Guía de los estrenos de SkyShowtime: 1ª Parte

El 28 de febrero llega finalmente a España la plataforma SkyShowtime después de un proceso de expansión por más de una veintena de países que se ha ido produciendo de forma gradual desde el mes de septiembre de 2022. Aunque el mercado español, junto a Andorra, es el último en el que se posiciona la plataforma, es también uno de los más importantes por el número potencial de suscriptores, beneficiándose además de un catálogo más consolidado y de nuevos acuerdos con dispositivos como los televisores inteligentes Samsung, posteriores a 2017, pero con algunas carencias, como la incompatibilidad por ahora con Fire TV. La plataforma está disponible a través de su página web, así como de sus apps para iOS, tvOS, dispositivos Android, Android TV, Google Chromecast, Samsung y LG, y se anuncia su integración con Movistar+, pero no inmediata, sino dentro de unos meses. Este desembarco en 22 países se produce de forma paralela a la introducción de Paramount+ en territorios como Reino Unido, Irlanda, Italia, Alemania, Suiza y Austria, donde se lanza a través de Sky Group, así como en Corea del Sur. Una de las circunstancias más curiosas es que, sosteniéndose principalmente en los contenidos de NBCUniversal y Paramount, la plataforma haya adoptado el nombre de Sky y de Showtime, sobre todo porque esta última ya se ha anunciado que se integrará en Paramount+ en los Estados Unidos. Para el CEO de SkyShowtime, Monty Sarhan, no hay ninguna contradicción, según comentaba en la revista Variety: "La marca Sky es premium y Showtime es una marca premium. Así que estamos extremadamente orgullosos de llamarnos SkyShowtime. Showtime seguirá creando series increíbles y geniales, y seremos el hogar para ellas" (Variety, 14/2/2023). No obstante, algunas de las últimas series de la productora ya tienen el anuncio de cancelación tras solo una temporada. 

SkyShowtime utiliza la tecnología creada para Peacock en Estados Unidos como soporte para su contenido, y de hecho el diseño de la interfaz es muy similar en ambas. A la plataforma se le critica sin embargo que todavía no disponga de contenido en 4K, mientras que Paramount+ sí que cuenta con ella, pero las fuentes oficiales afirman que están trabajando en ello. La decisión de contar con la tecnología de Comcast responde principalmente a la estabilidad y la escalabilidad de Peacock, que hace unos días fue capaz de transmitir dos grandes acontecimientos en directo la misma noche: la final de la Super Bowl mientras continuaba la cobertura de los Juegos Olímpicos de Invierno. Es un dato importante, porque la tendencia de las plataformas es la de ofrecer cada vez más transmisiones en directo. SkyShowtime no solo tiene la intención de ser el recipiente de las producciones de Universal, Paramount+, Sky y Showtime, sino que pretende ofrecer cada vez más contenido original en colaboración con los mercados locales. A continuación, hacemos un comentario crítico de las principales series que llegan a España desde el 28 de febrero. 

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SHERIDAN METAVERSO

Yellowstone

Creada por Taylor Sheridan, John Linson

Temporadas 1-4: 10 episodios c/u - Completas

Temporada 5 (1ª Parte): 8 Episodios - Episodios semanales

Después de mucho tiempo, por fin se puede ver en España la serie de más éxito en la televisión por cable en Estados Unidos. Yellowstone (2018-2023) fue uno de los mayores errores de Paramount Network cuando decidió vender sus derechos de transmisión en streaming a Peacock un año antes de que surgiera Paramount+, sin tener la previsión de que aquella se convertiría en un competidor directo. De forma que la serie solo se transmite en la televisión por cable Paramount Network, donde el primer episodio de la quinta temporada consiguió una audiencia de 8,8 millones de espectadores. En el resto del mundo, sin embargo Paramount+ transmite esta producción, una de las que han llegado a SkyShowtime con emisiones casi simultáneas con Estados Unidos. Cuando se expanden los rumores de que la serie podría acabar este año debido a desacuerdos con Kevin Costner, que su abogado ha negado, la primera parte de la quinta temporada llega a España en emisiones semanales y en cierta manera transmite la sensación de que Taylor Sheridan está más dedicado a desarrollar el universo de spin offs que a la propia serie matriz. Esta temporada, de hecho, John Dutton (Kevin Costner) sigue siendo el centro sobre el que pivota el resto de personajes pero tiene menor presencia, con una mayor tendencia a establecer conflictos entre algunos de sus hijos. Tras la espectacular tercera temporada y una cuarta que ya introducía guiños a los spin-offs, esta quinta parece sin embargo algo estancada. 

1883

Creada por Taylor Sheridan

Miniserie: 10 episodios + 1 episodio detrás de las cámaras - completa

El primer spin-off surgido tras un acuerdo millonario de Taylor Sheridan con Paramount, y que permite a su plataforma tener la exclusividad absoluta de las emisiones en streaming, es este magnífico western de maneras clásicas que cuenta la odisea de los ascendentes de la familia Dutton como colonos recién llegados a Norteamérica. 1883 (2021) es, ante todo, un excelente western que muestra con crudeza los peligros y la violencia de una época en la que la vida tenía un precio no demasiado alto, describiendo un viaje de los colonos que está constantemente amenazado por los peligros de la naturaleza, pero también por los ladrones y las tribus indígenas. Taylor Sheridan consigue una representación desoladora de esta primera llegada de los colonos, que también están presentes en algunos flashbacks incluidos en la temporada 4 de Yellowstone, que se transmitió al mismo tiempo que se estrenaba este spin-off. Y aunque algunos recursos como la voz en off que continuará en 1923 pueden ser discutibles, a veces con un tono demasiado empalagoso, se trata de una serie espléndida con un gran trabajo de Sam Elliot. También el compositor Brian Tyler, habitual colaborador de Taylor Sheridan, consigue una de sus mejores composiciones con esta banda sonora.  

1923

Creada por Taylor Sheridan

Temporada 1: 8 episodios - Episodios semanales

La continuación de la historia familiar de los Dutton se desarrolla en esta ambiciosa producción que tiene un reparto estelar (en 1883 ya aparecían cameos de estrellas como Tom Hanks), protagonizando la historia Harrison Ford y Helen Mirren. Estrenada el pasado mes de diciembre y ya confirmada una segunda temporada, en 1923 (2022-) asistimos a la llegada de los primeros automóviles y la historia se divide en tres tramas que acabarán conectándose: una muestra clásica de western que protagonizan Jacob Dutton (Harrison Ford) y Cara Dutton (Helen Mirren), una trama que se desarrolla en Africa protagonizada por Spencer Dutton (Brandon Sklenar) y una historia de abusos en una comunidad religiosa hacia un grupo de jóvenes indígenas "educadas" en la fe cristiana. Con menor contundencia que su antecesora, 1923 ofrece escenas de violencia extrema y algunos giros de guión que van conformando el árbol genealógico de la familia Dutton, pero sobre todo permite disfrutar de dos excelentes trabajos de Ford y Mirren, ella especialmente destacada en algunos episodios. De alguna forma, la serie consolida a Taylor Sheridan como uno de los creadores más capacitados para atraer a grandes estrellas de Hollywood a su propio universo narrativo. En los países donde ya estaba implantada SkyShowtime, el estreno de la serie se anunció para diciembre, simultáneamente con Estados Unidos, pero por razones no explicadas por la compañía, finalmente se retrasó hasta enero. En España se podrá ver en episodios semanales. 

Mayor of Kingstown

Creada por Taylor Sheridan, Hugh Dillon

Temporada 1: 10 episodios - Completa

Temporada 2: 8 Episodios - Episodios semanales

Creada en colaboración con Hugh Dillon, uno de los actores secundarios de Yellowstone, esta producción sobre el sistema carcelario en los Estados Unidos, está protagonizada por una especie de negociador, Mike McLusky (Jeremy Renner), un ex-delincuente que sirve como enlace entre los prisioneros y los políticos, estableciendo conexiones con el mundo de la delincuencia local y tratando de mantener un cierto equilibrio en la tensión constante que se produce en una ciudad-prisión en la que existen siete cárceles gestionadas por administraciones privadas. Aunque a veces tiene dificultades para mantener la atención, construye una creciente incertidumbre que acaba con un final de la primera temporada muy impactante. Hay algún personaje como el de Iris (Emma Laird) que recuerda a Beth Dutton (Kelly Reilly), uno de esos retratos femeninos empoderados de Taylor Sheridan con mejores intenciones que profundidad. A Mayor of Kingstown (2021-) se la ha acusado de ser demasiado violenta y sombría, pero este tono de fatalidad encaja con un sistema penitenciario sorprendentemente cruel y abocado al fracaso. 

Tulsa King

Creada por Taylor Sheridan, Terence Winter

Temporada 1: 9 episodios - Episodios semanales

La última serie de Taylor Sheridan es esta producción que incorpora a Sylvester Stallone por primera vez al formato serializado, aunque en realidad el autor ha aportado las líneas principales de la historia, pero el guión ha sido desarrollado por Terence Winter, uno de los grandes creadores de la televisión, productor y guionista de Los Soprano (HBO Max, 1999-2007) y de Boardwalk Empire (HBO Max, 2010-2014) y de películas como El lobo de Wall Street (Martin Scorsese, 2013), que también se incluye en SkyShowtime. Pero Tulsa King (2022-) no está a la altura de estas producciones. Comienza como una especie de versión de Lilyhammer (Netflix, 2012-2014), en un tono humorístico sobre un gángster que ha cumplido 25 años en prisión y que acaba a regañadientes en un pequeño pueblo de Oklahoma donde impondrá su manera particular de hacer las cosas, y poco a poco se va desarrollando hacia una trama de enfrentamientos entre miembros de la mafia que resulta poco estimulante. Sylvester Stallone hace un buen trabajo sin esforzarse demasiado, pero a su personaje le falta credibilidad (resulta sorprendente su interacción con las mujeres). Pero lo más decepcionante es lo insustancial que son los diálogos y el desarrollo de los personajes viniendo de un guionista como Terence Winter. Aunque se ha emitido completa, en España se podrá ver en episodios semanales. 

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QUÉDATE EN EL SOFÁ, MERECE LA PENA

All the sins

Creada por Venla Aako, Mika Ronkainen

Temporadas 1-3: 6 episodios c/u - completa

Uno de los éxitos más destacados en Finlandia es este original thriller nórdico, ganador del premio al mejor Guión en el Festival de Gotemburgo 2019, que introduce una investigación policial en el entorno religioso de una comunidad que practica el laestadianismo, un movimiento luterano que nació dentro de la cultura sami en el siglo XIX. En este contexto se producen dos asesinatos que son investigados por dos policías provenientes de Helsinki: Lauri Räihä (Johannes Holopainen), un joven que se crió en la comunidad laestadianista, de la que quiso desvincularse para vivir con libertad su homosexualidad. Y la agente Sanna Tervo (Maria Sid), que se quedó viuda de su marido en una situación en la que ella misma estuvo en peligro y por la que su hija la culpa. All the sins (2019-2023) construye una trama que se resuelve en cada una de sus tres temporadas, pero que mantiene lazos constantes, con una estructura singular en la que la segunda temporada retrocede en el tiempo y está protagonizada por el agente local Jussi Ritola (Matti Ristinen), un personaje secundario. La tercera temporada, estrenada en Finlandia a finales del año pasado, recupera el presente y a los dos policías para investigar un nuevo asesinato que tiene relación con ese pasado.  

The calling

Creada por David E. Kelley

Temporada 1: 8 episodios - completa

La primera serie que produce para Peacock el prolífico David E. Kelley, en colaboración con Barry Levinson, es esta especie de procedimental que en realidad no lo es, centrándose solo en dos casos que ocupan cada uno de ellos la mitad de los 8 episodios de que consta la primera temporada. The calling (2022-) tiene la particularidad de que está protagonizada por un investigador judío ortodoxo que reza en las escenas del crimen ante las víctimas y que utiliza una especie de sexto sentido espiritual para resolver los casos, especialmente hábil en la sala de interrogatorios que prácticamente convierte en un lugar de confesión para los interrogados. Esta introducción de los elementos espirituales dan a la serie una textura diferente, reforzada por una estructura que también se salta algunas reglas de los típicos procedimentales. Aunque hay algunos personajes secundarios poco desarrollados, destaca sobre todo el primer caso en una trama policial que decae en su segundo tramo pero que resulta atractiva gracias a su protagonista. Avraham Avraham (Jeff Wilbusch) es más interesante cuando está obsesionado y angustiado que cuando está relajado, más profundo cuando se enfrenta a la oscuridad del ser humano que contradice su propia formación confesional, lo que termina creando a un personaje que padece la constante confrontación con el lado más tenebroso de la sociedad.

The calling

Creada por Leslie Grief, Michael Tolkin

Miniserie: 10 episodios - completa

Partiendo de la base de que The offer (2022) es la versión personal del que fuera productor ejecutivo de El padrino (Francis Ford Coppola, 1972), Albert S. Ruddy, con el que ni Coppola ni Mario Puzo quisieron trabajar en la continuación (aunque en la serie se afirma que fue decisión del propio Ruddy), esta producción hay que tomarla con cierto distanciamiento para poder disfrutarla. Lo que se cuenta hay que creerlo solo hasta cierto punto, resultando sorprendente que Paramount haya escogido precisamente este punto de vista para desarrollar una serie sobre el rodaje de una de sus películas más celebradas. En todo caso, es una reproducción nostálgica y disfrutable en torno a un proyecto que se enfrentó a numerosos problemas, y hay recreaciones espléndidas de algunos momentos del rodaje como cuando el equipo se traslada a Italia. Especialmente destacables son las secuencias en las que Francis Coppola (Dan Fogler) y Mario Puzo (Patrick Gallo) trabajan en el guión, o la lucha por incorporar al casi desconocido Al Pacino (Anthony Ippolito) en la película, aunque en otros casos resulte menos efectivo, como el retrato que se hace de Marlon Brando (Justin Chambers). Pero es una serie que desprende el tono de una época de esplendor en el cine, desarrollada precisamente por Michael Tolkin, guionista de la excelente película El juego de Hollywood (Robert Altman, 1992). 

Let the right one in

Creada por Andrew Hinderaker

Temporada 1: 10 episodios - completa

La versión serializada de la novela en la que se basaron las películas Déjame entrar (Tomas Alfredson, 2008) y su remake norteamericano Déjame entrar (Let me in) (Matt Reeves, 2010) propone algunos cambios sustanciales sobre sus predecesoras, pero consigue transmitir ese tono de desasosiego en el que la niña vampira Eleanor (una excelente Madison Taylor Báez) es en realidad víctima de su propia condena, ayudada por un padre entregado a su protección, Mark Kane (Demián Bichir) que en la serie adquiere un mayor protagonismo. La historia se desarrolla en un Nueva York principalmente nocturno e inventa una trama paralela que involucra el desarrollo de una posible regresión de los vampiros a su estado mortal. Esta es quizás la parte de la historia que se tambalea en algunos momentos, pero en conjunto la conexión entre la científica Claire Logan (Grace Gunner) y los dos protagonistas acaba resultando bastante efectiva, sobre todo en el segundo tramo de la serie. Let the right one in (2022) ha sido una de las producciones que ha sufrido las consecuencias de la integración de Showtime con Paramount+, siendo cancelada tras una primera temporada que en general se cierra de forma adecuada, aunque quedan algunos flecos abiertos. 

A friend of the family

Creada por Nick Antosca

Miniserie: 9 episodios - Episodios semanales

Una de las primeras series de Peacock que consiguió buenas críticas es A friend of the family (2022), un true crime desarrollado por Nick Antosca, el creador de Candy: Asesinato en Texas (Disney+, 2022), que cuenta una historia particularmente sorprendente que involucra abusos sexuales, secuestro, abducciones extraterrestres y religión. La historia real se contó en el documental Abducted in plain sight (Netflix, 2021), por si puede parecer increíble, y al margen de introducir algunos cambios discutibles respecto a la edad de la protagonista, la serie es bastante fiel a la realidad. Hay sobre todo un excelente trabajo del actor Jake Lacy, nominado al Emmy por la primera temporada de The white lotus (HBO Max, 2021-), que consigue ser al mismo tiempo seductor y siniestro, y por los intérpretes del matrimonio protagonista, Colin Hanks y Anna Paquin, cuyas decisiones, en cierto modo propiciadas por sus creencias religiosas, pudieron ser fundamentales para la impunidad del secuestrador. La auténtica Jan Broberg, la niña secuestrada, aparece al comienzo de la serie presentando la historia, y ella misma ha desarrollado una carrera como actriz, interpretando personajes en series de televisión entre las que destaca Everwood (ABC, 2002-2006).

Souls

Creada por Alex Eslam

Temporada 1: 8 episodios - Episodios semanales

Por su narrativa en realidades temporales diferentes, esta producción alemana ha sido comparada con Dark (Netflix, 2017-2020), pero en realidad no hay demasiados paralelismos. La serie escrita y dirigida por Alex Eslam reflexiona sobre el más allá a través de una trama en la que se mezclan tres momentos diferentes: En 2006, año en el que se produce un accidente aéreo, la protagonista experimenta una especie de bucle temporal en el que se despierta siempre el mismo día para impedir que su prometido suba a ese avión. En 2022, un joven adolescente sobrevive a un accidente de coche que sin embargo cambia su personalidad, afirmando que él no es quien parece ser. Y en 2031, cuando se celebra el 25 aniversario del accidente aéreo, una joven se introduce en una secta que trata de conectarse con los espíritus de los pasajeros fallecidos en el vuelo accidentado. A pesar de su compleja narrativa, Souls (2022) no es una serie confusa, sino que elabora una exploración sobre el paso del tiempo, la reencarnación y las cicatrices de la ausencia. Esta producción de Sky ganó los premios al Mejor Guión y Mejor Banda Sonora en el festival Canneseries '22. 

Funny woman

Creada por Morwenna Banks

Temporada 1: 6 episodios - Episodios semanales

Adaptando la novela de Nick Hornby Funny girl (2014), esta producción de Sky Max nos traslada hasta el Londres de los años sesenta con una protagonista que intenta abrirse paso en un mundo eminentemente masculino sin que la definan exclusivamente por su aspecto físico. La interpretación de Gemma Arterton es especialmente destacable y tiene un poco el tono optimista de la protagonista de La maravillosa Sra. Maisel (Prime Video, 2017-2023), junto a algunos destacados actores secundarios como Rupert Everett, Tom Bateman o Matthew Beard, el protagonista de Vienna Blood (Movistar+, 2019-), y en general la serie tiene una tonalidad alegre que refleja una época llena de esplendor musical y artístico. Para Barbara (Gemma Arterton), su referente principal es Lucille Ball y ella misma busca la forma de convertirse en una actriz de comedias ligeras que triunfe dentro de un entorno cultural efervescente. Bajo la dirección de Oliver Parker, experimentado responsable de adaptaciones cinematográficas de clásicos como Othello (1995) y La importancia de llamarse Ernesto (2002), Funny woman (2023) es una serie que se desenvuelve con soltura, gracias a una base literaria notable. Nick Hornby, de hecho, es el responsable de otros reflejos de la sociedad británica como Alta fidelidad (Stephen Frears, 2000) o An education (Lone Scherfig, 2009). 

Star Trek: Strange new worlds

Creada por Akiva Goldsman, Alex Kutzman, Jenny Lumet

Temporada 1: 10 episodios - completa

La decisión tomada en 2021 por Paramount Network de recuperar los derechos de Star Trek: Discovery (Paramount+, 2017-), que se emitía fuera de los Estados Unidos a través de Netflix, no sentó especialmente bien a los aficionados a la saga galáctica, entre otras cosas porque Paramount+ no estaba todavía disponible en los mercados internacionales. Sin embargo, la sorpresa más decepcionante para los seguidores de esta serie es que tampoco forma parte del catálogo de SkyShowtime, y por el momento su cuarta temporada permanecerá todavía inédita en España. La plataforma incluye tres series completas de la saga: la clásica Star Trek: La nueva generación (1987-1994) y las recientes producciones de Nickelodeon: Star Trek: Prodigy (2021-) y Paramount+: Star Trek: Strange new worlds (2022-), una especie de spin-off de Discovery. Esta última recupera la estructura de la serie original, Star Trek (1966-1969), que sigue estando disponible en Netflix, para desarrollar tramas episódicas que devuelven también ese espíritu de concordia (en el primer episodio el capitán Christopher Pike (Anson Mount) y Spock (Ethan Peck) viajan a un planeta para evitar que los enfrentamientos ideológicos acaben destruyéndolo como ocurrió en la Tierra, con referencias al asalto al Capitolio). Para los fans de la saga, es un regreso bienvenido a los orígenes, y el estreno de esta producción coincide con la tercera y última temporada de Star Trek: Picard (Prime Video, 2020-2023), una serie que también se emite en Estados Unidos en Paramount+ pero en otros países como España a través de Prime Video. Del universo trekkie, SkyShowtime incorpora asimismo todas las películas, incluidos los reboots de J.J. Abrams. Este año, además, se espera el estreno de las segundas temporadas de Strange new worlds, posiblemente en mayo, y Prodigy, quizás en octubre. 

Los enviados

Creada por Leandro Calderone, Emanuel Díez

Temporada 1: 8 episodios - Estreno el 10 de marzo completa

Uno de los lanzamientos de habla hispana que llegará a la plataforma SkyShowtime en marzo es la coproducción mexicano-argentina Los enviados (2021-), en la que está involucrado Juan José Campanella, que regresa al terreno del thriller con elementos de humor que tan bien funcionó en la película El secreto de sus ojos (2009). Fruto de un acuerdo con Viacom International Studios, el director argentino desarrolló el guión y se encargó de la dirección del último episodio, (también suele dirigir cada temporada dos o tres episodios de la serie de NBC Ley y Orden: Unidad de Víctimas Especiales (1999-)). Los enviados (2021-) mezcla elementos de terror y de humor, especialmente en la relación entre el cura español Simón Antequera (Miguel Ángel Silvestre) y el párroco mexicano Pedro Salinas (Luis Gerardo Méndez). Ambos son enviados por el Vaticano a un pequeño pueblo de México donde aparentemente han ocurrido milagros para comprobar si existe una explicación científica. La incredulidad de Simón contrasta con la fe absoluta de Pedro, lo que provoca conflictos que están mostrados con diálogos de humor sutil, aprovechados por la buena química entre los dos actores. Aunque el desarrollo de la historia acaba siendo predecible y el interés decae progresivamente, Los enviados consigue ser entretenida con toques de misterio y terror. Estrenada en diciembre de 2021 en Paramount+, la serie ha sido confirmada para una segunda temporada que tiene previsto su estreno este año. 

Nuestra siguiente crónica estará dedicada a las series menos convincentes del catálogo de novedades que incluirá SkyShowtime en España, pero también haremos un repaso a otros contenidos de la plataforma. 

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Películas mencionadas:

El lobo de Wall Street se puede ver en Netflix y SkyShowtime.

El padrino se puede ver en HBO Max, Netflix y Prime Video. 

El juego de Hollywood se puede ver en Pluto TV. 

Déjame entrar se puede ver en Filmin, Movistar+ y Prime Video. 

Alta fidelidad se puede ver en Disney+.

El secreto de sus ojos se puede ver en Disney+, FlixOlé, HBO Max, Prime Video.

Gotemburgo 2023 - Parte 3: Fracturas y fantasmas

Nuestra última crónica del Festival de Gotemburgo está dedicada a películas que hablan de fracturas personales y de fantasmas, representaciones del pasado que transforman en el presente para sus protagonistas. Entre el arte y la realidad, algunas de estas propuestas cinematográficas han pasado también por el Festival de Rotterdam y forman parte de una selección que refleja los trastornos psicológicos individuales pero también los colectivos.   

Munch

Henrik Martin Dahlsbakken, 2023 | Nordic Competition | ★★★☆☆

En su plan de producción de grandes largometrajes históricos dedicados a figuras relevantes de los países nórdicos, el grupo audiovisual Viaplay ya estrenó la irregular Hilma (Lasse Halström, 2022), que llega a España este mes, y también el drama bélico Gold run (Hallvard Bræin, 2022) un endeble thriller sobre los esfuerzos del Banco de Noruega por intentar salvar el oro depositado en sus instalaciones a través de una arriesgada travesía frente a la invasión nazi. Es una película más aparatosa que realmente eficiente, pero se ha convertido, de acuerdo con las informaciones de Viaplay, en la producción propia de mayor éxito en la plataforma de toda su historia, batiendo récords de visionado desde la semana de su estreno el pasado 15 de diciembre. La nueva apuesta se centra ahora en el más destacado de los pintores noruegos, Edvard Munch (1863, Ådalsbruk-1944, Oslo), que desde el año pasado tiene por fin un gran museo dedicado a su obra en Oslo, diseñado por el arquitecto español Juan Herreros, con el que hablamos en nuestro podcast El Ojo Inquieto. Se trata de un personaje complejo cuya vida está marcada por problemas psiquiátricos y por una soledad influida por su dificultad para las relaciones personales, y tiene como precedente aquella extraordinaria propuesta semidocumental, Edvard Munch (Peter Watkins, 1974), en la que durante tres horas y media el realizador británico desmontaba buena parte de la narrativa tradicional de los biopics. La propia heterogeneidad de la ingente obra del pintor, que también fue escritor, escultor e inventor, no permite un acercamiento convencional, y eso lo ha entendido bien Henrik Martin Dahlsbakken (1989, Noruega), un director artesanal que ha abordado con más desaciertos que aciertos el género de acción en The outlaws (2021) o el terror en Possession (2022), pero que ahora se enfrenta a su proyecto más personal.  

Precisamente hay que agradecer a la película Munch (Henrik Martin Dahlsbakken, 2023), que inauguró el Festival de Rotterdam hace unas semanas y también se ha programado en el Festival de Gotemburgo, que no se trate del típico biopic estructurado de forma cronológica. La propuesta ofrece cuatro acercamientos diferentes a la personalidad del pintor, que se desarrollan a través de cuatro actores en cuatro épocas distintas. El director también propone tratamientos cinematográficos diversos a estos momentos en la vida de Edvard Munch que se yuxtaponen y a veces dialogan entre sí, mezclándose con una etérea y hermosa partitura del violinista norteamericano Tim Fain. En la campiña de Vestfold en 1885, el veinteañero Edvard (Alfred Ekker Strande) conoce por primera vez el amor en los brazos de una mujer casada, Milly Thaulow (Thea Lambrechts Vaulen), que acaba rechazándole finalmente como primera decepción amorosa de su vida. En el hospital de Københaven, donde pasó un período entre 1908 y 1909, Munch (Ola G. Furuseth) vive sus 45 años enfrentado a sus propios demonios. El tratamiento visual con fotografía en blanco y negro y pantalla 4:3 envuelve el trabajo interpretativo más complejo, porque aborda la personalidad del pintor desde una manera creativa pero también psicológicamente herida, algo que el actor Ola G. Furuseth resuelve con gran eficacia. 

Pero la aportación más original y lograda es la que traslada el Berlín de 1892, cuando comenzaba a desarrollarse como artista, en el entorno de 2020, cuando el treintañero Edvard Munch (Mattis Herman Nyquist) es retratado como un joven que comienza a esbozar buena parte de las ideas que marcarían su obra posterior. De esta etapa es su obra más conocida, El grito (1893), pero el director decide con buen criterio mostrarla solo en bocetos y por el contrario introducir los elementos más fantásticos en un Berlín contemporáneo con cielos expresionistas. Es la idea más inteligente, y casi hubiéramos preferido que la película hubiera tenido la osadía de contar la historia de Edvard Munch solo desde la actualidad, porque es una acertada idea que que subraya la atemporalidad de su obra. En esta parte encontramos las reflexiones más interesantes sobre la autoría y el mundo del arte cuando, después de que una de sus exposiciones haya sido clausurada, un desconocido le confronta en una discoteca afirmando que su obra no tiene ningún valor, revelando la verdadera naturaleza del artista cuando Munch le responde: "¿Usted cree que, como seres humanos, debemos buscar la estabilidad todo el tiempo? ¿Que nos hemos vuelto tan sordos, flojos y blandos que buscamos el camino de menor resistencia? ¿Que nos involucramos en algún tipo de expresionismo genérico, que copia una copia de una copia, y tal vez agreguemos algunos efectos audiovisuales para que podamos seducir al espectador y oscurecer el contenido real?". Para definir finalmente sus intenciones como artista: "Yo estoy expresando algo físico, y no digo que sea valioso o emocionante ni nada, pero al menos es algo. Al menos es una expresión, un capricho que crea algún tipo de fricción. ¿Y debería disculparme por eso? ¿Porque estoy perturbando su punto de vista burgués sobre lo que es el arte?".

Hay una evidente resonancia de la película I'm not there (Todd Haynes, 2007) en esta otra propuesta, no solo por la poliédrica representación de un artista, allí a través de seis intérpretes que daban vida a las diferentes facetas de la personalidad de Bob Dylan, sino sobre todo por la inclusión de una representación femenina del personaje. Es fácil intuir que la presencia de Cate Blanchet en I'm not there ha influido en la elección de la actriz Anne Krigsvoll para dar vida a un Edvard Munch octogenario que se enfrenta ya en soledad a la invasión nazi en 1940. Fueron años en los que el pintor consiguió un amplio reconocimiento en los Estados Unidos y recibió numerosos homenajes a los que acudió a pesar de su frágil estado de salud hasta su muerte en enero de 1944, un mes después de cumplir 80 años. Pero en la película el director prefiere mostrar una visión más melancólica del personaje, encerrado en una casa semioscura, enfrentado a sus recuerdos y a su soledad. Lo que no se entiende es que se tenga la valentía de ofrecer un retrato de género fluido del personaje pero al mismo tiempo se trate de cubrir el rostro de la actriz Anne Krigsvoll con un maquillaje que parece querer ocultar sus rasgos femeninos. Es una incongruencia que dinamita la originalidad de la propuesta, entre otras cosas porque el maquillaje de Sra. Doubtfire distrae la atención sobre el trabajo de la intérprete. Munch (Henrik Martin Dahlsbakken, 2023) termina con la impresionante obra El Sol (1910-1911), que con sus 35 metros cuadrados es una de las piezas más grandes del artista, una de cuyas versiones preside el aula magna de la Universidad de Oslo y también se encuentra otra versión en el Museo Munch. Ahora sí, el director se entrega a una retrospectiva visual de la obra del pintor captada en el nuevo museo que parece el epílogo de un video institucional, pero que aporta emoción acompañada por el hermoso tema de Tim Fain "Freedom" (2016), una composición creada para concienciar sobre la esclavitud moderna. 

100 årstider

Giovanni Bucchieri, 2023 | Nordic Light | ★★★☆☆

Hay asimismo rastros de fracturas en esa línea divisoria entre la vida y la creación artística que se representa en el largometraje 100 seasons (Giovanni Bucchieri, 2023), estrenado en el Festival de Rotterdam, que es una muy personal transición desde los escenarios de danza hasta la dirección cinematográfica por parte del coreógrafo y bailarín sueco Giovanni Bucchieri, quien también protagoniza la película. De alguna forma se podría calificar como una autobiografía, pero al mismo tiempo es una creación libre, desestructurada y a veces caótica que mezcla imágenes reales con fantasías imaginadas para establecer una disección de la bipolaridad que sufre el protagonista. Giovanni está en tratamiento con medicamentos para controlar su trastorno psicológico que a veces se manifiesta en acciones descontroladas, como cuando se disfraza de Michael Jackson y comienza a bailar en la calle, atrayendo la atención de los transeúntes, en un estado éxtasis que le lleva finalmente a desnudarse mientras los improvisados espectadores se muestran sorprendidos y escandalizados. En este proceso de control, que también es un camino que no le permite llevar las riendas de su propia vida, proyecta en la pared de su cuarto antiguas grabaciones en las que en su juventud protagonizaba números de baile sobre el escenario, una proyección del pasado que refleja quizás con mayor vehemencia la transformación que ha sufrido en el presente, un decepcionante desencuentro con el arte y con la música, que solo tiene algunos momentos de respiro cuando encuentra a una antigua conocida. Este encuentro le conduce a obsesionarse con una posible actuación, quizás solo imaginada, pero también a reconectar con el recuerdo de Louise (Louise Peterhoff), actriz a la que hemos visto en Bron (El puente) (SVT, 2011-2018) y que ahora protagoniza la serie Limbo (Viaplay, 2023). La preparación para esta prometedora actuación lleva a Giovanni a abandonar los medicamentos y a entrenarse como Brad Pitt en El club de la lucha (David Fincher, 1999), lo que conlleva un camino peligroso hacia un mayor deterioro mental.

En su construcción irregular, 100 seasons establece una historia paralela que se acerca también al presente de Louise, convertida en una exitosa directora de teatro que se encuentra ensayando una adaptación de ballet de Romeo y Julieta (1597), pero con una cierta oposición de los propios actores, que no entienden el enfoque anti-romántico que le está dando a la obra, que ella considera la peor de todas las que escribió su autor, pero también hay un reflejo en su propia realidad, cuando Louise se muestra contraria a que su hija adolescente tenga un novio varios años mayor que ella. Se establece así un paralelismo entre la actuación de Giovanni y el estreno de la obra, una contraposición entre lo caóticamente liberador y lo herméticamente constreñido. En este proceso de reconstrucción de su personalidad bipolar, Giovanni Bucchieri propone algunos momentos imaginados con Louise, con la que en la realidad tuvo una relación cuando ambos tenían 17 años, que el director define como una "sexualidad victoriana en medio del mundo sadomasoquista de la danza". Así, los encuentros están representados como escenas que transcurren en el siglo XVIII con ambos dialogando en francés "porque es más elegante". Es en esta libertad creativa en la que 100 seasons encuentra su soporte más férreo, en la que reconstruye con acierto una relación que ahora es la de dos desconocidos, él casi siempre desenfocado y un paso por detrás de Louise, unida solo por el recuerdo lejano del amor primerizo. En este viaje irregular y a veces con falta de consistencia, pero abierto a una singular representación de la realidad de una forma liberada, hay sin embargo una cierta tendencia a recrearse en la propia decadencia del protagonista, lo que le da un tono algo enfermizo a la película. Pero posiblemente se trata de una de las miradas más descarnadas sobre el trastorno psicológico que se han realizado en los últimos años.

Victim

Michal Blaško, 2022 | Voyage | ★★★☆☆

Que en una sociedad fracturada todos son víctimas y culpables es la premisa con la que se plantea el inquietante cuento moral Oběť (Victim) (Michal Blaško, 2022), una película presentada en la sección Orizzonti de la Mostra de Venecia 2022 y la representante elegida por Eslovaquia para las nominaciones de los Oscar, aunque no pasó la preselección. A pesar de que tanto el director como el guionista son eslovacos, la historia se desarrolla en Chequia y la mayor parte de los diálogos están hablados en ucraniano, el lugar de origen de Irina (Vita Smachelyuk), una madre que aspira a abrir una peluquería con su amiga Sveta (Inna Zhulina), para lo que necesita volver a solicitar la nacionalidad checa que en su primer intento le fue denegada por problemas con la agencia tributaria de su país. Mientras, su hijo Igor (Gleb Kuchuk) es un adolescente que se entrena como gimnasta y parece tener aspiraciones ambiciosas hasta que acaba ingresado en un hospital con heridas graves provocadas por una supuesta paliza. Cuando la policía le interroga, Igor hace un comentario sobre el color de piel de quienes le atacaron, y las sospechas recaen sin esfuerzo en el hijo mayor de una familia de gitanos rumanos vecinos de Irina. Los prejuicios que conducen la mirada hacia un tipo determinado de grupo social hacen su aparición como un primer punto de inflexión de la historia. 

Pero el guión escrito por Jakub Medvecký y Michal Blaško (1989, Eslovaquia) pretende ir más allá en su representación de esa sociedad fracturada, sobre todo cuando Igor confiesa a su madre que en realidad no ha sido atacado, sino que su caída fue un accidente. Sin embargo, la maquinaria de esa sociedad "solidaria" ya se ha puesto en marcha, la policía cree firmemente en la culpabilidad del joven rumano y se prepara una Marcha por Igor en la que se involucran, de paso, organizaciones racistas. Para Irina, confesar la mentira de su hijo puede suponer perder la oportunidad de conseguir la nacionalidad e iniciar su sueño empresarial, mientras la alcaldesa del pequeño pueblo en la frontera checa se involucra con las víctimas de la supuesta agresión proporcionándoles una vivienda lejos del barrio marginal donde vivían. El hecho de que madre e hijo sean ucranianos, que es la población minoritaria más alta en Chequia, proporciona también una perspectiva singular, porque alimenta un sentimiento de fraternidad que está muy enraizado en el país debido a una histórica posición anti-rusa, reforzada por la invasión reciente. De esta forma, el relato madre-hijo se confronta con el argumento individuo-sociedad, en una especie de proyección retroactiva que pone en duda los resortes de una concepción equivocada de la solidaridad, en el que todos los implicados buscan algún tipo de beneficio, empezando por los dos protagonistas. Michal Blaško, que nació en Bratislava, antigua Chequia y ahora Eslovaquia, ha trabajado principalmente en la televisión checa y es el director de la reconocida serie Suspicion (Ceská Televize, 2021), ganadora del Premio del Jurado en Serielizados Fest 2022, con la que Victim comparte una estética parecida, demostrando su capacidad para mantener el suspense con una dosificación hábil de la información. 

Victim es una película bien construida que sin embargo se visiona con cierta distancia, quizás porque los guionistas tratan siempre de mantener un punto de vista equidistante en el que no juzgan a sus personajes. Pero carece de una mayor rotundidad en sus planteamientos, lo que en parte difumina su capacidad para impactar en el espectador. De alguna forma, asumimos la probable verosimilitud de una situación compleja con cierta normalidad, y quizás en ese sentido la historia sí consigue retratar a una sociedad que encuentra un difícil equilibrio entre lo aceptable y lo inaceptable, que se sostiene en juicios de valor muchas veces equivocados y en la que acechan constantemente los fantasmas del racismo y del fascismo. La manipulación que surge de la extensión de la mentira que inventa Igor para evitar un mal que hubiera sido menor, convierte a ésta en una progresiva concatenación de acontecimientos que alimenta el odio. Pero la película a veces parece que no encuentra el equilibrio entre un reflejo amplio de la sociedad y un retrato íntimo de personajes, lo que en cierta manera debilita sus resultados. 

Stone turtle

Ming Jin Woo, 2022 | Voyage | ★★★★☆

Tras una etapa dedicado al cine más comercial con películas de zombis y producciones populares, el director Ming Jin Woo (1976, Malasia) vuelve a enfocarse en lo que él denomina "cine importante", que no es más que una exploración de los mitos populares malasios mezclada con una textura de género que incorpora elementos de realismo mágico. Siendo uno de los representantes más destacados de la cinematografía asiática, con títulos como Woman on fire looks for water (2009) o The Tiger Factory (2010), que han participado en festivales como Venecia o Cannes, su regreso es bienvenido y recibió el reconocimiento del Premio FIPRESCI en el pasado Festival de Locarno, donde Stone turtle (Ming Jin Woo, 2022) tuvo su estreno mundial. La película parte de un cuento popular malasio que se refiere a las lágrimas que aparentemente vierten las tortugas cuando desovan en la arena, que la cultura popular adjudica a su certeza del peligro que los machos pueden suponer para sus crías. Este relato se representa a lo largo de la historia en secuencias de animación realizadas por el dibujante Paul Williams, que ha trabajado en películas como El ilusionista (Sylvain Chomet, 2010), La tortuga roja (Michael Dudok De Wit, 2016) o Buñuel en el laberinto de las tortugas (Salvador Simó, 2018), aportando una especie de paréntesis sosegado a una historia dura y compleja. 

Porque Stone turtle comienza con el "asesinato por honor" que sufre la hermana de Zahara (Asmara Abigail) por parte de su propia familia, no sin antes haber dejado a su hija Nika (Samara Kenzo) al cuidado de ella. Diez años después, tía y sobrina han abandonado Indonesia y viven indocumentadas en una pequeña isla donde todavía persiste el mercado negro de la venta de huevos de tortugas laúd, una especie en peligro de extinción cuya práctica ilegal de recogida de los huevos desovados en la playa supone un grave perjuicio para su supervivencia, pero al mismo tiempo es la única forma de subsistencia de sus habitantes. Zahara intenta inscribir a Nika en la escuela, pero la burocracia se lo impide, obligándola a permanecer en un círculo vicioso en el que no se puede escolarizar por no tener documentación y sin poder ir a la escuela resulta imposible conseguir documentos. La llegada de Samad (Bron Palarae) parece al principio una simple casualidad, pero pronto se revelará su relación real con Zahara, quien comienza a experimentar una especie de continuo déjà vu en el que su encuentro se repite de un día a otro. 

Ming Jin Woo consigue introducir con habilidad estos elementos fantásticos dentro del relato social que habla sobre las dificultad de la población malasia por aceptar otras culturas, en una sociedad interracial que sin embargo no está integrada, sino que mantiene una convivencia paralela sin permitir la mezcla. La película se va haciendo cada vez más etérea, incorporando a fantasmas que conviven en la isla como recuerdos de mujeres inmigrantes que permanecen allí incluso cuando ya han atravesado hacia el otro lado, como Zahara insiste en permanecer en la isla: "Prefiero estar viva en una isla de fantasmas que ser un fantasma en la tierra de los vivos". Los referentes del director se encuentran en el cine japonés, por lo que resulta lógica la participación de un director de animación que ha trabajado en Studios Ghibli, pero también hay rasgos muy claros de la influencia de La mujer de la arena (Hiroshi Teshigahara, 1964), un thriller asfixiante que también tenía como protagonista a una mujer solitaria en una isla. Al final hay una cierta ambigüedad en torno a si Zahara consigue romper el ciclo de la repetición accediendo a una realidad paralela e incluso si ella misma se convierte en uno de esos fantasmas que habitan el lugar. En todo caso, su persistencia se revela como una forma de subvertir la realidad para transformarla en una drama sobrenatural.  

Falcon Lake

Charlotte Le Bon, 2022 | Voyage | ★★★☆☆

También lo fantasmal rodea a la historia de crecimiento adolescente que se narra en el debut como directora de la actriz Charlotte Le Bon (1986, Canadá), un cuento de amores iniciales que sin embargo se desarrolla en una atmósfera inquietante de película de terror, un poco a la manera de ese episodio Snipe hunt (T4E7) de Atlanta (Disney+, 2016-2022) en el que un fin de semana de picnic familiar se describe introduciendo recursos inquietantes como si se tratara de una muestra de folk horror. También hay algunas similitudes con la forma en que lo sobrenatural se introduce en el entorno familiar de la protagonista de El agua (Elena López Riera, 2022), que coincidió con Falcon Lake (Charlotte Le Bon, 2022) en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes. Así que de alguna manera este recurso de envolver una historia aparentemente tradicional en una atmósfera inquietante se ha convertido en una forma estilística de desarrollar una narrativa que se alimenta de ello. A veces se trata de apuntes que subvierten la forma en que reconocemos las escenas, como el comienzo de la película, en el que vemos a una chica flotando en el lago e imaginamos que se trata de un cadáver hasta que se da la vuelta y sale del agua. La directora, efectivamente, hace dudar al espectador de la realidad que está viendo, envuelve ese lago de una neblina que lo hace espeluznante, introduce al joven protagonista en una cabaña de madera que parece sacada de una nueva secuela de Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980).  

La historia está protagonizada por Bastien (Joseph Engel), un joven de 13 años que visita junto a su madre Violette (Monica Chokri) a su mejor amiga Louise (Karine Gonthier-Hyndman), quien vive con su hija de 16 años Chloé (Sara Montepit), con quien Bastien y su hermano menor Titi (Thomas Leprrière) compartirán habitación. La fascinación que siente el joven en plena pubertad por la chica es inmediata, alimentada por el círculo de amigos adolescentes en el que se mueve, y dentro del cual Bastien se siente más adulto de lo que es. Ella habla de cuentos terroríficos y de un niño que se ahogó en el lago, lo que convierte el regreso a casa por caminos boscosos en una aventura en sí misma. La directora consigue introducir estos elementos inquietantes con eficacia (una torre de alta tensión que emite un zumbido inquietante, premonitorio de algo que parece a punto de suceder...) pero finalmente acaban siendo recursos gratuitos que sirven como un contrapunto formal y como justificación de un desenlace poco convincente. Sobre todo porque es un elemento que no proviene de la novela gráfica Une Soeur (Una hermana) (2017) escrita por Bastien Vivès, en la que se basa la película. El autor habla de su propia experiencia como adolescente para contar un verano en el que surgió el primer amor, pero en la novela se deslizaban algunos tabúes provenientes de la ambigüedad del propio título.  

El acierto de la directora consiste en describir ese verano con cierto aire melancólico, apoyado en la fotografía en 16 mm. de Kristof Brandl y la turbadora partitura de Shida Shahabi, en la línea de su anterior trabajo para el cortometraje Alvaret (High sky low land) (Maria Eriksson-Hecht, 2021), y especialmente en elegir a un actor como Joseph Engel, quien había participado anteriormente en Un pequeño plan... como salvar el planeta (Louis Garrel, 2021), capaz de expresar el latido interno del amor desde la aparente inexpresión. El juego a ser adulto que comienza a experimentar el joven le introduce también en la traición cuando se siente desplazado frente a los demás, y esta inocencia rodeada de una atmósfera desasosegante se resuelve con una mirada nostálgica, aunque la forma de descifrar el misterio no resulte especialmente efectiva. 

La hija eterna

Joanna Hogg, 2022 | Gala | ★★★☆☆

Otra historia respaldada por la presencia de fantasmas es la última propuesta de Joanna Hogg (1960, Reino Unido), una película que utiliza las referencias cinematográficas y literarias para componer un cuento sobre las relaciones materno-filiales con el aspecto de esos títulos de terror que la productora Hammer desarrolló en los años sesenta, aunque de alguna manera se acerca más al estilo más refinado y misterioso de Suspense (Jack Clayton, 1961). Presente en competición en la pasada Mostra de Venecia, en La hija eterna (Joanna Hogg, 2022) la directora vuelve a tratar temas que parecen cercanos, y se puede decir que se enmarca dentro del mismo universo narrativo que su díptico The souvenir (2019) y The souvenir: Part II (2021). Aquí de nuevo encontramos a Rosalind (Tilda Swinton en ambas películas) y su hija Julie (interpretada también por Tilda Swinton), pero en esta ocasión ambas comparten una habitación en una mansión que formó parte de la infancia de la primera y que ahora es un hotel aislado en el que circulan rumores de presencias fantasmales. La banda sonora que suena en diferentes versiones está extraída del movimiento Andante tranquilo del Concierto para cuerdas, percusión y celesta (1936) de Béla Bártok, el mismo del que Stanley Kubrick extrajo el Adagio para su película El resplandor (1980). No es la única referencia más o menos directa a este clásico del terror psicológico, con el que comparte la propia puesta en escena que se desarrolla en un hotel aislado, y también el comienzo en el que un coche se acerca a la vieja mansión por un camino solitario. 

Durante su estancia en el hotel, que Julie quiere aprovechar para escribir un guión sobre los recuerdos de su madre, éstos se manifiestan de una forma diferente a lo que se había imaginado ella. La memoria de Rosalind tiene referencias alegres, pero sobre todo se centra en algunas anécdotas no eya melancólicas sino directamente tristes, defraudando las intenciones de su hija. Pero para Rosalind también resulta decepcionante que Julie parezca haber renunciado a su maternidad, convirtiéndose en una hija eterna. Y ciertamente lo es, incluso más allá de la propia vida. Hay una cercanía entre ambas, pero también un distanciamiento, remarcado por la decisión de la directora de nunca mostrarlas en un mismo plano, estableciendo sus conversaciones en planos-contraplanos individuales. El hotel por su parte transforma las noches en momentos de insomnio, provocados por los sonidos extraños, la inquietud del perro Louis, el desasosiego que produce la neblina que invade los jardines. Y sobre todo por la sensación de que la antigua mansión es un lugar solitario, en el que solo la tosquedad de la recepcionista (Carly-Sophia Davies) aporta realmente algo de vida. A veces, el Andante tranquilo suena interpretado por una flauta que, en una transformación hacia lo diegético cuando descubrimos más tarde que está interpretada por Bill (Joseph Mydell), un conserje que continúa realizando las rondas nocturnas después de 30 años, y que dedica la música a su esposa fallecida tiempo atrás. 

Esta idea de la muerte y la presencia de reflejos fantasmales permanecen como una constante, incluso durante la breve celebración de cumpleaños que Julie dedica a su madre. Tilda Swinton elabora una doble interpretación que no es un simple recurso estilístico, sino que tiene una justificación plena, y aporta matices sutiles a cada uno de sus dos personajes. En uno de esos momentos de sosiego que comparten Rosalind y Julie en la habitación del hotel, como si quisieran aislarse del mundo para preservar la relación madre-hija, la segunda está leyendo Ellos (1904, Ed. El Acantilado), el relato de Rudyard Kipling en el que sin duda se inspiró la película Los otros (Alejandro Amenábar, 2001), y con el que Joanna Hogg también mantiene un diálogo narrativo que comparte tono y textura. Aunque se trata de una película menor dentro de la filmografía de la directora británica, La hija eterna desarrolla de nuevo una historia de matices autobiográficos que consigue transmitir con sutileza el cuidado casi obsesivo entre madres e hijas, como cuando Rosalind tropieza brevemente ante la mirada de terror de Julie, para a continuación intentar quitarle importancia a ese momento de pavor. Hay una sencillez magistral en los detalles que elaboran esta relación. 

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Películas mencionadas:

Hilma se estrena el 24 de febrero en Filmin.

Gold run se estrena el 17 de marzo en Filmin. 

Munch se estrena el 14 de abril en Filmin. 

La hija eterna se estrena en cines el 28 de abril.

I'm not there, El agua, Un pequeño plan... como salvar el planeta y Suspense se pueden ver en Filmin. 

El club de la lucha se puede ver en Disney+ y Prime Video. 

La tortuga roja se puede ver en Filmin y Prime Video. 

Buñuel en el laberinto de las tortugas y The souvenir se pueden ver en Netflix. 

El resplandor se puede ver en HBO Max.

Los otros se puede ver en Disney+, FlixOlé y Prime Video.