Serielizados Fest '24: Parte 2: Regreso a los orígenes

Entrando ya en su último fin de semana, Serielizados Fest presenta hoy en sus sedes presenciales en Barcelona la proyección del primer episodio de los siete que componen la serie Familias como la nuestra (Movistar Plus+, 2024), escrita y dirigida por Thomas Vinterberg, que se estrena en Dinamarca este domingo, y la presentación de la española Dieciocho (RTVE Play, 2024), una de las cuatro que forman parte de la nueva sección Oficial Nacional. Lo que dará pie a proyecciones de algunas de las series más relevantes de la programación y la clausura el lunes 21 de octubre con la producción sueca The pirate bay (SVT, 2024). Pero en su formato digital, seguirán disponibles en la plataforma Filmin hasta el próximo 27 de octubre buena parte de los estrenos seleccionados este año por el festival, especialmente aquellos que forman parte de las secciones Oficial Internacional y Panorama. En esta segunda crónica de Serielizados Fest hablamos de algunas de ellas. 

Los siguientes comentarios se basan exclusivamente en el visionado de las temporadas completas de las series comentadas y pueden contener información relevante sobre sus argumentos.

La cacería: En el fin del mundo

Chile, 2024 | 3x50' | Panorama | ★★★★☆ 

Creada por Enrique Videla, Paula del Fierro | Dirigida por Juan Ignacio Sabatini

Hace unos años el canal de televisión en abierto Mega estrenó en Chile una miniserie que abordaba los hechos reales de la desaparición de niñas y adolescentes al Norte del país, a manos del llamado "psicópata del Alto Hospicio", considerado el mayor asesino en serie de la historia de Chile. La cacería: Las niñas de Alto Hospicio (Mega, 2018) introducía numerosos elementos de ficción para contar estos hechos, tomando como inspiración el reportaje "El horror en pantalones cortos" escrito por Roberto Fluxá. Se trata de un solvente thriller que contaba con un paisaje espectacular de la ciudad de Iquique, situada entre las grandes dunas del desierto y el Océano Pacífico. La serie se hizo muy popular y acabó siendo adquirida por la Televisión Nacional de Chile, después de que el proyecto de una nueva historia producida por Villano Producciones consiguiera las ayudas del Fondo Nacional de Televisión, poniendo en marcha una segunda temporada, La cacería: En el fin del mundo (TVN, 2024), que tiene a los mismos protagonistas investigando un nuevo caso basado también en hechos reales. Recuperar la producción de esta serie en un nuevo formato de supuso asimismo el regreso del actor Francisco Melo a la Televisión Nacional de Chile después de haber trabajado durante seis años en el canal Mega, donde protagonizó recientemente la telenovela de época Hijos del desierto (Mega, 2022-2023) junto a Gastón Salgado, su compañero de reparto en las dos temporadas de La cacería. 

Más que como una segunda temporada, la nueva entrega está planteada como una miniserie de tres episodios que recupera a los protagonistas de la anterior para un nuevo caso: el sargento Rodrigo Carrasco (Gastón Salgado) y el ex-capitán César Rojas (Francisco Melo), que ahora trabaja como detective privado para un bufete de abogados especializado en delitos sexuales. Ambos investigan por separado la desaparición de José Mirkovic (Benjamín Ramírez), un joven estudiante cuya búsqueda destapa algunos secretos de la institución católica y apunta al sacerdote Correa (Otilio Castro) como uno de los principales sospechosos. También se incorpora la suboficial Antonia Loij (Manuela Oyarzún), que ayudará a César Rojas en sus investigaciones. La historia real que toma como inspiración es la desaparición de Ricardo Harex en 2001, que estudiaba en el Liceo Salesiano San José de Punta Arenas, un caso archivado que se retomó diez años después cuando aparecieron restos óseos, pero que ha quedado judicialmente sin resolver porque el principal sospechoso se suicidó en 2011. Escrito por Patricia del Fierro, guionista de La jauría (Prime Video, 2019-2022) y Enrique Videla, que también ha sido creador junto a Rodrigo Fluxá de la miniserie 42 días en la oscuridad (Netflix, 2022) y guionista de El refugio (Starz, 2022), La cacería: En el fin del mundo traslada la acción al Sur de Chile y ofrece un tono más oscuro que la primera temporada. Lo que la sitúa dentro de ese subgénero de thriller psicológico que proyecta las características del caso en la propia experiencia vital del protagonista, aunque el tratamiento de sacerdotes católicos envueltos en casos de abusos sexuales y una jerarquía, representada por el arzobispo Moretti (Cristian Campos), que trata de tapar los actos criminales para evitar escándalos que afecten a la institución eclesiástica, pueda resultar algo convencional. En el Episodio 2 (T1E2) Moretti deja clara su postura cuando se trata de afrontar los casos de abusos sexuales en la iglesia: "Dios me libre de la justicia regular. La iglesia es mucho más sabia, más eficiente y mucho más rápida que su justicia regular". Aunque el director trata de imprimirle un tono reflexivo, aportando una cierta estética sombría que representa la oscuridad de los secretos que guarda la institución eclesiástica, la historia pierde algo de esa personalidad que le proporcionaba el desierto luminoso pero al mismo tiempo desolador, desarrollándose en un entorno más parecido al de los thrillers clásicos. De hecho, hay una estética en la intro que recuerda de manera evidente a True detective (Max, 2014-). Juan Ignacio Sabatini, que dirigió la primera temporada y la muy interesante miniserie Los archivos del cardenal (TVN, 2011-2014), aporta una propuesta visual inquietante y utiliza de nuevo el paisaje, ahora urbano, para recluir a los personajes, con el trasfondo de la montañosa región de Biobío en el centro de Chile, que funciona como un elemento de elaboración de un tono más inquietante y psicológico. 

Stayer

Noruega, 2023 | 12x30' | Panorama | ★★★☆☆ 

Creada por Pia Lykke | Dirigida por Aksel Hennie, Stian Kristiansen

Una de las aspiraciones confesadas del actor Aksel Hennie (1976, Noruega), uno de los más populares en su país no solo por su aparición en películas y series sino por su participación en programas de telerrealidad, era interpretar a un cantante de rock, lo que al final ha podido conseguir en la serie Stayer (Viaplay, 2023), que finalmente se ha visto condenada a ese extraño limbo en el que se han situado las producciones del grupo audiovisual Viaplay tras el colapso económico y la caída de más de un 70% en la Bolsa de Estocolmo que sufrió el año pasado, lo que le obligó a deshacerse de buena parte de su producción propia de ficción. Actualmente Viaplay trata de equilibrar sus cuentas mediante la realización de realities y documentales, y la retransmisión de eventos deportivos, entre ellos la polémica Saudi Pro League, que le ha valido fuertes críticas acusándoles de ser cómplices del sportswashing que lleva a cabo el gobierno de Arabia Saudí a través del fútbol. La circunstancia curiosa de Stayer es que, aunque permanece inédita en los países nórdicos, ya ha estrenado sus dos temporadas en algunos mercados internacionales como Australia, aunque también forma parte del paquete de 15 series que Viaplay lleva al MIPCOM, el prestigioso mercado de televisión que se celebra la semana próxima en Cannes (en España el destino lógico de esta serie es la plataforma del País Vasco Pr1meran, que ha venido estrenando un amplio paquete de series de Viaplay). Aksel Hennie es conocido internacionalmente por su papel protagonista en series como Nobel (NRK, 2016) y su participación en películas como Marte (The martian) (Ridley Scott, 2015) y Sisu (Jalmari Helander, 2022), y actualmente interpreta en el Folketeateret de Oslo el papel de Jesucristo en la obra musical Jesucristo Superstar (1970). Stayer comienza en Wild cat (T1E1) con un concierto de Even Elstad (Aksel Hennie), un cantante que conoció mejores épocas pero sigue manteniendo el ego de una estrella de la música, y que está harto de que le pidan constantemente en sus conciertos su gran éxito "Villkatt", en parte porque desde hace tiempo decidió dejar de cantar en noruego y porque considera esta canción una parte de su pasado, el de su ex-pareja Lena (Ane Dahl Torp), madre de su hija Annie (Hannah Elise Adolfsen Fjeldbraaten), a las que abandonó de la misma forma que huyó de su ciudad natal, Eidsvoll, cerca de Oslo. 

Cuando Lena muere en un accidente, Annie supuestamente debería ser acogida por su padre Even, pero éste sigue demasiado ocupado en la gira de conciertos en locales de aforo mínimo con la que intenta recuperar el prestigio perdido. De alguna manera, siempre ha sido demasiado egoísta para colocar a su familia por delante de su carrera musical, y cuando ha llegado a la mediana edad piensa que se encuentra ante su última oportunidad para recuperar el éxito. Aunque su ego provoca que acabe enfrentándose a un espectador durante un concierto y sufra la cancelación por otros hechos violentos protagonizados en el pasado. Annie, que a sus dieciséis años no necesita a su padre, se siente más cómoda con Petter (Jeppe Beck Laursen), el hermano de Even, que permaneció en Eidsvoll como director de una escuela y en la segunda temporada se sugiere que pudo haber sido realmente el autor de "Villkatt", el gran éxito del cantante. Pero él vive su propia crisis matrimonial cuando su esposa Monica (Marian Saastad Ottesen) le pide el divorcio. La serie ha sido creada por Pia Lykke (1975, Noruega), responsable del éxito Livstid (NRK, 2020), y se desarrolla en la localidad en la que ella nació, Eidsvoll, una ciudad de poco más de 20.000 habitantes. Con las dos temporadas rodadas al mismo tiempo, el propio actor Aksel Hennie se encargó de dirigir los seis episodios de la primera temporada y el episodio Brothers (T2E5) de la segunda, y es precisamente la relación entre Even y Petter la que funciona mejor en un drama familiar que aborda temas como las consecuencias de las decisiones tomadas en el pasado, la búsqueda de una identidad propia y el sentido de pertenencia. Mientras Even huyó de sus orígenes durante su carrera, incluso negándose a cantar en noruego, Petter decidió quedarse, pero en realidad no está claro cuál de los dos hizo más sacrificios. Es algo más convencional la trama de Annie, una adolescente que también trata de buscar su personalidad entre el abandono de su padre y la ausencia de su madre. No hay nada especialmente novedoso en esta historia, pero construye adecuadamente unos personajes solventes para un drama quizás demasiado cómodo. Stayer está producida por Hege Skjerven Clausen, que fue productora de Exit (NRK, 2019-2023) y como responsable de Viaplay Group, de series como Perni (Filmin, 2021-) y Wisting (AMC+, 2019) y películas como Sex (Dag Johan Haugerud, 2024). Las canciones han sido compuestas por Aksel Hennie y Jørn Dahl, y en la banda sonora participa el cantante noruego Thomas Dybdahl, que ha publicado este año su espléndido album Teenage astronauts (2024, Petroleum Records).  

Halva Halva (Home in you)

Suecia, 2023 | 6x30' | Panorama | ★★★★☆ 

Creada por Alexander Abdallah, Mustafa Al-Mashhadani

Dirigida por Alexander Abdallah, Mustafa Al-Mashhadani

Otra de las series afectadas por la crisis de Viaplay es este proyecto que permanece inédito en su país de origen y que también es una creación personal de dos actores, Alexander Abdallah (1993, Suecia), una estrella de la televisión que recibió un premio Kristallen como Mejor Actor por su papel protagonista en la serie Dinero fácil (Snabba cash) (Netflix, 2021-) y ha protagonizado la dramedia Thunder in my heart (Pr1meran, 2021-2023), y Mustafa Al-Mashhadani (1992, Irak), conocido por ser uno de los policías protagonistas de La delgada línea azul (Filmin, 2021-2024), que acaba de estrenar su tercera y última temporada. El primer cortometraje como director de Alexander Abdallah, Jag skiner inte utan er mina bröder (No brillo sin vosotros, mis hermanos) (2019), era un hermoso acercamiento poético a la problemática de la violencia en los suburbios de Malmö a través de un joven de 12 años que ha perdido a tres amigos en tiroteos, pero con los que se reencuentra desde su imaginación. Esta serie también se desarrolla en un suburbio, Smedsby, a las afueras de Estocolmo, con población inmigrante. La familia Hadda es de origen libanés y se enfrenta al desalojo de su piso de alquiler cuando los propietarios toman la decisión de realizar reformas en los edificios y subir el precio de los alquileres. La perspectiva de encontrar una nueva vivienda con la renta que les da un negocio casero de catering que gestiona la madre, Nour (Helen Al-Janabi) es complicada, mientras el padre, Ahmed (Isa Aouifia) tiene más tiempo para reunirse con sus amigos en el bar que para buscar trabajo, y comienza a plantearse la posibilidad de regresar al Líbano. Lo que provoca un rechazo frontal de sus dos hijos adolescentes: para su familia, Jamila (Jenna Chaaraoui) aparentemente tiene un trabajo temporal, pero en realidad ella ha decidido no trabajar para la sociedad que les quiere desalojar de su casa, mientras que para Amin (Matteus Gezer), que nació en Suecia, la perspectiva de marcharse a un país que no conoce es impensable. El título original de la serie, Halva Halva (Mitad y mitad) hace referencia a las familias divididas: en este caso, la que quedó en Líbano, con la madre de Ahmed, y la que marchó al extranjero, pero también a la propia separación generacional, la de unos jóvenes que ya han sido educados en la sociedad sueca y no sienten los lazos de unión con sus orígenes. 

Escrita con sensibilidad, Home in you (Viaplay, 2023) se equilibra bien entre el sentido del humor y el drama que afronta una familia que está constantemente enfrentándose a la supervivencia. Basada en las experiencias reales de sus dos creadores y las conexiones con sus raíces en Oriente Medio (Alexander Abdallah nació en Suecia pero es de origen libanés y Mustafa Al-Mashhadani nació en Irak pero a los cinco años su familia se trasladó a Malmö), la historia afronta las problemáticas familiares que plantean precisamente las diferencias generacionales y cómo cada uno de sus miembros asume su identidad de una forma diferente. Los momentos más divertidos provienen de Ahmed y su entorno, las reuniones en el bar con sus amigos Hakim (Alexander Abdallah) y Ossama (Mustafa Al-Mashhadani) y la manera en que trata de resolver el problema de la vivienda a través de un intermediario, David (Alexander Karim) que hace chanchullos con los pisos de propietarios de edad avanzada que están a punto de morir. Ahmed representa la forma equivocada de integración, como cuando en To move or not to move (T1E4), decide teñirse el pelo de "rubio nórdico", que en su cabeza no es tan nórdico como en la publicidad. La serie es también un homenaje a la fortaleza de las madres, especialmente Nour, quien ocupa ese lugar invisible dentro de su familia, pero en realidad es la que la impulsa a través de sus decisiones y de su trabajo, sin recibir la atención que merece: "Habéis llegado a casa y habéis preguntado por la cena, pero nadie ha preguntado dónde está vuestra madre", dice Ahmed a sus hijos. Pero también la madre de Ahmed, con la que habla todos los días por videoconferencia y que aparentemente representa el lado más tradicional desde el Líbano, pero es quien le da el consejo más acertado en I found home in you (T1E6): "Los hijos son como los pájaros. Necesitan ser libres, no estar encerrados en una jaula. Habla con ellos, escúchalos, préstales atención, pero déjales volar en libertad".

Las historias personales de los adolescentes reflejan las generaciones integradas, pero con sus propias problemáticas: Amin quiere dedicarse a la danza, pero lo oculta a sus amigos por ese sentido de masculinidad que asume que su vocación tiene relación con la feminidad, mientras que Jamila comienza a descubrir su sexualidad a través de una amiga. Las reformas de las viviendas son un reflejo de la gentrificación, la manera de hacerlas más "deseables" para los inquilinos suecos, y de hecho la familia Haddad también se enfrenta al racismo silencioso cuando su solicitud para alquilar el piso de un matrimonio, una aparición especial de Oscar Töringe de La delgada línea azul, recibe la negativa de la comunidad de propietarios, que están más interesados en un perfil de inquilinos menos inmigrante. Pero su vecina Ing-Marie (Pernilla Wahlgren) les ayuda con la burocracia y se solidariza con las protestas por el desalojo. La serie asume las problemáticas de las familias inmigrantes pero reflejando sus propios conflictos internos, sin presentar a la sociedad sueca como poco integradora, sin preguntarse si acepta o no a la inmigración, sino cuales son los retos a los que éstos se enfrentan cada día, que tienen más relación con su identidad y con su manera de vivir. 

La terre appelle Mathilde

Canadá, 2024 | 6x12' | Series Cortas Francófonas | ★★★★☆ 

Creada por Anthony Coveney y Lélia Nevert | Dirigida por Anthony Coveney

Canneseries '24: Competición Formatos Cortos

Seriesland Bilbao '24: Sección Oficial Formatos Cortos

TOWF '24: Mejor Serie canadiense francófona

Serielizados Fest presenta una sesión dedicada a Series Cortas Francófonas con una producción francesa y dos canadienses, procedentes de la productora Romeo & Fils, radicada en Quebec: La dernière communion (Télé-Québec, 2024), sobre tres sacerdotes que deciden reinventarse tras la venta de su monasterio, y La Terre appelle Mathilde (UnisTV, 2024), una historia que también plantea una nueva forma de enfrentarse a la vida, y que fue seleccionada en la sección de Formatos Cortos de Canneseries '24, y obtuvo diez nominaciones a los premios TOWF '24 de webseries, consiguiendo el de Mejor Serie Canadiense en francés. También competirá en la próxima edición del festival Seriesland de Bilbao esta historia protagonizada por Mathilde (Éléonore Delvaux-Beaudoin), una joven de diecisiete años aficionada a la aeronáutica y que tiene como principal referente a Valentina Tereshkova, la primera mujer en viajar al espacio. Pero cuando está construyendo un prototipo de cohete casero, Mathilde sufre un accidente que provoca la amputación de uno de sus brazos, lo que supone entre otras cosas la renuncia al sueño de ser astronauta. Aunque Mathilde cuenta con el apoyo de su padre Danil (Vitali Makarov) y de su hermana Laurie-Anne (Laurie Babin), su nueva discapacidad supone una difícil adaptación a una forma diferente de vida. El creador de la serie y co-guionista, Anthony Coveney (1994, Canadá) se basó en la experiencia que vivió con su madre cuando a ésta le diagnosticaron Parkinson. La pérdida de la motricidad de algunas partes de su cuerpo supuso una adaptación que tenía algo de duelo por verse obligada a renunciar a determinadas actividades físicas. Desde el episodio Le bras canadien (El brazo canadiense) (T1E2), Mathilde renuncia a vivir esta adaptación junto a sus amigos, como si no quisiera compartir este proceso. Su etapa de negación la lleva incluso a ponerse en contacto con el cirujano que la operó para saber dónde está su brazo amputado.

Pero la historia de La Terre appelle Mathilde se desarrolla principalmente en un centro de rehabilitación donde el fisioterapeuta, el Dr. Thomas Dupré (Cam Poirier) no solo trabaja con lo físico sino también con lo emocional. El viaje que recorre la protagonista es el de una rehabilitación sobre todo psicológica, pero en cierta manera el entrenamiento que debe realizar para mantener el cuerpo lo suficientemente fuerte tiene cierto paralelismo con el entrenamiento de un astronauta antes de viajar al espacio. La historia basada en una idea de Anthony Coveney y coescrita junto a Lélia Nevert, que también interpreta a la doctora Boisvert, convierte el centro de rehabilitación en un lugar donde se mezclan la fantasía y la realidad, con la protagonista teniendo momentos de ensoñación cuando se ve acompañada por la propia Valentina Tereshkova (Jelena Djukic) en sus entrenamientos. La serie comienza con una narración científica con la voz de Guy Nadon, un reconocido actor y locutor quebequense que está ligado a las versiones francesas de los documentales de National Geographic. En el centro Mathilde conoce a Roxane (Emma Bao Linh Tourné), su compañera de cuarto que pasa todas las noches llorando, y a David (David-Emmanuel Jauniaux), que trabaja como limpiador y algunas veces participa en el juego de rol Dragones y mazmorras (1983), junto a otros pacientes. El episodio C'est bon pour la moral (Es bueno para la moral) (T1E4) se desarrolla precisamente durante uno de estos juegos, mientras la rehabilitación de Mathilde también tiene elementos relacionados con la imaginación. El guión hace un excelente trabajo en desarrollar esta fantasía mezclada con un proceso de rehabilitación que introduce algunos trastornos médicos que experimentan algunas personas amputadas, como la llamada "sensación del miembro fantasma", que puede provocar dolor en la extremidad, aunque no exista físicamente. Hay una minuciosa representación de esta adaptación a un cuerpo diferente, representada como las etapas del duelo: la negación, la ira, la depresión y la aceptación. La historia está contada con cierto sentido del humor seco, un poco a la manera de las series de Álvaro Carmona, al que nos recuerda en episodios como Gravité 0 (Gravedad 0) (T1E6), cuando Mathilde recibe una prótesis de su brazo que no es, por decirlo suavemente, la extremidad de alta tecnología que ella esperaba. La Terre appelle Mathilde encuentra un camino original para contar su historia con sensibilidad, y el trabajo de Éléonore Delvaux-Beaudoin, quien también ha creado y protagonizado su propia webserie, Léo au féminin (2023), es absolutamente emocionante. En poco más de una hora, el recorrido de la protagonista resulta revelador y enriquecedor, aunque el futuro siga siendo incierto.

Le monde n'existe pas (The world does not exist)

Francia, 2024 | 4x45' | Panorama | ★★★★☆ 

Creada por Erwan Le Duc, Mariette Désert | Dirigida por Erwan Le Duc

Séries Mania '24: Mejor Música (Julie Roué)

El director Erwan Le Duc (1977, Francia) participó en el Festival de Cannes con su largometraje Perdrix (2019) y posteriormente dirigió La file de son père (2023) que tienen en común un estilo de narración siempre situado en un término medio entre la realidad y cierta textura poética. Pero el año pasado se adentró en el mundo de la televisión dirigiendo la comedia satírica sobre la política Bajo control (Filmin, 2023), que ganó el premio al Mejor Guión en Séries Mania '23, y este año presentó en el festival francés Le monde n'existe pas (El mundo no existe) (Arte, 2024), una historia original escrita y dirigida por él. Basada libremente en la novela del mismo título de Fabrice Humbert (1969, Francia), la serie tiene como protagonista a Adam Vollmann (Niels Schneider), un periodista que decide regresar al pueblo en el que pasó una infancia torturada cuando ve en las noticias que Axel Challe (Thomas Debaene), un amigo del instituto con el que tuvo una relación amorosa, es el principal sospechoso del asesinato de la joven Lola Montes, que toma su nombre como una referencia a la película Lola Montes (Max Ophüls, 1955), entre otras cosas porque después de que apareciera su cadáver, Axel ha huido adentrándose en el bosque. Mientras la policía le busca, Adam regresa a Guerches-sur-Isoire con su nueva identidad (cuando se marchó, decidió cambiarse de nombre) para realizar un reportaje sobre el caso, pero en realidad tratando de hacer su propia investigación, porque no cree que Axel haya podido ser el asesino. Pero esta miniserie de cuatro episodios no es tanto una historia policíaca, sino que se involucra cada vez más en la psicología de Adam y cómo le afecta el reencuentro con los lugares que para él se convirtieron en una pesadilla y con los antiguos alumnos que le acosaron y abusaron de él durante su adolescencia. Mientras en la novela la narración en primera persona de Adam resulta cada vez menos confiable, mezclando realidad y paranoias, la serie también resulta cada vez más compleja, introduciendo en el Episodio 3 (T1E3) referencias al carácter ficticio de la narración (mostrando algunos escenarios como decorados), de manera que queda difuminada la realidad de Adam con sus miedos y sus angustias. 

Trasladando la acción de la novela desde Estados Unidos hasta Francia, rodada en la localidad de Avion, cerca de Lille, Le monde n'existe pas nació como guión para una película de televisión pero Canal Arte propuso convertirla en una miniserie, dentro de una dinámica cada vez más habitual en la industria audiovisual. Pero esto permite desarrollar mejor la psicología del protagonista, introduciendo flashbacks de Adam (Roman Villedieu) cuando era adolescente, y cómo su relación con Axel (Noé Stanic) se convirtió en una salida frente al acoso que sufría del mismo grupo de alumnos que ahora entrevista como adultos para su reportaje. Adam estaba dispuesto a prender fuego al instituto cuando decidió huir, abandonando a su familia y rompiendo el contacto con su madre Myriam Mantel (Georgie Scalliet), a la que ni siquiera visitó cuando estaba enferma. El regreso al pueblo de su infancia es el recuerdo de los peores años de su vida, pero siempre desde la perspectiva de su propia memoria, marcada por el trauma. Pero el director Erwan Le Duc nos recuerda siempre que la realidad es cada vez menos percibida de manera directa, encontrando siempre elementos intermedios: Adam tiene una relación actualmente con Kiyoshi (Kengo Saito), pero con el que solo se comunica a través de videoconferencias porque él se encuentra en Japón; la madre de Lola Montes, Dolores (Anne Rotger) filtra a los medios de comunicación fotografías de su hija que son montajes falsos para mostrar que ella tenía una vida más alegre de la que era realmente; un antiguo compañero de instituto, Fabrice (Julien-Gaspar Oliveri) trabaja ahora como bibliotecario y se dedica a grabar en video escenas cotidianas del pueblo para que puedan ser vistas por sus habitantes en la sala de proyección. Este concepto de realidad siempre distorsionada introduce una mirada de extrañeza que a veces puede recordar a las historias de Álvaro Carmona y que incluye elementos de humor absurdo que remiten al cine de Bruno Dumont, aunque el director cita principalmente a los hermanos Coen como una de sus principales influencias. En el reparto, Niels Schneider, al que hemos visto recientemente en la serie Sangre y dinero (Filmin, 2023) y en películas como Golpe de suerte (Woody Allen, 2023) y Apaches (Romain Quirot, 2023), adopta un aspecto más rudo, ganando peso y rapándose el pelo como un aspecto físico que el personaje ha desarrollado para expresar mayor fortaleza, pero que no oculta su vulnerabilidad. Mientras que como secundario encontramos a Julien-Gaspar Oliveri, creador, director y protagonista de la excelente serie Ceux qui rougissent (Arte, 2024), que también se puede ver en la programación de Serielizados Fest. Esta interesante aproximación al drama psicológico tiene peculiaridades que subrayan la percepción de la realidad, marcada también por la original música de Julie Roué, una de las compositoras más interesantes del panorama cinematográfico francés, que ha trabajado con Erwan Le Duc en todos sus proyectos y también ha puesto música recientemente a la serie Zorro (Paramount+, 2024). 

Erro 404

Portugal, 2024 | 8x45' | Panorama | ★★★★☆ 

Creada y dirigida por Patricia Sequeira

Golden Globes Portugal '24: Nominada Mejor Actriz (Inês Aires Pereira)

En la pasada edición de los Golden Globes Portugal, celebrada el 29 de septiembre, era difícil competir con las dos series que consiguieron las principales nominaciones en las tres únicas categorías de Ficción de televisión: Rabo de Peixe (Netflix, 2023), que obtuvo el Globo de Oro a la Mejor Serie, y el excelente drama policial Matilha (Dogpack) (RTP, 2023), que consiguió los dos premios de interpretación para sus protagonistas, Margarida Vila-Nova y Afonso Pimentel, y que compite en la sección Oficial de Ficción del South International Series Festival, en Cádiz, aunque ya hablamos de ella cuando participó en el Berlinale Series Market. Pero entre las finalistas también estaba la actriz Inês Aires Pereira gracias a su trabajo en la serie Erro 404 (RTP, 2024), una comedia dramática con tono de distopía creada por Patricia Sequeira, que anteriormente había escrito y dirigido el drama juvenil Praxx (Prime Video, 2022), sobre las consecuencias de las novatadas cuando llegan demasiado lejos. En esta ocasión aborda un tono de comedia, pero con un trasfondo dramático para su protagonista, Rita (Inês Aires Pereira), quien acaba de perder a su mejor amiga y se refugia en una aplicación de móvil llamada Appy que permite intercambiar el cuerpo con otra persona durante unos minutos, viviendo cada uno la vida que tiene el otro. Pero el carácter experimental de esta herramienta que le permite escapar momentáneamente de su propia vida, se encuentra en fase experimental y a veces cae en errores que pueden resultar fatales, como qué ocurre si la aplicación se bloquea justo en el momento en el que estás en el cuerpo de otro. Es un planteamiento que puede recordar a la reciente película de terror Lo que hay dentro (Greg Jardin, 2024), pero sin tantos giros absurdos, o a cualquiera de las historias sobre intercambios de cuerpos que hace años se pusieron de moda en el cine. En realidad, a través de esta posibilidad de huir de una vida que no le resulta satisfactoria, la serie reflexiona sobre cómo Rita afronta el duelo por la muerte de su amiga Bia (Tota Alves), y deja de disfrutar de las pequeñas alegrías de la vida, incluso descuidando su trabajo como creativa publicitaria, lo que provoca un ultimátum de su jefa Carlota (Rita Durão). 

A lo largo de la serie, Rita adopta las vidas de otras personas tan dispares como Filipa (Rita Rocha Silva), una madre en constante estado de estrés, Benedita (Iri Cayatte), una raver que se encuentra en una fiesta en la que Appy tiene su primer error de funcionamiento, o Tânia (Vânia Naia), la cajera de un supermercado. Pero también comienza a experimentar las consecuencias provocadas por la aplicación, sobre todo que su propia vida es también ocupada por otras personas, y mientras ella está "ausente", los que ocupan su cuerpo inician una relación con su vecino Pedro (Cristovão Campos), aunque ella no tenía ninguna intención. El guión explora situaciones divertidas aprovechando estos intercambios de cuerpos, pero al mismo tiempo describe la necesidad de huir que tiene constantemente Rita, jugando con los elementos fantásticos de tipo tecnológico que provienen de las imperfecciones de la aplicación, con la aparición de un bug, un error de software que está representado a través de la figura de un Joker (João Cravo Cardoso), que tiene cada vez mayor presencia en los momentos en los que Rita vive otras vidas. Aunque Rita acude a una terapia de duelo, solo encuentra algo de comprensión en su abuela Lola (Valerie Braddell), cuando realizan un viaje a Figueira da Foz en el episodio Eror (T1E5) (el título de cada capítulo es la palabra "error", pero escrita de formas equivocadas). La propuesta de Patricia Sequeira es excelente en un desarrollo que siempre encuentra elementos nuevos, como cuando en el penúltimo episodio, Rero (T1E7), un usuario de la aplicación, Francisco (Dinarte de Freitas), ayuda a Rita a hackear Appy para que ella se intercambie con un famoso, y acaba en el cuerpo de la cantante Marisa Liz (una aparición especial interpretándose a sí misma), justo en el momento en que está a punto de subir al escenario de un concierto. La serie incluso bromea sobre la estética de la cantante en su último album, Girassóis e tempestades (2023, Universal Music). Pero Erro 404 es sobre todo una agradable invitación a disfrutar de los pequeños momentos de la vida, y construye un final acertadamente original.

Sex se estrena en salas de cine el 25 de octubre.

Familias como la nuestra se estrena en Movistar Plus+ el 8 de noviembre.

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Películas mencionadas:

Marte (The Martian) se puede ver en Disney+.

Sisu y Golpe de suerte se pueden ver en Movistar Plus+. 

Lola Montes se puede ver en Filmin. 

Apaches se puede ver en Filmin y Prime Video.

Lo que hay dentro se puede ver en Netflix.

Serielizados Fest '24: Parte 1: Héroes y heroínas

Serielizados Fest se ha consolidado en sus once ediciones como uno de los festivales más veteranos de España en el formato de series, siempre detrás de Crossover Series (2008) aunque con planteamientos diferentes. Mientras Crossover es un encuentro para hablar y reflexionar sobre el audiovisual, apoyándose también en proyecciones, Serielizados Fest tiene un enfoque principalmente centrado en la presentación de series internacionales, lo que también la diferencia de otras citas que se celebran en España: El FesTVal de Vitoria (2015) y el South International Series Festival de Cádiz (2023) tienen un perfil más popular, centrándose mucho en las series españolas para alimentar la alfombra roja, como una especie de Festival de Málaga pero en formato de series. En este sentido la muestra catalana es la que tiene el perfil más seriéfilo, dirigiéndose a aquellos espectadores que quieren descubrir nuevas series, aunque no tengan la seguridad de que finalmente se estrenen en España. Esta edición ha abandonado su extensión en Madrid y se circunscribe a las actividades presenciales en Barcelona y el formato digital a través de Filmin en el que se pueden ver parte de las series seleccionadas hasta el 27 de octubre. Serielizados Fest nació en 2013 como parte de un proyecto cultural que incluía una revista online, un laboratorio de creación, producción de pódcast y un festival de series, creciendo progresivamente hasta incorporar una amplia programación que se divide en dos secciones oficiales, una internacional y, a partir de este año, una nacional, además de proyecciones especiales, premieres y la sección Panorama en la que se ofrece una selección de series internacionales inéditas en España. Quizás la programación del festival depende demasiado de recoger la cosecha de otras muestras como Séries Mania y está muy a la deriva de los cambios de programación en las plataformas de streaming, lo que provoca que haya modificaciones de última hora, no se sabe si por falta de coordinación o por decisiones inesperadas. Esto crea situaciones algo extrañas como que el 12 de septiembre se anunciara dentro de la programación de Serielizados Fest The contestant (Disney+, 2023), un documental sobre un experimento de telerrealidad, que sin embargo se estrenó una semana después en Disney+. O que Amor sin wifi (Dates in real life) (Movistar Plus+, 2024) se anunciara a concurso y haya acabado fuera de competición, no sabemos si porque Movistar Plus+ la estrena este mismo mes o porque ya participó y fue premiada en el Festival Cinema Jove, que se celebró en junio. Una de las proyecciones que ha despertado más interés, con entradas agotadas, es Getting LOST (Taylor Morden, 2024), un documental de producción independiente, financiado a través de una campaña de recaudación de kickstarter, que hace un repaso a la influencia de una serie que acaba de cumplir 20 años, a través de entrevistas con sus responsables y miembros del reparto. Aunque resulta algo fallido porque no participa el protagonista, Matthew Fox, no sabemos si por falta de interés del actor al que pronto veremos junto a Michelle Pfeiffer en The Madison (SkyShowtime, 2025) o por falta de presupuesto, ya que Matthew Fox reside en Australia, donde ha protagonizado series como la alocada comedia C*A*U*G*H*T (Stan, 2023). Uno de los momentos esperados del festival es la clase magistral que ofrecerá el director Thomas Vinterberg, que presentará su primera serie, Familias como la nuestra (Movistar Plus+, 2024), que ha proyectado en los festivales de Venecia y Toronto, y esta misma semana se estrena en Dinamarca.

Al margen de algunos desajustes, la programación de Serielizados Fest es muy interesante para conocer lo que se hace a nivel internacional en el formato de series, aunque muchas de estas producciones no terminen consiguiendo distribución en España. Parte de la programación de Serielizados Fest la podéis encontrar reseñada en nuestro blog a través de nuestros reportajes sobre series inéditas o nuestras coberturas de festivales como Séries Mania, Denver SeriesFest o Festival de la Fiction, pero vamos a dedicar dos crónicas a otras series destacadas que quizás son menos llamativas pero también resultan interesantes. 

Los siguientes comentarios se basan exclusivamente en el visionado de las temporadas completas de las series comentadas y pueden contener información relevante sobre sus argumentos.

Penelope

Estados Unidos, 2024 | 8x30' | Fotogramas presenta | ★★★☆☆ 

Creada por Mark Duplass, Mel Eslyn | Dirigida por Mel Eslyn

Sundance '24: Programa Episodios Pilotos

SXSW '24: TV Spotlight

Denver SeriesFest '24: Proyección Especial

El formato de series ha adquirido un camino tradicional que se sostiene en las plataformas de streaming como principal soporte de la producción, pero en ocasiones algunos creadores se adentran en la producción independiente con la intención de vender posteriormente sus series, lo que les permite por otro lado mantener el control sobre los derechos de autor. Es el caso de James Ward Byrkit con la antología de ciencia-ficción Shatter belt (Filmin, 2023), pero también de Mark Duplass, a quien como actor podemos ver en el drama The morning show (Apple tv+, 2017-), y su hermano Jay Duplass, que ha participado como intérprete en series como Industry (Max, 2020-). Ambos tienen experiencia en el terreno de la producción al margen de los circuitos tradicionales, y se han embarcado en un proyecto singular y muy personal para el que no han contado con ningún apoyo financiero al margen de su productora Duplass Brothers, con la que han producido, entre otras, la comedia Somebody somewhere (Max, 2022-2024). Penelope (Netflix, 2024) ha sido co-escrita por Mark Duplass y Mel Eslyn, que también se encarga de la dirección, la misma colaboración que tuvieron ambos en la película de ciencia-ficción Biosphere (2022). Esta historia comienza con la adolescente Penelope (Megan Stott) saliendo de una fiesta y entrando en una tienda en la que compra diferentes suministros para dirigirse a la zona boscosa de Arlington (Washington), donde tratará de sobrevivir por sí misma. El hecho de que Megan Stott interpretara la versión joven de Reese Witherspoon en la miniserie Little fires everywhere (Prime Video, 2020) enseguida nos hace pensar que estamos ante una versión juvenil de Wild (Alma salvaje) (Jean-Marc Vallée, 2014), aunque también se puede comparar con Hacia rutas salvajes (Sean Penn, 2007), ambas historias de individuos enfrentados a la soledad de la vida en la naturaleza. Penelope ha recorrido circuitos de festivales norteamericanos como Sundance, SXSW y Denver SeriesFest, hasta que Netflix anunció la compra de los derechos de la serie para su estreno en Estados Unidos, donde llegó el pasado mes de septiembre. Coincidiendo con este estreno, la compañía multinacional Fremantle anunció que adquirió las ventas internacionales de la serie, por lo que la propuesta de los hermanos Duplass ha conseguido buenos resultados. 

Que lo primero que haga Penélope cuando llega al bosque sea abrazar un árbol es una representación un poco obvia de su intención de adentrarse en el contacto directo con el entorno natural, aunque hasta el último episodio no se ofrece una posible explicación de la razón por la que ha decidido aislarse del resto del mundo. Penelope se construye así en torno a este personaje principal y su convivencia con la naturaleza que la rodea, con una comunidad de seres humanos generalmente amables que encuentra a su alrededor. Quizás por eso la serie ofrece una perspectiva eminentemente optimista, incluso cuando la protagonista se encuentra en situaciones que ahora mismo pueden resultar perturbadoras, especialmente al tratarse de una adolescente sola: el guitarrista Sam (Austin Abrams) la invita a dormir en su caravana, un grupo de jóvenes se cruza en su camino... pero ninguna de estas situaciones termina donde pudieran suponer nuestras mentes perversas contagiadas por los efectos de los true crime. Al contrario, Mark Duplass defiende que en la comunidad de campistas suele producirse este tipo de solidaridad, y que el guión pretende huir de los tópicos que se podrían construir alrededor de una joven solitaria. Incluso cuando Penelope contacta con un osezno demasiado interesado en su campamento (y posteriormente con una madre osa no tan juguetona), hay una representación casi de cuento, que se manifiesta a través de la etérea música de Danny Bensi y Saunder Jurriaans con voces de Julia Piker, que a veces nos hace dudar si lo que estamos viendo es una versión soñadora de la realidad. Penelope siempre desemboca en el lado positivo, como cuando se enamora de Peter (Rhenzy Feliz), uno de los jóvenes cristianos excursionistas, o cuando contacta con Helena (Krisha Fairchild), una activista que vive en un árbol para evitar que sea talado, porque piensa que la supuesta enfermedad de los árboles que esgrimen las autoridades es una excusa para deforestar la zona. La serie está bien rodada y provoca ganas de lanzarse al bosque más cercano a vivir una aventura como la de Penélope, pero no está muy claro si realmente es tan interesante ver lo que le sucede a la protagonista en episodios cortos pero insuficientes. Porque incluso cuando la historia propone una explicación que nos permita conectar con la adolescente, acaba planteando más preguntas que respuestas. 

Ceux qui rougissent

Francia-Suiza, 2024 | 8x10' | Series Cortas Francófonas | ★★★★★ 

Creada por Julien-Gaspar-Oliveri, Maud Konan, Johan Rouveyre 

Dirigida por Julien Gaspar-Oliveri

Séries Mania '24: Mejor Serie Formatos Cortos

Entre las mejores series que pudimos ver en la pasada edición de Séries Mania, sin duda esta coproducción franco-suiza ocupa un lugar destacado, premiada como Mejor Serie de la competición de Formatos Cortos del festival. Porque la idea que propone Ceux qui rougissent (RTS/Arte, 2024), que podríamos traducir como Los que se sonrojan, es tan sencilla como particularmente emocional. La historia se desarrolla durante una clase de teatro en un instituto que coordina un profesor sustituto (Julien Gaspar-Oliveri) y a la que asisten una decena de alumnos que, en vez de recitar textos o interpretar escenas extraídas de la obra de Shakespeare que estaban ensayando, se acercan al mundo del teatro a partir de sus propios sentimientos y desde sus realidades personales. Cada episodio de poco más de 10 minutos está compuesto por un ejercicio en el que los jóvenes comenzarán a desinhibirse emocionalmente como un camino necesario hacia la incorporación de sus personajes. La técnica del profesor es sacarles de su zona de confort, como cuando en Mon role (Mi papel) (T1E1) lo primero que hace es cambiar los personajes de la obra El sueño de una noche de verano (1605, Ed. Austral) que se habían estado preparando cada uno de ellos: "¿Estás aquí solo para interpretar a Hermia o estás aquí porque quieres hacer teatro?", pregunta el profesor a una alumna que muestra su disgusto porque ya había memorizado su texto. El actor Julien Gaspar-Oliveri (1985, Francia), nominado al César por el cortometraje L'âge tendre (2020), y al que también podemos ver como secundario en otras dos series que se verán en la programación del festival, Le monde n'existe pas (Arte France, 2024) y Zorro (Paramount+, 2024), ha sido co-creador y director de esta historia basada en su experiencia como profesor en talleres de teatro con adolescentes. El formato de episodios cortos permite que la serie no solo se haya estrenado en la plataforma de Arte.tv sino también a través de Instagram y YouTube, donde se puede visionar completa, una estrategia que en España ha practicado recientemente la plataforma Pr1meran con su serie Itsatsita berriz (Pr1meran, 2024), que emite cada episodio en Instagram y el 25 de octubre se estrena completa en la plataforma. 

Aunque Mani Choukrane interpretó un pequeño papel en la película Les Rascals (Jimmy Laporal-Trésor, 2022), la mayor parte de los actores que participan en la serie no ha tenido ninguna experiencia en teatro o cine. El trabajo de improvisación ha ido conformando un guión que se muestra en un formato de docu-ficción rodado con dos cámaras para captar las expresiones de los jóvenes actores. El resultado es de una honestidad extraordinaria, alcanzando momentos de humor y emoción de gran espontaneidad y logrando algunas de las escenas más conmovedoras que hemos visto recientemente. Des bras (Abrazos) (T1E2) está enfocado en un ejercicio en el que una parte de los alumnos busca el abrazo del contrario, mientras que su antagonista rechaza ese abrazo, que sin embargo acabará desembocando en aceptación. Cada ejercicio es una metáfora de la vida y de la necesidad de los jóvenes por ser escuchados, aceptados y amados. En Jouer la vie (Jugar la vida) (T1E4) los protagonistas se intercambian los papeles e interpretan un personaje del género contrario, para acabar en una secuencia conmovedora en la que hablan de sí mismos como si ellos fueran sus padres. Y entendemos que son conscientes de las esperanzas que tienen puestas en ellos, pero también de las decepciones y de los fracasos que han experimentado. Ceux qui rougissent tiene una textura que recuerda a películas como La clase (Laurent Cantet, 2008), y la forma en que un aula se puede convertir en un microcosmos que refleja las vidas de sus alumnos. En su formato breve, la serie también es un excelente coming-of-age en el que estos adolescentes encuentran un punto de inflexión que les enfrenta al vértigo de un futuro reflejado en sus padres y en las emociones que deben expresar sobre el escenario. Este futuro esperado está maravillosamente expuesto en el último ejercicio en Saluts (Saludos) (T1E8), cuando los alumnos simulan diferentes fotos de grupo en las que muestran solo con sus expresiones cómo han sido, cómo se ven, y cómo esperan ser. Con el tema "Temporal", incluido en el album Leon (2023, Sabia) de la compositora brasileña Dom La Nena, son los cinco minutos más poderosos emocionalmente que hemos visto en una serie este año. 

Pyramid game

Corea del Sur, 2024 | 10x60' | Premiere | ★★★★☆ 

Creada por Dalgonyak, J.Q. Lee | Escrita por Choi Sui | Dirigida por Bak So Yeon

Séries Mania '24: Proyección Especial

A nivel internacional, la explosión de audiencia de las producciones de Corea del Sur que supuso el fenómeno de El juego del calamar (Netflix, 2021-) se ha desinflado en los últimos años. Aunque ha habido numerosos estrenos y las plataformas norteamericanas han realizado inversiones millonarias en el país asiático, los resultados no han sido tan satisfactorios como se esperaba. Las comparaciones son inevitables, y cualquier historia coreana que implique un juego de supervivencia como representación de la sociedad, es expuesta al escrutinio de la exitosa serie de Netflix. Pyramid game (Paramount+, 2024), sin embargo, tiene algunas peculiaridades: se desarrolla en una escuela de chicas, sin protagonistas masculinos, y configura la competición a partir de la tradicional división triangular de la sociedad: clase alta, clase media y clase baja. La llegada de Seong Su-ji (Kim Ji-yeon, más conocida como Bona) le introduce directamente en este perverso juego que se descarga a través de una aplicación, y que deja en manos de las alumnas una especie de votación de popularidad que estipula en qué posición de la clase/sociedad tendrán que permanecer las estudiantes votadas. Las que más votos consiguen son clase A, mientras que aquellas que no obtienen ningún voto, no solamente pasan a formar parte de la inferior clase F, sino que deben someterse sin quejas a una especie de acoso escolar institucionalizado. Los primeros episodios de la serie pueden llegar a ser muy violentos y explícitos en la representación del bullying, un problema que permanece en Corea del Sur como una lacra difícil de resolver. Porque el acoso escolar es uno de sus deberes pendientes, con un incremento preocupante el año pasado, donde el acoso verbal representó el 42% de toda la violencia escolar en 2023, aumentando de un 10,7% a un 13,3% los casos de violencia física. El gobierno coreano decidió adoptar recientemente medidas más directas en contra del bullying, especialmente cuando se produjeron acusaciones contra el hijo de un funcionario del Ministerio de Educación. Algunos actores y actrices famosos también se han visto envueltos en controversia cuando han recibido denuncias que les acusan de haber sido abusadores en su época de estudiantes.

Pyramid game está basada en el conocido webtoon Pyramid game (Naver, 2020-2022) del artista Dalgonyak, trasladando el universo de esa escuela que funciona como representación de la sociedad coreana. Las alumnas menos privilegiadas como Myung Ja-eun (Ryu Da-Bin) sufren el acoso por parte del resto de alumnas, condenada a permanecer en la clase inferior de un juego perverso que dirige aparentemente Im Ye-rim (Kang Na-eon), pero que en realidad está controlado y diseñado por Baek Ha-rin (Jang Da-ah), una joven maquiavélica e intocable, porque su familia es la propietaria de la escuela. Ella es una especie de abeja reina que se convierte tras los primeros episodios en la antagonista principal de la serie, y está interpretada con suficiente hermetismo por la actriz debutante Jang Da-ah. Uno de los aspectos más controvertidos de la representación del acoso escolar en las series y películas coreanas es la forma en que se plantea la venganza como la solución principal, es decir, contrarrestar la violencia con más violencia. Lo hemos visto en series como La Gloria (Netflix, 2022-2023) o The king of pigs (TVING, 2022), y más recientemente en películas como Brave citizen (Park Jin-Pyo, 2023). Lo interesante de esta serie adaptada por J.Q. Lee (1970, Corea del Sur), responsable de Estamos muertos (Netflix, 2022), es que introduce algunos elementos más profundos sobre cuál es el origen del acoso escolar, y cómo la propia sociedad se sostiene en la opresión: los padres maltratan a los profesores y a sus propios hijos, los profesores maltratan a los alumnos y los jefes maltratan a sus empleados. De manera que solo subvirtiendo los cimientos de la sociedad, y no a través de comités de acoso escolar, es como se puede encontrar cierta solución al problema. Así, tras unos primeros episodios que pueden llegar a ser algo confusos, centrados en las estrategias de Seong Su-ji para evitar ser condenada a la clase inferior, su objetivo principal pasa a ser el de dinamitar el orden establecido. 

La serie es especialmente interesante cuando propone que el sentido de comunidad y la colaboración mutua es la que puede romper el sistema. En el Episodio 7 se plantea un juego de supervivencia que se convierte en un acto de rebeldía, con las alumnas de clases inferiores haciendo frente a las imposiciones de las clases superiores. Otra de las ideas interesantes es plantear que los acosadores también han sido (o son) víctimas de acoso, y que quizás algunas víctimas podrían ser acosadoras en entornos diferentes, de forma que la línea entre culpabilidad e inocencia se difumina. En general, Pyramid game construye personajes ambiguos que la hacen más impactante, en una trama en la que las protagonistas también buscan un beneficio personal. Aunque Seong Su-ji se dé cuenta de que la individualidad no tiene posibilidades de cambiar el sistema. Con un desenlace igualmente ambiguo que deja una puerta abierta a una nueva temporada, la serie mantiene una tensión constante a pesar de ciertos momentos confusos, y mejora cuando se enfoca en el enfrentamiento entre la protagonista y su antagonista, con episodios especialmente tensos y trepidantes. El proyecto forma parte del paquete de producciones que negociaron Paramount Global y el conglomerado de entretenimiento coreano CJ ENM, de la que se han estrenado Yonder (Paramount+, 2022) y Bargain (Negociaciones) (SkyShowtime, 2022). De manera que en el mercado internacional, Pyramid game se puede ver a través de la plataforma Paramount+, aunque en los territorios en los que no está presente, como Alemania, es distribuida a través de Prime Video. 

Releyendo Mafalda

Argentina, 2023 | 4x30' | Premiere | ★★★★☆ 

Escrita por Julián Troksberg | Dirigida por Lorena Muñoz

Canneseries '23: Competición Documental

Aunque Releyendo Mafalda (National Geographic, 2023) no se sale demasiado de los convencionalismos del género documental más clásico, es un recorrido muy cautivador sobre un personaje que nació y se desarrolló en una época complicada para Argentina, y cuyo interés está resurgiendo. En Iberseries & Platino Industria se habló de la producción de la serie de animación Mafalda (Netflix, 2025), que dirige Juan José Campanella. A través de la participación de dibujantes, expertos y lectores más o menos conocidos de la obra de su creador, Quino (1932-2020, Argentina), la serie repasa la evolución de su personaje más popular. El enfoque exclusivo en Mafalda quizás resulta demasiado limitado para un documental que no es muy largo, poco más de dos horas en total, pero que podría haber dedicado algo de tiempo a repasar la trayectoria de su autor. Y como suele ser habitual en los últimos años, predomina la cantidad de entrevistados frente a la calidad de sus intervenciones, introduciendo nombres conocidos como Cecilia Roth, Luis Brandoni o Santiago Segura pero que, en realidad, no aportan demasiado al relato. Más interesantes son las intervenciones de dibujantes como Maitena, Liniers, Montt, Tute, Rep, Kemchs y Raquel Riba Rossi, que contextualizan al personaje también en su evolución como dibujo. Nacida como un personaje para promocionar una marca de electrodomésticos, las historias de Mafalda y su familia se convierten en regulares a partir de su publicación como tiras a pie de página en el periódico Primera Plana, para pasar posteriormente a publicarse en El Mundo y Siete Días Ilustrados, hasta que Quino decidió dejar de dibujar sus historias en 1973. Pero éste sería el comienzo del éxito internacional de Mafalda a partir de la recopilación de sus tiras en pequeños libros que terminaron haciéndose muy populares en todo el mundo. En Los amigos (T1E2) se hace una descripción de los personajes secundarios que acompañan a la protagonista, como su hermano Miguelito o su amiga Susanita, mientras que Universo Mafalda (T1E3) se centra en el mundo de los adultos, con sus padres representando a una clase media argentina que podía mantenerse económicamente pero tenía dificultades para permitirse ciertos lujos como tener un coche. 

La obra de Quino se muestra como un reflejo de la sociedad argentina de su época, y parte de la publicación del personaje se realiza en un período de dictadura militar, desde el golpe de estado de 1966, donde el dibujante utiliza el doble sentido para exponer determinadas injusticias y amenazas del panorama político argentino. El guión de Julián Troksberg explica bien el contexto histórico y ofrece una mirada al personaje que lo sitúa como un espejo de una parte de la sociedad que se oponía a la censura y la progresiva violencia del gobierno militar. Es la parte más interesante de una serie documental producida para National Geographic que se distribuyó en Latinoamérica a través de la plataforma Disney+, aunque permanece inédita en España. Cuando en 1973 Quino decidió dejar de crear las historias de Mafalda, expresó que no quería decepcionar a los lectores y prefería acabar antes de que se le agotaran las ideas. Junto a los entrevistados grabados en la actualidad se incluye material de archivo de programas en los que intervino el propio dibujante. Una de las anécdotas que demuestra la trascendencia del éxito del personaje se cuenta en el episodio Mafalda eterna (T1E4), refiriéndose a cuando en 1975 los servicios de inteligencia de la dictadura decidieron utilizar una tira de Mafalda en la que ésta señalaba la porra de un policía diciendo: "¿Ves? este es el palito de abollar ideologías". Pero en su intento de conseguir apoyo social para el golpe de estado, diseñaron un cartel en el que cambiaron a Mafalda por Miguelito, diciendo: "¿Ves, Mafalda? Gracias a este palito hoy podés ir a la escuela". En aquella época, la represión violenta se intensificó y Quino decidió exiliarse con su familia y afincarse en Milán, donde se encontraba la editorial que publicaba los libros de Mafalda en Europa. Releyendo Mafalda quizás flaquea en su decisión de no entrar demasiado en el retrato del dibujante y su entorno, pero es un acercamiento interesante a un personaje que se convirtió en un referente de los cómics y una representación de la sociedad argentina, mucho más cuando ésta fue sometida a la opresión de la dictadura. 

What happened to Solveig?

Noruega, 2023 | 8x25' | Comedias Noruegas | ★★★☆☆ 

Creada por Lars Kristian Flemmen, Kevin Vågenes, Martin Zimmer

Dirigida por Lars Kristian Flemmen

Festival de la Fiction '23: Competición Europea

Premios Gullruten '24: Mejor Maquillaje

Serielizados Fest ofrece una sesión especial dedicada a comedias noruegas, con la proyección de tres series: Cammo (NRK, 2023-) es una agradable historia sobre la improbable relación entre una influencer y una joven con síndrome de Down, que ganó el premio Gullruten '24 de la televisión noruega a la Mejor Intérprete de Comedia (Caroline Glomnes), y ha estrenado hace unas semanas su segunda temporada; Purk (Piggy) (TV2, 2024) es un thriller de humor que obtuvo críticas algo tibias en su estreno el pasado mes de marzo. Pero entre ellas destacamos por su particularidad esta serie creada por el comediante Kevin Vågenes (1986, Noruega), quien reside entre Noruega y Estados Unidos, donde se formó como actor en la Universidad del Sur de California (USC), aunque principalmente desarrolla su trabajo en su país de origen, donde series como Parterapi (Terapia de pareja) (NRK, 2017-2020) han sido un gran éxito. También ha participado este año en la primera temporada de Evig singel (Still looking) (TV2 Play, 2024), después de haber estrenado en agosto del año pasado el true crime What happened to Solveig? (NRK, 2023). Con un estilo que parodia un género tan recurrente en los últimos años, la serie se centra en la desaparición de Solveig Lyngåsen (Kevin Vågenes), una conocida bloguera cuya última retransmisión en directo desde Nesvågen en 2013, mostraba cómo había sido empujada por un acantilado. Sin embargo, su cuerpo no se encontró y las sospechas del agente de la policía local Arnfinn Tovøy (Kevin Vågenes) se dirigen directamente hacia Ole Glenn Averøy (Andreas Larsen), simplemente porque es el único habitante del pueblo que tiene antecedentes penales. Sin embargo, la periodista Rachel Zoe Isachsen (Uma Feed) decide retomar el caso junto a su compañero Henrik Eide (Kevin Vågenes), al que en realidad le gustaría ocupar su puesto como periodista de investigación, y comienza a entrevistar a todos los personajes que rodearon a Solveig, nunca interrogados por la policía. El concepto de la serie es muy claro como parodia, pero tiene la virtud de que los elementos humorísticos surgen de los personajes, mientras que la producción, el montaje y la adecuada música del compositor noruego afincado en Los Angeles, Johannes Ringen, que ha trabajado junto a Brian Tyler en películas como Fast & Furious 7 (James Wan, 2015) y Vengadores: La era de Ultrón (Joss Whedon, 2015), aportan la suficiente seriedad como para que el contraste con el humor funcione bien. Porque la base de la comedia está en la interpretación que hace Kevin Vågenes de 17 personajes que aparecen en la serie, desde una cajera de supermercado hasta una amiga de la joven desaparecida, lo que le valió una nominación a los premios Gullruten '24 como Mejor Intérprete de comedia, aunque la serie solo obtuvo el premio al Mejor Maquillaje.

También es cierto que What happened to Solveig? puede resultar demasiado extensa, aunque sabe construir algunos giros de guión que mantienen el interés en la historia, pero flaquea en algunos personajes que no terminan de ser tan divertidos como se pretende, como una entrevistada que solo lanza expresiones de asombro, sin decir una sola palabra en casi toda la temporada. El actor también retoma algunos personajes que ya había interpretado en otras series, de manera que la influencer Sara Eline, que aparecía en la comedia Parterapi, resulta ser hermanastra de Solveig. El personaje siempre fue considerado una parodia de una conocida influencer noruega, Sophie Elise, que se prodiga en programas de televisión y es una de las cuatro influencers a las que sigue el programa Girls of Oslo (Prime Video, 2023-), que ha conseguido un destacado éxito. También repiten personajes como el peluquero Gaute Renati, que aparecía asimismo en Parterapi, o la aspirante a cantante Siri Gabrielsen. De manera que los espectadores más familiarizados con el trabajo anterior de Kevin Vågenes pueden encontrar más elementos de humor en la aparición de estos invitados especiales ya conocidos. La comedia es un poco tonta, pero funciona bien, especialmente cuando sabe mantener una constante que despierta cierta curiosidad, como cuando aparece Børre Børresen (Kevin Vågenes) que tiene durante todo el tiempo una expresión extraña, cuyo origen se resuelve en los créditos del episodio final. En cierta manera, Kevin Vågenes parece muy influenciado por la comedia norteamericana, y su composición de máscaras para sus personajes está claramente inspirada en programas como Saturday Night Live (NBC, 1975-). Por eso resulta más cercano el sentido del humor que desprende What happened to Solveig?, a pesar de las referencias más locales que puedan encontrarse. La serie fue seleccionada en 2023 para la competición de Series Europeas del Festival de la Fiction, junto a Cammo (NRK, 2023-), que también forma parte de la sesión especial de comedias noruegas que se podrá ver el 20 de octubre en Serielizados Fest. 

Zorro

Francia, 2024 | 8x30' | Premiere | ★★★☆☆ 

Creada por Benjamin Charbit, Noé Debré

Dirigida por Jean-Baptiste Saurel, Émilie Noblet

El héroe enmascarado creado por Johnston McCulley en 1919 está siendo revisado con varios proyectos en marcha dedicados al personaje, y en Francia se han estrenado dos de estas versiones: la española Zorro (Prime Video, 2024) ha funcionado con éxito este verano como uno de los grandes estrenos de la recién creada plataforma de streaming M6+, mientras que esta coproducción entre France Télévision y Paramount+ que se ha estrenado en septiembre tiene un enfoque diferente aunque también con una mirada más actualizada, dando más relevancia a los personajes femeninos. El planteamiento de Zorro (Paramount+, 2024) se dirige más hacia la comedia, y de hecho está creada por dos autores que han abordado este género: Benjamin Charbit, co-guionista de Gagarine (Fanny Liatard, Jérémy Trouilh, 2020) y The beast (La bestia) (Bertrand Bonello, 2023), y Noé Debré, creador de la serie Parliament (France tv, 2020-). La diferencia principal entre ambas versiones es que en la española quiere prevalecer una visión más épica del personaje, mientras que en la francesa Don Diego de la Vega (Jean Dujardin) es un héroe ya maduro que retoma su disfraz ante los excesos cometidos por Don Emmanuel (Eric Elmosnino), que está construyendo un casino con métodos esclavistas. De manera que hay un sentido paródico de un personaje al que el traje le está ajustado, los zapatos crujen del tiempo que han estado guardados y tiene que practicar la firma porque ha perdido práctica, y la serie adopta un sentido del humor parecido a la saga de parodias de espías que comenzó con OSS 117: El Cairo, nido de espías (Michel Hazanavicius, 2006), también protagonizada por Jean Dujardin. Este tono de comedia resulta efectivo en los primeros episodios, pero también prescinde de la reflexión sobre la figura del héroe que proponen otros acercamientos, centrándose más en la relación entre Diego de la Vega y su esposa Gabriella (Audrey Dana), que adquiere mayor importancia a lo largo de la temporada. Esta confrontación con la masculinidad que tradicionalmente representa el personaje del Zorro es lo más interesante de la serie, creando un arco narrativo para Gabriella que la convierte en amante del Zorro pensando que lo hace a espaldas de su marido, y posteriormente establece una identificación de ella misma, que adopta la personalidad del héroe en una versión femenina. Francia se ha acercado al personaje de una manera más clásica en algunos precedentes destacados como la película El Zorro (Duccio Tessari, 1975), que protagonizó Alain Delon como el héroe enmascarado, y que también fue rodada en España. 

Hay algunos aciertos en esta versión francesa frente a la española: el antagonista Don Emmanuel tiene la suficiente entidad como para resultar ambivalente, como enemigo de El Zorro pero colaborador de Don Diego de la Vega, mientras que el tratamiento de Bernardo (Salvatore Ficarra), el ayudante mudo del héroe, es mucho más adecuado, eligiendo a un actor que se ha formado en el vodevil y la pantomima, de manera que resulta lo suficientemente expresivo en sus gestos como para entender lo que dice sin necesidad de una "traducción" continua, como ocurría con Paco Tous. Ambientada en Los Angeles en 1821, Zorro se ha rodado completamente en España, tanto en el desierto de Almería como en los alrededores de Toledo, lo que aporta a la estética de la serie un tono de spaghetti western que introduce cierta nostalgia. Siguiendo el estilo de las películas de aventuras que Jean-Paul Rappeneau desarrolló en Gracias y desgracias de un casado del año II (1971) y Cyrano de Bergerac (1990), esta versión dirigida por Jean-Baptiste Saurel y Émilie Noblet trata el sentido épico con una mirada más realista, aunque tiene algunos problemas en mantener el ritmo a lo largo de los ocho episodios. Un poco secuestrada por sus propias referencias y el carácter paródico del personaje, Zorro pierde de vista la reflexión sobre la figura del héroe (Don Diego representa como alcalde el sistema pero al mismo tiempo lucha contra él cuando se disfraza del enmascarado) para convertirse en una comedia costumbrista sobre un matrimonio a punto de fracasar al que solo revive la visión idealizada de un personaje irreal. Pero no es suficiente para que este nuevo acercamiento al héroe resulte demasiado apasionante, seguramente porque la creación a cuatro manos no encuentra el equilibrio adecuado: Noé Debré asumió el proyecto desde el principio creando el entorno socio-político, mientras que Benjamín Charbit adoptó la responsabilidad de desarrollar el tono de vodevil de la historia. Hay momentos divertidos y un desenlace ingenioso que deja abierta la posibilidad de la representación del héroe en otros personajes, pero al final da la sensación de que esta nueva versión del Zorro es demasiado superficial y vodevilesca.

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Películas mencionadas:

The contestant, Alma salvaje y Vengadores: La era de Ultrón se pueden ver en Disney+.

Fast & Furious 7 se puede ver en Netflix, Prime Video y SkyShowtime.

El Zorro (1975) se puede ver en FlixOlé y Plex.

Gracias y desgracias de un casado del año II se puede ver en Filmin. 

Cyrano de Bergerac se puede ver en Acontra+ y Filmin.