemporáneo, como cuando introduce un objeto en una exposición con el lema "Nada más que palabrería" o cuando le dice a Jojo que "la academia crea monstruos". En realidad, la escuela de arte parece un lugar en el que se mantienen seguros los estudiantes, empujados por profesores a veces extravagantes, pero que se deben enfrentar después a la dura realidad de la competitividad artística, de manera que la película funciona como una historia de crecimiento también.
Jojo quiere ser una artista independiente que no se deje arrastrar por la comercialidad absurda, pero acaba aceptando un trabajo alimenticio para hacer un retrato familiar por 5.000 euros, lo que le dará cierta tranquilidad económica durante unos meses. Pero el resultado es demasiado personal y, sobre todo, retrata demasiado bien la dinámica tóxica de la familia como para que sus clientes estén satisfechos. Die Akademie (Camilla Guttner, 2024) traza un retrato a veces muy crítico con el mundo del arte contemporáneo, pero también utiliza la ironía para expresar esta mirada que de alguna forma es asimismo comprensiva. Cuando Siri Grün (Luise Aschenbrenner), que mantiene una relación con Jojo, es expulsada de la clase de Norbert Roeg, ella utiliza la rebeldía para responder a la actitud despótica del profesor, pintando de verde el mobiliario urbano y algunos monumentos de Múnich, lo que la acaba convirtiendo en una artista popular, pero en cierto modo también corrobora la teoría principal del profesor de que el arte debe ser provocativo. La película entrelaza situaciones y personajes con habilidad, impulsadas por la interpretación de Maja Bons, que consigue moldear a su personaje desde la incertidumbre que le provoca no encontrar su propio camino en el arte hasta la conmovedora relación que mantiene con su abuela. A través de los personajes que pueblan esta entretenida historia, Die Akademie aborda los desafíos a los que se enfrentan los alumnos de primer curso, pero también se centra en la situación en la que se encuentran los profesores, como el propio Norbert Roeg, que lleva atascado con una gran pintura desde hace años, sin encontrar la manera de incorporar su perspectiva actual. Hay un desenfado en el retrato de este mundo artístico que a veces puede parecer demasiado superficial, sin abordar temas muy controvertidos. Pero compone un interesante retrato sobre una nueva generación de jóvenes que tratan de encontrar su propia identidad a través de la búsqueda artística.
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Películas mencionadas:
Hierve se puede ver en Filmin.
Art Talent Show se puede ver en Truestory.
