Annecy '25 - Parte 5: Ellas

Tras la clausura del Festival de Annecy el pasado fin de semana, las cifras que ha publicado la organización ofrecen un panorama del cine de animación optimista, a pesar de la crisis y de las amenazas que hemos comentado en otras crónicas. Con un total de 18.200 acreditados de 118 países, el festival ha conseguido récords de asistencia, alcanzando las 136.000 entradas vendidas. Este año, el Mercado Internacional de Películas de Animación (MIFA) cumplía 40 años y ha contado con 6.500 profesionales acreditados Pero en la ceremonia de clausura se destacó el décimo aniversario de la edición de 2015, que estuvo dedicada a las mujeres en la animación. Con motivo de esta celebración, Mickaël Marin, director del CITIA, que se encarga de la organización del festival y el MIFA, anunció que se creará una residencia especialmente dedicada a directoras de largometrajes. Tomando este aniversario como referente, dedicamos una de nuestra crónicas a algunas producciones que tienen como protagonistas a personajes femeninos y abordan temas relacionados con los desafíos a los que se enfrentan las mujeres en la vida diaria, aunque sea a través de fantasías sobre el paso del tiempo. En este repaso nos acercamos también a dos de las producciones españolas en formato de cortometraje que han sido seleccionadas este año en el Festival de Annecy. 

The girl who stole time

Yu Ao, Zhou Tienan

China 2025 | 107 minutos | Annecy Presenta | ★★★★☆

Técnica: Animación 3D 

Fantasia '25: Animation Plus

Estrenado a finales del mes de mayo en China, este largometraje se mantiene en los primeros puestos de recaudación, ocupando aún el tercer lugar en el fin de semana del 13 al 15 de junio, por detrás de Cómo entrenar a tu dragón (Dean Deblois, 2025) y Misión imposible: Sentencia final (Christopher McQuarrie, 2025). El público parece convencido con esta fantasía que está protagonizada por Qian Xiao (Xiaoyu Liu), una joven que vive en una pequeña localidad pesquera y que encuentra por casualidad el Dial del Tiempo, tras el naufragio de su barco. Este dispositivo, que intenta conseguir una poderosa organización, tiene la especial capacidad de controlar el tiempo, algo que Qian Xiao comprobará de manera sorprendente. Cuando acude a la ciudad, cuyo diseño está inspirado en el Shanghai de principios del siglo XX, tiene un encuentro con Seventeen (Karry Wang), un miembro de esa organización que trata de recuperar el Dial para evitar que caiga en poder de una banda criminal. Tras una espectacular secuencia de persecución por las calles de Shanghai, Qian Xiao y Seventeen se acaban convirtiendo en colaboradores, a lo largo de una primera parte de la película que tiene el tono de las aventuras románticas clásicas occidentales, y que funciona especialmente bien. Aunque el planteamiento principal puede recordar a La chica que saltaba a través del tiempo (Mamoru Hosoda, 2006), el estilo de animación es radicalmente distinto, optando en esta ocasión por la animación 3D y una historia que tiene un tono más aventurero. La protagonista consigue tener la capacidad para ralentizar el tiempo moviéndose dentro de él a la velocidad de la luz, lo que le permite distorsionar el transcurso lineal como una sucesión continua de los acontecimientos. Es una idea interesante aunque no especialmente novedosa, de la que no se aprovechan todas sus posibilidades. El jefe de Seventeen es Mr. Zuo (Huang Bho), que quiere usar el Dial para volver diez años antes y recuperar a su familia. "Retroceder el tiempo podría matar a miles de personas inocentes", le dice Seventeen cuando comprende que las razones de Mr. Zuo para conseguir el Dial son egoístas. 

The girl who stole time (Yu Ao, Zhou Tienan) puede parecer a veces demasiado confusa en sus revelaciones y al mismo tiempo algo simple en la concepción del control del tiempo, especialmente en una mitad de la historia que no es tan espectacular como pretende ser. Pero cuenta con una animación bien elaborada y unos fondos suficientemente detallistas, aunque la narrativa pueda ser algo desequilibrada. Hay algunos personajes interesantes como Amu (Shen Zhou), un aspirante a director de cine que se une a los dos protagonistas, aunque nunca se entera realmente de lo que ocurre, ofreciendo el contrapunto cómico en algunas escenas. El tercer acto es un giro radical a la historia, proponiendo una reflexión sobre el tiempo y la eterna juventud, y sobre todo cómo se puede convertir en una maldición la posibilidad de vivir eternamente, para quien tiene que contemplar a sus seres queridos envejecer y desaparecer: "Me gustaría que el tiempo pasara de forma más lenta, porque inevitablemente todo llega a su fin". Esta nueva perspectiva más melancólica rompe con el tono que tenía la película hasta el momento, lo cual no es necesariamente negativo, pero introduce elementos relacionados con el poder de las imágenes cinematográficas para retener el pasado y el carácter predestinado de nuestra existencia, que en vez de dar profundidad a la narrativa, puede acabar haciéndola un poco más enrevesada. The girl who stole the time es una historia de empoderamiento de su protagonista femenina que quizás no consigue desarrollar sus ideas más complejas con suficiente acierto, pero que construye un relato entretenido en su primera parte y melancólico en la segunda, estableciendo una estructura más reflexiva: "No ser olvidado. Ese es el significado del tiempo".  

Safo

Rosana Urbes

Brasil 2025 | 12 minutos | Competición de Cortometrajes | ★★★★☆

Técnica: Stop-motion, Dibujo sobre papel, Dibujo en cristal, Fotografía Motion control 

Annecy '25: Premio Alexeïeff-Parker

A través de diversas técnicas de animación, la cineasta brasileña Rosana Urbes propone una hermosa y creativa introducción a la poesía de Safo, una poeta griega que vivió en la isla de Lesbos alrededor del año 600 antes de Cristo, pero cuya obra se perdió, y solo se conoce a través de las citas de otros autores. Los estudios sobre su obra afirman que escribió más de 10.000 versos, pero solo se conserva un poema completo y de algunos, tan solo una palabra. El descubrimiento de cientos de papiros en Egipto a finales del siglo XIX la sitúan como una de las principales poetas líricas de la Era Arcaica pero se sabe que los temas principales de su obra eran la naturaleza, la belleza y el amor. A través de este escaso conocimiento, Safo (Rosana Urbes, 2025) establece una mirada a estos focos dramáticos de la obra de la poetisa, mezclando los dibujos en papel con dibujos realizados sobre cristal, la incorporación de hojas y flores naturales, así como el uso de la fotografía de control de movimiento, que se sitúan en una mesa multiplano que permite establecer diferentes capas en una misma escena. Interpretando visualmente los fragmentos de poemas de Safo, la directora brasileña, que ya obtuvo una Mención Especial y el Premio a la Mejor Ópera Prima por su cortometraje Guida (2015), nos introduce en un mundo onírico de naturaleza. Los personajes están pintados con tintas naturales, y los escenarios consisten en animación stop-motion de plantas y hojas, dentro de una narrativa que establece en las propias imágenes un efecto de figuras animadas que riman, refiriéndose a las expresiones poéticas de Safo. Al tratarse de una figura que es conocida casi exclusivamente a través de citas de terceros, Safo también reflexiona sobre la representación que se ha hecho de la poetisa a lo largo de la Historia, desde puntos de vista que interpretan su obra, pero sin conocerla directamente. Con una notable partitura de Gustavo Kurlat y Rubén Feffer, que remite a las sonoridades de la antigua Grecia, utilizando cuerdas, percusiones, flautas y mandolina, el exuberante cortometraje de Rosana Urbes recuerda la necesidad de reivindicar a las autoras olvidadas, como indica en una de sus reflexiones como narradora: "Algún día, en el futuro, alguien nos recordará". 

Luna rossa

Priit Pärn, Olga Pärn

Estonia 2024 | 32 minutos | Competición de cortometrajes | ★★★★☆

Técnica: Rotoscopia, Animación de recortes, Animación 3D

IndieLisboa '25: Sección Oficial

Premios de Cine y Televisión de Estonia (EFTA) '25: Mejor película de animación

Desde el año 2014, el veterano director de animación Priit Pärn (1946, Estonia) no había vuelto al circuito de festivales, cuando estrenó El regreso de los aviadores (Priit Pärn, Olga Pärn, 2014). Considerado uno de los directores de animación más influyentes de Europa, su singular narrativa surrealista y estilo visual rústico han inspirado a generaciones de cineastas y han influido en el tono de series norteamericanas como Rugrats: Aventuras en pañales (Nickelodeon, 1991-2003) y Aaahhh!!! Monstruos (Nickelodeon, 1994-1997), del director Gábor Csupó (1952, Hungría). A lo largo de su larga carrera ha alternado el diseño gráfico, la publicación de cómics y la realización de una veintena de cortometrajes que han sido reconocidos con más de ochenta premios internacionales. El año pasado el Festival de Animación de Fredrikstad (Noruega), donde ganó por primera vez el Gran Premio de la competición Nórdico-Báltica en 1996 con el mediometraje 1895 (Priit Pärn, Janno Põldma, 1995), le dedicó una retrospectiva que incluía una de sus obras más reconocidas, Breakfast on the Grass (Priit Pärn, 1987). En el Festival de Annecy había participado anteriormente con Life without Gabriella Ferrita (Priit Pärn, 2008), cuando ya comenzaba a colaborar en su cine su esposa Olga Pärn, que empezó a firmar como co-directora en sus siguientes proyectos. Se trata por tanto de un regreso bienvenido para uno de los animadores más influyentes de Europa, que propone en esta ocasión una historia de espionaje, terrorismo y vigilancia, aunque al comienzo del cortometraje señala: "Aunque no lo crean, esta es una historia de amor". Al comienzo del relato, el personaje de Renzo, un mafioso que tiene controlada toda la ciudad de Nápoles mediante cámaras de vigilancia (incluso adoptando el punto de vista de unas palomas en el parque o el zapato del cliente de un restaurante), repasa las grabaciones en las que observa a Gabriella, una mujer exuberante por la que parece sentirse atraído sentimentalmente. Pero ella, que sabe que está siendo observada, es en realidad una agente que está preparando un atentado. Dos miembros de una cédula inactiva, Francesca y Eddy, serán los ejecutores, mientras entre ellos hay también una relación sentimental no correspondida: Francesca está enamorada de Eddy, pero éste parece sentirse atraído por Gabriella. 

Con elementos de cine negro, Luna rossa (Priit Pärn, Olga Pärn, 2024) construye una historia de conspiraciones mientras los personajes tratan de evitar la vigilancia constante de Renzo. Gabriella utiliza para su reunión con Eddy las alcantarillas de la ciudad, porque es el único lugar que no está vigilado por las cámaras que controla el mafioso. Aunque realmente los nombres de los protagonistas no aparecen en el cortometraje, éstos están inspirados en artistas italianos cuyas canciones se incluyen en la historia, lo que le da una tonalidad especial. Se pueden escuchar varias versiones del clásico napolitano "Luna rossa" (1950), que da título al cortometraje, interpretado por Renzo Arbore y su Orquesta, y por Eddy Napoli, dos de los nombres que adoptan los personajes, junto a Gabriella y Francesca, inspirados en Gabriella Ferri y Francesca Chiara. Para la animación, del estilo característico de Priit Pärn, con sus figuras de cierta deformidad y perspectivas cenitales, y con sus movimientos exagerados que los definen particularmente pero al mismo resultan divertidos, se ha utilizado la técnica de la rotoscopia, dibujando sobre grabaciones con actores reales, mezclada con algunos elementos de animación de recorte, especialmente en las calles de Nápoles en las que se incorporan figuras recortadas de fotografías de archivo. Aunque la historia no tiene conexiones con la realidad, se pueden encontrar algunas referencias a organizaciones mafiosas reales como la Fratellanza Splendente, que parece una alusión a la influencia de la mafia italoamericana que se describía en la película Mafia (La Fratellanza) (Martin Ritt, 1968). Este thriller de tintes políticos traza sin embargo una conexión con los sentimientos humanos a través de las relaciones que se establecen entre los personajes, incluso cuando se trata de un hombre observador y una mujer observada. Y encuentra en la descripción de prototipos de personajes, cuyas relaciones son deliberadamente ambiguas y abiertas a distintas interpretaciones, una manera de incorporar detalles y pistas que permiten que el espectador descifre algunas de las claves de una historia que también, como señalaba al comienzo, termina teniendo un tono romántico, de sacrificio por la persona amada, mucho más profundo de lo que parece.

Dark orange

Zahra Azadpour

Irán 2025 | 6 minutos | Perspectivas | ★★★★☆

Técnica: Rotoscopia

En este contundente cortometraje de la directora Zahra Azadpour (1991, Irán), los protagonistas son una joven pareja cuya relación resulta desigual en la forma en que el hombre trata a la mujer emocionalmente, dejándola a un lado a pesar de los intentos de ella por estabilizar la relación. Cuando él se marcha de casa, el maltrato psicológico que sufre la joven se manifiesta a través de heridas que se dibujan en su cuerpo, reflejando que también el abuso emocional deja cicatrices, aunque no sean visibles. Cuando se muestra en televisión una escena en la que un hombre maltrata físicamente a una mujer, el joven parece sentir empatía por la víctima y toma la decisión de salir el 25 de Noviembre, Día Internacional por la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres, para participar en la manifestación que recorre las calles de Teherán. Pero lo hace sin contar con su propia pareja, a la que trata prácticamente como si fuera una sirvienta. La directora refleja de una forma contundente la hipocresía de una parte de la sociedad masculina que se solidariza con el feminismo y sus reivindicaciones, pero sin ser conscientes de que ellos establecen en la dinámica de pareja otro tipo de abusos igualmente dolorosos. Al final de la historia se recuerda que una de cada tres mujeres ha sufrido algún tipo de violencia física o sexual al menos una vez en su vida, pero también se subraya que la violencia no es solo la que se ejerce de una manera física. Dark orange (Zahra Azadpour, 2024) es el primer cortometraje de su directora, que ha trabajado en el mundo de la fotografía desde los 16 años y poco después se interesó por el cine, realizando cortometrajes documentales y experimentales al mismo tiempo que estudiaba. Esta primera obra de Zahra Azadpour ha sido creada con la técnica de rotoscopia, a partir de grabaciones con actores reales, elaborando un trabajo artesanal que la ha llevado a animar unos 2.800 frames durante ocho meses de forma individual para concluir esta reivindicación de la conciencia frente a los abusos de todo tipo. 

Fačuk

Maida Srabovič

Croacia, Eslovenia 2025 | 13 minutos | Perspectivas | ★★★★☆

Técnica: Animación con recortes, 2D por ordenador

Historia de una joven que vive en un pequeño pueblo de Croacia y que sufre el escarnio y los rumores de sus habitantes cuando está a punto de dar a luz a un bebé concebido fuera del matrimonio. De hecho el título, Fačuk (Maida Srabovič, 2025), proviene de una expresión despectiva en la lengua croata para referirse precisamente a los hijos bastardos, y la referencia de la historia ha surgido de la propia familia de la directora, cuyo abuelo fue un niño abandonado. Cuando la joven regresa al pueblo después de descansar junto al río, las alcahuetas murmuran sobre el pecado mortal que supone tener a un hijo como madre soltera, describiendo el carácter cerrado de pequeños pueblos como el originario de Maida Srabovič (1986, Croacia), quien vivió su infancia en la localidad de Podgradina. Cuenta que creció influenciada por las pinturas del estilo naif del pintor Mijo Kovačić (1935, Croacia), especialmente la etapa tardía más oscura que mostraba personajes retorcidos y sufrientes. El arte naif se desarrolló en Croacia desde los años treinta y ha sido adoptado por numerosos pintores hasta épocas más contemporáneas. Fačuk  también incluye tratamientos animados de algunas de las obras del pintor croata, como Nevjesta Dravskih Ribara (1982) o Sodoma i Gomora (1976/1977). Otra de las influencias en el estilo visual del cortometraje son las pinturas del artista Stipan Tadić (1986, Croacia), principalmente en la reproducción del paisaje que rodea al pueblo, que está muy marcado por las perspectivas de sus obras, asimismo influidas por la pintura naif. En el desarrollo de la historia, una especie de eclipse solar provoca que las ancianas del pueblo consideren a la joven responsable por el pecado que ha cometido: "Lo que engendra el demonio, Dios lo recuperará", murmuran. El primer cortometraje de Maida Srabovič, que ha escrito y dirigido esta historia, está realizado con la técnica de animación de recorte, que consiste en aislar a los personajes de sus fondos originales (recortar) para poder colocarlos en diferentes espacios, lo que tradicionalmente se hacía de una forma artesanal pero en la actualidad se suele realizar de forma digital. Esta técnica le da al cortometraje una textura especial que lo sitúa más cerca del estilo naif al que hace referencia. 

Cosas de fútbol

Yuu Cortés, Alejandro Ara, Carla Muñoz, Layla Díaz, Marta Iglesias, Sara García, Matilde Chicharro

España 2024 | 3 minutos | Películas de Graduación | ★★★★☆

Técnica: Rotoscopia

Uno de los representantes españoles en la programación del Festival de Annecy es este cortometraje realizado por los alumnos de la Escuela de Arte de Huesca, que ofrece estudios de fotografía, diseño gráfico, diseño web y gráfica audiovisual, entre otros. Seleccionado dentro de la sección de cortometrajes de Graduación, Cosas de fútbol (Varios directores, 2024) es una pieza de tres minutos semi-experimental que sin embargo ofrece una narrativa lineal, a través de un partido de fútbol que deriva hacia una relación sentimental. La propuesta está inspirada en el estilo de animación de artistas como Jeff Scher (1954, Nueva York), que practica la técnica de rotoscopia pintando sobre fotogramas de película proyectados en papel, el director alemán Boris Seewald y sus coreografías visuales, y la realizadora Begoña Vicario (1962, Venezuela), ganadora del Goya por el cortometraje de animación Pregunta por mi (1997), pero también animadora en el largometraje El sueño de la sultana (Isabel Herguera, 2023), que ganó el premio a la Mejor Película de la sección Contrechamp en Annecy '23. A través de imágenes de archivo sobre las que se han realizado pinturas, unos 1.500 fotogramas pintados a mano, Cosas de fútbol desafía las perspectivas de género en el mundo del deporte planteando un partido mixto y estableciendo una dinámica que habla sobre el entorno tradicionalmente masculino, para romper con los tabúes que habitualmente se encuentran en el fútbol. "El amor es capaz de superar tabúes", se dice al final de un cortometraje dinámico y certero en su planteamiento narrativo, pero envuelto en una técnica compleja. La música del compositor aragonés Miguel Ángel Fraile aporta ritmo al montaje de una interesante propuesta que ha contado también con la colaboración de profesionales como la directora Mercedes Gaspar (1964, Zaragoza), ganadora del Goya por El sueño de Adán (1995) y nominada por Las partes de mi que te aman son seres vacíos (1996) y Esclavos de mi poder (1997). 

Primeras

Bambú Orellana, Paloma Mora

España, Chile 2024 | 11 minutos | Series de televisión | ★★★☆☆

Técnica: 2D por ordenador

Premios Lola Gaos '25: Mejor Serie de Animación

Cinema Jove '25: Sección Series

La productora española TV On, con sede en Valencia, está formada por un equipo de mujeres encabezadas por Paloma Mora que ha puesto en marcha largometrajes como Els mals noms (Marc Ortiz, 2025) y ha participado en series estrenadas recientemente como Favàritx (HBO Max, 2025). A través del contacto con el cineasta Bambú Orellana, responsable de la productora chilena Typpo Creative Lab, que desarrolló la serie infantil Domingos divertidos (Movistar Plus+, 2023-), esta coproducción hispano-chilena seleccionada para la sección de Series de televisión en el Festival de Annecy ofrece una estructura antológica a lo largo de 13 episodios de 11 minutos cada uno, centrados en mujeres que han sido pioneras en muchas disciplinas artísticas, deportivas y sociales, en la mayor parte de los casos enfrentándose a la tradicional sociedad masculina normativa. Los episodios están dedicados a diferentes personalidades pero evitando los nombres más conocidos y obvios, abarcando desde el siglo XVII hasta el siglo XX: la española Jerónima Galés (1562) fue la primera mujer en estampar su nombre en una imprenta; la norteamericana Alice Guy (1896) fue la primera directora de cine; la peruana Carmen Moral (1970) fue la primera directora de orquesta en Latinoamérica; Krystyna Chojnowska-Liskiewicz (1976) fue una marinera polaca que dio la vuelta al mundo por primera vez en su propia embarcación. El episodio que hemos podido ver en el Festival de Annecy está dedicado a la alpinista japonesa Junko Tabei (1975), que consiguió ser la primera mujer en alcanzar el pico más alto del Everest, un esfuerzo que, según se relata, tuvo que ser solitario cuando el equipo de mujeres que la acompañaban no pudo seguir su ascenso. 

La producción de Primeras (CNTV, 2024) se ha repartido al 50% entre las dos productoras, con equipos de guión, animación y postproducción españoles y chilenos participando en las diferentes etapas del proceso de elaboración del cortometraje: unos ocho meses de preproducción y otros ocho meses de animación. Aunque por parte española ha conseguido ayudas de la Generalitat Valenciana, la serie ha contado en Chile con la participación desde su origen de la televisión pública CNTV, lo que ha permitido su emisión, mientras que en España todavía está pendiente de negociaciones con cadenas de televisión y plataformas, aunque el pasado mes de febrero ganó el Premio Lola Gaos del audiovisual valenciano a la Mejor Serie de Animación. Se ha utilizado una técnica de animación 2D tradicional para la elaboración de las historias que tienen una estructura narrativa parecida, desde la presentación del personaje principal hasta la consecución de su proeza, después de enfrentarse a las dificultades de una sociedad que rechaza las posibilidades de éxito que tienen estas mujeres. Primeras está producida en versión original en castellano, introduciendo subtítulos al inglés, pero también hay una versión en valenciano y ha contado con un doblaje chileno, de manera que abarca todo el espectro de mercados posibles para su distribución con las características lingüísticas propias de cada uno de ellos. La próxima cita de Primeras es el Festival Cinema Jove, que la ha seleccionado para su competición de Series. 

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Películas mencionadas:

La chica que saltaba a través del tiempo se puede ver en Movistar Plus+.

El sueño de la sultana se puede ver en Filmin. 

Domingos divertidos se puede ver en HBO Max y Movistar Plus+.