24 marzo, 2017

Las mejores bandas sonoras de 2017 (1ª parte)

Llegamos al tercer mes de 2017 y nos fijamos en algunos de los trabajos más interesantes en el campo de las bandas sonoras. Esta es una lista previa a la selección que realizamos cada año de la música de cine que ha despertado nuestro interés, y que a partir de ahora iremos publicando cada dos o tres meses con algunos trabajos destacados hasta completar la lista a final de año. 


Zeltia Montes - Frágil equilibrio
Quartet Records   5 / 1 / 2017

Ganadora del Premio Goya a Mejor Documental, esta crónica de la sociedad actual y sus desórdenes humanitarios, cuenta con dos soportes destacados: la voz del expresidente uruguayo José Mújica y la espléndida música original compuesta por Zeltia Montes. Compositora de gran sensibilidad, esta madrileña consiguió también una nominación al Goya a Mejor Canción original por el tema "Muerte", un lamento musical en la voz de la cantante Uxía que para nosotros no merece la consideración de canción, por no tener realmente letra. Y en todo caso lo más justo hubiera sido una nominación a la Banda sonora completa, un ejercicio técnico y emocional magnífico, que traza, manteniendo una personalidad marcada, un recorrido musical por las tres historias que se nos cuentan en el documental, lo que le permite a Zeltia Montes navegar por sonoridades orientales, latinas y contemporáneas, pero con una línea narrativa única. Como banda sonora, la función principal que aborda la compositora es la de dar continuidad a las diferentes perspectivas que vemos, y en este sentido lo consigue, sosteniendo su trabajo en melodías marcadas por el piano, pero envueltas en instrumentos étnicos que aportan ese aire de universalidad que tiene la película. Se trata de un trabajo sosegado, que subraya con precisión las imágenes pero que se aleja de la música "colchón" que habitualmente encontramos en los documentales, adquiriendo voz propia en momentos concretos, como en el espléndido y esperanzador tema "Luz". Frágil equilibrio (Guillermo García López, 2016) aumentó un 120% tras ganar el Goya, alcanzando los 100.000 €, algo insólito para una película documental. 

Matthieu Gonet, Sylvain Goldberg - Fleur de tonnerre
Nexus Factory   13 / 1 / 2017

Esta producción francesa cuenta la historia real de Hélène Jégado, asesina en serie que envenenó a casi cuarenta personas administrándoles arsénico, y a la que le apodaron "Flor de trueno", considerándose como la peor asesina francesa del siglo XIX. La película ha tenido críticas contrapuestas, pero el trabajo musical de Matthieu Gonet junto a Sylvain Goldberg es destacable por la sobriedad con la que describe una historia planteada como thriller que acompaña a esta sirvienta de compleja personalidad a la que interpreta Déborah Françoise. Apoyándose principalmente en los instrumentos de cuerda, especialmente violín y violonchelo, con la interpretación en la viola solista de Lise Orivel, componente del cuarteto de cuerda The Free Bows, la banda sonora consigue crear una atmósfera desasosegante, pero al mismo tiempo compuesta por hermosos pasajes de tono romántico. El uso de la viola es poco habitual en la música de cine como protagonista de una banda sonora, y en este sentido los recuerda al trabajo que desarrolló Ennio Morricone para Hamlet (Mel Gibson, 1990), con esa cadencia de aires austeros pero tremenda efectividad emocional.   

Daniel Pemberton - Gold
BMG   27 / 1 / 2017


El británico Daniel Pemberton nos viene ofreciendo en los últimos años un buen ramillete de trabajos interesantes. Entre los más destacados se encuentra esta banda sonora para ese thriller rodado con buen pulso Gold (Stephen Gaghan, 2016) que da la oportunidad al compositor de volver a mostrar su lado más ecléctico en un trabajo de gran variedad sonora. Quizás nos interesan menos, por reiterativas con otros recientes trabajos como Operación U.N.C.L.E. (Guy Ritchie, 2015) esas sonoridades ochenteras a lo Isaac Hayes que, todo sea dicho, controla con pericia el compositor en las instrumentaciones, logrando en general buenos resultados para subrayar las escenas más dinámicas de esta rocambolesca historia, especialmente en temas como "At the sound of the bell". Y nos gustan más sus acercamientos a los instrumentos asiáticos que maneja también en temas de cierto suspense, como "Minecraft", sin que se trate solo de una utilización para situarnos en el escenario donde se desarrolla parte de la historia, sino elementos adicionales a la propia estructura musical. Pero sobre todo Daniel Pemberton acierta en aquellos momentos que nos muestran esa desolación que a veces rodea al protagonista y que vuelve a demostrar la gran capacidad melódica que Daniel Pemberton nos ha ofrecido en otras ocasiones, con temas como "The disappearance of Michael Acosta", un excelente ejemplo de descripción psicológica que nos recuerda a los mejores trabajos de Richard Robbins en su envoltura minimalista. 


RADWIMPS - Your name. 
EMI Records   27 / 1 / 2017

Aunque se trata de una película estrenada durante 2016, con un éxito sin precedentes en Japón, donde logró ser la cuarta película más taquillera de la historia, y premiada en el Festival de Sitges como la Mejor Película de Animación, destacamos la banda sonora de Your name. (Makoto Shinkai, 2016) porque este precioso filme llega a las pantallas occidentales durante este año, y se ha editado una versión Deluxe con dos discos y adaptaciones al inglés de las canciones escritas e interpretadas por el grupo japonés RADWIMPS. Esta historia de fantasía en la que dos adolescentes, un estudiante en Tokio y una joven que vive en un pequeño pueblo de las montañas descubren que cada día intercambian sus cuerpos, es sin duda la mejor película de su director, que ya logró buenas críticas con El jardín de las palabras (Makoto Shinkai, 2013). Sobre todo gracias a una historia que atrapa desde el principio, con esa mezcla de romanticismo adolescente y humor, que está bien acompañada por los sonidos pop del grupo RADWIMPS, que trabajó con el director desde la propia elaboración del guión. Los temas instrumentales, de cadencia juvenil excepto en los momentos más sentimentales, en los que hacen acto de presencia las cuerdas, se apoyan también en un ramillete de buenas canciones que actúan como  perfectos contrapuntos a determinadas secuencias en las que el director se apoya en la música para establecer elipsis temporales. Es por tanto, una perfecta simbiosis entre la banda sonora y las imágenes de una películas con escenas especialmente emotivas. 

Benjamin Wallfisch - Bitter harvest
Varèse Sarabande   20 / 2 / 2017 

Este año el compositor Benjamin Wallfisch puede destacar como uno de los compositores más relevantes gracias a algunos de sus trabajos en solitario, como La cura del bienestar (Gore Verbinski, 2017). Colaborador habitual de Hans Zimmer en los últimos años y orquestador de Dario Marianelli, el músico londinense ha participado recientemente en películas como Figuras ocultas (Ted Melfi, 2016) o Nunca apagues la luz (David F. Sandberg, 2016). Pero destacamos especialmente este drama bélico en torno a la masacre de ucranianos que perpetró Stalin en los años 30 y que ahora traslada la pantalla, con poco acierto, el director George Mendeluk. Sin embargo, las malas críticas que tiene la película no deben empañar el excelente trabajo del compositor inglés, que se revela más en el lado romántico que en las escenas de acción, que cae en lugares comunes. El carácter épico que le ofrece esta historia sobre una de las mayores tragedias bélicas de Europa permite a Wallfisch desplegar un amplio abanico de sonoridades grandilocuentes, apoyadas a veces en una base coral y en otras en instrumentaciones del folclore musical ucraniano que nos sitúan en el escenario bélico. Podemos decir que estamos ante una de las grandes bandas sonoras del año, con cierto aire en ocasiones a James Horner (en la sonoridad de viento de "Letter from Home", por ejemplo) pero que se despliega especialmente certera en ese magnífico leitmotiv principal desarrollado en "Rusalka", con algún homenaje al magnífico trabajo de Maurice Jarre para Doctor Zhivago (David Lean, 1965) o en los temas más folclóricos, en los que ha colaborado el cuarteto ucraniano DakhaBrakha, especialmente el hermoso "Elegy for Ukraine".  

Michael Abels - Get out
Back Lot Music   24 / 2 / 2017

Déjame salir (Jordan Peel, 2017) es una película de terror con trasfondo racial que ha tenido un buen recibimiento por parte de la crítica. Con cierto aire de representación de la era post-Obama, la cinta se adentra en el mundo de los espíritus a través de una mirada hacia el pasado esclavista y el resurgir de la lucha por los derechos raciales. En este sentido, la elección del compositor Michael Abels no puede ser más acertada. El músico ha desarrollado su labor principalmente en el género operístico y la música autónoma, introduciendo habitualmente voces corales de reminiscencias africanas, lo que en este caso aporta un elemento diferente a la creación de esta banda sonora para el género de terror. Tal como esperaba el director, Michael Abels utiliza este recurso coral en su primera incursión en el cine, y son estas incorporaciones de voces solistas que cantan en swahili las que nos remiten al mundo de los espíritus que rodea al protagonista, conectado con la esclavitud y el racismo. Es en este terreno en el que mejor funciona la banda sonora, y lo hace con mayor originalidad, aunque en el campo de la pura tensión terrorífica, que incluye temas adicionales del compositor Timothy Williams, no pueda evitar caer en ciertas obviedades. Michael Abels construye una composición para una pequeña formación de cuerda en la que predomina el uso del arpa, que funciona especialmente bien en temas como "Hypnosis", más desarrollado que la mayor parte de los que forman parte de la grabación editada.  

Tom Holkenborg - Brimstone
Milan records   10 / 3 / 2017

El compositor holandés Tom Holkenborg, que en ocasiones firma como Junkie XL, firma una de sus mejores banda sonoras para el oscuro western Brimstone (Martin Koolhoven, 2016), que protagonizan Dakota Fanning y Guy Pearce. Se trata de una producción holandesa rodada en inglés que está subrayada por un importante componente religioso, presente en la banda sonora no solo en el uso de ciertas sonoridades corales sino en su propia entidad majestuosa. A Junkie XL le conocemos por sus contundentes trabajos para películas como Mad Max: Furia en la carretera (George Miller, 2015) o más recientemente el documental Distance between dreams (Rob Bruce, 2016), pero en esta ocasión nos propone una composición mucho más solemne, que se distancia de las habituales bandas sonoras para el género western. Sobre todo porque la propia película tiene más componentes de thriller (algo histriónico en ocasiones) que de género western. Podríamos decir que la banda sonora de Brimstone es casi eclesiástica, apoyándose principalmente en las cuerdas, y está construida con aires de thriller moderno (nos recuerda a ciertas sonoridades de Howard Shore en temas como "Revelation"), y en algunos pasajes orilla el cine de terror. Pero se trata de un espléndido trabajo minimalista, de trasfondo sórdido, que se mueve por temáticas religiosas y "mozartianas" (ese magnífico "Exodus"), que nos van introduciendo en esa persecución obsesiva que inicia el reverendo interpretado por Guy Pearce. 

Jim Williams - Raw
Back Lot Music   10 / 3 / 2017

El debut de la directora francesa Julia Ducournau es uno de los más singulares que se han producido a lo largo de lo que llevamos de año. Entre el género de terror y el perfil psicológico de una adolescente, Crudo (Julia Ducournau, 2016) ganó el Premio FIPRESCI en el pasado Festival de Cannes, y nos propone una historia bizarra que nos acerca a un viaje interior que nos enfrenta al canibalismo.  Para su banda sonora, el compositor Jim Williams ha creado una peculiar ambientación sonora que discurre también en dos planos diferentes: por un lado, cierto acercamiento sosegado al ambiente juvenil, en el que predomina el uso de la guitarra; y por otro, y este es el más interesante, una incursión en la música de órgano con reminiscencias de Bach que se convierte en el leitmotiv principal del deseo carnívoro de la protagonista, desarrollado magníficamente en temas como "Lust". El compositor ahora de esta forma en ese barroquismo que nos propone la directora, que en algunos momentos se nos antoja que propone ciertas referencias al giallo italiano. La banda sonora se va haciendo, como la propia película, cada vez más oscura, adentrándose en sonidos electrónicos puramente terroríficos y ambientales que nos introduce cada vez más en mundos oscuros, y en esta vertiente también acierta Jim Williams, arriesgando en las sonoridades, como en ese únicamente percusivo "Fight or flight".  

Roque Baños - Zona hostil
Meliam Music   10/ 3 /2017

El compositor Roque Baños se adentra en el género bélico con esta producción que se desarrolla en Afganistán y protagoniza un pelotón de soldados españoles embarcados en una misión de rescate. Basada en una historia real, la película permite a Roque Baños desplegar todos sus recursos orquestales para el cine de acción, con elementos que viene dominando con talento desde hace tiempo. En este sentido, es quizás el mejor compositor español para una producción de estas características y en esta banda sonora nos ofrece una de sus más inspiradas composiciones, que va desde los temas más intimistas y emotivos como ese homenaje a los soldados españoles caídos en combate que nos propone en "Oración a los que no vuelven" (un recurso inspirado en otras producciones norteamericanas de exaltación del patriotismo) hasta los subrayados contundentes de las escenas de acción, resueltos con especial eficacia gracias a una sabia mezcla de sonidos electrónicos y orquestales, como en el tema "Nos traemos el MEDEVAC". También juega a favor de la heterogeneidad de la banda sonora el uso que hace Roque Baños de instrumentos étnicos, que le permiten ofrecer una variedad musical notable, gracias especialmente a las sonoridades percusivas de temas como "Todos son pastores". No faltan en esta banda sonora esas incursiones que suele hacer Roque Baños en la épica orquestal, presente por ejemplo en el tema final "Misión cumplida", que se mezcla con el rap "Ácido sobre plomo", interpretado por el rapero Fenyx, y que demuestra una vez más su capacidad para construir magníficas piezas de gran carga emocional. 

John Williams and Steven Spielberg: The Ultimate Collection
Sony Music   17 / 3 / 2017

No puede faltar en esta primera lista de las mejores banda sonoras del año el que sin duda será uno de los recopilatorio más destacados de 2017. Esta colección de 3 CD y 1 DVD que incluye las colaboraciones hasta la fecha de uno de los binomios músico-director más relevantes de la historia del cine cierto es que no aporta nada especialmente novedoso, excepto la música del cortometraje documental The unfinished Journey (Steven Spielberg, 1999) y un DVD que incluye el documental, John Williams and Steven Spielberg: The adventure continues (Laurent Bouzereau, 2016), que se rodó precisamente durante las nuevas sesiones de grabación y repasan algunos de los momentos mas destacados de estos más de cuarenta años de trabajo. Pero esta recopilación tiene cierto aire de despedida, aunque John Williams tiene previsto participar en The kidnapping of Edgardo Mortara (Steven Spielberg, 2017) y Real Player One (Steven Spielberg,  2018). En realidad, dos de los discos son los mismos que ya se editaron como recopilatorios en 1991 y 1995, por lo que saben a poco las actualizaciones que Sony nos ofrece en esta nueva celebración de su colaboración. Únicamente encontramos novedades en el tercer CD,  que incluye la grabación junto a la Recording Arts Orchestra de Los Angeles, bajo la dirección de John Williams, de sus últimas colaboraciones juntos, con aportaciones interesantes como una suite en tres movimientos para concierto de de la película Atrápame si puedes (Steven Spielberg, 2002) y algún tema inédito de escasa trascendencia, aunque incluso en esta "actualización" faltan algunos trabajos importantes como Minority Report (Steven Spielberg, 2002) o La guerra de los mundos (Seven Spielberg, 2005). Pero siempre resulta gratificante volver a encontrarse con esos hallazgos musicales que forman parte de nuestros recuerdos cinéfilos. 



Frágil equilibrio se ha editado en DVD el 8 de marzo
Your name. se estrena el 7 de abril 
Déjame salir se estrena el 19 de mayo