25 mayo, 2010

Finales de temporada

No sólo hemos llegado al final de Perdidos. Otras series de éxito han alcanzado su punto final por esta temporada. La televisión que nos llega de Estados Unidos cierra un año en el que no ha habido propuestas novedosas, y las que parecían aportar algo diferente han acabado siendo un fiasco. Repasamos a continuación algunas de las series que hemos estado siguiendo en los últimos meses y que han dado el cierre por el momento.

House M.D. (6ª temporada). Es una de las más veteranas, y por las cifras de audiencia parece que está asegurada su continuación. También es cierto que conozco a mucha gente que ha tirado la toalla, cansada de cierto aire repetitivo. Pero hay que reconocer que, a pesar de ser una serie “de hospital”, House tiene algo que atrapa gracias a una trama principal llena de personajes complejos, y en esta temporada (que no ha sido de las mejores) hemos descubierto algunos aspectos sorprendentes de Wilson, Cuddy o Taub. Personalmente, el final de la temporada, que comenzaba con un interesante capítulo sobre la desintoxicación del protagonista, me ha parecido flojo y previsible, pero ha habido algunos momentos antológicos, como esos capítulos dirigidos por el propio Hugh Laurie y el siempre elegante Juan José Campanella.

Fringe (2ª temporada). La nueva apuesta de J.J. Abrams sorprendió en su primera temporada. La segunda, sin embargo, ha sido algo decepcionante, aunque ha avanzado notablemente en su trama principal y ha presentado algunos casos realmente curiosos. Esta mezcla de Expediente X y En los límites de la realidad nos ha hecho dudar de seguir viéndola en algunos momentos, pero siempre ha tenido algún repunte que nos ha enganchado de nuevo (especialmente interesante y clarificador el episodio titulado “Peter”). Aunque, todo hay que decirlo, ha habido también momentos de auténtica vergüenza ajena, como el episodio “Brown Betty”, contado como si se tratara de una película de cine negro. Lo que no sabemos es si, una vez descubiertas las cartas de la trama principal, Fringe conseguirá superar el peligro de convertirse en una serie del montón.

V (1ª temporada). Parece que las buenas audiencias han provocado que la ABC decida renovar por una segunda temporada. Personalmente, aunque no he podido evitar seguirla más por nostalgia que por interés real, me parece una de las decepciones de la temporada. Tras un piloto atractivo y prometedor, esta versión de la mítica serie de los ochenta ha ido cada vez a menos, con situaciones repetitivas y, sobre todo, efectos especiales desastrosos. Todo lo que ocurre en la nave de los alienígenas es verdaderamente vergonzoso, con cromas que parecen cromos, con perspectivas que son imperceptibles… Hacía tiempo que no se veían efectos tan chungos en una serie de televisión


Flashforward (1ª temporada). Otro de los fiascos de la temporada. Ni el parón para reestructurar la serie, ni la salida de uno de sus creadores, David S. Goyer (que llegó un momento que estaba más interesado en la tercera entrega de Batman y en el spin-off Magneto de X Men) consiguió enderezar una historia que sólo funcionó los tres o cuatro primeros capítulos. Y eso que quizás se trate de uno de los comienzos más impactantes y espectaculares que se han visto en televisión desde el episodio piloto de Lost. Pero la trama fue descolocándose poco a poco y fue desembocando en un despropósito . No sabemos en qué cambió la nueva propuesta, pero lo que está claro es que no consiguió salvar a una serie cuya vida acaba con la primera temporada, tras la anunciada cancelación por parte de ABC.

The Pacific (Miniserie). Producida por Steven Spielberg y Tom Hanks, desarrollada por HBO, prima hermana de Band of brothers. The Pacific lo tenía todo para ser uno de los grandes estrenos de la temporada. Sin duda, se trata de una propuesta espectacular y muy bien realizada, de perfecta ejecución, buenas interpretaciones, diseño de producción  espléndido pero… hay algo en esta miniserie que no termina de enganchar, quizás porque, aunque tiene algunos momentos muy impactantes y episodios especialmente duros como el 9º, acabamos con una sensación de frialdad, de escasa identificación con unos protagonistas que no terminan de cuajar.


Wallander (2ª temporada). Ha sido una de las sorpresas del pasado año, y la BBC ya anuncia que quiere una tercera temporada con seis tvmovies en vez de las tres que han formado las anteriores.  Aunque las tramas policíacas son un poco insulsas (no sé qué tienen los escritores escandinavos (ya sea Henning Mankell o Stieg Larsson), pero a pesar de su popularidad yo encuentro sus historias tontorronas y mal resueltas), lo cierto es que el personaje del inspector Wallander es un bombón. Y la estética visual de la serie, esos silencios, esos pasajes de constante melancolía, le dan un aire especial y diferente. Por no decir que Kenneth Branagh, habitualmente dado al histrionismo, está más contenido que nunca y ha atrapado perfectamente ese punto de tristeza que tiene su personaje. La aportación del músico Martin Phipps con una soberbia banda sonora y la canción dolorosa de Emily Barker como sintonía original son dos elementos más a añadir.


04 mayo, 2010

Nominaciones Premios Tony 2010

Como cada año, se dan a conocer las nominaciones de los Premios Tony, que reconocen las obras de teatro que se estrenan en Broadway. Para algunos, unos premios injustos que dejan fuera buenos trabajos que no tienen la fortuna de ocupar un espacio en el barrio teatral por excelencia de Nueva York. Para otros, un reflejo de la buena forma que vive el teatro a pesar de la crisis.

En todo caso, como siempre los Premios Tony nos presentan lo más destacado del teatro musical, que es el que nos interesa. Este año no ha habido grandes estrenos, por lo que obras de resonancia más minoritaria han conseguido colarse entre las más nominadas. Y de hecho es síntoma de esta situación el que las obras que han acaparado mayor número de nominaciones sean reposiciones. Y como siempre, En Primera Fila versión radiofónica presentará las bandas sonoras de los musicales nominados durante la primera parte del verano de 2010. Estos son los musicales del año: 

Fela! - 11 nominaciones
Musical, Dirección, Libreto, Actor Principal (Sahr Ngaujah), Actriz Principal (Lillias White), Coreografía, Orquestaciones, Diseño escénico, Diseño de luces, Diseño de sonido
El musical triunfador de las nominaciones (y ya se apunta que seguramente de la ceremonia de premios) es esta obra que tiene como protagonista al músico nigeriano Fela Kuti, creador de la música afrobeat. Su vida como activista político (y gángster) y su personalidad decadente juegan a favor de una obra de notable contenido dramático, a la que se ha definido como una mezcla entre concierto, danza y musical. Se estrenó en el Off-Broadway en 2008, y después pasó a la "primera división" del teatro musical en noviembre de 2009. Cuenta con libreto de Bill T. Jones y Jim Lewis.

La cage aux Folles - 11 nominaciones
Reposición Musical, Dirección, Actor Principal (Kelsey Grammer y Douglas Hodges), Actor Característico (Robin De Jesús), Coreografía, Orquestaciones, Diseño escénico, Diseño de vestuario, Diseño de luces, Diseño de sonido
 La reposición de uno de los éxitos más destacados del musical reciente en Broadway, La jaula de las locas (basado en la obra de teatro francesa y posterior adaptación al cine) ha logrado destacar también como uno de los estrenos destacados del año. Ver a Kelsey Grammer (Frasier) en su debut en Broadway interpretando el papel principal es uno de los alicientes de esta nueva versión de la obra que adaptaron en 1983 Harvey Fierstein y Jerry Herman. 

Memphis - 8 nominaciones
Musical, Dirección, Música, Libreto, Actor Principal (Chad Kimball), Actriz Principal (Montego Glover), Orquestaciones, Diseño de vestuario
De nuevo la música negra como protagonista de una obra que tiene como protagonista a la ciudad de Memphis en la época de la segregación racial (años 50), que cuenta la historia de un joven blanco que se enamora de un nuevo estilo musical. Dirigida por Christopher Ashley se trata de uno de esos musicales de amplia trayectoria (se estrenó en 2003) pero que, al no haber llegado a Broadway hasta septiembre del año pasado, no ha obtenido el reconocimiento merecido.

Ragtime - 7 nominaciones
Reposición de Musical, Dirección, Actriz Principal (Christiane Noll), Actor Característico (Bobby Steggert), Diseño escénico, Diseño de vestuario, Diseño de luces
Este musical se estrenó en 1998, basado en la novela escrita en 1957 por E.L. Doctorow (que también tuvo su correspondiente adaptación al cine). Tres grupos de personajes que retratan el Nueva York de los años veinte, con libreto de Terrence McNally, letras de Lynn Ahrens y música de Stephen Flaherty. Se trata de la primera reposición de este musical y de la primera reposición de un musical de los años noventa. Las nominaciones no le valdrán de mucho, ya que tras 65 representaciones, se despidió de los escenarios de Broadway en enero de este año. O quizás le sirva para tener una segunda oportunidad. 

A little night music - 4 nominaciones
Reposición de Musical, Actriz Principal (Catherine Zeta-Jones), Actriz Característica (Angela Lansbury), Diseño de sonido
Otro clásico, en este caso de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler, estrenado en 1973 y que también tuvo su adaptación al cine, bajo la dirección de Harold Prince y protagonizada por Elizabeth Taylor. Se trata de uno de los musicales que mayor número de veces ha sido repuesto en Broadway, y la última versión incorpora ni más ni menos que a las ahora nominadas Catherine Zeta-Jones y Angela Lansbury. Sólo por verlas juntas en el escenario merece la pena volver a verlo. 

Promises, promises - 4 nominaciones
Actor Principal (Sean Hayes), Actriz Característica (Katie Finneran), Coreografía, Orquestaciones
La reposición del musical de Burt Bacharach y Hald David, que se basaba en la película El apartamento, no ha logrado estar nominada como Mejor Reposición, pero al menos ha conseguido algunas nominaciones destacadas. Con canciones adicionales, es la primera vez que se produce esta obra desde su estreno en 1968.

Million Dollar Quartet - 3 nominaciones
Musical, Libreto, Actor Característico (Levi Kreis)
En Memphis se reunieron en la década de los 50 cuatro nombres fundamentales de la música americana: Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, Carl perkins y Elvis Presley, para publicar el album del mismo título en 1956. La obra se acerca a esta reunión mítica de cuatro leyendas de la música y captura el espíritu y la excitación de la música del momento. Levi Kreis, nominado como actor novel, interpreta a Jerry Lee Lewis. La obra se estrenó en Broadway en abril de este año.

American Idiot - 3 nominaciones
Musical, Diseño escénico, Diseño de luces
En la moda de llevar a los escenarios la música de los grupos más populares, el album que Green Day lanzó en 2004 se ha convertido en una obra musical estrenada primero en el Berkeley Repertory Theatre y hace poco menos de un mes en Broadway. Con libreto del cantante de Green Day Billie Joe Armstrong (que no ha conseguido ser nominado) y dirección de Michael Mayer, American idiot se centra en un joven de un suburbio y su grupo de amigos, tratando de encontrar un sitio en la vida. En fin, una buena excusa para atraer al público juvenil al teatro.

Finian's Rainbow - 3 nominaciones
Reposición de Musical, Actriz Principal (Kate Baldwin), Actor Revelación (Christopher Fitzgerald)
El valle del arco iris fue un atípico musical dirigido por Francis Coppola en 1968 que adaptaba la obra de E.Y. Harburg, Fred Saidy y Burton Lane, estrenada en Broadway en 1947. Esta historia sobre un emigrante irlandés que vive con su hija en el mítico estado de Missitucky contiene algunas canciones clásicas de la década de los cuarenta que se han convertido en auténticos standards.

 
Everyday Rapture - 2 nominaciones
Libreto, Actriz Principal (Sherie Rene Scott)
Con libreto de Sherie Rene Scott, protagonista y nominada como mejor actriz, esta obra estrenada también en el mes de abril en Broadway es un proyecto personal que de hecho está basado en su vida, desde su infancia en su localidad natal hasta su introducción en el mundo del espectáculo. El libreto es de Dick Scanlan y la propia Sherie Rene Scott e incluye algunos clásicos standards americanos y temas de David Byrne, Sharon Jones, Judy Garland o Robert Flack. 

Sondheim on Sondheim - 2 nominaciones
Actriz Principal (Barbara Cook), Diseño de sonido
Concebida por su director, James Lapine, como un retrato intimista de Stephen Sondheim (uno de los nombres fundamentales de Broadway), esta obra recupera entrevistas originales con el músico y canciones de más de 19 espectáculos que interpretan las voces de Barbara Cook, Vannessa Williams, Leslie Kritzer, Erin Mackey y Matthew Scott. Se trata de un viaje multimedia en el que se incluyen 64 pantallas de plasma y que sólo se verá hasta mediados de junio.
 
Come fly away - 2 nominaciones
Coreografía, Actriz Característica (Karine Plantadit)
Concebido, coreografiado y dirigido por Twyla Tharp (triunfadora con el musical Movin' out, que se acercaba a la figura de Billy Joel), en este caso se basa en canciones de Frank Sinatra a través de las vidas de cuatro parejas en un nightclub de Nueva York. La obra consiguió críticas muy positivas desde su estreno el 25 de marzo. Se trata de uno de los estrenos mejor valorados de la temporada.


The Addams Family - 2 nominaciones
Música, Actor Característico (Kevin Chamberlin)
La adaptación de la famosa tira cómica convertida en serie de televisión y reconvertida en película ha sido uno de los éxitos más destacados de esta temporada en sus representaciones previas, aunque hasta finales de abril no ha abierto sus representaciones en Broadway de forma oficial. Con un reparto que encabezan Nathan Lane como Gómez y Bebe Neuwirth como Morticia, la revelación de la obra es Kevin Chamberlin, que interpreta a Uncle Fester (o Tío Fétido). Que Nathan Lane haya firmado hasta marzo de 2011 para seguir interpretando su papel es síntoma de la buena recepción de este musical, que sin embargo ni siquiera ha conseguido nominaciones en los apartados técnicos.

En el apartado puramente teatral encontramos algunos nombres conocidos entre los nominados como Jude Law (Hamlet), Alfred Molina (Red), Liev Schrieber (A view from a bridge), Christopher Walken (A behanding in spokeane), Denzel Washington y Viola Davis (Fences) o Laura Linney (Tim stands still). 


Los Premios Tony se entregan el 13 de junio

26 abril, 2010

Mumblecore 2ª parte: Imitadores en España

Se estrena en Filmin.es Todo está en el aire, propuesta española que recoge los tics del cine mumblecore, pero sin definirse acertadamente.

Resulta curioso que, como apuntábamos en la 1ª parte de esta serie de posts dedicados al cine "hecho con cuatro perras", mientras los principales representantes de esta generación de autores independientes no quieren ni oir hablar de la etiqueta a la que les somete el término mumblecore, en España esta definición se convierte en estrategia de marketing para promocionar el estreno en internet de "la primera película mumblecore española". De forma que Todo está en el aire, escrita y dirigida por David Ciurana y Ángel Penalva, asume su condición de imitación sin pudor, y se revela como tal con todas las consecuencias. Algo parecido ocurrió con las películas dogma "españolas" como Érase otra vez, Días de boda o El desenlace, todas firmadas por el inefable Juan Pinzás y que exhibían sin ridículo el certificado que las acreditaba como Dogma. Afortunadamente, la generación mumblecore no tiene tan poca vergüenza como Lars von Trier y su equipo, y aquí no se gestionan certificados a base de talonario.

Lo que sí parece es que los autores de Todo está en el aire han recogido algunos de los elementos más definitorios del cine que han desarrollado jóvenes directores como Joe Swanberg o Andrew Bujalski para construir una historia "de historias" que nos acerca a las vidas en pareja de varios personajes. Ya comentábamos que las películas mumblecore tienen sus virtudes, pero también sus defectos, al estar sostenidas en un soporte tan frágil como los diálogos, desprovistas de otro tipo de elementos técnicos. Y ahí es donde se nota la agilidad descriptiva (Bujalski) o la capacidad de síntesis (Swanberg). Personalmente no encuentro nada de esto en Todo está en el aire y casi me resultan más cercanos los personajes de Nights and weekends (2008) o de Buscando un beso a medianoche (2009) que estos treintañeros apáticos reflejo supuesto de otros tantos jóvenes españoles.

Todo está en el aire es una película que trata de acercarse a la naturalidad a través de ese trabajo de improvisación que caracteriza al "bedhead cinema", pero los actores aquí no parecen tener la capacidad suficiente como hacernos creer la "realidad" de sus personajes. Y desde luego Adriá Collado no acaba de resultar convincente, como tampoco lo era en Aislados, de David Marqués, donde exploraba parecido registro. Hay sólo algunos guiños al cine al que imitan que resultan divertidos, como ese comienzo follando como marca ineludible de la casa, reflejo de una generación algo perdida pero llena de ansias por vivir. 

En todo caso, y aunque ésta no se trate de una propuesta lograda, ya hemos comentado que resulta estimulante que otro tipo de cine tenga por fin estas vías de exhibición que, lejos de ser alternativas, suponen el futuro de la distribución cinematográfica. Y que permiten a los aficionados acceder a títulos inéditos cuya trayectoria en los circuitos traidicionales sería escasa. 

Todo está en el aire se estrenó el 22 de abril en Filmin

19 abril, 2010

Manolete en París

El 31 de marzo se estrenó en París Manolete de Menno Meyjes, con Adrien Brody y Penélope Cruz como protagonistas. Tenía noticias no muy buenas y ese estreno por sorpresa hacía que esperase lo peor. Fui a un cine en los Campos Eliseos, la sala era pequeña y los espectadores, en su mayoría, teníamos un cierto aire español y una cierta edad… Afortunadamente la pantalla era grande y el silencio de rigor.

Les comentaba en mi “papel” sobre los premios Goya y Cesar, cómo pienso que estamos ante un cambio sustancial en el Cine. De cómo la nueva tercera dimensión es percibida como una liberación que va mas allá del planeta Pandora, del País de las Maravillas, o del Olimpo de los Titanes. Que abandonamos al héroe marginado, paralizado o encarcelado para abrirnos a universos paralelos donde “sentir” (no pensar) las mismas historias de amor y muerte. El Cine ha sufrido giros más bruscos y definitivos que éste (la llegada del sonoro, la banalizacion del color, la influencia del cómic), pero nunca estuvieron tan claramente trazadas las dos vías irreconciliables: la diversión y el arte narrativo. En la narración el espacio que se abre es interior, el héroe libra su batalla para que ganemos perspectiva moral o vital, que es nuestra lucha cotidiana. En la diversión aparcamos nuestro vehiculo (que aún pagamos a plazos) y nos embarcamos para irnos, lo más lejos mejor.

Manolete es un film anterior a las 3-D. Busca contar una historia y olvida la diversión. Nos acerca a Manolete, no nos transporta a su “país”. Este Manolete, ni siquiera ha tenido la oportunidad de encontrar plaza en España (problemas legales de producción impiden por el momento su estreno). No importa, hacía tiempo que no teníamos una película española invisible en nuestro país y recorriendo las carteleras extranjeras. Por lo demás, es un film más que apreciable y merece comentario.

Los años cuarenta en un país atrasado y triste. Imágenes documentales de Manolete en blanco y negro… El cine se empeña en rodar biografías de artistas como si de vida de santo se tratara. Debe ser porque el arte es la religión de nuestro tiempo. En general a estas películas les pasa como a los cuadros piadosos del Renacimiento: demasiados bellos ropajes para personaje tan humilde. Si la razón de este disparate era la ofrenda, que cuanto más costasen pinturas y artista, más valía, en las películas de época la ambientación es la ofrenda del productor para que creamos en su fidelidad, por no decir en su feligresía. No es éste el caso, de la vida y milagros del torero vamos a ver poco y la ambientación tiene un marcado toque Matisse: figuras aplastadas contra fondos planos de colores abigarrados. 

La España de los cuarenta era pobre y en blanco y negro… y la película, sorprendentemente, se despliega como el sueño en technicolor de un turista interesado de barrera de sol. 

Apenas hay anécdota. El encuentro entre Guadalupe y Manolo, la relación que mantuvieron y su trágico final, están apenas dramatizados. Son cuadros de un ballet que busca su dramaturgia en un continuo ir y venir en el tiempo, desde el desenlace final. Como si el sentido que las imágenes invocara no fuera otro que la muerte anunciada. La estructura del film es la de un rito en el que cada participante (y no personaje),ocupa su sitio, cada objeto su función, cada color su significado. Colores saturados: rojos, amarillos albero, turquesa, negros… Proximidad (en el plano) de la concurrencia: como un coro trágico que acompaña y alienta al héroe en el cumplimiento de su misión.

El nudo del conflicto que se juega en la arena: nacer de la muerte o perderse en ella, tiene su reflejo en el lecho amoroso: perderse en el amor o encontrarse siempre de este lado. Tanto  uno como otro son fantasmas primitivos, trágicos, que remontan de nuestros recuerdos inconscientes más antiguos: la intima relación con el deseo de la madre. Ese “mamita” que separara definitivamente a nuestros dos protagonistas y que casa tan bien con la lorquiana España franquista. Nada que objetar sobre ese acercamiento prudente a una realidad histórica que no era el objeto de la obra. Ni tampoco sobre la evocación de la pareja tutelar de nuestros héroes (que bien podría dar para otra película): Ava Gardner y Luís Miguel Dominguín. Pero esa…¡es otra historia!



Menno Meyjes cree en lo que cuenta y en cómo lo cuenta. Ese sueño en barrera de sol es luminoso y trágico y así avanza su film, no más pretencioso que cualquier otro, un poco más seco quizás.

Pero hay más: Adrien Brody y Penélope Cruz, héroes trágicos de esta historia verdadera de los años oscuros. Como decíamos, no son personajes, son cuerpos que evocan otros cuerpos enterrados en nuestra memoria y que, como ese parecido milagroso de Adrien Brody y Manolete, su trabajo consiste en hacernos sentir lo que fue y se perdió: esa carne vibrante deseosa y deseada, esa mirada triste de hombre perdido entre tantos misterios, ese silencio opaco que la belleza disimula. Nunca vi a Penélope tan “guapa” ni a Adrien Brody tan “tierno” (y por dios que estos términos dan miedo sin las comillas), pero es así… La pareja funciona como evocación de otras parejas míticas, como… digamos, debió funcionar en la imaginación de King Vidor, Gina y Tyrone como Salomón y la reina de Saba.


 Juan José Calero del Toro

03 abril, 2010

Mumblecore (Cine hecho con cuatro perras) 1ª Parte: (Joe Swanberg)

Los grandes estudios "amenazan" con dejar a España sin ediciones en DVD de sus películas debido al alto índice de descargas y a la flexible legislación española. Pues que les den porculo. En Estados Unidos se hace otro tipo de cine menos costoso y no por ello menos atractivo.

Empeñados en dejar claro que nos suda la p@#~ lo que hagan las Warner, Fox, Sony y demás multinacionales, nos acercamos a ese otro cine que también se desarrolla en Estados Unidos, mal que les pese a estos adoradores del monopolio. Un reportaje manipulador de Los Angeles Times afirma que en España la "piratería" forma parte de nuestra cultura, como "los toros". Lo que obvia el reportero es que, simplemente, en España descargar y compartir películas no es ilegal. Pero tanto los periódicos yanquis al servicio de las multinacionales como éstas mismas no quieren reconocer que son ellos los que están "al margen de la ley", ya que iniciativas como la que ponen en marcha Sony o Microsoft con sus plataformas Playstation 3 o Xbox, por ejemplo, de bloquear a usuarios que descargan (comparten sin ánimo de lucro) juegos o material sí que son ilegales.

En todo caso, lo que está claro es que si las multinacionales cumplen su amenaza (que no la van a cumplir, ya que España sigue siendo uno de sus mercados más rentables), al menos dejarán abierta la puerta para que podamos conocer ese otro cine que con sus campañas atronadoras (fuegos artificiales para vender mierda) fagocitan. 

Una de las iniciativas más interesantes en el cine independiente que se hace en Estados Unidos (el de verdad, no el que se vende en Sundance) es el denominado "Mumblecore", aunque sus principales representantes huyen de la palabreja como demonios. O lo que es los mismo, cine nacido de la revolución de la cámara digital que se hace con cuatro personajes, tres localizaciones, mucha improvisación y una narrativa leve pero efectiva. Joe Swanberg, Andrew Bujalski o Aaron Katz son algunos de los principales nombres de esta tendencia que nació en los años noventa, y que tiene en común, aparte del estilo, la juventud de unos cineastas que se acercan precisamente a personajes que representan a una generación desinhibida pero al mismo tiempo confundida. 

Joe Swanberg (n. 1981) acaba de estrenar su última película, Alexander the last, que dicen que es su película más madura y además apunta una cierta tendencia a saltar a la primera división del cine independiente (aquí también hay clases), el que se acerca a una estética más comercial y se aparta de la naturalidad del amateurismo. No en vano, apadrina esta película Noah Baumbach, nombre singular del "cine independiente-comercial" en cuya filmografía como guionista están las últimas películas de Wes Anderson y que recientemente presentó como director Greenberg, con el nada "indi" Ben Stiller como protagonista. 

Alexander the last, sin embargo, mantiene aún esa estética de "pasaba por aquí y me encontré a estos dos hablando" que marca esta tendencia de cine barato. Y tiene como interés adicional el hecho de estar construida sobre la base de escenas que están creadas desde un notable trabajo de improvisación. De ahí que el guión aparece con material adicional que firman los propios actores. Como de costumbre, la película habla de relaciones de pareja un tanto peculiares, del amor y el sexo, de sentimientos contradictorios... Y posiblemente sí está entre lo más elaborado de su director, guionista, director de fotografía, montador y productor, quizás porque se pierde menos en la búsqueda de ciertos resortes más o menos provocadores y se centra en una historia simple y clara. 

El término "mumblecore" dicen que surgió cuando un técnico de sonido que trabajaba en una película de Andrew Bujalski comentó que los actores siempre estaban "murmurando" ("mumbler"). Y a partir de ahí se quedó la descripción de cine "de murmullos" que por otro lado define bastante bien el carácter intimista de la mayor parte de las historias. Pero sus directores no quieren saber nada de esta definición como movimiento cinematográfico. También se le ha denominado "bedhead cinema" ("cine de cama") porque de hecho sus protagonistas se llevan casi todo el tiempo en la cama (hablando o follando) y "slackavates" (una referencia al cine de John Cassavetes pero protagonizado por "holgazanes"). Y desde luego es éste el referente más claro del estilo de este movimiento generacional. 

Joe Swanberg tiene ya una filmografía formada por seis películas y una serie para internet. Su primer largometraje, Kissing on the mouth (2005) tenía ya ese estilo que ha marcado su cine y cuya historia se acerca a una serie de jóvenes veinteañeros que viven con naturalidad sus experiencias sentimentales y sexuales. Hay en esta primera etapa una tendencia a la provocación más o menos gratuita (en una escena,  Joe Swanberg se masturba explícitamente delante de la cámara) que posteriormente se irá eliminando por resultar intrascendentes al margen de su carácter puramente provocativo. 

Pero es a partir de la serie Young american bodies (2006) y LOL (2006) cuando comienzan a forjarse los elementos principales de su cine, especialmente gracias a la presencia de la actriz y guionista Greta Gerwig, cuya naturalidad delante de la pantalla es fundamental para seguir sin cansancio estas historias de leves resortes narrativos.  

Hanna takes the stairs (2007) es posiblemente una de las mejores películas de Joe Swanberg. Aunque pueda cansar a algunos espectadores el estilo "talk, talk, talk" de este cine basado en los diálogos a dos, sin duda esta cinta contiene algunas de las escenas más logradas de este movimiento generacional. 

Esta tendencia continúa en Nights and weekends (2008), de nuevo con Joe Swanberg y Greta Gerwig como pareja protagonista (y también compartiendo dirección), que contiene un desarrollo de personajes más elaborado, aunque mantiene su estilo "improvisado".

Dedicada al cine más convencional, a Greta Gerwig la hemos podido ver últimamente en títulos como The house of the devil (2009) y pronto en Greenberg (2009), por lo que en cierto modo ha dicho adiós a su etapa "mumblecore", provocando también una nueva línea de estilo en Joe Swanberg con su último estreno, Alexander the last. 

Movimiento generacional o simplemente hacer cine sin dinero, lo cierto es que esta estética visual muestra con mayor acierto y sinceridad que otros intentos hollywoodienses las complejidades de una juventud que se acerca con timidez al mundo profesional. Joe Swanberg no es de los directores de concepto visual más elaborado, pero sí ha encontrado una fórmula de contar historias que, a pesar de sus vaivenes, logra identificar a sus personajes con el espectador. Ni qué decir tiene que la distribución en España ha pasado de largo por este movimiento, y sólo en contadas ocasiones hemos tenido la oportunidad de acceder a estos títulos en circuitos comerciales.