En Primera Fila

Nominaciones Oscar completas

2012-01-24T15:04:00.026+01:00

Lista completa de las nominaciones a los Oscar 2011. Destaca la presencia de Medianoche en París, de Woody Allen, con participación española, y de la película de animación Chico y Rita, de Fernando Trueba. Alberto Iglesias de nuevo nominado por la música de El topo. Se ha quedado fuera la película de animación Arrugas y el cortometraje Rosa, de Jesús Orellana.

Actor Principal

Demián Bichir por "A Better Life"
George Clooney por "Los Descendientes"
Jean Dujardin por "The Artist"
Gary Oldman por "El Topo"
Brad Pitt por "Moneyball: Rompiendo las Reglas"

Actor de Reparto

Kenneth Branagh por "My Week with Marilyn"
Jonah Hill por "Moneyball: Rompiendo las Reglas"
Nick Nolte por "Warrior"
Christopher Plummer por "Beginners (Principiantes)"
Max von Sydow por "Tan lejos, tan Fuerte"

Actiz Principal

Glenn Close por "Albert Nobbs"
Viola Davis por "Criadas y Señoras"
Rooney Mara por "Millenium: El Hombre que no Amaba a las Mujeres"
Meryl Streep por "La Dama de Hierro"
Michelle Williams in "My Week with Marilyn"

Actriz de Reparto

Bérénice Bejo por "The Artist"
Jessica Chastain por "Criadas y Señoras"
Melissa McCarthy por "La Boda de mi Mejor Amiga"
Janet McTeer por "Albert Nobbs"
Octavia Spencer por "Criadas y Señoras"

Largometraje de Animación

"Un Gato en París" Alain Gagnol y Jean-Loup Felicioli
"Chico & Rita" Fernando Trueba y Javier Mariscal
"Kung Fu Panda 2" Jennifer Yuh Nelson
"El Gato con Botas" Chris Miller
"Rango" Gore Verbinski

Dirección Artística

"The Artist" Diseño de Producción: Laurence Bennett; Decorados: Robert Gould
"Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 2" Diseño de Producción: Stuart Craig; Decorados: Stephenie McMillan
"La invención de Hugo" Diseño de Producción: Dante Ferretti; Decorados: Francesca Lo Schiavo
"Medianoche en París" Diseño de Producción: Anne Seibel; Decorados: Hélène Dubreuil
"War Horse (Caballo de Batalla)" Diseño de Producción: Rick Carter; Decorados: Lee Sandales

Fotografía

"The Artist" Guillaume Schiffman
"Millenium: El Hombre que no Amaba a las Mujeres" Jeff Cronenweth
"La Invención de Hugo" Robert Richardson
"El Árbol de la Vida" Emmanuel Lubezki
"War Horse (Caballo de Batalla)" Janusz Kaminski

Diseño de Vestuario

"Anonymous" Lisy Christl
"The Artist" Mark Bridges
"La Invención de Hugo" Sandy Powell
"Jane Eyre" Michael O'Connor
"W.E." Arianne Phillips

Dirección

"The Artist" Michel Hazanavicius
"Los Descendientes" Alexander Payne
"La Invención de Hugo" Martin Scorsese
"Medianoche en París" Woody Allen
"El Árbol de la Vida" Terrence Malick

Largometraje Documental

"Hell and Back Again" Danfung Dennis y Mike Lerner
"If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front" Marshall Curry y Sam Cullman
"Paradise Lost 3: Purgatory" Joe Berlinger y Bruce Sinofsky
"Pina" Wim Wenders y Gian-Piero Ringel
"Undefeated" TJ Martin, Dan Lindsay y Richard Middlemas

Cortometraje Documental

"The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement" Robin Fryday y Gail Dolgin
"God Is the Bigger Elvis" Rebecca Cammisa y Julie Anderson
"Incident in New Baghdad"James Spione
"Saving Face" Daniel Junge y Sharmeen Obaid-Chinoy
"The Tsunami and the Cherry Blossom" Lucy Walker y Kira Carstensen

Montaje

"The Artist" Anne-Sophie Bion y Michel Hazanavicius
"Los Descendientes" Kevin Tent
"Millenium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres" Kirk Baxter y Angus Wall
"La Invención de Hugo" Thelma Schoonmaker
"Moneyball: Rompiendo las Reglas" Christopher Tellefsen

Película de Lengua Extranjera

"Bullhead" Bélgica
"Footnote" Israel
"In Darkness" Polonia
"Monsieur Lazhar" Canadá
"Nader y Simin. Una Separación" Irán

Maquillaje

"Albert Nobbs" Martial Corneville, Lynn Johnston y Matthew W. Mungle
"Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 2" Nick Dudman, Amanda Knight y Lisa Tomblin
"La Dama de Hierro" Mark Coulier y J. Roy Helland

Música Original

"Las Aventuras de Tintín" John Williams
"The Artist" Ludovic Bource
"La Invención de Hugo" Howard Shore
"El Topo" Alberto Iglesias
"War Horse" John Williams

Canción Original

"Man or Muppet" de "Los Muppets" Música y Letra de Bret McKenzie
"Real in Rio" de "Rio" Música de Sergio Mendes y Carlinhos Brown Letra de Siedah Garrett

Mejor Película

"The Artist" Thomas Langmann, Productor
"Los Descendientes" Jim Burke, Alexander Payne y Jim Taylor, Productores
"Tan Lejos, tan Fuerte" Scott Rudin, Productor
"Criadas y Señoras" Brunson Green, Chris Columbus y Michael Barnathan, Productores
"La Invención de Hugo" Graham King y Martin Scorsese, Productores
"Medianoche en París" Letty Aronson y Stephen Tenenbaum, Productores
"Moneyball: Rompiendo las Reglas" Michael De Luca, Rachael Horovitz y Brad Pitt, Productores
"El Árbol de la Vida" Sarah Green, Bill Pohlad, Dede Gardner y Grant Hill, Productores
"War Horse (Caballo de Batalla)" Steven Spielberg y Kathleen Kennedy, Productores

Cortometraje Animado

"Dimanche/Sunday" Patrick Doyon
"The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore" William Joyce y Brandon Oldenburg
"La Luna" Enrico Casarosa
"A Morning Stroll" Grant Orchard y Sue Goffe
"Wild Life" Amanda Forbis y Wendy Tilby

Cortometraje

"Pentecost" Peter McDonald y Eimear O'Kane
"Raju" Max Zähle y Stefan Gieren
"The Shore" Terry George y Oorlagh George
"Time Freak" Andrew Bowler y Gigi Causey
"Tuba Atlantic" Hallvar Witzø

Sonido

"Drive" Lon Bender y Victor Ray Ennis
"Millenium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres" Ren Klyce
"La Invención de Hugo" Philip Stockton y Eugene Gearty
"Transformers: El Lado Oscuro de la Luna" Ethan Van der Ryn y Erik Aadahl
"War Horse (Caballo de Batalla)" Richard Hymns y Gary Rydstrom

Mezclas de Sonido

"Millenium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres" David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce y Bo Persson
"La Invención de Hugo" Tom Fleischman y John Midgley
"Moneyball: Rompiendo las Reglas" Deb Adair, Ron Bochar, Dave Giammarco y Ed Novick
"Transformers: El Lado Oscuro de la Luna" Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush y Peter J. Devlin
"War Horse (Caballo de Batalla)" Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson y Stuart Wilson

Efectos Visuales

"Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 2" Tim Burke, David Vickery, Greg Butler y John Richardson
"La Invención de Hugo" Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman y Alex Henning
"Acero Puro" Erik Nash, John Rosengrant, Dan Taylor y Swen Gillberg
"El Origen del Planeta de los Simios" Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White y Daniel Barrett
"Transformers: El Lado Oscuro de la Luna" Scott Farrar, Scott Benza, Matthew Butler y John Frazier

Guión Adaptado

"Los Descendientes" Alexander Payne y Nat Faxon & Jim Rash
"La Invención de Hugo" John Logan
"Los Idus de Marzo" George Clooney & Grant Heslov y Beau Willimon
"Moneyball: Rompiendo las Reglas" Steven Zaillian y Aaron Sorkin. Historia de Stan Chervin
"El Topo" Bridget O'Connor & Peter Straughan

Guión Original

"The Artist" Michel Hazanavicius
"La Boda de mi Mejor Amiga" Annie Mumolo & Kristen Wiig
"Margin Call" J.C. Chandor
"Medianoche en París" Woody Allen
"Nader y Simin, Una Separación" Asghar Farhadi

Globos de oro: unos contra otros

2012-01-16T21:59:00.002+01:00

Los premios entregados por la Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood no sorprendieron demasiado, ni en el terreno televisivo ni en el cinematográfico. Pero plantearon serios interrogantes de cara a los próximos Oscar.

George "The descendant" Clooney

The artist vs. The descendants. Dado que en los Globos de Oro las categorías de drama y comedia están separadas, los principales galardones parecían claros. Este año no parece haber ninguna producción de alto presupuesto que pueda hacerle sombra al modesto pero contundente drama dirigido por Alexander Payne (ni el drama clásico War horse, de Steven Spielberg, ni la habitual celebración del esfuerzo humano deportivo representada por Moneyball, ni siquiera el previsible recordatorio antirracista de The help (Criadas y señoras) parecen tener el suficiente respaldo de cara a los premios). Y en el lado cómico, la simpatía que provoca The artist lo tiene más que claro. Pero, ¿qué ocurrirá cuando tengan que competir en la misma categoría? Esa puede ser una de las grandes incógnitas de los Oscar de este año. ¿Triunfará el homenaje al Hollywood clásico o la lectura pesimista de un fracasado?

The artist vs. Hugo. Otra de las preguntas que nos han provocado estos Globos de Oro, y que posiblemente nadie se planteaba hasta ahora, ha surgido tras el premio concedido a Martin Scorsese. Porque Hugo habla de la infancia, pero también rinde pleitesía al mundo del cine. Curiosamente, The artist es una producción francesa que reverencia al cine de Hollywood, mientras que Hugo es una película norteamericana que nos traslada a la magia del cine del francés Georges Méliès. De cara a los Oscar, ésta última podría ser una competidora más fuerte de lo que parece.

Meryl Streep vs. sus gafas. Meryl Streep nos gusta hasta cuando miente como una bellaca. Esa sorpresa al recoger un premio que estaba cantado tendrá que superarla en la ceremonia de los Oscar, sin duda. Su Margaret Thatcher es perfecta, y sin duda éste va a ser su año. Una lástima para Glenn Close que, a pesar de su notable esfuerzo (y espléndido trabajo de contención expresiva) y de un maquillaje algo infame en Albert Nobbs, va a tenerlo muy difícil en los Oscar. La película es un bluff, pero ella está espléndida. ¿No hay premios ex-aequos?

"The artist" Uggie

Milú vs. Uggie. Poco podría imaginar Steven Spielberg que el mismo año que realiza Las aventuras de Tintín (incontestable Globo de Oro y muy probable Oscar a Mejor Película de Animación, porque muchos competidores no tiene (al margen de la española Arrugas si se acaba colando merecidamente entre las finalistas)), al perro de su aventurero protagonista, el conocido Milú, le iba a acabar haciendo sombra otro perro, Uggie, que interpreta al terrier acompañante del actor de la película The artist. Con su propio perfil en twitter (@Uggie_TheArtist), en el que se pide su nominación al Oscar como mejor actor, Uggie es un perro-estrella que ha intervenido en otras películas como Agua para elefantes (2011), y puede que también acabe haciendo su aparición en algún momento de la ceremonia de los Oscar.

Kim Novak vs. Ludovic Bource. Aunque hace una semana la actriz Kim Novak lanzaba una incomprensible crítica a la utilización de la música de Bernard Herrmann para Vértigo en una de las escenas más destacadas de The artist, lo cierto es que la diatriba se ha quedado en poca cosa, debido en buena parte a su sinsentido. Pero algunos temían que acabara jugando en contra de la nominación del compositor Ludovic Bource, impecable trabajo que ha merecido el premio de la crítica extranjera. Al uso del tema de amor de Vértigo se le puede achacar, como mucho, su condición tramposa, tratándose de un supuesto homenaje al cine mudo. Pero la película en su conjunto juega a ese anacronismo constante y a ese carácter tramposo que la hace venderse como una referencia a los clásicos mudos y sin embargo ser en realidad un homenaje al cine sonoro de los años cuarenta y cincuenta.

Irán vs. España (¿o EE.UU.)? Hasta Pedro Almodóvar sabía que lo tenía muy difícil en la ceremonia de los Globos de Oro. Porque la iraní Nader y Samin. Una separación es uno de esos títulos de gran calado que, tras lograr el Oso de Oro en Berlín, se ha consolidado como uno de los retratos más certeros de la esquizofrénica sociedad iraní. Pero, ¿darán alas los académicos de Hollywood a una producción iraní en un momento de difícil relación entre Obama y Ahmadineyad? Quizás eso pueda jugar a favor de La piel que habito en los Oscar (tras su muy probable nominación); pero quizás también en detrimento de Irán terminen premiando el esfuerzo de Angelina Jolie como directora en In the land of blood and honey. Al menos siempre nos quedará un consuelo con Woody Allen y su producción "española" Medianoche en París.

Claire Danes / Damian Lewis

Juego de tronos vs. Homeland. En el terreno televisivo era una elección difícil la que había en juego, teniendo en cuenta la calidad de dos producciones que se han convertido en lo más atractivo de la temporada (con permiso de The killing). La primera tiene la valentía de poner en marcha una gran producción para televisión que consigue hacernos olvidar pronto sus coincidencias con El señor de los anillos. La segunda es una arriesgada mirada a la posición norteamericana frente al terrorismo, y quizás una de las propuestas más inteligentes, que sin abandonar cierto carácter patriótico, es capaz de poner en duda a un mismísimo marine desde el capítulo uno. Basada en una serie israelí, ha sabido adaptarse con soltura a otro tipo de guerra oculta. Son incuestionables los premios a Peter Dinklage (Juego de tronos) y Claire Danes (Homeland), que va camino de convertirse en una de las actrices más apasionantes del panorama televisivo (el año pasado nos sorprendió con la tv-movie Temple Gradin, por la que tambien obtuvo un Globo de Oro).

Jessica "Horror" Lange

Boss vs. Horror. Aunque algunos comentaristas, seguramente por no haberla visto, tomaron como una gran sorpresa el premio a Kelsey Gramer frente a, por ejemplo, Brian Cranston (siempre magnífico en Breaking bad), lo cierto es que su papel en Boss le va a dar más de una satisfacción. Kelsey Gramer incorpora a un alcalde con una enfermedad degenerativa, maquiavélico, hijoputa y patético, que le ha devuelto su condición de gran actor. Lo que no estaba tan claro es que la crítica se atreviera a premiar a la propuesta más arriesgada del año (y la más psicótica, todo sea dicho): American Horror Story. Menos mal que al menos estaba Jessica Lange (que probablemente no participe en la segunda temporada) para recoger un merecido Globo de Oro, aunque solo sea por tener los ovarios de enfrentarse a un personaje como el que hace en la serie.

Downton Abbey vs. Miniseries. Que a Downton Abbey, con sus nueve capítulos en su segunda temporada, se la siga considerando una miniserie, es algo que no entendemos. Pero bueno, al menos así lo tenía más fácil para llevarse el Globo de Oro, aunque nos hubiera gustado mayor protagonismo para Mildred Pierce, la miniserie más emocionante de la temporada. Al menos Kate Winslet, otra de esas grandes divas de la interpretación (doblemente nominada, también por Un dios salvaje), se llevó un merecido Globo de Oro que se suma al Emmy que ya consiguió.

¿Ricky Gervais?

Ricky Gervais vs. Ricky Gervais. ¿Dónde estaba Rcky Gervais este año? Es más, ¿dónde estuvo Ricky Gervais? Porque a pesar de anunciar que iba a twittear durante la ceremonia (como hizo James Franco como un poseso en la de los Oscar), no se le ha vuelto a leer nada desde que entró en la gala. Ayer resucitó diciendo que estaba huyendo de los fans de Justin Bieber. También es cierto que, mientras se le criticó que el año pasado se pasara tres pueblos en sus intervenciones, ahora se le pedía que fuera más lejos. Y eso puede que sea injusto. Pero también es verdad que la propia Asociación de Críticos y el mismo Gervais estuvieron alimentando durante las últimas semanas su "amenazadora" presentación. ¿Y tanto cuerno de diablo para ésto? Aunque hubo algún momento brillante, en general el Ricky Gervais de esta ceremonia fue como el Ricky Gervais cuando deja la televisión y hace cine: soso, domesticado, como queriendo agradar a todos. Él fue su principal enemigo.

Ricky Gervais vs. Sofía Vergara. La colombiana se quedó sin premio, pero la serie Modern family logró el Globo de Oro a Mejor Comedia y ella acabó eclipsando, no solo a sus compañeros de reparto, sino incluso a un Ricky Gervais al que le cayó de pleno la furia "latina" después de su broma sobre el inglés de Antonio Banderas y Salma Hayek (que tampoco era para rasgarse las vestiduras, la verdad). Por lo menos tenemos que agradecer a la descarada broma de Ricky Gervais que por un momento pareciera aquello la ceremonia de los Grammy latinos en vez de la de los Globos de Oro, y acabara sonando español más de lo que estaba previsto.

Miradas oblicuas sobre Nueva York

2012-01-14T21:49:00.000+01:00

La "gran manzana" es constante referencia o protagonista de numerosas películas. Nueva York se eleva sobre el arte como paradigma de la ciudad cosmopolita y cultural. Pero también hay mierda debajo de las alfombras. Y habitantes singulares que la miran de un modo diferente. Estos son tres ejemplos de documentales que nos revelan aspectos diferentes de la vida en Nueva York.

Client 9. The rise and fall of Elliot Spitzer (2010). Dirigido por Alex Gibney, el cineasta que nos mostró la demencia financiera de Wall Street en Enron: the smartest guys in the room (2005), la sórdida cultura de la tortura de las tropas estadounidenses en Taxi to the other side (2007), la tortuosa existencia del periodista Hunter S. Thompson en Gonzo: The life and death of Hunter S. Thompson (2008) o las vicisitudes estafadoras del republicano Jack Abramoff en Casino Jack and the United States of Money (2010). Su prolífica disección del lado oscuro de la sociedad norteamericana se detiene ahora en la caída del que fuera fiscal y después gobernador de Nueva York, tras el descubrimiento de sus flirteos con la prostitución de alto standing. Nada nuevo bajo el sol (ya sabemos que quienes mantienen el negocio de la prostitución son en buena medida los mismos que vociferan en contra de ella desde sus púlpitos). Y desde luego, vemos en la caída de este prometedor político, al que le traicionó su propia bragueta, uno de esos característicos retratos de la hipocresía del poder (mientras fue fiscal ordenó no pocas redadas contra clubs de prostitución). Pero lo más terrorífico es ver los rostros de esos maquiávelicos poderosos seniles (los amos de Nueva York) a los que se enfrentó Spitzer y que al final acabaron cavando su sepultura política a base de chantajes, falsos testimonios y chismorreos. O lo que es lo mismo, da miedo comprobar en manos de qué clase de psicópatas está el poder económico de la Gran Manzana.

Page one: Inside the New York Times (2011). Rastrear los entresijos de uno de los rotativos más prestigiosos del mundo resulta fascinante. Más que por descubrirnos aspectos más o menos desconocidos, por introducirnos en el mainstream del periodismo que se cuece en Nueva York. Decía la crítica de la revista Empire que, curiosamente, lo que no tiene este documental es rigor periodístico. Y puede que sea cierto, dado que al director Andrew Rossi le falta cierto distanciamiento en el retrato que hace del que, no lo olvidemos, es también uno de los periódicos más controvertidos (algún ejemplo del periodismo sucio que suele practicar esta publicación se muestra en el documental). Lo interesante, al margen de haber sabido escoger a personajes de poderoso magnetismo y de construir un relato de ritmo frenético, es la reflexión que plantea en torno a la desaparición del periodismo tradicional. Y no solo de los periódicos de papel, sino de la forma en que se difunden las noticias y la entrada de nuevos actores en el mundo de la información (blogueros, Wikileaks, Gawker...). En un momento en el que el periodismo en general (también en España) vive un momento de crisis profunda, éste es un documental revelador.

Bill Cunningham New York (2011). En su intento por adaptarse a las nuevas formas audiovisuales, The New York Times ha abierto su campo de acción y se ha convertido en productora de cine. Aunque solo sea para homenajear en este esperanzador documental a uno de sus artistas más relevantes. Si algún día caminas por Nueva York y un señor en bicicleta te hace una fotografía, compra el New York Times, porque quizás salgas en él. Bill Cunningham es uno de esos artistas de la fotografía que desde hace más de 30 años se ha dedicado a recorrer las calles de Nueva York en su bicicleta capturando la vida de la ciudad, y sobre todo capturando la esencia de la moda real. Fotógrafo de pasarelas, en realidad se le ve disfrutar más en la calle que en las grandes citas de la moda. Pero es su personalidad la que nos acaba enamorando: austero y modesto, ha consagrado su vida al trabajo (literalmente, no se le conoce más relación sentimental que la que mantiene con su cámara) que, además, es lo que más le gusta. Y se nota que aún tiene, después de tantos años, esa mirada casi infantil cuando descubre algo que le atrapa y que puede atrapar con su cámara.

Quizás la mejor definición de esa ciudad alejada de la mirada turística la hace Bill Cunningham cuando habla de su trabajo: "Sólo intento hacer lo correcto. Y eso en Nueva York es casi imposible. Ser honesto e íntegro en Nueva York... es como Don Quijote luchando contra los molinos de viento".

ASECAN 2012. PREMIOS DEL CINE ANDALUZ

2012-01-07T11:27:00.000+01:00

La Asociación de Escritores Cinematográficos de Andalucía ha dado a conocer los Premios ASECAN 2012, que se entregarán el próximo 4 de febrero en la Filmoteca de Andalucía. Enhorabuena a los ganadores.

PREMIOS ASECAN 2012

Premio ASECAN Largometraje andaluz
La voz dormida (Benito Zambrano, para Maestranza Films)

Premio ASECAN Dirección
Benito Zambrano, por La voz dormida

Premio ASECAN Guión
Manuel Martín Cuenca, como co-autor del guión original de La mitad de Óscar

Premio ASECAN ‘Antoñita Colomé’ Interpretación femenina
Inma Cuesta y María León, por La voz dormida

Premio ASECAN ‘Antoñita Colomé’ Interpretación masculina
Antonio de la Torre, por Balada triste de trompeta

Premio ASECAN ‘Teo Escamilla’ Contribución técnico-artística
Tote Trenas, por la fotografía de Ispansi (Españoles)

Premio ASECAN Música original
Julio de la Rosa, por Primos

Premio ASECAN Difusión del Cine en Andalucía
Semana Internacional del Cortometraje de San Roque

Premio ASECAN Programa de Televisión
‘Al Sur’, (Servicios informativos de Canal Sur, para RTVA)

Premio ASECAN Labor informativa sobre Cine
‘Cortocircuito’ (producción televisiva de La Claqueta PC, para Giralda TV)

Premio ASECAN Cortometraje
Reflexiones de un picaporte (Carlos Crespo, para Azhar Media y MundoFicción)

Premio ASECAN Documental
Los amores difíciles (Lucina Gil, para Doxa Producciones)

Premio ASECAN Libro de Cine
Los españoles del western (Juan Gabriel García, en Ed. Círculo Rojo)

Premio ASECAN Película española (no andaluza)
No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizu, para LaZona Films, Telecinco Cinema y Manto Films)

Premio ASECAN Película extranjera
Nader y Simin, una separación (Asghar Farhadi, para Asghar Farhadi Prod.)

Premio ASECAN de Honor, en reconocimiento a su carrera
Carmen Sevilla, actriz

Premio ASECAN de Honor, en reconocimiento a su carrera
Pancho Bautista, guionista y director

Lo mejor y lo peor de 2011 en televisión (y 2)

2011-12-31T11:00:00.167+01:00

Nuestra primera entrega estaba dedicada a las series que más nos han impactado en 2011. Pero también ha habido notables decepciones. Hacemos un repaso de algunas de ellas.

Lo peor:

Camelot (Starz). Michael Hirst (Los Tudor) nos ha dado este año una de cal y otra de arena. Por un lado, como productor, la magnífica Los Borgia, que ya comentamos en nuestro post anterior. Por otro, como creador, esta penosa revisión de las aventuras artúricas. Decepcionante es poco para esta producción en la que el rey Arturo es un niñato imberbe al que nunca nos creemos, y el mago Merlín es un Joseph Fiennes al que no se le ha quitado la cara de disgusto cuando Flashforward se fue al garete. Tan solo Eva Green parecía disfrutar incorporando a la malvada Morgana.

Person of interest (CBS). Lo tenía todo para convertirse en una buena historia. Jonathan Nolan, hermano de Cristopher y co-guionista de las dos entregas de Batman; JJ Abrams como productor; el inmenso Michael Emerson (Perdidos) como co-protagonista... Pero al final la trama ha acabado siendo una insulsa revisitación de lugares comunes que a nosotros no nos ha cautivado. Eso sí, CBS ha obtenido buenos resultados y, al igual que el otro thriller que ha estrenado este año, Unforgettable, la ha renovado por una segunda temporada.

Fringe (Fox). Aunque JJ Abrams ya se desligó en cierto modo de la serie, continúa como productor. Fringe es uno de esos casos en los que, o te acabas enganchado y tragándote todo lo que te echen, o terminas cansado de tanta tontería. Como thriller de ciencia-ficción funcionaba bien las primeras temporadas. A partir de la tercera, con el cambio de enfoque, a nosotros nos ha resultado un coñazo, incluidos capítulos de vergüenza ajena. La cuarta temporada sigue por el mismo camino, pero ya nos hemos bajado del tren.

Terra Nova (Fox). La serie producida por Steven Spielberg prometía devolvernos la magia de los dinosaurios de Parque Jurásico. Craso error. El episodio piloto ya marcaba lo que iba a ser: una historia familiar de aventuras, ñoña, con efectos visuales de barraca de feria, que ha ido bajando de audiencia a pesar de algunos aficionados incombustibles. Ha sido el gran fiasco de la temporada y Fox ha pospuesto hasta enero la decisión de renovarla por una nueva temporada.

Hell on wheels (AMC). La nueva apuesta de la cadena especialista en series de calidad como Breaking bad o Mad men ha sido esta producción ambientada en el Oeste. Ciertamente es un poco arriesgado incluirla en esta lista, porque tiene auténticos incondicionales. Personalmente, sin embargo, preferimos Justified como representación de un auténtico western, porque Hell on wheels quiere ser tan alternativa que acaba resultando aburrida.

Dexter (Showtime). Nunca hubiéramos podido imaginar que la serie más impactante de los últimos años pudiera acabar ofreciendo una temporada tan insulsa como la que hemos visto este año. Personajes nuevos que no llegaban a ninguna parte, antagonistas de risa, subtramas imposibles (Debra Morgan yendo al psicoanalista) y desperdicio absoluto de personajes antológicos (Masuka, Batista, LaGuerta). Miedo nos dan las dos próximas temporadas ya anunciadas, aunque el hecho de que, en teoría, sean las últimas, puede dar a los guionistas una oportunidad de recuperar una serie que parece haber tocado fondo.

Misfits (E4/Channel Four). Quizás sea una de las series más gamberras que hemos visto en mucho tiempo. La capacidad del humor británico por retorcer los argumentos más previsibles ha dado lugar a películas y series antológicas (ahí está la divertida Attack the block). Y dar superpoderes a una pandilla de inadaptados adolescentes tenía su gracia. Pero ya en la segunda entrega, cuando comenzaron a incorporar regresos al futuro y otras chorradas daba la impresión de perder fuelle. La tercera temporada ha intentado recuperar el espíritu de la primera, pero la desaparición de Nathan (auténtico destroyer verbal), por mucho que lo hayan querido sustituir por un personaje semejante (pero con menos encanto), ha terminado de rematar la faena.

The Playboy Club (NBC). Mad men ha sentado precedentes y este año hemos visto dos series que parecían seguir su estela. Por un lado, Pan Am que, a pesar de conseguir transmitir cierto "enjoy of life" a través de sus azafatas de vuelo, tenía un aire de Vacaciones en el mar que al final ha acabado sepultándola a una única temporada. Lo mismo ha pasado con The Playboy Club, pero en el peor sentido. Cuando no se puede, no se puede. Y si se es incapaz de generar una historia medianamente solvente, es mejor abandonar cuanto antes. Cutre hasta decir basta, la serie ha obtenido las peores críticas de la temporada.

Free agents (NBC). Este no ha sido el año de la cadena, desde luego. Anunciada como una comedia elegante, esta serie protagonizada por Hank Azaria y basada en una producción británica se ha convertido en otro de los fracasos del año, sin renovación posible. La sosería de sus episodios no ha podido contrarrestar el empeño de sus protagonistas. Tan es así que tan solo se han llegado a emitir cuatro de los seis producidos.

Cheers (Telecinco). No es por hacer leña del árbol caído, pero a Antonio Resines le pudo su ego y proclamó a los cuatro vientos que la adaptación española de la mítica Cheers iba a ser todo un éxito. Resultado: cancelación ipso facto después de los bajos índices de audiencia de los siete primeros capítulos (los otros seis rodados están guardados en un cajón). Aparte de la productora y Antonio Resines pocos creíamos que tuviera algún sentido adaptar una serie clásica de la televisión norteamericana a la España cañí de Los Serrano. La crítica la destrozó y la respuesta del actor y productor fue estúpida. No sabemos qué hay sobre el papel de determinadas producciones para que nadie se dé cuenta de que se trata de un despropósito.

¿Decepciones futuras?

Luck (HBO). Ni más ni menos que una serie dirigida por Michael Mann (episodio piloto) y protagonizada por Dustin Hoffman y Nick Nolte. Ambientada en el mundo de las carreras de caballos, la cadena filtró el piloto para empezar a ambientar a la audiencia. Sin duda, es difícil calificar una serie por el primer episodio, y más cuando estamos ante un cadnal que tiene como estandartes a producciones como The wire o Boardwalk Empire que, si fuera por sus primeros capítulos, no habríamos imaginado que acabarían sido obras maestras. Pero lo que hemos visto de Luck nos ha parecido más insípido de lo que esperábamos.

Alcatraz (Fox). Si osado resulta dar una opinión tomando como referencia un episodio, aún lo es más hacerlo basándose en el trailer. Pero, ¿no parece el avance de la nueva serie de JJ Abrams una nueva Fringe? Quizás pensábamos que iba por otro lado, pero lo cierto es que esto de investigar desapariciones misteriosas del pasado está más que visto. Como volvamos otra vez a los mundos paralelos, vamos a renunciar definitivamente a todo lo que lleve la firma de JJ Abrams. La respuesta: el 16 de enero.

Lo mejor y lo peor de 2011 en televisión (1)

2011-12-29T16:00:00.021+01:00

Ya hemos hecho nuestra lista de las bandas sonoras que más nos han gustado. Ahora presentamos lo mejor y lo peor que hemos visto en televisión durante este año 2011 (entiéndase, series principalmente americanas, qué le vamos a hacer). Se aceptan sugerencias.

Lo Mejor:

Juego de tronos (HBO). La temporada comenzó con algunos estrenos muy esperados, aunque pocos han terminado convenciéndonos. Entre ellos, esta ambiciosa producción de HBO que nos devolvió al reino de la fantasía con cierto aire a El señor de los anillos. Buena factura, efectos visuales bastante aceptables y sobre todo un buen guión y unos personajes que nos iban atrapando conforme se desarrollaban los capítulos.

Los Borgia (Showtime). Dirigida por Neil Jordan, esta serie no parecía tener posibilidades de alcanzar la calidad de otras producciones históricas como Los Tudor, pero tras el episodio piloto nos dimos cuenta que íbamos a acabar fascinados por Jeremy Irons y su composición del Papa Rodrigo Borgia (Alejandro VI). La excelente música de Trevor Morris, ya habituado a este tipo de encargos, y una ambientación de diez han acabado por convencernos de que estamos ante uno de los hallazgos del año.

Boss (Starz). ¿La cadena de televisión responsable de productos infumables como Spartacus produciendo una buena serie? Aunque parezca increíble, así es. Boss es, con diferencia, uno de los mejores estrenos de la temporada, con un Kelsey Gramer recuperado como excelente actor dramático, y un argumento que podría estar sacado de Ricardo III o cualquiera de esos poderosos dramas sobre el poder.

Crematorio (Canal +). También en torno al poder y al dinero giraba la serie que Canal + estrenaba hace unos meses y que ha logrado el Premio Ondas este año. Como en Boss o Los Borgia, la calidad de esta producción se sostiene en un protagonista de peso incorporado por un actor inspirado. Rubén Bertomeu es y no puede ser otro que José Sancho, pero tampoco hay que dejar atrás el trabajo de Vicente Romero y de Alicia Borrachero.

Homeland (Showtime). Otra de las sorpresas de la temporada ha sido esta serie basada en una producción israelí, confirmando el buen caldo de cultivo que hay en Israel para series de calidad (In treatment también era una adaptación que provenía de ese país). Su aire de intriga y espionaje, la ambigüedad de sus personajes principales (magníficos Claire Danes y Damien Lewis), y una inteligente dosificación del suspense la han convertido en uno de los platos fuertes de la temporada. El problema es si la serie da para una segunda temporada.

Wilfred (FX). Basada en una producción australiana, y con el mismo protagonista haciendo de perro (Jason Gann), esta locura desternillante es la comedia del año. No podíamos imaginarnos que Elijah Wood consiguiera encajar y tener química con el magnífico trabajo de Jason Gann. Pero vaya si lo consigue. Se nos hacían cortos cada uno de los episodios de esta serie.

American Horror Story (FX). Curiosa y arriesgada incursión de Ryan Murphy (Glee) en el bizarre terrorífico cercano a la paranoia de David Lynch. Esta historia de fantasmas que conviven con personas vivas (pero mucho más enloquecidas que los muertos) ha conseguido mantenerse, dentro de su irregularidad, con interés. Ya decíamos que a veces tienes la sensación de no enterarte de nada, pero lo cierto es que al final de cada episodio tenías ganas de seguir viendo cuál sería el tortuoso camino por el que iba a discurrir la historia.

The killing (AMC). Sin duda, lo mejor del año, por encima de su predecesora (la versión nórdica). Tras una primera temporada tensa y sorprendente, la cuestión ahora es saber si la segunda entrega acabará siendo tan embarullada y repetitiva como fue la última parte de la serie original. Y si se empeñarán en alargar la trama hasta hacerla imposible. Lo mejor, la atmósfera oscura que nos ha hecho recordar el shock que nos provocaron los primeros episodios de Twin Peaks.

El hombre de tu vida (Telefé). La comedia romántica de Juan José Campanella rompió las audiencias en Argentina y confirmó al director y guionista como uno de los cineastas más inteligentes de su generación. Con las dosis adecuadas de sensiblería, romanticismo y humor, El hombre de tu vida consigue hacer entrañables a sus personajes, gracias por supuesto al buen trabajo de Guillermo Francella (dentro de su histrionismo), Mercedes Morán y Luis Brandoni. Estamos deseando ver la segunda temporada.

Justified (FX). Justified ha sido, en su segunda entrega, un auténtico western moderno con una maravillosa Margo Martindale (merecido Premio Emmy) fuera de su habitual perfil cómico, y un irreconocible Jeremy Davies (Perdidos). Como siga así, Justified va camino de convertirse en una de las producciones para televisión más prestigiosas, dando pasos lentos (no es que tenga una audiencia especialmente amplia) pero cada vez más firmes.

Boardwalk Empire (HBO). Boardwalk Empire se ha convertido, en esta segunda temporada, en un auténtico drama shakesperiano, mucho más violenta y potente que la primera. Y con un final a la altura de las circunstancias. Si la primera temporada languidecía a veces, esta segunda no tiene desperdicio en prácticamente ninguno de los episodios. La bajada a los infiernos de Nucky Thompson ha sido uno de los momentos más fascinantes del año.

Breaking bad (AMC). Entre tiras y aflojas del creador de la serie con la cadena AMC por cuestiones presupuestarias, la cuarta temporada de esta magnífica serie acabó dando lo que se esperaba de ella, a pesar de un comienzo irregular. Pero la última parte de la temporada se ha puesto a la altura de la maestría de las anteriores, y ya esperamos ansiosos la quinta y última entrega para 2012.

Downton Abbey (ITV). Una de las series de mayor éxito de la televisión británica es también una de las más atractivas. La primera temporada pasará ya a la historia como un auténtico clásico, y aunque a la segunda (recién estrenada en Antena 3) le sobra algo de melodrama de folletín, lo cierto es que tiene algunos de los momentos más emotivos que hemos visto este año. El episodio especial de Navidad ha sido para muchos el perfecto colofón a esta etapa bélica. Confirmada ya una tercera temporada que transcurrirá a principios de los años veinte, Downton Abbey parece tener cuerda para rato.

Life's too short (BBC2). Sólo a Ricky Gervais y Stephen Merchant se les podía ocurrir hacer una sitcom en torno a las vicisitudes de un "enano en el mundo del show business", como la define el primero. Pero el auténtico alma mater y hallazgo de la serie es el actor Warwick Davis (Willow), creador de la idea y capaz de reirse de todos los tópicos sobre el enanismo y de sí mismo y su "popularidad". Vale que la serie parece un refrito de The office y Extras, pero funciona y tiene momentos muy divertidos.

Tremé (HBO). Sabemos que la serie tiene seguidores y detractores, o al menos, espectadores que no la soportan. Nosotros estamos entre los primeros. Nos gusta su música, sus historias, sus personajes y esa visión realista y durísima de la vida en Nueva Orleans después del paso de dos grandes catástrofes: el Katrina y George Bush. La segunda temporada nos ha dado una nueva forma maestra de desarrollar tramas que enganchan por su honestidad.

Mildred Pierce (HBO). Basada en la novela de James M. Cain que también dio lugar a la película Perdición (1945), de Michael Curtis, esta versión en forma de miniserie dirigida por Todd Haynes es sin duda la mejor del año. Y no solo porque Kate Winslet esté magnífica (como suele estar casi siempre) en este papel de ama de casa que logra valerse por sí misma, sino porque tiene momentos de auténtica emoción. Post Mildred Pierce: La multinominada.

Nuestras bandas sonoras de 2011

2011-12-22T21:48:00.001+01:00

En primera Fila hemos elaborado una Playlist para compartir las bandas sonoras que más nos han gustado en 2011. No nos atrevemos a llamarlas las "mejores bandas sonoras". Son, simplemente, las que más hemos disfrutado este año.

A lo largo de 2011 hemos escuchado mucha música en nuestro programa. Entre todas ellas, hemos seleccionado algunas de las más que nos han gustado para elaborar una Playlist que queremos compartir con vosotros. Lamentablemente, hay algunas ausencias notables. Pero no es culpa nuestra, es culpa de Spotify. Faltan entre otros los magníficos trabajos de Alberto Iglesias para La piel que habito, Larry Groupé para Straw dogs o Cliff Martínez para Drive.

Tampoco hemos querido hacer una lista de las 10 o las 20 bandas sonoras del año. Hemos seleccionado estos trabajos sin tener en cuenta la cantidad, sino la calidad. Y, por supuesto, la variedad. Hay música electrónica y sinfónica, excelentes composiciones vocales, y bandas sonoras de cine, televisión y videojuegos. Y también hay novedades que nos han impactado en las últimas semanas y que iremos descubriendo y escuchando con detenimiento en nuestro programa.

Nuestras BSO de 2011

Rango - Hans Zimmer

Brighton Rock - Martin Phipps

La invención de Hugo - Howard Shore

La fuente de las mujeres - Armand Amar

Tu seras mon fils - Armand Amar

Jane Eyre - Dario Marianelli

Super 8 - Michael Giacchino

Los idus de marzo - Alexandre Desplat

La fille du puisatier - Alexandre Desplat

El topo - Alberto Iglesias

The artist - Ludovic Bource

Silencio de amor - L'Arpegiatta, Christina Pluhar

Bellflower - Jonathan Keevil

The woman - Sean Spillane

Submarine - Alex Turner

Sucker Punch - Emiliana Torrini

Assassin's creed. Brotherhood - Woodkid

Nino Rota The Godfather - Richard Galliano

Immortals - Trevor Morris

La legión del águila - Atli Örvarsson

Batman: Arkham City - Nick Arundel

El planeta de los simios - Patrick Doyle

La conspiración - Mark Isham

The help - Thomas Newman

Shame - Harry Escott

Hanna - The Chemical Brothers

Rubber - Mr. Oizo, Gaspard Augé

Los hombres que no amaban a las mujeres - Trent Reznor, Atticus Ross

Piratas del Caribe: En mareas misteriosas - Hans Zimmer

Sherlock Holmes: Juego de sombras - Hans Zimmer

Los Borgia - Trevor Morris

Juego de tronos - Ramin Djawadi

Balada triste de trompeta - Roque Baños

X-Men: Primera clase - Henry Jackman

Contagio - Cliff Martínez

Las aventuras de Tintín - John Williams

"The artist": Una mirada frívola al pasado

2011-12-18T13:32:00.000+01:00

The artist está llamada a convertirse en uno de los éxitos comerciales más inesperados de los últimos años. Pero, desde el comienzo se hace patente la naturaleza real del simulacro, que resulta artificial y artificioso.

La sorpresa del pasado Festival de Cannes también va camino de ser la sorpresa del año, incluidas sus más que probables nominaciones al Oscar (insólito para una producción que, aunque homenajea a los inicios del cine en Hollywood, es de origen francés). The artist está llamada a convertirse en uno de los éxitos comerciales más inesperados de los últimos años. Porque, el hecho de que, en medio de toda la parafernalia artificial del 3D, consiga llegar al público una propuesta de cine “mudo” en blanco y negro, tiene verdadero mérito.

Se establece así un curioso paralelismo entre la realidad y la ficción que nos cuenta el director y guionista Michel Hazanavicius: el de un momento de crisis fundamental en la forma de ver el cine. Aquí es el desembarco de los formatos (y las formas) digitales, allí es el paso del cine sin palabras al “estruendo” del sonoro. Y quizás en ese paralelismo podamos encontrar uno de los valores esenciales de esta producción, y también su verdadera razón de ser.

Cuenta Michel Hazanavicius que llevaba tiempo queriendo realizar una película muda. Se nota, desde luego, que el director, tiene una tendencia a la reconversión de fórmulas clásicas (sus anteriores títulos, las dos entregas de OSS 117, éxitos en Francia e intrascendentes a nivel internacional, eran parodias del género de espías). The artist es, pues, una mirada que se nos antoja algo superficial hacia el cine clásico que sentó las bases de lo que ahora vemos en la pantalla.

Lo que no terminamos de creernos es que el director, como afirma, tratara de acercarse estilísticamente a la forma de hacer cine a la que homenajea. Porque, aunque tiene el indudable mérito de conseguir que resulte entretenida una historia sin palabras, la planificación y la construcción visual tienen más que ver con cualquier película actual que con las que se hacían en los años veinte. Y ahí encontramos el principal problema de The artist: se nos vende como un tributo a las silent movies pero en realidad acaba homenajeando a producciones posteriores. Y esas referencias anacrónicas a títulos como Ciudadano Kane (1941), de Orson Welles o Vértigo (1958), de Alfred Hitchcock, son la representación más clara de esta imitación caprichosa.

También hay que reconocer que el director nos avisa desde la secuencia inicial de cuáles son sus intenciones, cuando vemos la película (muda) representada en la pantalla de un cine cuyos aplausos y risas (mudos) se mezclan con la música (diegética) que interpreta la orquesta. Desde el comienzo se hace patente la naturaleza real del simulacro, que resulta artificial y artificioso (tanto como el envoltorio digital contra el que, aparentemente, compite en inferioridad de condiciones). En este sentido, resulta mucho más emocionante el otro homenaje a los orígenes del cine que veremos este año, el que hace Martin Scorsese en su película Hugo, con la presencia de un Georges Méliès mágico.

No obstante, al margen de esta condición de ejercicio de estilo algo frívolo, y de la poca consistencia del folletín melodramático que se nos cuenta, hay que reconocer que las referencias cinéfilas están bien integradas en la historia, y el resultado final acaba siendo tan aparente como atractivo. Y a ello contribuyen sin duda el trabajo de Jean Dujardin (con su aire a lo Douglas Fairbanks), ganador de una merecida Palma de Oro en Cannes, y Bérénice Bejo, arropados por un plantel de secundarios de lujo. Y también la acertada música compuesta por el desconocido Ludovic Bource (colaborador habitual del director), aunque de nuevo nos encontramos ante un planteamiento anacrónico, que bebe más de las fuentes de la música de cine de los años cuarenta y cincuenta que de la época que se referencia.

Desde que fuera adquirida por Harvey Weinstein, uno de los productores con más olfato y menos escrúpulos del cine actual, ya intuíamos que The artist iba a ser una de las sorpresas del año. Si Weinstein logró lanzar hasta los Oscar El discurso del rey en la pasada edición, ¿cómo no iba a lograr hacerlo con un homenaje al propio Hollywood? Las nominaciones a los Globos de Oro y los premios de la crítica estadounidense lo han dejado claro. La fórmula, dentro de su artificiosidad, funciona.

Lecciones de "democracia"

2011-12-10T15:12:00.000+01:00

El cine y la televisión han sabido retratar con acierto en numerosas ocasiones los claroscuros resortes de la política. Algunos ejemplos recientes ponen de manifiesto una vez más que quienes eligen a los líderes políticos no son precisamente los votantes.

Que Goldman Sachs haya sido en buena medida una de las causantes de la actual crisis económica mundial, y que quienes lideran la posible solución a la crisis sean secuaces de Goldman Sachs no es nada tranquilizador. Mario Draghi, director del Banco Central Europeo, fue vicepresidente de Goldman Sachs en Europa entre 2002 y 2005; Mario Monti, sucesor de Silvio Berlusconi en Italia (sin referéndum de por medio) es uno de los asesores internacionales de Goldman Sachs desde 2005 y miembro del Grupo Bidelberg que, según muchos, controla la economía mundial; Lukás Papadimos, sustituto de Papandreu en Grecia (sin referéndum de por medio) fue uno de los "maquilladores" del déficit griego desde su posición de gobernador del Banco Central de Grecia con el apoyo de Goldman Sachs.

Así las cosas, la reflexión nos lleva hacia historias que transmiten precisamente la fortaleza de la corrupción política y económica. Una de las más clarificadoras es, también, una de las series más brillantes de la temporada. Boss, producida por Gus Van Sant, encargado también de dirigir el episodio piloto, ha logrado dos cosas casi impensables: demostrar un estilo propio que se mantiene al margen de la estética habitual televisiva y ofrecer a Kelsey Gramer la posibilidad de deshacerse de una vez por todas de esa etiqueta cómica que tanto éxito le dio con Frasier y tanto daño le ha hecho en su carrera posterior. En buena medida, su renacimiento como actor se produjo en la nueva versión con Broadway del musical La jaula de las locas que protagonizó el año pasado. Pero Kelsey Gramer ya no es Frasier Crane, se ha convertido en el perspicaz, sereno, mordaz, patético y cabronazo alcalde de Chicago. Tom Kane no solo actúa como representante político de los ciudadanos, sino como dueño y señor de una ciudad que mantiene a raja tabla con todo lo que sea necesario, ademanes de mafioso incluidos. La realidad que presenta la serie muestra a un líder encumbrado gracias a su bragueta y al apoyo de los seniles marionetistas económicos.

En cierto modo, Tom Kane es un reflejo actual de Nucky Thomson, el gestor del alcohol ilegal que circula por Atlantic City interpretado por Steve Buscemi en Boardwalk Empire. Igual que aquél, éste acaba siendo traicionado por quienes le llevaron a lo más alto. La segunda temporada de esta serie producida por Martin Scorsese y Mark Whalberg consigue mejorar a la primera (igual que ha ocurrido este año con otra serie de culto, Justified). Con más ritmo, una trama de traiciones mucho más atractiva, casi shakesperiana, mayor sordidez y mayores dosis de violencia (algunos episodios son brutales en este sentido), Boardwalk Empire lanza a su protagonista hasta lo más profundo del infierno. Pero ¿es Nucky Thompson capaz de sobrevivir? Los que seguimos la serie no tenemos la más mínima duda.

Aunque hemos hablado de ficciones que más o menos puedan tener cierto reflejo en la realidad pasada o presente, el escalofrío nos entra con documentales como Casino Jack and the United States of Money (2010), de Alex Gibney. La película describe el auge y caída de Jack Abramoff, recaudador de dinero para la causa republicana que acabó creando una trama de corrupción y estafa en torno a altos cargos del partido, e incluso llegó a producir películas como Red scorpion (1988), protagonizada por Dolph Lundgren, para promover sus ideas anti-comunistas. Su historia de posicionamiento a base de regalos, puterío y viajes a políticos republicanos se convirtió también en película de ficción: Casino Jack (2010), de George Hickenlooper, que contaba también su historia en tono de comedia, con Kevin Spacey dando vida al estafador.

Curiosamente, a pesar de que destacadas personalidades del partido republicano (y alguno del demócrata) estuvieron claramente implicados en la trama corrupta, el senador John McCain, encargado de la comisión de investigación (y por cierto, apoyado en su defenestrada carrera hacia la candidatura republicana a la Casa Blanca por Kelsey Gramer), se las ingenió para dejar la investigación justo en el punto en el que corrían peligro sus amigos puteros. Como en Boss o Boardwalk Empire, simplemente se trata de una cuestión de fidelidades, traiciones e impudicia.

Nino Rota: 1911-2011

2011-12-05T14:46:00.001+01:00

Este mes de diciembre se cumple el centenario del nacimiento de Nino Rota. Igual que con Bernard Herrmann, cuyo centenario celebramos el pasado verano, En primera Fila dedicaremos una serie de programas especiales a la música de Nino Rota, uno de los grandes maestros de la música de cine. Nuestro blog también se une a esta celebración en una serie de posts en los que repasaremos, como en nuestro programa de radio, la filmografía del compositor italiano.

Nino Rota nació el 3 de diciembre de 1911, en el seno de una familia de músicos. Milanés de nacimiento, se trasladó a Roma para estudiar en el Conservatorio de Santa Cecilia de la mano de Alfredo Casella e Ildebrando Pizzetti. Rota fue uno de esos niños prodigio que de vez en cuando ofrece el mundo de la música. Repasar su trabajo como compositor es una labor casi imposible: de productividad inagotable, la carrera del músico italiano ha dado lugar a numerosas obras autónomas, tanto piezas de concierto como ballets y óperas. Su primer oratorio lo compuso a los once años, y su primera ópera, en realidad una comedia lírica, cuando tenía dieciséis. Algunas de sus bandas sonoras, incluso, han pasado a formar parte del repertorio de música clásica, como La Strada, una de sus obras máximas.

La incorporación de Nino Rota al mundo del cine fue tan temprana como sus incursiones en la ópera o el ballet. En 1933 compuso su primera banda sonora para la película Treno popolare, de Raffaello Mattarazzo, pero no fue hasta los años cuarenta y cincuenta cuando dedicó su trabajo más claramente al mundo del cine. La filmografía de Nino Rota está formada por unas 150 bandas sonoras, y llegó a escribir la música de hasta 15 películas en un solo año (por aquella época era notable también la productividad de compositores italianos como Ennio Morricone). De esa época destaca Nápoles millonaria (1950), una sátira sobre la guerra dirigida por Eduardo De Filippo que mostraba la vida diaria en una calle de Nápoles desde 1940 hasta 1950, su año de producción. Aquí está ya la esencia de la obra de Nino Rota, de una soberbia belleza melódica.

Sin duda, la relación entre el compositor y el director Federico Fellini es una de las más fructíferas y duraderas de la historia del cine. Perfecta simbiosis de música e imagen, Fellini y Rota, Rota y Fellini, son indisociables, imprescindibles para entender la visión cinematográfica de uno y de otro. En los años cuarenta, Nino Rota compuso la música de algunas películas en las que participó Fellini como guionista: Il delito di Giovanni Episcopo (1947) o Sin piedad (1948), ambas de Alberto Lattuada. Pero el primer trabajo ya con Federico Fellini como director fue en su segunda película, El jeque blanco (1952) y al año siguiente en Los inútiles (1953).

Pero una de las obras principales de esta época, tanto del director como del compositor, es La strada (1954), uno de esos títulos sin los que es difícil entender el cine europeo. La strada fue la primera película que ganó el Oscar al Mejor Film de Habla no Inglesa, incorporado a los premios de Hollywood en 1955, y fue también el comienzo del reconocimiento internacional de Nino Rota. La excelencia musical de esta banda sonora es tal que, como decíamos antes, se ha incorporado, con arreglos de suite sinfónica, al repertorio de numerosas orquestas de prestigio por todo el mundo.

Pero no solo es Fellini con el que repite colaboración Nino Rota, sino también con otros directores como Alberto Lattuada o Eduardo De Filippo. En 1955 el director Giorgio Bianchi estrena La cárcel de los líos, una historia carcelaria que cuenta con una excelente banda sonora de Nino Rota.

Uno de los primeros trabajos de Nino Rota en Hollywood fue la superproducción dirigida por King Vidor en 1956 Guerra y paz, adaptación de la novela de Leon Tolstoi, que tenía como intérpretes a Henry Fonda, Mel Ferrer y Audrey Hepburn. Incomprendida en su época (la crítica la destrozó), la película de King Vidor merece mejor consideración en la actualidad, y especialmente su trabajo musical resulta notable. Nino Rota fue el primer músico italiano que traspasó las fronteras de su país para trabajar en producciones extranjeras, primero británicas y después norteamericanas.

Pero Guerra y paz es más una película europea que norteamericana, rodada en los estudios Cinecittá y con un amplio equipo italiano. La música de Nino Rota, sin evadir la grandilocuencia de este tipo de historias, tendía al intimismo. Él mismo dijo de su partitura: “Para Guerra y Paz no tenía que hacer una música napoleónica. La principal estaba en utilizar unas frases de la Marsellesa haciendo que se deslizaran desde lo triunfal hasta lo trágico. Digamos que en esta película el problema era hacer una música en la que Napoleón tuviera poco lugar. Lo que debía hacer era componer una música rusa para nuestra sensibilidad, que estuviera al mismo tiempo cerca del final del siglo XIX: unos temas que fueran bastante rusos para nuestros oídos y susceptibles de adaptarse a una época situada un buen centenar de años más tarde”.

En el centenario del nacimiento de Nino Rota, al margen del homenaje que le ha dedicado el acordeonista francés Richard Galliano en un album imprescindible publicado hace poco que ya presentamos en nuestra emisión radiofónica, otra de las escasas referencias musicales al compositor es el disco Nino Rota Collector, que aunque se centra básicamente en sus trabajos para Federico Fellini, ya recopilados en la espléndida edición titulada Tutto Fellini hace años, incorpora algunas auténticas joyas como las interpretaciones que hace una de las grandes cantantes de la escena italiana, Katyna Ranieri, de algunas de sus bandas sonoras, y con las que cerramos cada uno de nuestros programas especiales dedicados al maestro italiano en la Onda Local de Andalucía.

Documentales (I): La realidad supera a la ficción

2011-11-18T21:21:00.000+01:00

Los documentales de los que hablamos a continuación nos descubren aspectos insólitos de una realidad que nos rodea. Historias que podrían convertirse en ficción si no fuera porque resultan más interesantes contadas tal como son.

Tabloid (2010)
Errol Morris

El gurú del cine documental estadounidense, el mismo que desvelaba las más dramáticas fisuras en el sistema judicial norteamericano en The thin blue line (1988), el que revelaba los entresijos de la guerra fría en The fog of war (2003) o el que se adentraba en las torturas de Abu Ghraib en Standard Operating Procedure (2006), nos acerca ahora a una historia que es fascinante y divertida gracias a su protagonista. Tabloid se centra en una joven modelo enamorada de un mormón que, cuando éste la abandonó (al parecer motivado por sus creencias religiosas), decidió secuestrarle y vivir un fin de semana de lujuria con él. Y de camino reflexiona sobre cómo la prensa (los tabloides) construyen mitos de papel rosa a base de cheques en blanco. Aunque la incursión en los medios de sociedad se queda un poco en la superficie, la entrevista a la protagonista, eje central del documental, no tiene desperdicio. La película, al final, es un perfecto complemento a la serie de HBO Enlightened, o cómo algunas personalidades, digamos, histriónicas, no terminan de encontrar su espacio en nuestra sociedad.

The people vs. George Lucas (2010)

Alexandre O. Philippe

A través de entrevistas con algunos de los fans más acérrimos de la obra de George Lucas, este divertido documental muestra la relación de amor-odio entre los aficionados a La Guerra de las galaxias (1977) y su creador. Especialmente tras la versión restaurada que publicó en 1997, sustituyendo escenas e incorporando nuevos efectos digitales, pero sobre todo impidiendo que nunca se vuelva a ver la versión original. Y por supuesto, tras el estreno de La amenaza fantasma (1999), auténtica pesadilla para muchos seguidores de la saga. Lo más interesante, al margen de las entretenidas entrevistas, es la pregunta que plantea esta película sobre la verdadera autoría de una obra una vez que ha sido absorbida por sus fans, y hasta qué punto el autor se puede permitir el lujo de modificarla cuando, aun siendo suya, forma parte ya de la iconografía visual. Pero, aunque en su mayor parte nos propone acercarnos a los aficionados, también hay una visión irónica sobre el fenómeno geek y ese obsesivo seguimiento a un personaje, una obra, un género... como si se tratara de una auténtica religión.

Cave of forgotten dreams (2010)

Werner Herzog

El director alemán está últimamente en una etapa fructífera de producción, llegando a rodar hasta dos y tres películas en un solo año, especialmente documentales. Si bien sus incursiones recientes en el cine de ficción no han terminado de encontrar el favor de la crítica (ahí están su deficiente e innecesaria versión de Teniente corrupto (2009) y su ciertamente interesante aunque no redonda incursión en la locura criminal My son, my son, what have ye done (2009), con Michael Shannon en su salsa). Pero sus documentales son otra cosa. Dotados de una estructura clásica que incluye la voz en off del propio cineasta, que narra sus aventuras con cierta ironía, Herzog ha realizado últimamente espléndidas incursiones en el alma humana. Entre ellas, Cave of forgotten dreams, que se presentó en la pasada Berlinale, una incursión en el pasado a través de una cueva situada en el sur de Francia que esconde dibujos del paleolítico perfectamente conservados gracias a las condiciones climáticas de la zona. Werner Herzog habla con fascinación de aquel pasado remoto, y nos la transmite también, tratando de descifrar el significado de cada uno de esos dibujos. Y él mismo con sus imágenes, crea un retrato emocionante en torno a aquellos hombres que habitaron esas cuevas hace millones de años, especialmente en las secuencias finales, en las que la magnífica música de Ernst Reijseger (colaborador habitual de Herzog en sus últimas películas) se funde con los trazos de aquellas figuras del pasado.

Si en Pina, de Wim Wenders, el uso del 3D resultaba impactante y encontraba cierto equilibrio y justificación, en el caso de este documental no termina de convencer y parece más una estrategia para encontrar cierta repercusión comercial que una propia decisión artística.

"Inni": El oído hipnótico de Sigur Rós

2011-11-10T20:41:00.004+01:00

La banda islandesa, ya separada, publica un doble album en directo que viene acompañado por un documental hipnótico que desgrana con imágenes fascinantes el concierto celebrado en el Alexandra Palace de Londres.

En 2010, Jonsí Birgisson anunció que la banda que lidera se iba a tomar un "descanso indefinido". Casi un año después publican, como una especie de testamento musical, su primer album en directo. Inni se grabó en 2008, en el impresionante escenario del Alexandra Palace, uno de los iconos del Norte de Londres, rodeado de la mejor vista de la ciudad. Como suele ser habitual en los álbumes de Sigur Rós, éste no es un disco más que recopila lo mejor de la banda islandesa, sino que viene acompañado por un documental que recoge también este concierto londinense.

Sigur Rós es una de esas bandas que ha encontrado siempre una proyección audiovisual contundente a través de trabajos cinematográficos de gran calidad. El documental Heima (2007), una de las más impresionantes películas en torno a una banda de música, les acompañaba en el tour que realizaron por lugares recónditos de la espectacular geografía de Islandia. Ahora, Inni (2011) se acerca de nuevo a la banda, pero centrándose más en el propio concierto, sin construir una narración contextual en torno a la sociedad islandesa, como hacía aquél.

El director canadiense Vincent Morisset se ha encargado de realizar este filme, tras destacar en trabajos audiovisuales como el documental Miroir noir (2008) con la banda Arcade Fire, o el curioso proyecto interactivo Bla bla (2010), un cortometraje para ordenador que desarrolla la participación activa del espectador: http://blabla.nfb.ca.

En Inni, Vincent Morisset plantea una visión casi mágica del concierto de Sigur Rós, con imágenes entrecortadas en un blanco y negro cuya intensidad y profundidad solo se puede apreciar realmente en bluray, que conforman un trabajo documental cercano a esas producciones musicales que el propio director siempre ha confesado que le han atraído: los videos musicales de hace años, dotados de ese aire hipnótico que también se desgrana en esta película. Todo ello mezclado con material de archivo (alguna breve entrevista, algún episodio musical de la banda en sus inicios...), que aporta esa condición de ilustración del adiós de una de las formaciones musicales más fascinantes de los últimos años.

Aunque los diálogos son breves, es una lástima que no se haya lanzado una edición con subtítulos en varios idiomas, y tengamos que conformarnos con la que nos da la opción única de elegir subtítulos en japonés. Pero los apuntes "biográficos" de Sigur Rós son escasos. Aquí lo que importa es la música (soberbia, claro) y las imágenes (esos primeros planos, esos juegos de luces, esa niebla constante, esa suciedad impoluta que acompaña a los componentes de la banda...). Inni es, como lo fue Heima en su momento, una de las más interesantes uniones entre la música y las imágenes que hemos visto en estos años. Y el doble album incluye auténticas joyas como la versión de 15 minutos del mítico "Popplagid", que ya fue utilizado también como impresionante final de Heima, y el tema instrumental inédito "Lúppulagid" como bonus track.

Halloween en la casa de los horrores

2011-10-30T20:02:00.000+01:00

American Horror story es una de las nuevas propuestas de la temporada que arriesga en su narrativa adulta. Y quizás sea una de las series más interesantes del momento.

De entre todas las series que se vienen emitiendo en esta temporada televisiva, la que mejor podía adaptar su trama a la noche de Halloween es, sin duda, American Horror Story. Esta incursión de Ryan Murphy y Brad Falchuck (responsables de Glee y Nip/Tuck, dos series que nunca han llamado mi atención) en el género del terror psicológico está siendo una de las apuestas más curiosas de la temporada, y el especial Halloween dividido en dos entregas nos trae más de una sorpresa.

American Horror Story tiene a una vieja mansión como protagonista, con la particularidad (previsible) de que por ella pululan los fantasmas de aquellos que han sido asesinados en sus amplias habitaciones a lo largo de décadas. De forma que, cuando el matrimonio en crisis formado por Dylan McDermott y Connie Britton llega a la casa, digamos que no están todo lo solos que a uno le gustaría estar cuando se compra una mansión. La realidad es vista con distintos ojos por cada uno de los habitantes vivos, mientras el resto, los muertos, tratan de encontrar su sitio en el inframundo.

Hay que reconocer que en cada episodio las sorpresas son constantes, pero también que uno no acaba de enterarse bien de qué está pasando. Pero no importa. Ese cierto aire surrealista que acerca la historia al universo de David Lynch es precisamente lo más atractivo de esta producción, que tiene en su reparto nada menos que a la espléndida Jessica Lange en un papel desquiciado pero impactante. Y también son de agradecer sus habituales referencias a películas como La semilla del diablo, Carrie, El resplandor... incluso usando fragmentos musicales de Con la muerte en los talones o Drácula de Bram Stoker, que acaban convirtiendo a la serie de Ryan Murphy y Brad Falchuck en una continua fuente de guiños cinéfilos que resulta entretenida.

Alguien ha definido American Horror Story como una mezcla entre una película de terror y un videoclip de Nine Inch Nails. Acertada descripción. Quizás le sobra algo de autocomplacencia en su intento por crear una propuesta diferente, aunque no termine siendo especialmente novedosa. Quizás le falta ajustar con claridad sus tramas secundarias, tratando de eliminar cierta confusión que actualmente juega en su contra. Pero su mezcla de terror bizarro, oscuro y grotesco la convierten en una serie que acaba dejándote con ganas de más al final de cada episodio. Aunque no te hayas enterado una mierda de lo que te han contado.

"Margin call": Esparcir la mierda

2011-10-23T12:56:00.002+02:00

Se estrena una de las descripciones más inteligentes sobre el nacimiento de la crisis. Margin call se nos presenta como una película de catástrofes en toda regla.

La actual crisis económica es, posiblemente, la que ha revelado con mayor claridad sus causas y sus causantes. No ha habido en las anteriores crisis tanta información sobre sus orígenes (aun siendo provocadas como en el caso de 1929) que la que hay en la actualidad. Tampoco ha habido nunca tantos culpables que hayan mantenido sus puestos de responsabilidad. El documental Inside job ya revelaba que algunos de los "gestores" de la crisis habían sido nombrados asesores económicos de la administración Obama. De ahí que la lectura de algunos analistas pase por renombrar la crisis como una "reorganización" del pastel financiero de las sociedades occidentales. La burbuja ha explotado y ahora hay que poner en su sitio a quienes disfrutaron del estado del bienestar. No porque no sea sostenible, sino porque ya no beneficia a unos pocos. Las grandes entidades financieras no han recortado su poder, sino que han eliminado competidores. Es evidente que el control financiero está ahora más concentrado. El resto no importa. Los políticos que falsearon las cuentas en países como Grecia y Portugal siguen manteniendo sus cuotas de poder, aunque en la oposición; los especuladores que mantuvieron en el mercado bonos basura ahora asesoran sobre cómo salir de la crisis (clarificadora paradoja sobre la situación).

Margin call tiene la capacidad de mostrarnos con perspicaz claridad cómo y de dónde surge esta crisis. Pero sobre todo consigue huir de esos maniqueismos que vienen quitando efectividad a los mensajes de los últimos movimientos sociales, para retratar con astucia las entrañas humanas de unas oficinas que se dedicaban a comprar y vender humo hasta que el humo se convirtió en fuego. La premisa es clara: la crisis surge de una serie de grandes cagadas, y cuando determinadas fuentes de especulación se vieron con la mierda hasta el cuello se dedicaron a esparcirla por todo el mercado, con la ayuda, por supuesto, de esas mismas agencias de calificación que todavía siguen marcando las tendencias del mercado, y que en última instancia deciden quién es un chico bueno y quién merece un castigo.

El director y guionista J.C. Chandor, desprovisto de los tics habituales de los cineastas debutantes, logra traducir a lenguaje de la calle lo que el documental Inside job, otro de esos referentes imprescindibles para entender la gran cagada económica, mostraba a veces con cierta confusión. Y lo hace con una decisión inteligente: sustraer del mensaje todos los números y cifras. En una escena, en la que vemos la cara horrorizada de los protagonistas ante lo que se les viene encima, el espectador no ve en ningún momento esos gráficos que vaticinan el fin de la economía. En una de las frases más certeras del guión, el tiburón Jeremy Irons dice a un subalterno: "Explícame la situación como si yo fuera un niño o un perro. No he llegado hasta aquí gracias a mi inteligencia".

Margin call recuerda en su forma a Glengarry Glen Ross, esa brutal descripción de la venta de seguros que creó como obra teatral David Mamet. Como aquella, a pesar de la inmundicia que les rodea, logra extraer dosis de humanidad de sus personajes. Curiosamente, Kevin Spacey era uno de los protagonistas de la versión cinematográfica dirigida por James Foley, aunque en Margin call su personaje se parece más al que interpretaba Jack Lemmon en aquélla.

A lo largo de la historia, un joven broker obsesionado con el dinero pregunta continuamente cuánto ganan sus jefes, comparándolo con sus "escasos" 250.000 dólares al año. Son cifras astronómicas, increíbles, irritantes. Muchos de los estafadores que controlan las principales entidades financieras en España, por ejemplo, también tienen primas y pensiones astronómicas, increíbles, irritantes, algunas de ellas adjudicadas durante la crisis económica.

Más que un "thriller" económico, como se la ha calificado, Margin call se nos antoja una auténtica película de catástrofes, aunque en este caso los destrozos vienen desde el interior. Tiene todos los ingredientes habituales: un reparto de primera clase, un gabinete de crisis, una estructura "in crescendo"... El problema es que aquí no hay nadie que quiera salvar el mundo. Todos tratan de salvarse a sí mismos. Sin embargo, lo más aterrador está en otro de esos monólogos precisos que Jeremy Irons suelta con la naturalidad de un gran actor: "Esta crisis es cíclica, va y viene. Y vendrán otras crisis. Lo que hay que hacer es saber ganar dinero con ellas". O lo que es lo mismo: no tenemos escapatoria.

Sitges 2011

2011-10-16T18:29:00.000+02:00

El Festival de Sitges cierra sus puertas tras protagonizar la actualidad cinematográfica con algunas de las producciones más destacadas dentro y fuera del género fantástico. Repasamos algunas de las películas que han brillado especialmente o han obtenido premios en esta última edición.

Concluido el Festival de Sitges, los resultados parecen contradictorios. Por un lado, se reivindica un buen momento para el género fantástico; por otro, se nos presenta una muestra, considerada como de las más interesantes del panorama, que a tenor de sus premios parece no estar a la altura. Que películas pasables como Red State y producciones de entretenimiento decentes, pero poco más, como Attack the block sean las máximas galardonadas en Sitges no dice mucho en favor del festival ni del género. Seguramente, entre las no premiadas debe haber alguna joya escondida. O eso esperamos, porque si no, Sitges habrá perdido definitivamente el buen prestigio que logró hace años.

Red State, de Kevin Smith

Mejor Película, Mejor Actor (Michael Parks)

La penúltima película de Kevin Smith antes de su anunciado retiro es quizás una de las más ambiciosas en cuanto a contenido, reuniendo eso sí algunos de los temas habituales de su cine: la religión tomada como algo incoherente, el sexo como catalizador de la historia, la mirada irónica hacia las supuestas fuerzas del orden... Red State parece querer tomarse en serio todo lo que Kevin Smith nos había mostrado en forma de comedia impertinente, hasta que su carrera acabó zozobrando en productos ínfimos. No es que Red State nos devuelva al mejor Kevin Smith, porque resulta ingenua en su pretendido lenguaje políticamente incorrecto y errática en su desarrollo, aunque hay que reconocer que el trabajo de dirección es consistente. Pero sí es la menos mala de sus últimas películas; y eso al menos es un consuelo. Pero si éste es el mejor título que ha programado Sitges, entonces es que el festival tiene poco fondo.

The yellow sea, de Na hong-jin

Mejor Director

Ya comentada en nuestro blog (ver aquí), esta nueva producción del director que nos sorprendió con la fuerza de las imágenes de The chase, repite también protagonistas, pero en papeles muy diferentes a los de su anterior película. Aquí nos presenta una historia que también se zambulle en el thriller, pero con un trasfondo más dramático-social, que tiene a un taxista envuelto en una trama mafiosa como elemento principal. Sin llegar a ser tan contundente como la anterior, a pesar de sus dos horas y media The yellow sea, presentada en el pasado Festival de Cannes, vuelve a demostrar la pericia de su director para construir escenas de acción que guardan bien el equilibrio entre la espectacularidad y la verosimilitud, aunque a ciertos personajes y a la trama en sí les falte algo de definición. No resulta incoherente el premio al director, porque es en su labor en la que se apoyan buena parte de los resultados positivos de la película.

Attack the block, de Joe Cornish

Premio Especial del Jurado, Premio de la Crítica, Premio del Público, Mejor Banda Sonora

En esta sucesión de películas de género fantástico revisionistas del cine de los ochenta que nos visita de vez en cuando este año, podemos decir que esta propuesta calificada como una mezcla de Gremlins y Los Goonies, pero que se nos antoja más cercana a Critters, es la más entretenida. Vale que no tiene los medios ni la impresionante escena inicial de Súper 8, pero resulta infinitamente más divertida. Que un ataque alienígena tenga la mala suerte de acabar en un barrio marginal de Londres repleto de hoodies (jóvenes encapuchados que iniciaron los disturbios del pasado verano) ya es un punto de partida cachondo. Que la trama, en su sencillez y formato de serie B, mantenga un ritmo trepidante y ocurrente durante sus ochenta minutos, es todo un logro. Attack the block es un producto de entretenimiento; y desde luego lo consigue. Pero tampoco deja de ser una película de puro artificio, aunque éste funciona a la perfección. Por eso sorprende que haya conseguido poner de acuerdo al jurado, la crítica y el público. La premiada banda sonora, de Steven Price, logra su cometido funcional destacando cuando aborda algunas sonoridades que directamente nos recuerdan a esas producciones de los ochenta a las que homenajea el debutante Joe Cornish.

The woman, de Lucky McKee

Mejor Guión

Como retrato algo desquiciado de una familia "atípica" americana esta película funciona mejor que Red State. La podredumbre moral que se esconde detrás de las apariencias se ve aquí reflejada en la metáfora de una mujer salvaje que representa para el protagonista, un aparentemente modélico padre de familia, todos los temores y odios que siente hacia el sexo femenino. O lo que es lo mismo, The woman se perfila como una certera mirada hacia el machismo latente en una sociedad enferma. Cierto es que el guión valorado por el jurado no desemboca en una conclusión del todo lograda, y que al director se le acaba yendo la mano en el tercer acto, hacia una innecesaria y gratuita bacanal sangrienta. Pero encontramos en esta película de modesto presupuesto una de visión perturbadora del "american way of life". Y solo por eso merece la pena. Magníficas por cierto las canciones que aporta Sean Spillane en una banda sonora inteligentemente usada.

Melancholia, de Lars von Trier

Presentada fuera de concurso, la última película del director danés ha vuelto a recordarnos por qué nos gustó en su momento. Dedicado en los últimos años a una inmadura obsesión por la polémica (a través de gestos y declaraciones infantiles y con bodrios como Anticristo), von Trier presenta en Melancholia todo un ejercicio de maestría cinematográfica, tanto a nivel narrativo como de dirección. Mucho se ha hablado y se hablará de esta película, en muchos casos desvelando elementos que mejor sería mantener ocultos hasta verla. Magistral en su concepción visual, perfecta en el trabajo de los actores (maravillosas Kirnsten Dunst y Charlotte Gainsbourg), es una de las visiones más pesimistas que se han rodado sobre el ser humano, pero al mismo es uno de los más hermosos testamentos vitales sobre la raza humana.

Troll hunter, de André Øvredal

Otra de las películas que hemos comentado ya en nuestro blog (ver aquí). Este mockumentary que interpreta el mito de los trols a través de una inteligente revisión en clave de documental ficticio con bastante sorna es uno de los títulos más interesantes del año, aunque no pueda evitar resultar repetitivo en el desarrollo de la trama. Pero la propuesta de hacer una especie de Bruja de Blair con una de las tradiciones más populares de los países nórdicos resulta apasionante y divertida. Y la inteligente utilización de los recursos (escaso presupuesto) para hacernos creíbles las sorprendentes apariciones de los monstruos juega en buena medida a su favor. Pocos "documentales" resultan tan creíbles como éste, a pesar de sus elementos fantásticos.

El humor de Juan José Campanella

2011-10-11T10:00:00.005+02:00

La serie cómica El hombre de tu vida es uno de los éxitos de la temporada en la televisión argentina. Juan José Campanella demuestra que sabe conectar con el público y elaborar una comedia blanca con textura de cine.

El fracaso en España de su gran apuesta televisiva, Vientos de agua (2006), en un momento en el que aún no habían despertado interés las miniseries de ficción, parecía conducir a Juan José Campanella a dedicarse solamente al cine, donde ha conseguido sus mayores éxitos. Pero el director argentino ha sabido mantener su carrera entre la pequeña y la gran pantalla. Por un lado, dirigiendo distintos episodios de la serie House, y por otro construyendo perfectos ejercicios cinematográficos como El secreto de sus ojos. Hay que decir que Vientos de agua era una serie de altura, pero los espectadores españoles le dieron la espalda, o quizás es que hay productos que cuando se emiten en determinados canales de televisión parecen perder su aprecio (cuando introduces un pastel en un estercolero, el pastel acaba sabiendo a mierda).

El hombre de tu vida es la última producción de Campanella, que incluso renunció a dirigir un episodio de la última temporada de House para dedicarse a su creación, realizada junto a Marcela Guerty. La apuesta en este caso ha dado resultado, con una audiencia fiel en el canal Telefé y un éxito de ventas en el pasado Mipcom, Mercado de la Televisión, con seis versiones internacionales ya comprometidas.

El hombre de tu vida es una de estas producciones que parecen tener todo a su favor. Podríamos decir que es, en tono y humor, lo más parecido que Juan José Campanella ha hecho últimamente a su gran éxito cinematográfico El hijo de la novia. Guiones sencillos pero engrasados a base de diálogos que juegan en muchas ocasiones con el doble sentido, actores de lujo encabezados por un trío protagonista inmenso (Guillermo Francella, Mercedes Morán y Luis Brandoni), una realización que se acerca más a la narrativa cinematográfica que a la televisiva... Y como tema central, el amor y sus consecuencias.

Guillermo Francella, ese actor que sabe construir personajes que rebosan empatía con el espectador, es aquí un seductor profesional que se dedica a enamorar a mujeres que llaman a una agencia de contactos, para luego desenamorarlas, pero dejándolas con ese sabor de boca romántico que sin embargo no las destruye sentimentalmente, sino todo lo contrario, alimenta su futuro emocional. Mercedes Morán es su jefa y prima, y resulta perfecta en esa dosis de cinismo que desprende, pero que alberga una vida sentimental de mierda que la ha mantenido unida durante once años a un hombre casado y pichafloja. Y Luis Brandoni es el contrapunto sensato (o insensato) que le otorga su sotana, un confesor y amigo al que acude el protagonista cada vez que necesita consejo. Tampoco hay que olvidar a Tupac Larriera, el hijo adolescente del personaje principal, que desprende una naturalidad difícil de encontrar en actores de estas edades.

El hombre de tu vida, hay que decirlo, juega con ventaja. Se dirige al espíritu romántico de los espectadores y en ese sentido puede resultar a veces un poco ñoña. Da igual. Resulta efectiva en su sencillez y en sus pretensiones. Es un divertimento perfectamente construido que no tiene la profundidad temática de House (por poner un ejemplo cercano a Juan José Campanella) pero que se sostiene sobre recursos perfectamente válidos. Es televisión comercial de calidad. Y eso la sitúa al nivel de las grandes producciones televisivas anglosajonas.

Con un excelente resultado de audiencia en su estreno el pasado mes de julio, los índices se han mantenido estables hasta el último episodio de la temporada (emitido este domingo), que tenía a la mismísima Graciela Borges (una de las grandes estrellas del cine argentino) como invitada especial. Ya se está rodando la segunda temporada de El hombre de tu vida, y parece que el interés despertado va a convertir a esta astuta comedia en uno de los hitos de la televisión argentina.

"Drive", sugerente humareda negra

2011-10-02T20:40:00.008+02:00

Las referencias de esta película son variadas, especialmente en títulos clásicos del cine callejero de los años ochenta. Pero Drive consigue crear una personalidad propia gracias sobre todo al perfecto trabajo de dirección.

Que una película como Drive, de aparente envoltura comercial, se colara en la Sección Oficial del Festival de Cannes sorprendió a muchos. Pero solo hay que verla para justificar sin dudas su presencia en la competición de esta muestra internacional. Drive es el debut en Hollywood del director danés Nicolas Winding Refn, el que fuera responsable de una de las trilogías más violentas y sugerentes del cine europeo de los noventa: Pusher, auténtico precedente de posteriores incursiones literarias y cinematográficas en el trasfondo de una sociedad escandinava aparentemente madura que esconde sin embargo profundas heridas.

Con Drive reconocemos de nuevo a un director que sabe crear atmósferas opresivas. Aquí lo hace con un certero homenaje a ese cine de la calle que en los setenta y ochenta nos descubrieron las cloacas de la sociedad. Viendo Drive se nos viene a la cabeza no solo la maestría de Taxi driver sino también el cine callejero de William Friedkin o de Walter Hill. Pero también encontramos en este solitario e hierático protagonista a un alter ego del Steve McQueen de Bullit. Nicolas Winding Refn logró, creemos que merecidamente, el Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes.

Las películas se hacen cine con mayúsculas en nuestra memoria. Cuando no eres capaz de quitarte de la cabeza determinadas escenas comienzas a darte cuenta de que lo que acabas de ver ha dejado esa huella que solo los grandes títulos acaban marcando. Con Drive ocurre eso. No solo recordamos esa atmósfera tensa que se mantiene durante todo la historia, sino que algunos momentos (el atraco inicial, la persecución de coches...) se nos quedan en la retina de forma imborrable. Y sobre todo nos atrapa este personaje hermético, imperturbable hasta que explota, que encaja perfectamente con los protagonistas del cine "noir" de Jean-Pierre Melville como Hasta el último aliento (1965) o El silencio de un hombre (1967). Aquí también los silencios juegan un papel fundamental.

A esta atmósfera de tensión constante contribuye la banda sonora, que contiene espléndidos temas musicales como el "Nightcall" que publicó el músico parisino Kavinsky en 2010, con la producción de uno de los componentes de Daft Punk. Mención especial merece la utilización del tema "Oh, my love" que escribió Riz Ortolani para el inicio de la película Adiós, tío Tom (1971), interpretado por la maravillosa voz de Katyna Ranieri. Pero al mismo tiempo incluye un trabajo musical de Cliff Martínez (habitual colaborador de Steven Soderbergh) al que hacía tiempo que no veíamos tan acertado, en esa concepción electrónica que resulta por momentos hipnótica.

Oh, my love (Riz Ortolani feat. Katyna Ranieri)

Y finalmente un reparto encabezado por ese actor que es capaz de crear personajes tan dispares como los de Half Nelson (2006) o Lars y una chica de verdad (2007), Ryan Gosling, aquí magnífico en su aparente hieratismo, secundado por intérpretes no menos inspirados: Carey Mulligan (An education), Bryan Cranston (Breaking bad), Albert Brooks, Ron Perlman o Christina Hendricks (Mad men), que contribuyen a dar contundencia a un guión casi expresionista, a pesar de algunos retazos de violencia extrema que parecen ticks del director, pero que nos convencen menos que esa violencia "en off" que resulta mucho más desasosegante.

No sabemos si Drive será un éxito de taquilla o una película de culto, pero lo cierto es que se trata de una muestra de género que nos devuelve el mejor cine "noir" de los últimos años.

Nuevas series para el otoño

2011-09-22T21:58:00.000+02:00

Reciente aún la entrega de los premios Emmy, el triunfo por cuarto consecutivo de Mad men y también de la comedia Modern family, es hora de mirar al futuro. Repasamos algunas de las series más prometedoras que desembarcarán en la televisión norteamericana este otoño.

Este año será una temporada movidita. En medio de la crisis económica y de importantes recortes por parte de las cadenas de televisión, asistiremos al final de House, al retraso de Mad men y, en cierto modo, también de The walking dead, dividida su segunda temporada en dos entregas, pero sobre todo cargada de novedades que tratarán de consolidarse en la pantalla. Estas son algunas de las que nos han llamado la atención:

New girl (Fox). Recién estrenada, esta comedia sobre una joven que tras encontrar a su novio en la cama con otra chica, decide alquilar una habitación en un piso habitado por tres tíos, parece que se mueve por terrenos ya conocidos: las relaciones entre hombres y mujeres. El principal aliciente es la presencia como estrella principal de Zooey Deschanel, la inolvidable protagonista de la película (500) días juntos. La crítica parece haber encontrado una buena comedia con escenas divertidas, así que habrá que darle una oportunidad.

Free agents (NBC). Basada en una serie inglesa que se estrenó en 2007, esta comedia se centra en un hombre que acaba de divorciarse (Hank Azaria) y una mujer que perdió a su pareja hace un año (Kathryn Hahn) cuya relación laboral acaba metiéndoles en la cama. El estreno de esta sit-com ha cosechado buenas críticas y la química entre los protagonistas parece haber superado las espectativas. ¿Estamos ante un nuevo The office?

Person of interest (CBS). La última serie producida por J.J. Abrams (a la espera de su Alcatraz) llega hoy a las pantallas norteamericanas y dentro de dos semanas debutará en La Sexta. De nuevo estamos ante una trama policíaca que nos presenta a un ex-agente de la CIA presuntamente muerto (un recuperado Jim Caviezel) pero que en realidad investiga por su cuenta amparado por un misterioso multimillonario (Michael Emerson, el inolvidable Ben Linus de Perdidos). Atención al dato, porque el creador de la serie es Jonathan Nolan, co-guionista de casi todas las películas que ha dirigido su hermano Christopher (Memento, El truco final, El caballero oscuro...).

Prime suspect (NBC). Remake de la conocida serie británica que protagonizó en los noventa la actriz Helen Mirren, y a cuyo personaje fue regresando en episodios especiales hasta 2006. Ahora, uno de los alicientes de esta versión es ver a la siempre espléndida Maria Bello interpretando a esta detective de homicidios, aunque recordemos que la original, Principal Sospechoso, ya tuvo un éxito en Estados Unidos que será difícil superar.

Grimm (NBC). De la mano de David Greenwalt, responsable de series de éxito como Buffy, la cazavampiros, Angel o Al descubierto, llega esta novedad que mezcla (otra vez) la investigación policial con elementos paranormales, cuyo protagonista desciende de unos cazadores destinados a proteger a la humanidad de las amenazas sobrenaturales. Esperemos que supere las pésimas críticas que ha cosechado una de las principales apuestas de NBC, The Playboy Club.

Boss (Starz). Una de las propuestas más interesantes de la temporada, aunque esté producida por la inefable cadena de televisión Starz (responsable de engendros como Espartaco o Camelot). Boss es una oscura trama política protagonizada por un carismático alcalde que oculta una enfermedad degenerativa. Los alicientes son varios, pero destacamos dos: la incursión de Kelsey Gramer (que ha tenido en los últimos años más exito en Broadway que en sus esporádicas apariciones en televisión) en el género dramático, que promete ser una de sus interpretaciones más contundentes; y el debut en la televisión de Gus van Sant.

Hell on wheels (AMC). La productora de Mad men apuesta este año por el género del Oeste, aunque el precedente de Deadwood sea una losa un poco pesada. En este caso, Anson Mount y Elam Ferguson protagonizan esta historia de venganza situada tras la Guerra Civil, y en mitad de la expansión del ferrocarril por todo el territorio norteamericano, que sin duda deparará una solvente producción con ambiciosos resultados.

Pan Am (Sony/ABC). Precisamente en la línea de Mad men parece estar Pan Am, la apuesta por excelencia de ABC para este año. Ambientada también en la década de los 50-60, este drama nos introduce en la glamourosa vida de las azafatas de la compañía aérea más influyente de la época. Con Christina Ricci encabezando el reparto, Pan Am parece querer convertirse en la sucesora de la serie producida por Matthew Weiner.

"War Horse" - John Williams

2011-09-12T12:15:00.002+02:00

Sin duda se trata de una de las bandas sonoras más esperadas de esta temporada. La colaboración entre el director Steven Spielberg y el compositor John Williams (cumplidos ya los 79 años) es una de las más fructíferas de la historia del cine. Dada la escasa presencia del compositor neoyorquino en el cine en los últimos años (únicamente circunscrita a sus trabajos con Spielberg, y rechazando otras ofertas como la Alejandro Amenábar para Ágora), en 2011 nos llegan nada menos que dos bandas sonoras nuevas: War horse y Las aventuras de Tintín. El secreto del unicornio.

Mientras en Europa Tintín llegará a finales de octubre, curiosamente el estreno en Estados Unidos está previsto para el 23 de diciembre, justo una semana antes de que se estrene War horse el 28 de diciembre. Las fechas de lanzamiento de las bandas sonoras están aún por determinar, pero ya ha trascendido en algunos blogs un fragmento del Main Theme de War horse que os ofrecemos aquí como aperitivo de este esperado regreso de uno de los grandes maestros de la música de cine.

Main Title - John Williams

Sesión doble de verano: Desmontando mitos

2011-08-27T20:28:00.000+02:00

El cine de los países escandinavos es muy propicio a romper con los tópicos que rodean su iconografía. Dos películas inéditas se acercan precisamente a la mitología nórdica para reinterpretarla desde su lado más tenebroso.

Rare exports: A Christmas tale (2010) fue uno de los hallazgos del pasado Festival de Sitges, donde logró los premios a la Mejor Película, Director y Fotografía, palmarés para algunos excesivo. Basándose en sus interesantes cortometrajes Rare Exports, Inc.(2003) y Rare Exports: Official Safety Instructions (2005) su realizador Jalmari Helander plantea la historia como un cuento navideño que se va haciendo cada vez más oscuro.

En realidad, lo que propone Jalmari Helander en su película no es más que el regreso a la tradición original del mito de Santa Claus, que en Finlandia recibe el nombre de Joulupukki (cabra de Navidad), y describe el tradicional recorrido que realizaban hombres vestidos con piel de cabra y máscaras con cuernos por las casas, asustando a los niños. De esta forma, el Santa Claus convertido en representación del consumismo por los países anglosajones, en realidad es originariamente un personaje bastante más terrorífico.

Partiendo de esta base, el director construye una historia que nos cuenta los orígenes de lo que hemos visto en los cortos, cuando tres amigos cazadores descubren al verdadero Santa Claus/Joulupukki adoptando su forma original amenazadora. La película maneja sus elementos mitológicos con cierto sentido del humor, pero no termina de encontrar ese equilibrio necesario entre la propuesta comercial infantil y el cine de terror más o menos adulto, en parte debido a algunos momentos de torpeza en la planificación. Pero resulta curioso enfrentarse con el mito en su versión original, y Rare exports. A Christmas tale acaba siendo una rara avis inclasificable y recomendable.

Los cortometrajes que dirigió Jalmari Helander están planteados como "mockumentaries", es decir, documentales ficticios. Y así es como se nos presenta también el largometraje noruego Trolljegeren (Troll hunter) (2010), otro de esos títulos insólitos provenientes de los países nórdicos. Dirigido por André Øvredal, esta incursión en el mito escandinavo de los troles se presenta como el montaje de una serie de grabaciones reales realizadas por un grupo de estudiantes.

En la tradición de El proyecto de la bruja de Blair (1999) o Monstruoso (2008), este supuesto documental introduce a sus protagonistas en la búsqueda de los orígenes de la tradición literaria y oral en torno al trol, esos seres mitad bonachones mitad amenazadores. El cazador de troles del título es un experimentado profesional que dedica su vida a buscar a los monstruos que abandonan su hábitat natural, amenazando a la población. Trolljeren funciona mejor en su primera parte, cuando la cámara que graba los movimientos de este grupo de estudiantes nos desvela solo en determinados momentos el secreto que se esconde en el bosque en el que habitan estos extraños seres.

Sorprende la buena calidad de los efectos visuales, realizados por el propio director, a pesar del presupuesto escaso de esta producción y aunque sabe dosificar los elementos sorprendentes que contiene el guión, su narrativa puede resultar algo repetitiva. Da la impresión de que la idea atractiva del principio no consigue desarrollarse a la misma altura que su acertado punto de partida. Pero también resulta, como Rare Export, una curiosa incursión en el terror asentado en la tradición mitológica de los países nórdicos.

Bollywood y la España de pandereta

2011-08-18T21:08:00.000+02:00

El denominado Bollywood ha estrenado este verano con éxito una comedia sobre la amistad en la que tres amigos recorren la España turística más tópica. Pero las cosas son así; la industria del cine indio viene para rescatar al cine occidental de la crisis económica. Y hay que darles lo que pidan.

La industria cinematográfica de la India es una de las más rentables del panorama internacional. Auto-suficiente en términos económicos, su volumen de producción anual supera con creces el de cualquier país. Y la mayor parte de estas producciones consiguen dar beneficios en un territorio que es, después de China, el más poblado del mundo. Sin embargo, la tendencia en los últimos años pasa por ramificarse hacia el exterior, traspasando sus fronteras no solo con el estreno en circuitos internacionales de largometrajes de alto presupuesto como Lagaan (2001) o Mi nombre es Kahn (2010), sino también con la participación en la producción de títulos occidentales (aunque algunos de temática india) como Slumdog millionaire (2008), Come, reza, ama (2010), Miral (2010) o Misión: Imposible 4 (2011).

El mismo Steven Spielberg ha echado mano de un acuerdo con la compañía india Reliance Entertainment para reflotar su productora Dreamworks a un paso del colapso económico, con la participación de esta productora con sede en Bombay en títulos tan significativos como Cowboys & aliens, Reel steel o War horse, el último film dirigido por Spielberg.

Así las cosas, este verano ha llegado a las pantallas de la India una de las películas que ha logrado mayor repercusión mediática y de público: Zindagi na milegi dobaru (2011), que se podría traducir como No viviremos otra vez, pero que algunos ya han bautizado como Solo se vive una vez, como la canción de Azúcar Moreno, por eso de continuar con el folclore. Porque esta película, que ha sido el mejor estreno del año en la India a nivel de recaudación, embarca a tres amigos en una viaje de despedida de soltero (uno de ellos está a punto de casarse) a través de algunas de las fiestas más celebradas de la España turística: la tomatina, los encierros de Pamplona...

En clave de comedia un poco ñoña, Zindagi na milegi dobaru no quiere dejarse en el saco ninguno de los tópicos sobre España: y ahí tenemos sus sesiones de flamenco, su alegría festiva, sus toros y sus morenazas sueltecitas. En fin, todo lo que intelectualizó Hemingway, pero aquí pasado por la batidora del cine comercial de Bollywood. Dirigida por Zoya Akhtar, una de las jóvenes realizadoras más prometedoras del cine indio, y protagonizada entre otros por su hermano Farhan Akhtar, también responsable del guión, Zindagi na milegi dobaru habla sobre el poder de la amistad, y ciertamente consigue algunos momentos emocionantes de camaradería masculina, como en la secuencia de paracaidismo.

El viaje de estos amigos se convierte en una road-movie por territorio español que es también una catarsis para sus complejos y sus temores. Y en ese viaje experimentan algunas de las sensaciones más estimulantes de sus vidas: bucean en la Costa Brava, se pringan en la tomatina de Buñol (Valencia), practican paracaidismo en Sevilla, bailan en Alájar (Huelva) y corren los Sanfermines. Y hay que decir al menos que el encierro que se ve en esta película resulta bastante más creíble que el de Noche y día, y mejor rodado, aunque se abuse de la cámara lenta para maquillar la mansería de los toros.

La película ha logrado buenas críticas en su país, destacando el buen trabajo de su directora, pero a nosotros nos resulta larga (en la línea de la producción cinematográfica india), con trazos de comedia facilona y con números musicales tediosos y repetitivos (ese momento Vidal Sassoon).

La banda sonora, en la que destacan solo algunas canciones (tampoco estamos ante un musical, sino ante una comedia con algunos videoclips insertados), corre a cargo del trío de compositores formado por Shankar Mahadevan, Ehsaan Noorani y Loy Mendonsa, bastante más inspirados en la película Kal ho na ho (2003), y que incluyeron también un tema suyo en Slumdog millionaire. La letra es del poeta, letrista y guionista de Javed Akhtar, padre de la directora y del guionista y co-protagonista.

Entre sus composiciones para la película está esa mezcla entre el sonido "indi" y el flamenco que podría formar parte perfectamente de cualquier banda sonora de la serie Torrente. Señorita, interpretada por la gaditana María del Mar Fernández, forma parte de una escena rodada en el pueblo onubense de Alájar, con coreografía de parvulario que incluye un toro mecánico no se sabe muy bien por qué, pero resulta tan pegadiza que se ha convertido en el acontecimiento musical de año en la India.

Por lo menos Zindagi na milegi dobaru sirve como reclamo turístico para España, y en eso la productora es bastante generosa incluyendo en su web enlaces con algunas de las fiestas que se muestran, aunque teniendo en cuenta que el 25% de la población de la India vive por debajo del nivel de pobreza, no sabemos cuánto turismo indio acabaremos recibiendo gracias a la película.

London calling

2011-08-10T22:20:00.007+02:00

Unos días después de que la organización de los Juegos Olímpicos de Londres 2012 eligiera como himno oficial la canción de The Clash, para sorpresa de muchos, la descripción de un Londres apocalíptico que muestra se ha hecho realidad.

Que una organización conservadora como la de los Juegos Olímpicos de 2012, apoyada por un gobierno conservador como el de David Cameron, elija una canción de una banda tan contestaria como The Clash, como himno de una celebración deportiva que atraerá las miradas de todo el mundo, no es más que el reflejo del cinismo y la incongruencia de la clase política que nos ha tocado soportar en la mayor parte de los países occidentales. La elección de London calling sorprendió a muchos, y aún suenan en blogs y medios de comunicación tradicionales de Inglaterra las críticas a tan curiosa decisión. O se les coló un punk en la organización, o alguien quiso gastarles una broma.

Porque London calling es, quizás, la canción menos apropiada para servir de "llamada" musical hacia los Juegos Olímpicos. El tema que publicó The Clash en el album del mismo título que les catapultó a la fama en 1979, puede ser himno de muchas cosas, y de hecho lo ha sido desde entonces, pero difícilmente resulta un reclamo lógico para una ciudad que se quiere presentar al mundo como todo lo contrario a lo que el tema describe. Influido por las emisiones radiofónicas de la 2ª Guerra Mundial, de donde surge su título, y por un accidente que tuvo lugar ese mismo año en una central nuclear de Pensilvania, London calling muestra una ciudad devastada, y también hace referencia a conflictos raciales y a peligros reales en torno al mundo de las drogas.

Ese Londres "infernal" que describe la canción se convirtió en realidad hace unos días. Curiosa coincidencia. En la película Billy Elliot (2000), Stephen Daldry utilizó la canción de The Clash como fondo de los disturbios que tuvieron lugar durante la huelga minera de 1984. Años antes, en 1981, el barrio londinense de Brixton vivió uno de los disturbios más graves de su historia, iniciados (como los de ahora) por una más que dudosa intervención policial. En aquellos momentos se vivían importantes problemas de cohesión social, y pocos son los que relacionan los sucesos actuales con aquellos. Pero no hay que olvidar que Londres, como estos días está sucediendo en Santiago de Chile, ha vivido numerosas protestas estudiantiles que vienen lanzando mensajes poco tranquilizadores. Mientras los gobiernos administran de forma incompetente la crisis financiera tratando de practicar una política de recortes sociales, la base principal de un futuro próximo comienza a resquebrajarse. Y quienes se ven inmersos en ese incierto mañana, se lanzan a las calles para reclamar una justicia social que parece hundida.

La consecuencia de esta pésima gestión educativa la estamos viendo estos días en las calles de Londres y otras ciudades inglesas. En su mayor parte, los hoodies que siembran el caos por donde pasan no son más que adolescentes criados en la injusticia social, y sus argumentos brillan por su ausencia. Resultan casi tan ineptos como los políticos que con sus acciones han creado monstruos descerebrados que arrasan incluso con quienes viven su propia injusticia. La abuela Pauline Pearce, que se ha hecho famosa por hacerles frente con frases tan lapidarias como: "No nos estamos reuniendo para luchar contra una causa, estamos haciendo polvo un Foot Locker (tienda de zapatillas deporticas) y robando zapatillas, sucios ladrones", descarga en sus palabras más verdad que la que aglutinan David Cameron, la policía y los hoodies. Estamos ante el enfrentamiento entre varios tipos de salvajes, y las consecuencias las pagan siempre los ciudadanos normales.

En V de Vendetta (2006), Londres se convierte en el campo de batalla de un "justiciero" que practica la guerrilla para desenmascarar a un gobierno tiránico. La máscara de Guy Fawkes se ha convertido en símbolo de las protestas de algunos grupos como Anonymous, reflejo de su condición de movimiento antigubernamental. Algunos países lideran un movimiento ciudadano que parece imparable, entre ellos España, modélica en el carácter pacífico de sus protestas, pero firme en su persistencia y en la capacidad para no someterse a la brutal campaña de descrédito por la mayor parte de los medios de comunicación, que se mantienen gracias al apoyo de determinadas fuerzas políticas.

En medio de todos estos sucesos, resulta significativa la actitud de las fuerzas policiales. Mientras los sindicatos protestan con poca vehemencia por los recortes que sufren, algunos como el SUP en España dedican más esfuerzo a indignarse por los insultos de los "indignados" que a reivindicar la necesidad de que se les dote de los medios adecuados para realizar su trabajo (que no es precisamente el de desalojar a ciudadanos hipotecados). En Inglaterra, David Cameron anuncia que las fuerzas de seguridad se quedan sin vacaciones, y moviliza a 16.000 agentes para que hagan frente a los disturbios. Eso sí, su gobierno ha despedido recientemente a 11.000 policías debido a los recortes presupuestarios. Pero los representantes policiales prefieren, como en España, dedicarse a otras cosas, y lanzan sus arengas contra las redes sociales y el servicio de mensajería de Blackberry. No hay protestas contra los recortes que les han llevado a ser literalmente aplastados por los saqueadores.

En su primer álbum, The Clash (1977), la banda británica cantaba sobre la situación social y los conflictos raciales en temas como London's burning. 34 años después, el barrio de Tottenham ha ardido literalmente, y las protestas se han extendido a otras ciudades. Pero estos brotes, de diferente índole, que surgen en países como Inglaterra, Francia, Chile o España no son más que el comienzo de una auténtica revolución ciudadana.

London calling - The Clash

En agosto recordamos a John Barry

2011-07-31T16:17:00.003+02:00

En Primera Fila dedicamos varios programas a repasar la filmografía de John Barry, uno de los grandes músicos de cine de las últimas décadas. Durante el mes de agosto volvemos a escuchar todos los programas especiales, ahora de forma continua.

El comienzo de 2011 trajo una noticia triste para los aficionados a la música de cine con el fallecimiento, el 30 de enero, de John Barry, uno de los nombres fundamentales de la composición cinematográfica. Creador de un sonido peculiar en sus primeros trabajos para el cine, que recogía la cultura "beat" recién nacida en Gran Bretaña, John Barry supo rubricar la firma sonora más característica de una de las series de mayor éxito del cine inglés: la saga de James Bond. Pero también demostró su capacidad para crear composiciones complejas de base coral y sinfónica como El león en invierno (1968) o de sonoridades melódicas como Nacida libre (1966).

En nuestra serie de programas dedicamos los primeros espacios al sonido 007, con la polémica suscitada por la interminable batalla judicial contra Monty Norman por la autoría del tema principal de James Bond, y los trabajos más destacados de las décadas de los años sesenta y setenta, sin duda los más fructíferos de su carrera profesional.

El estilo de John Barry se fue modificando a lo largo de los años, con tendencia al sinfonismo más melódico, con estructuras musicales similares que marcaban una personal manera de entender la música de cine, y que dio lugar a grandes trabajos "marca de la casa" como Memorias de África (1985) o Bailando con lobos (1990), pero que también le fueron distanciando cada vez más del cine. Pero también encontramos bandas sonoras marcadas por los sonidos jazzísticos en los que se forjó su trayectoria musical, que dieron lugar a obras imprescindibles como Fuego en el cuerpo (1982), Cotton Club (1984) o A killing affair (1986).

En nuestros programas hablamos del cada vez mayor distanciamiento entre el trabajo de John Barry y el sistema de producción moderno, haciendo hincapié en algunas de las bandas sonoras rechazadas en su última etapa. Y nos hemos acercado a las composiciones no cinematográficas de John Barry (algunas de ellas surgidas precisamente de trabajos rechazados para el cine), que se han publicado en álbumes como The beyondness of things (1999) o Eternal echoes (2001), así como en su última composición, una colaboración con la cantante Shirley Bassey que firmaba junto al letrista Don Black (uno de sus colaboradores más destacados) con el significativo título "Ous time is now" (Ahora es nuestro momento).

Nueve programas que emitimos entre los meses de febrero y marzo y que ahora ofrecemos de forma continuada durante todo el mes de agosto, para repasar la trayectoria musical de uno de los grandes compositores de bandas sonoras de todos los tiempos: John Barry (1933-2011).

Sesión doble de verano: 1. Venganza 2. Asesinato

2011-07-27T17:00:00.018+02:00

En nuestra sesión doble de esta semana nos acercamos a dos historias donde, una vez más, la desesperación provoca brotes de violencia: Confessions, del japonés Tetsuya Nakashima y Yellow sea, del coreano Hong-jin Na.

¿Es posible mantener el ritmo durante una hora y media cuando se comienza una película con los 20 minutos más febriles que se han visto en mucho tiempo? La respuesta que nos ofrece el director Tetsuya Nakashima en su última película parece positiva. Kokuhaku (Confessions) (2010) es un thriller psicológico de rotunda fuerza visual que construye la venganza de una profesora sobre dos de sus alumnos, responsables de la muerte de su hija, en base a una serie de confesiones que llevan a cabo cada uno de los protagonistas de la historia.

Confessions es una película relativamente inédita en España, ya que a pesar de no haber sido estrenada en cines, Mediatres la acaba de lanzar en DVD. La apuesta de esta joven distribuidora por las producciones más destacadas del cine oriental ha permitido que podamos ver en nuestro país títulos como Mother, Encontré al diablo o Space battleship Yamato, la adaptación al cine de la famosa serie nipona, éxito absoluto en la taquilla japonesa.

Tetsuya Nakashima es conocido principalmente por sus películas Kamikaze girls (2004) y Memories of Matsuko (2006), ambas dotadas de una concepción visual trepidante e imaginativa (para algunos con cierta tendencia al concepto de videoclip), que se pone de manifiesto en todo su esplendor en Confessions, lo que le aporta una contundencia y un ritmo que hacen que la historia se desarrolle casi en un suspiro. En la película volvemos a la idea del asesinato “porque sí”, sin razones de peso, las que parecen mover a los dos adolescentes que cometen el crimen, pero también al resto de alumnos de la clase que, tras el anuncio hecho por su profesora, prefieren continuar su vida como si nada hubiera pasado (ese retrato de la adolescencia apática es uno de los más duros que se han hecho últimamente). Hay que reconocer que la trama puede resultar algo rocambolesca, un pelín retorcida y con cierta tendencia al exceso, pero también hay que mostrar la admiración que nos provoca el trabajo de un director que no se limita a contar la historia con los resortes clásicos.

Desde Corea nos llega la última película de Na Hong-jin, el debutante realizador de uno de los thrillers más impactantes de los últimos años, The chaser (2008), que nos ofrecía un duelo interpretativo inmejorable entre Yoon-suk Kim y Ha Jung-woo, dos de los actores más populares del cine coreano, rostros habituales en las producciones más internacionales del país. La cinta de la que hablamos es Hwanghae (2010), cuyo estreno internacional tiene doble título, The murderer (El asesino) y The yellow sea (El mar amarillo, que es como se denomina a la franja marítima que separa la China oriental y Corea del Sur. Bien recibida en la Sección Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes, The yellow sea tiene nuevo como protagonistas a los mismos actores, en otro duelo en el que, ahora, intercambian los papeles de protagonista y antagonista. El primero es un taxista con problemas económicos que trata de saldar una cuantiosa deuda cometiendo un asesinato que le encarga el segundo, un mafioso callejero.

Con una duración que sobrepasa con creces las dos horas y media (en Cannes se presentó una versión recortada en unos 20 minutos) The yellow sea contiene todos los elementos que hicieron de The chaser un hito en el cine de género oriental (mundial, porque el mejor cine de género de los últimos tiempos nos está llegando de la cinematografía coreana), pero le falta perfilar mejor a los personajes, especialmente algunos secundarios, y resulta algo confusa en determinados momentos. No obstante, Na Hong-jin vuelve a demostrar su pulso envidiable en la construcción de escenas de persecución que son ya marca de la casa. Si The chaser tenía una persecución a pie insuperable, The yellow sea contiene dos momentos de auténtica magia que reflejan bien la personalidad de un cineasta que sabe extraer los mejores recursos de una historia complicada.

Sesión doble de verano: El terror está a nuestro lado

2011-07-20T17:00:00.031+02:00

Nuestra tercera sesión doble de verano está dedicada a dos muestras de género inéditas en España que guardan en sus entrañas narrativas reflexiones preocupantes sobre la violencia y la venganza como elemento liberador (o quizás no tanto).

Por cuestiones que no entendemos, el reciente cine británico encuentra pocas vías de distribución en España. Y eso a pesar de que los jóvenes cineastas ingleses (ya lo hemos comentado en alguna ocasión), vienen planteando desde hace tiempo algunas de las propuestas de género más interesantes del cine europeo. Es el caso de Eden Lake (2008), del debutante James Watkins, un thriller terrorífico que contiene algunos de los momentos más espeluznantes que hemos visto en mucho tiempo. Eso sí, sin necesidad de psicópatas invencibles, exceso de sustos gratuitos (alguno hay), ni seres paranormales. Que James Watkins se perfila como uno de los cineastas a los que hay que tener en cuenta lo indica el rodaje de su última película, The woman in black, otra incursión en el género de horror, con un reparto encabezado nada menos que por Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds y Janet McTeer. Y que, suponemos, sí tendrá una distribución decente.

Volviendo a Eden Lake, lo que la convierte en una atípica propuesta es su condición de reflejo de la violencia a cargo de un grupo de niñatos más peligrosos, por su sensación de impunidad, que cualquier psicópata de andar por casa. Este pandilleo violento lo ha reflejado también recientemente Daniel Barber en la cruda Harry Brown (2009), y casi al mismo tiempo volvió a ser protagonista de una producción inglesa, por lo que mucho nos tememos que el tema resulta más real y preocupante de lo que parece. El infierno en el que se convierte el fin de semana de una pareja de tortolitos a orillas del lago del título es comparable a otras muestras de terror producido por humanos, como Deliverance (1972), de John Boorman, Tarde de perros (1975), de Sydney Lumet o la poco valorada El rey de la montaña (2007), de Gonzalo López-Gallego.

Es cierto que el desarrollo de la historia escrita y dirigida por James Watkins tiende al exceso en un segundo acto que pone a prueba la forma física de sus protagonistas, Kelly Reilly y Michael Fassbender, pero también es verdad que Eden Lake contiene un modélico primer acto que mantiene el suspense sin llegar al efectismo, dosificando la tensión hasta el enfrentamiento; y que el final es un golpe bajo que, no por esperado, nos evita una sesión de desasosiego que pocas películas de conclusiones efectistas han conseguido sembrar. Al fin y al cabo, parece querer decirnos el director, a estos cachorros terroríficos les ampara algo más que su propia crueldad.

La segunda parte de nuestra sesión doble tiene como protagonista a una de las propuestas más interesantes del cine coreano, del que vienen llegándonos habitualmente destacados trabajos de difícil clasificación. Es lo que le ocurre a Bedevilled (2010), debut en la dirección de Chul-soo Jang, que con esta película pasa a engrosar la lista de directores de relevancia procedentes de Corea del Sur (Kim Ji-Woon (Encontré al diablo), Chan-Wook Park (Oldboy, Thirst), Kim Ki-duk (Breath), Bong Joon-Ho (Memories of murder, The host)). La película, que comienza como un drama y termina como un slasher, tiene también, como en el caso de Eden Lake, un comienzo impactante, dosificado, de narración milimétricamente estructurada, que nos introduce lentamente, sin demasiada urgencia por entrar a trapo en los momentos más duros, en la historia de unos personajes que van adquiriendo su status en la trama (la abuela tirana, el marido violento, el hermano salvaje, la mujer esclavizada...).

De la primera parte interesa especialmente cómo construye con astucia la personalidad de la joven pija decepcionada con su vida urbana y la de su amiga de la infancia, que ha permanecido en una lejana isla rural en la que la familia y que sufre el maltrato de su marido y, en general, de una familia anclada en el peor de los pasados: "Una mujer solo es feliz cuando tiene una polla en la boca" (esto no lo dice el marido, ni un personaje masculino, sino la abuela de la familia).

Este microespacio (la isla, exterior e interior) que exuda violencia se convierte en el catalizador de un drama que vivimos desde la mirada, incrédula pero también hipócrita, de la amiga que regresa al lugar de su infancia. Y el director, aunque sea a base de retorcer la crueldad de los personajes, consigue transmitirnos esa impotencia hasta niveles de auténtica rabia. A partir de ahí, la película podría haber caminado por los cauces habituales del género dramático, pero se decanta por otra vertiente mucho más impactante (para algunos, innecesaria). Pero, por otro lado, este discurrir nos permite darnos cuenta de que en realidad estábamos ante una historia de terror (nada hay más terrorífico que una paliza dada en el interior del hogar), y que el tercer acto no es más que la consecuencia explícita de la violencia implícita de la primera parte.

Bedevilled y Eden Lake nos muestran un terror más cercano, sin renunciar a los elementos habituales del género. Y lo hacen con un planteamiento narrativo que consigue traspasar la pura retahíla de asesinatos sin sentido. Ahí es donde está el valor de dos de los títulos más contundentes de los últimos años.

Mildred Pierce: La multinominada

2011-07-17T12:05:00.120+02:00

Con 21 nominaciones a los Premios Emmy, la miniserie de Todd Haynes consigue colocarse entre las producciones de televisión con mayor número de candidaturas, aunque sin superar las 22 nominaciones que obtuvo la comedia 30 rock en 2009. Pero..., ¿cuáles son sus méritos?

Mildred Pierce es el último éxito de crítica y audiencias que ha conseguido HBO. Dirigida por Todd Haynes, adapta la novela que James M. Cain escribió en 1941, y que ya tuvo una adaptación al cine a cargo de Michael Curtiz en 1945 titulada en España Alma en suplicio, protagonizada por Joan Crawford. Aunque hay que decir que Curtiz convirtió esta historia de una abnegada madre que tiene que sacar adelante a sus hijas cuando se separa de su marido, en un thriller, introduciendo un asesinato que no estaba en la obra original.

Nada de eso hay en la miniserie Mildred Pierce. Lo que tenemos es un intenso melodrama que tiene como eje fundamental a esta madre de familia (acuciada además por una hija caprichosa) que debe tragarse su orgullo para trabajar de camarera, y a la que rodean no pocos hechos dramáticos que pondrán a prueba su personalidad. En cierto modo, Mildred Pierce es una especie de continuación formal de Lejos del cielo (2002), aquella excelente película en la que Todd Haynes resucitaba el espíritu de los melodramas de los años 40 y 50, y en la que había ya alguna referencia a la adaptación que hizo Michael Curtiz de la novela de James M. Cain.

Ni qué decir tiene que para Mildred Pierce es necesaria una actriz de esas que saben cargar sobre sus hombros todo tipo de registros, desde la alegría más adolescente hasta la tragedia más demoledora. Si Joan Crawford logró el Oscar en 1945, no parece vano pensar que Kate Winslet conseguirá el Emmy este año. Dotada de esa capacidad que solo tienen las grandes intérpretes para trasladarnos los sentimientos más profundos de sus personajes, Kate Winslet realiza un trabajo perfecto, creíble y emocionante. Pero también está acompañada por otras actuaciones no menos solventes, y reconocidas en las seis nominaciones de interpretación que ha conseguido la miniserie: Guy Pearce (el nuevo amante), Brian F. O'Byrne (el ex-marido), Evan Rachel Wood (la hija, a la edad en la que aparece en las dos últimas partes), Melissa Leo (la mejor amiga), Mare Winningham (la compañera de trabajo) funcionan como soporte de lujo para la interpretación de Winslet, y lo hacen también dando credibilidad a sus personajes.

En Mildred Pierce encontramos una traslación naturalista de la obra original de James M. Cain, novela que sorprendió por ser más psicológica que otras de su autor, no en vano responsable de grandiosos thrillers como "Pacto de sangre" (1936), que en cine se convertiría en la obra maestra de Billy Wilder Perdición (1944), y "El cartero siempre llama dos veces" (1940), también objeto de notables adaptaciones al cine, que forman junto a "Mildred Pierce" el triángulo de obras mayores de su bibliografía. A Todd Haynes le interesa más mostrarnos de forma realista a esta mujer luchadora, y lo hace adoptando un cierto distanciamiento que no por ello resulta menos emocionante (ese final desolador de la segunda parte pone los vellos de punta).

Pero es en la cuarta y quinta entregas, cuando el conflicto entre madre e hija se hace más inevitable, cuando Mildred Pierce alcanza su condición de obra grande, de magnífico retrato no solo de unos personajes complejos (ahí se nota la fidelidad a la novela original de James M. Cain), sino también de una sociedad que salía, como la protagonista, de una profunda depresión para resurgir con mayor ímpetu. Mildred Pierce merece, sin duda, las 21 nominaciones a los premios Emmy.

Nominaciones Premios Emmy:

Miniserie - HBO/A Killer Films/John Wells Production

Dirección - Todd Haynes

Guión - Todd Haynes, Jon Raymond

Reparto - Laura Rosenthal

Actriz Principal - Kate Winslet

Actor de reparto - Guy Pierce

Actor de reparto - Brian F. O'Byrne

Actris de reparto - Evan Rachel Wood

Actriz de reparto - Melissa Leo

Actriz de reparto - Mare Winningham

Fotografía - Ed Lachman

Edición - Camilla Toniolo (Parte 4)

Música original - Carter Burwell

Tema Principal - Carter Burwell

Dirección artística - Mark Friedberg, Peter Rogness, Ellen Christiansen-De Jonge

Vestuario - Ann Roth, Michelle Matland (Parte 2)

Peluquería - Jerry DeCarlo, Jerry Popolis

Maquillaje - Patricia Regan, Linda Melazzo

Edición de sonido - Elisa Riley, Tony Martínez, Thomas Younkman, Brian Dunlop, Todd Kasow, Ellen Heuer (Parte 5)

Mezclas de sonido - Drew Kunin, Leslie Shatz, Bobby Johanson, Joshua Reinhardt (Parte 5)

Efectos visuales - Lesley Robson-Foster, John Bair, Renuka Ballal, Nathan Meier, Constance Conrad, Maci Ichimura, Josephine Noh, Aaron Raff, Scott Winston (Parte 5)

Sesión doble de verano: El odio

2011-07-13T17:00:00.139+02:00

En nuestra segunda sesión de cine inédito proponemos un programa doble dedicado al odio, con dos películas canadienses que abordan de distinta forma este sentimiento que puede provocar auténticas tragedias.

El director Dennis Villeneuve se ha convertido ya en uno de los nombres más destacados del panorama internacional, especialmente tras la nominación al Oscar de su película Incendies (2010). Su anterior cinta, sin estrenar en España, aborda uno de los sucesos más impactantes ocurridos en Montreal en las últimas décadas. Polytechnique (2009) se centra en la masacre que tuvo lugar en 1989 en una Escuela Politécnica École. Hasta aquí, todo parece indicar que estamos ante un proyecto deudor del retrato semipoético que realizó Gus Van Sant sobre la masacre que perpetraron dos locos adolescentes en el Instituto Columbine en su película Elephant (2003). Y ciertamente encontramos en Polytechnique algunos rasgos de ensimismamiento formal que nos recuerdan a aquélla.

Pero las circunstancias del acto violento que muestra la película de Dennis Villeneuve tienen en sí mismas unas características más insólitas. El protagonista de la matanza, que por supuesto solo tuvo cojones de pegarse un tiro después de haber matado a catorce personas, tenía un claro objetivo: las estudiantes femeninas. Obsesivo misógino (del que tampoco se nos dan demasiados datos para entender ese sentimiento, quizás porque en definitiva es imposible entenderlo), su propósito era "limpiar" la Escuela Politécnica de mujeres que en el futuro podrían ostentar cargos de responsabilidad. Y este sentimiento de odio absurdo, pero profundamente enraizado en el personaje, es el que nos mueve a una reflexión más estimulante. Una especie de pérdida de poder masculino que se traduce en odio anti-femenino, más que anti-feminista.

Rodada en un magnífico blanco y negro, con esos planos abiertos que Villeneuve ha convertido en marca de la casa, Polytechnique tiene un tono reflexivo y poético, pero al mismo tiempo seco y duro. Sin apenas palabras, sin recursos externos, el relato de los hechos está contado con precisión y cierta aspereza. Y consigue reflejar la impotencia y la irracionalidad de ese momento en el que un tipo, escopeta en mano, entra en una escuela y se dispone a cazar seres humanos.

Otro director canadiense que ha venido despuntando en el Festival de Cannes es el joven Xavier Dolan-Tadros, actor, guionista y director de sus dos películas hasta el momento (ambas seleccionadas en la prestigiosa Quincena de Realizadores). La última de ellas, Les amours imaginaries (2010) aborda lo que parece una constante en su cine, las relaciones humanas. En este caso se trata de una relación a tres bandas, contada con cierta ironía, cuando un joven guaperas se sitúa en medio de dos amigos (chico y chica) que comienzan a librar una batalla sentimental con sordina para llevarse al huerto al rubio seductor. Pero, hablando de odios, nos detenemos más en la primera película de Xavier Dolan (a quien como actor habíamos visto brevemente en la durísima cinta de terror franco-canadiense Martyrs (2008), de Pascal Laugier).

J'ai tué ma mère (Yo maté a mi madre) (2009) es una historia confesada como autobiográfica que Xavier Dolan escribió cuando tenía 16 años y rodó con 19. Básicamente es la trayectoria diaria de un adolescente que no soporta a su madre, con la que vive solo, tras el abandono del padre. Es la descripción de una convivencia imposible, repleta de reproches, gritos y discusiones por cualquier cosa, como una relación matrimonial que ha tocado fondo. Al margen de ciertos amaneramientos de estilo que resultan pedantes (forma parte de la personalidad propia del director, a tenor de algunas de las entrevistas que hemos visto), J'ai tué ma mère consigue mantener con coherencia el dibujo de los personajes, especialmente el del adolescente pijo con el que es difícil sentirse identificado como espectador, y el de la madre insoportable pero madre al fin y al cabo (en una escena, un solo susurro de ella nos llega al alma).

Se ha tachado a la película de tener una excesiva influencia de, una vez más, Gun Van Sant, y una insistencia en la homosexualidad del hijo como reflejo de su rebeldía, en una proyección tópica de las relaciones materno-filiales (el protagonista no encuentra la confianza necesaria para mostrar su relación sentimental con otro chico). Lo primero es posible, pero tampoco molesta demasiado; lo segundo es, simplemente, una opción del director que, no lo olvidemos, cuenta una historia basada en su propia experiencia.

A Xavier Dolan, visto que las carencias de su primera película no terminan de resolverse en Les amours imaginaries hay que seguirle la pista para ver si consigue desembarazarse de esa pedantería que a veces hace tambalearse la narración de sus historias. De Dennis Villeneuve esperamos con interés sus próximas incursiones en la dirección. Pero sin duda esta sesión doble nos permite conocer los primeros trabajos de dos de los directores canadienses más interesantes del momento.

Nos vamos a Broadway

2011-07-10T22:09:00.000+02:00

A partir de esta semana, como hacemos casi todos los años, nos acercamos a los escenarios de Broadway a través de los Premios Tony para conocer las bandas sonoras más destacadas de los musicales que han triunfado (o no) en Nueva York. Pero tampoco nos olvidamos del West End de Londres.

En Primera Fila se acerca durante el mes de julio a las grabaciones de los musicales más destacados de la temporada. Ya sabemos que en España también se preparan versiones interesantes de musicales como El rey león, pero también es cierto que el sistema de producción en nuestro país impide disfrutar en la mayor parte de las ocasiones de las grabaciones de las versiones españolas.

En Primera Fila deja aparcado el cine durante varias semanas para convertirse en un programa dedicado al teatro musical. Al fin y al cabo, la interrelación entre ambas formas de entretenimiento tiene una amplia trayectoria. Los Premios Tony son los galardones que marcan lo más destacado de cada temporada, y por eso nos sirven de referencia para seleccionar algunas de las obras que ofrecemos durante este mes. A partir de esta semana, abrimos el telón:

Miércoles 13 / Sábado 16

The book of mormon

Que los creadores de la serie South Park (Trey Parker y Matt Stone) y uno de los responsables de Avenue Q (Robert López) se reúnan para poner en marcha un musical ya es de por sí interesante. Que hayan conseguido una de las obras más divertidas (a tenor de las críticas) que se han estrenado en Broadway en los últimos años, no sorprende. Y que sea también una de las más taquilleras, por encima de Spiderman. Turn off the dark, resulta meritorio. En definitiva, el musical de la temporada en Broadway, que va camino de convertirse en otra de esas obras que permanecen en cartel durante años. Las canciones son reflejo de ese talento que tienen sus creadores, y algunos números, solo con escucharlos, resultan desternillantes.

Viernes 15 / Domingo 17

The Scottsboro boys

Todavía andan coleando obras inacabadas del tándem formado por John Kander y Fred Ebb, a pesar de que éste último falleció en 2004. Ésta es una de esas obras, terminada finalmente por John Kander para su estreno durante el pasado año, primero en el Off-Broadway y después en los escenarios principales. Curiosamente, esta historia basada en el juicio más largo de la historia de los Estados Unidos, con varios jóvenes de raza negra acusados injustamente de haber violado a unas chicas en un tren, logró mejores resultados en el Off-Broadway que en su paso a la cartelera principal. Pero, a pesar de concluir sus representaciones en diciembre de 2010, logró nada menos que 12 nominaciones a los Premios Tony. Lo cual es un mérito indudable. Sin ser de las mejores obras de este dúo de músico y letrista (recordemos, responsables de Cabaret o Chicago), tiene ese aire de homenaje al teatro que han sabido dar a los musicales dos de los mejores autores de las últimas décadas.

Miércoles 20 / Sábado 23

Priscilla. Queen of the desert

Otro de los éxitos recientes de Broadway es esta adaptación de la película que dirigió Stephan Elliott en 1994. Obra de trayectoria curiosa, ya que se trata de la primera adaptación de un musical australiano que se estrena en Broadway. En realidad, Priscilla. Queen of the desert se presentó en Sidney en 2006, y desde 2009 se representa en Londres y otros países, así que Broadway se estaba resistiendo a dejar entrar a este musical "extranjero". Otra de las curiosidades es su protagonista, Tony Sheldon, que ha interpretado el mismo personaje en las versiones de Sidney, Londres y Nueva York, con más de 1200 representaciones durante estos cinco años.

Viernes 22 / Domingo 24

Women on the verge of the nervous breakdown

Efectivamente, la versión musical de Mujeres al borde de un ataque de nervios llegó por fin a los escenarios de Broadway a principios de año. Lo cierto es que la adaptación parece mantener la fidelidad al original consiguiendo hacer comprensible esta historia al público neoyorquino. Pero no olvidemos que Pedro Almodóvar quiso hacer un homenaje a la comedia slapstick norteamericana, así que tampoco quedaba tan lejos. La grabación que escuchamos presenta algunos números interesantes y un aire de jazz contemporáneo que le va muy bien a la historia. Lástima que ni la crítica ni el público terminaran de dar el beneplácito a esta obra que estuvo en cartel menos de un mes.

Miércoles 27 / Sábado 30

How to succeed in business without really trying

Esta obra de los años sesenta ha sido reestrenada en varias ocasiones en Broadway, demostrando la actualidad de esta historia sobre un joven que decide triunfar por el camino más fácil: la mentira. Aún se recuerda la versión que protagonizó Matthew Broderick hace unos años, y esta temporada se ha presentado un nuevo reestreno que tenía, de cara a la taquilla, el reclamo de su protagonista, Daniel Radcliffe. Fuera ya de las exigencias de agenda de las películas de Harry Potter, Radcliffe ha comenzado una interesante carrera teatral, primero con la obra Equus y ahora con su primer trabajo en los escenarios de Broadway, bien tratado por la crítica. John Larroquette, ganador del premio Tony este año, le acompaña en un musical a la vieja usanza.

Viernes 29 / Domingo 32

Legally blonde

Para terminar este mes dedicado a los musicales nos acercamos a los escenarios del West End. Esta temporada no ha habido grandes ni relevantes estrenos en Londres, y la obra que más ha destacado, en taquilla y en premios (ha conseguido nada menos que tres Premios Laurence Olivier) es la versión del musical que adaptaba la película Una rubia muy legal. Presentada en Broadway en 2007, en Londres es donde ha logrado mayor relevancia esta obra, entretenida y con buen sentido del humor, que además cuenta con números musicales de altura que dan a esta adaptación un aire de comedia elegante. Curiosamente, ninguno de los actores y actrices principales que estrenaron la obra están ahora representándola, pero finalmente nos queda la grabación de sus canciones para apreciar por qué han recibido los principales galardones del teatro en Londres.

Sesión doble de verano: Noé vs. Sono

2011-07-06T16:57:00.000+02:00

El argentino Gaspar Noé y el japonés Sion Sono son dos directores que se caracterizan por hacer un cine que no deja indiferente. Más o menos discutibles en cuanto a su manera de concebir la narrativa cinematográfica, ambos comparten una mirada insólita y polémica.

A Sion Sono le conocíamos por algunos títulos que recibieron el halago de la crítica, como Suicide club (2002) y, sobre todo, Love exposure (2008), historias que tienen en común una compleja mirada psicológica de personajes que no terminan de encontrar su sitio en la sociedad. La descripción de este tipo de caracteres, muchos de ellos desplazados de los círculos tradicionales de la “normalidad”, es una de las características de un cineasta que consigue atraparnos con historias singulares, dirigidas con garra. Su última película, Cold fish (2010), responde precisamente a ese estudio de personajes que tanto gusta al director japonés.

La historia de Cold fish comienza de forma contundente, con imágenes de una familia aparentemente normal: normal en la rebeldía de la hija adolescente, normal en la decepción de la mujer, normal en la apatía del protagonista. Pero esta “normalidad” se verá trastocada cuando aparece un exageradamente simpático personaje que convertirá en un infierno la vida del apático protagonista. Y el descubrimiento de su lado oscuro, psicótico, se convertirá en catalizador de su personalidad oculta.

Las dos horas y media de Cold fish contienen algunas de las escenas más violentas que hemos visto en el cine de Sion Sono hasta el momento, tirando en numerosas ocasiones hacia un “gore” quizás algo gratuito, pero que contribuye a conformar la psicopatía de determinados personajes. Cold fish tiene entre sus virtudes la de saber aglutinar distintos géneros (la comedia, el terror, el suspense…) sin que chirríen demasiado, aunque a veces se nos quede la sonrisa helada. Entre sus defectos, una tendencia hacia el grand guignol con algunos personajes y cierto desbarajuste en el tercer acto al que contribuye también su excesivo metraje. Pero sin duda, Cold fish es una de las propuestas más singulares y uno de los retratos más impactantes de la evolución psicológica de un personaje que hemos visto en mucho tiempo.

El argentino afincado en Francia Gaspar Noé tiene un posicionamiento provocativo en sus planteamientos cinematográficos. Tras la paja mental de su contribución al cúmulo de perversiones sexuales que supuso Destricted (2006) (por lo menos su segmento, entre tetas y pollas, contenía alguna interesante reflexión sobre la soledad, por encima de la pura pedofilia de personajes como Larry Clark), Noé presentó en el Festival de Cannes Enter the void (2009), objeto de numerosos remontajes y sesiones de postproducción que impidieron que se estrenara en su versión definitiva hasta 2010.

En Enter the void, por supuesto, el sexo está presente (recordemos que Gaspar Noé es el tipo que nos presentó una violación de 20 minutos en Irreversible), pero en este caso se plantea una propuesta en torno a la muerte tomando como base "El libro tibetano de los muertos", que describe las experiencias del alma después de la muerte. Y de eso va precisamente la película. Si durante la primera media hora asistimos a un alucinante ejercicio visual que adopta el punto de vista subjetivo del protagonista (a la manera de La dama del lago (1947)), cuando éste muere nos encontramos con la representación de su alma perdida en forma de una imágenes cenitales que sobrevuelan recuerdos pasados y realidades futuras (una especie de vuelta de tuerca al alucinante viaje existencial de 2001. Una odisea del espacio, referente confeso de la película).

Al singular aspecto visual (en ocasiones apabullante, sorprendente) contribuye sin duda la aportación de Marc Caro (Delicatessen) en el diseño escénico (ese Japón invadido de luces de neón) y de Thomas Bangalter, uno de los miembros del dúo Daft Punk, en el diseño de sonido (impactante si se puede acceder a alguna edición en Dolby).

Enter the void es un viaje, primero alucinatorio (el mundo de las drogas) y después fantasmal (la muerte), adoptando ambos (las drogas y la muerte) una especie de camino paralelo, como si un chute de LSD o DMT fuera, en realidad, un viaje astral que separa el alma del cuerpo. En este planteamiento visualmente insólito encontramos, sin embargo, algunos baches: una excesiva duración (dos horas y media) a la que contribuye la repetición de determinados fragmentos, como si el director no tuviera claro que como espectadores hemos captado el mensaje; una tendencia a la violencia y el sexo algo gratuitos, marca del director, por otro lado; y una cierta pedantería narrativa que termina por cansarnos.

Pero eso no quita para que estemos ante una insólita visión cinematográfica que, junto a Cold fish, nos permite disfrutar de un programa doble alucinante y alucinatorio.

Claire Denis: la mujer que vino de África

2011-07-03T13:17:00.000+02:00

Claire Denis estrena por primera vez en España, a pesar de tener tras sí una amplia filmografía de sólido cine emocional. La distribución en España tiene estas cosas.

El cine de Claire Denis está marcado en buena medida por su adolescencia vivida en una antigua colonia francesa en África. De ahí que Una mujer en África pueda considerarse como una de sus películas más personales. La historia de su protagonista, empeñada en sacar adelante una plantación de café a pesar de estar rodeada de una auténtica guerra entre militares y rebeldes, muestra con una vehemencia que pocas veces hemos visto en el cine, esa casi psicótica mirada colonialista que no era capaz de ver la opresión ejercida contra los africanos. Esa condescendencia cínica frente a quienes son pisoteados tiene algo de la esquizofrenia que acaba invadiendo a uno de los protagonistas. Y la visión de la directora, siempre claramente crítica frente a los aires de superioridad de los occidentales, se muestra de manera rotunda en esta película.

Que la filmografía de una directora como Claire Denis permanezca inédita en España da bastantes señales del tipo de distribución que tenemos en nuestro país. Tras una carrera que comenzó a finales de los ochenta, solo algunos ciclos aislados en festivales o salas cinéfilas nos han ido descubriendo el trabajo de una de las cineastas más interesantes de Francia.

Una mujer en África (2009) se puede ver como un reverso de la anterior película de Claire Denis, 35 rhums (35 chupitos de ron) (2008), por supuesto inédita en España. Mientras que en la primera asistimos a la resistencia nada heróica de una mujer blanca ("white material") en el país africano, en la segunda nos introducimos en la vida, sencilla y poco destacable, de unos emigrantes en París. Y así la directora construye una especie de díptico que no tiene por qué ser del todo compatible, pero que nos permite calibrar los dos reflejos de un colonialismo insensato.

En ambas películas sin embargo el discurso es el mismo, crítico, políticamente comprometido, quizás no novedoso, pero no por repetitivo menos cierto: "La deuda es una forma de dominación de los países del Sur. ¿De qué deudan hablan? Los países del Sur siempre deben a los del Norte. ¿Por qué no se ha pedido una indemnización por el comercio de esclavos?", comenta un grupo de estudiantes en una escena de 35 rhums. "Gente como usted es la que mantiene la corrupción en este país", le espeta un soldado a la protagonista de Una mujer en África. Es curioso, discursos como estos se podrían fundamentar últimamente en Grecia. Las mismas recetas para descabezar la soberanía de países abocados a estar endeudados eternamente. Europa se parece cada vez más a África.

En realidad, el continente africano siempre ha estado presente en el cine de Claire Denis, a veces de una forma más clara y en ocasiones de manera menos palpable. Desde la descripción de una relación de respeto y odio entre dos militares en Beau travail (1999) hasta la exposición precisa de su infancia en el África colonial y su traslado a París cuando era adolescente, en la película para televisión US go home (1994). Pero en esta última etapa del cine de la realizadora francesa hay como una especie de regreso a los orígenes. Su primera película, Chocolat (1988) giraba en torno a una mujer que recuerda su vida durante el colonialismo. La siguiente, S'en fout la mort (1990), mostraba a dos hombres africanos intentando sobrevivir en París dedicándose a las peleas de gallos. De nuevo el reverso de la moneda, de esa mirada nada complaciente.

En Una mujer en África Isabelle Huppert vuelve a componer uno de esos personajes complejos, a veces incomprensibles en sus acciones. Nadie mejor que esta actriz experimentada en exprimir los sentimientos más contradictorios de sus personajes, para describir el empecinamiento de una mujer de mentalidad colonial, construido desde la experiencia vital de la directora. Sólo con esa imagen de la protagonista en la plantación de un café que no quieren ni los propios africanos, sobrevolada por un helicóptero desde el que le gritan que debe marcharse, se construye un discurso político anticolonial mucho más efectivo que el de muchas películas.

Centenario de un genio

2011-06-22T17:00:00.113+02:00

Bernard Herrmann nació un 29 de junio de 1911 en Nueva York. Aquel día, poco podía imaginar su madre que estaba dando a luz a uno de los grandes genios (si no el mayor genio) de la música contemporánea. En primera Fila dedica una serie de programas especiales a su obra.

Bernard Herrmann fue, como suelen ser los genios, una personalidad difícil y casi enfermiza. No debe ser casual que su trayectoria esté unida a dos de los grandes directores de la historia del cine: Orson Welles (con el que en realidad trabajó en solo dos ocasiones, pero pariendo dos de las mejores bandas sonoras de todos los tiempos, al margen de su intensa colaboración en las emisiones radiofónicas del Mercury Theatre en la CBS) y Alfred Hitchcock. Tampoco estos realizadores tienen fama de ser muy equilibrados desde el punto de vista psicológico, y quizás por eso consiguieron mantener un difícil status profesional que evitó que se cruzaran sus personalidades.

La esencia de Herrmann está en su capacidad para imbricar la tradición de la música clásica norteamericana con el romanticismo tardío de compositores como Rachmaninoff y con la innovación que unos, aún primitivos, instrumentos electrónicos aportaban en su época. Bandas sonoras como Ultimátum a la Tierra (1951) provocan todavía admiración por la sabia utilización de sonoridades diferentes, novedosas, que difícilmente han podido ser imitadas en interpretaciones más actuales.

Ni qué decir tiene que esta búsqueda constante de nuevas formas de transmitir la psicología de los personajes o la atmósfera de las escenas cinematográficas (hoy en día sólo encontramos esta inquietud en el compositor Marco Beltrami) tiene su punto álgido en la banda sonora de Psicosis. Se trata de uno de esos trabajos que construyen en buena medida la esencia de una película, e incluso el propio Bernard Herrmann afirmaba que su música aportaba un buen porcentaje a la efectividad de la historia. Desde luego, no podemos negarlo.

Otra de las características más destacadas de Bernard Herrmann es que muchas de sus bandas sonoras son difícilmente reproducibles con la sonoridad con la que fueron grabadas originalmente. Su empeño en crear orquestaciones especiales que se salían del propio ámbito de las formaciones orquestales hizo que buena parte de los músicos fueran contratados exclusivamente para las sesiones de grabación. Usó 10 harpas en Duelo en el fondo del mar (1953), 12 flautas en Cortina rasgada (1966) o el serpentón, un instrumento de viento pocas veces utilizado en la música contemporánea, en La hechicera blanca (1953). Sus composicones aportan así esos sonidos característicos indisociables a las propias películas, que son casi imposibles de reproducir.

Bernard Herrmann ha influido en buena parte de la música de cine actual. Músicos como Danny Elfman, Christopher Young, Graeme Revell o Brian Tyler han recogido las pautas sonoras de Herrmann, y las han adaptado a sus particulares estilos, con mayor o menor fortuna.

Después de cien años desde su nacimiento, tras setenta años de su primer trabajo para el cine, Ciudadano Kane (1941), Bernard Herrmann sigue siendo una de las figuras más importantes del universo musical cinematográfico. En primera Fila queremos dedicarle el homenaje que se merece con cuatro programas que hacen un repaso, no tan exhaustivo como quisiéramos, a su filmografía. Esta es la programación de las próximas semanas:

Miércoles 29 de junio / Sábado 2 de julio:

Ciudadano Kane

El hombre que vendió su alma

El cuarto mandamiento

Alma rebelde (Jane Eyre)

Concierto macabro

Ana y el rey de Siam

El fantasma y la Sra. Muir

Ultimátum a la Tierra

La casa en la sombra

Viernes 1 de julio / Domingo 3 de julio:

Las nieves del Kilimanjaro
Duelo en el fondo del mar
El capitán King
El jardín del diablo
El príncipe de los actores
Sinuhé, el egipcio
Pero... ¿quién mató a Harry?
El hombre que sabía demasiado
Falso culpable
El hombre de Kentucky
Williamsburg: The story of a patriot

Miércoles 6 de julio / Sábado 9 de julio:

Vértigo

Simbad y la princesa

Con la muerte en los talones

Viaje al centro de la Tierra

Los viajes de Gulliver

Psicosis

La isla misteriosa

Jasón y los argonautas

Viernes 8 de julio / Domingo 10 de julio:

El cabo del terror
Marnie, la ladrona
Alegre amanecer
Cortina rasgada
Fahrenheit 451
La novia vestía de negro
Nervios rotos
La batalla del río Neretva
Las hermanas
Fascinación
Taxi driver

Premios Tony 2011

2011-06-14T20:00:00.169+02:00

La temporada de musicales en Broadway ha tenido como protagonista principal a las adaptaciones cinematográficas. Afortunadamente, The book of mormon y The Scottsboro boys han demostrado que aún es posible ser originales sobre los escenarios.

De las 9 obras musicales que se han repartido las principales nominaciones de los Premios Tony de esta temporada, 4 eran adaptaciones de películas (Catch me if you can, Sister act, Priscilla. Queen of the desert y Women on the verge of a nervous breakdown!) y otras 2 eran reposiciones (Anything goes, How to succeed in business without really trying). Esto significa que solamente The book of mormon, The Scottsboro boys y Baby you! (una biografía de la cantante de The Shirelles) han sido las obras originales que han merecido el reconocimiento de la profesión, aunque finalmente la primera ha arrasado con 9 galardones en detrimento de la segunda, que se ha ido de vacío a pesar de sus 12 nominaciones. Algo completamente injusto, dado el excelente trabajo musical de John Kander y Fred Ebb, dos de los autores más destacados en la renovación del musical, especialmente a partir de las décadas de los sesenta y setenta (Cabaret, Zorba, Chicago...), y de la mano del coreógrafo y director Bob Fosse.

Para algunos críticos, ésta no ha sido una buena temporada en Broadway, en términos artísticos. Porque si hablamos de cuestiones económicas, la venta de entradas ha subido desde la pasada temporada hasta llegar a recaudar más de 1 billón de dólares, gracias especialmente a éxitos de público como The book of mormon, la obra creada por Trey Parker y Matt Stone, responsables de South Park, y Robert López, coautor de uno de los musicales de mayor éxito reciente, Avenue Q, que continúa en cartel en Nueva York, triunfó en Londres durante cuatro años y ha sido visto por más de 80.000 espectadores en Madrid (actualmente la versión española se encuentra de gira por España con fechas cerradas en San Sebastián, Vitoria, Bilbao y Barcelona hasta finales de noviembre).

También ha contribuido, a pesar de su accidentado estreno, las ventas del musical Spider-man. Turn off the dark, que hoy precisamente abre el telón de nuevo tras una profunda reestructuración de la obra después de las críticas adversas y los cambios de producción drásticos como el despido de su directora, Julie Taymor. Esta semana también se publica la que se anuncia como banda sonora del musical, una selección de canciones que no respetan el orden narrativo y que además, con las modificaciones sufridas en la obra, ha quedado ya desde antes de su publicación, obsoleta además de incompleta, ya que Bono y The Edge han compuesto algunas canciones nuevas. No obstante, con las reservas necesarias ante una edición que no corresponde fielmente con la obra original (suponemos que la compañía tendrá bajo la manga la posibilidad de lanzar otra edición "completa" más adelante), En primera Fila tendremos ocasión de repasar algunas de sus canciones.

Si el cine se ha beneficiado en muchas ocasiones de los éxitos de Broadway, desde hace unos años vivimos el fenómeno contrario. La repercusión de éxitos cinematográficos contribuye a la buena marcha del teatro musical. Y así adaptaciones como Shrek, Sister act, Priscilla. Queen of the desert, Billy Elliot, etc. han dado un nuevo impulso a las obras musicales. Y también la incorporación de estrellas cinematográficas a los escenarios, como ocurre este año con Daniel (Harry Potter) Radcliffe, protagonista de la reposición del musical mil veces versionado How to succeed in business without really trying.

La ceremonia de los Premios Tony este pasado fin de semana no deparó sorpresas importantes en los premiados, y demostró una vez más que resultaría más entretenido trasnochar para ver los Tony que hacerlo para ver los Oscar. Hay una diferencia clara entre el ritmo, la buena disposición, los guiones y por supuesto la calidad de los números musicales que se pueden ver en ambas ceremonias. Y el excelente trabajo como maestro de ceremonias de Nick Patrick (Cómo conocí a tu madre) Harris, acompañado en alguna ocasión por Hugh Jackman (hacemos una petición formal para que vuelva a los Oscar después del desastre de la última edición), nada tiene que ver con la escasa empatía de los últimos presentadores de los premios de la Academia de Hollywood.

The Scottsboro boys fue el gran damnificado del triunfo de The book of mormon, porque compartía buena parte de las nominaciones. También se fue con las manos vacías la adaptación musical de la película de Pedro Almodóvar Mujeres al borde de un atque de nervios, así que no podrá tener una nueva oportunidad tras el desinterés del público en su estreno oficial en enero, que obligó a cancelar las representaciones antes de la fecha prevista. El resto de obras se quedó con las migajas, destacando el premio al veterano John Larroquette (el inolvidable fiscal Dan Fielding de la serie Juzgado de guardia), que acompaña a Daniel Radcliffe en How to succeed in business without really trying.

La ceremonia, por cierto, no pudo celebrarse en su escenario habitual, el Radio City Music Hall, porque éste se encuentra reservado por el Cirque du Soleil para las representaciones de su último espectáculo, Zarkana, que se estrenó en Nueva York hace unos días y a partir de noviembre se podrá ver en Madrid.

A pesar de cierta falta de originalidad y algunos trabajos decepcionantes (Marc Shaiman no logra alcanzar la rotundidad de sus canciones para Hairspray con la adaptación de la película Atrápame si puedes (Catch me if you can), de Steven Spielberg), los musicales continúan atrayendo al público, tanto en los escenarios de Broadway o el West End como en Madrid o Sevilla (el paso de la obra Chicago por el Teatro Lope de Vega ha sido todo un éxito de público).

Premios Tony 2011 (Musicales):

The book of mormon
9 Premios / 14 Nominaciones
Mejor Musical
Mejor Dirección (Casey Nicholaw y Trey Parker)
Mejor Libreto (Trey Parker, Robert López y Matt Stone)
Mejor Música (Trey Parker, Robert López y Matt Stone)
Mejor Actriz de Reparto (Nikki M. James)
Mejores Orquestaciones (Larry Hackman & Stephen Oremus)
Mejor Diseño Escénico (Scott Pask)
Mejor Diseño de Luces (Brian McDevitt)
Mejor Diseño de Sonido (Brian Ronan)

Anything goes
3 Premios / 9 Nominaciones
Mejor Reposición
Mejor Actriz Principal (Sutton Foster)
Coreografía (Kathleen Marshall)

Catch me if you can
1 Premio / 4 Nominaciones
Mejor Actor Principal (Norbert Leo Butz)

How to succeed in business without really trying
1 Premio / 8 Nominaciones
Mejor Actor de Reparto (John Larroquette)

Priscilla. Queen of the desert
1 Premio / 2 Nominaciones
Mejor Diseño de Vestuario (Tim Chappell & Lizzy Gardner)

Algunas claves del cine online

2011-05-18T16:00:00.154+02:00

La posibilidad de convertir internet en un catálogo inacabable de cine de todos los estilos es ya una realidad que estos últimos días vuelve a la actualidad con los rumores de fusión entre los dos principales portales de cine online de nuestro país y el anuncio del próximo desembarco de una nueva oferta que ya ha logrado asentarse con éxito en los países nórdicos.

El recientemente nombrado presidente de la Academia de Cine, Enrique González-Macho, por sus primeras declaraciones a medios de comunicación no parece precisamente un conocedor de la realidad de internet como una alternativa ya presente a la exhibición tradicional del cine. Y eso que su productora, Alta Films, es una de las componentes de una de las iniciativas más destacadas en esto de ver películas online. O lo que es lo mismo, la posibilidad de disponer de un catálogo virtual inabarcable al que podemos acceder, previo pago mensual o unitario, en cualquier momento.

Los aficionados al cine disponemos actualmente de una buena oferta que parece diversificarse cada vez más, lo cual no se sabe si es bueno o malo, porque tener que pagar por cada portal de estas características unos 10/15 € mensuales no parece asequible para los aficionados que quieran abarcar varias de estas ofertas, tan dispares entre sí. Mientras en otros países parecen disponer de un catálogo amplio, no solo de películas sino también de series de televisión, en España se van ampliando las posibilidades, pero con ciertas limitaciones. Vamos a repasar algunas de estas propuestas:

LAS QUE ESTÁN

Filmotech. Es, digamos, el portal oficial de la industria, por su estrecha relación con EGEDA, la entidad que gestiona los derechos de los productores. Fue, de hecho, una de las primeras que surgieron en nuestro país. Dispone de un amplio catálogo de títulos más cinéfilos que comerciales, que están disponibles por 2 €, y también ofrece la posibilidad de ver cortometrajes de forma gratuita. Sin embargo, se ha quedado algo anquilosada y su streaming es deficiente en ocasiones. Últimamente, debido al auge que ha logrado su más directa competidora, Filmin, parece haber despertado de su letargo y ha comenzado a organizar eventos interesantes como el Festival de Cine Online que, según fuentes del portal, han acumulado 100.000 vistas a la web y 15.000 visionados. (También se podría pensar que si solo el 15% de los visitantes a la web han acabado viendo una película, el festival no ha sido un éxito precisamente).

Filmin. Nació con el apoyo de las principales distribuidoras "independientes" del cine español (Cameo, Alta Films, Golem...) y recientemente han firmado acuerdos con Versus y Avalon. En este sentido, es una de las ofertas más activas, con un catálogo que ya casi llega al millar de títulos, la mayor parte de cine español y cine independiente. Su streaming es quizás uno de los que mejor funcionan actualmente en España, y su apertura a otras plataformas como la posibilidad de ver sus películas en iPhone, iPad y Playstation 3 (aunque con algunas deficiencias aún) le han permitido colocarse en una posición privilegiada en el panorama actual. Una de sus propuestas más interesantes es la posibilidad de acceder a una tarifa plana mensual que por 10/15 € al mes da acceso a todo el catálogo.

Hay quien dice que las productoras/distribuidoras españolas que gestionan estos portales tienen ante sí un futuro incierto y que veremos movimientos decisivos en este sentido ante el muy próximo desembarco de las multinacionales a través de sus propias plataformas o de iniciativas internacionales como Voddler. Tan es así, que se ha venido rumoreando una posible fusión entre Filmotech y Filmin que Juan Carlos Tous, uno de los fundadores de Filmin, nos ha desmentido: "No hay nada de cierto en ello. Te aseguro que ni tan siquiera hay conversaciones encaminadas a ese objetivo". Pero entonces, ¿cuál es el futuro de estos portales frente al desembarco de las nuevas competidoras? La respuesta de Juan Carlos Tous es más bien aséptica y aclara bien poco: "Nuestros planes de futuro pasan por obtener una mayor confianza de los tenedores de derechos así como de la normalización del uso de Internet en el consumo de cine de forma legal y de pago". O lo que es lo mismo, nos ha dejado igual que estábamos.

Cineclick. Es otra de las propuestas de cine online más "veteranas". Ofrece principalmente cine comercial, pero precisamente su dependencia de las grandes multinacionales hace que no puedan proponer iniciativas atractivas que se salgan de los cauces habituales. Esta dependencia, suponemos, debe ser también la que les obliga a alquilar las películas a 4 €, cantidad excesiva para los precios que manejan otros portales o plataformas, lo que resta eficacia a su alternativa, junto a la imposibilidad de ver las películas en versión original.

Waki. Es una iniciativa no ligada directamente a la distribución que nace en Cataluña y que se encuentra actualmente en fase Beta, ofreciendo un catálogo aún en fase de consolidación. Sus alquileres están entre los 2 € y los 4 €, aunque ofrece también ofertas semanales de títulos destacados a 1 €. A diferencia de Filmin o Mubi, sigue más bien la spautas de una especie de videoclub online, pero no parece que esa sea precisamente la tendencia que mejor se consolide entre los aficionados. Actualmente tratan de refinanciarse para adaptar la oferta a plataformas móviles que, ésta sí, es una de las claves del futuro.

Mubi. Ha venido precedida de una gran expectación gracias a un catálogo sorprendente y arriesgado que ha conseguido a nivel internacional una fidelidad cinéfila. Es, junto con Netflix, el modelo de portal online en el que deberían reflejarse las iniciativas surgidas en España. Actualmente, por ejemplo, ofrecen una amplia oferta de películas de todas las épocas que han pasado por la Semana de la Crítica del Festival de Cannes. Son sus acuerdos de colaboración con grandes festivales como Cannes o Sundance o fundaciones como la Martin Scorsese los que les permiten ofrecer periódicamente ciclos de gran interés, aunque de ámbito específicamente cinéfilo. Su colaboración con Sony para integrarse en la plataforma Playstation 3 le ha permitido ampliar su mercado. El problema que plantea es que solo ocasionalmente ofrece subtitulado en español, lo cual hace que dentro del mercado hispano su recepción sea más bien anecdótica. Si no consiguen adaptarse a los mercados en los que se implantan, seguirán siendo una interesante propuesta, pero solo apta para angloparlantes.

LOS QUE LLEGARÁN (O NO)

Netflix. Para todos los aficionados al cine y las series de televisión, es el ejemplo claro de cómo debe ser un portal de cine online. Asentado principalmente en Estados Unidos, se estima que el 60% de las películas que se pueden ver en internet en aquel país lo hacen a través de Netflix. Grandes gurús del alquiler de cine como Blockbuster minimizaron en sus principios las posibilidades de esta plataforma de cine online. ¿El resultado? Blockbuster es una sombra de lo que fue y Netflix sigue en expansión. Recientemente han firmado un acuerdo con Apple para extenderse a las plataformas móviles, lo que se une a las más de 250 plataformas (incluidos reproductores de bluray y DVD) a través de las que se pueden ver las películas que ofrece Netflix. Lo que diferencia a Netflix es que, más que como un videoclub online, funciona como un gran canal de televisión donde elegir a gusto de cada uno lo que se quiere ver. A pesar de sus beneficios, no tiene intención de extenderse a Europa por el momento.

Hulu. Es el más directo competidor de Netflix en el mercado anglosajón. Desde finales de abril ofrece su catálogo también a través de la plataforma Xbox 360, lo cual le puede restar algo de mercado a Netflix. En este tipo de plataformas funcionan especialmente los contenidos de canales de televisión como ABC, Fox, NBC o MTV, y una tarifa plana bastante más asequible que en España, ya que por 8 € mensuales se tiene acceso a un mayor contenido.

Voddler. Algunos se han arriesgado a llamarles los Spotify de las películas. Pero ¿qué diferencia a esta empresa sueca de los portales españoles que hemos mencionado antes? En realidad poca cosa, excepto que su catálogo está más enfocado a la oferta comercial y que el 80% de su programación es gratuita... pero con publicidad al comienzo de cada película. ¿Será esta fórmula asequible para el espectador español igual que lo ha sido en los mercados escandinavos? Aunque también ofrecen el consabido alquiler por 24 horas. Voddler tiene previsto llegar a España en versión Beta para el mes de junio y en septiembre desembarcarán con toda su artillería (unos 4.000 títulos en el catálogo).

El pastel del cine online parece atractivo y tendrá que repartirse entre muchos. Youtube ya ofrece un catálogo de películas online, mientras empresas de exhibición españolas como Yelmocineplex han venido anunciando una iniciativa de portal que no termina de concretarse. Las redes sociales Twitter y Facebook también tienen disponible o se están planteando competir en el mercado. Hace unos meses, Hollywood (Warner, Fox, Paramount, Sony y Universal) anunciaban la puesta en marcha de Ultraviolet, su particular tajada en el mercado online, que todavía tampoco ha terminado de concretarse del todo. ¿Demasiadas novias para un mercado no definido del todo aún? Posiblemente. Pero teniendo en cuenta que internet parece consolidarse cada vez más como el emisor cultural del futuro próximo, los movimientos que se están produciendo parecen destinados a no quedarse fuera de un negocio que, eso sí, en España (por la experiencia de portales como Filimin y Filmotech) no es especialmente rentable.

¿Informar o hacer publicidad encubierta?

2011-04-28T00:46:00.001+02:00

La SGAE y Pro-Musicae lanzan una supuesta Guía informativa para el uso legal de internet que en realidad es una publicidad encubierta de sitios web de pago que gestionan estas mismas entidades.

Recientemente, el colectivo Hacktivistas ha lanzado una respuesta en forma de "contraguía" a la manipulación que SGAE y Pro-musicae han elaborado en su documento supuestamente informativo, destinado a padres y profesores, que en realidad lo que hace es promover los sitios web de pago que gestionan ellos mismos. La Guía para madres y profesoras es el instrumento que ha lanzado este colectivo, con licencia Creative Commons, como contraposición a la Guía para padres y profesores promovida por la ONG Childnet con la colaboración de SGAE, Pro-Musicae y la Federación para la Protección de la Propiedad Intelectual (FAP).

En la Guía para padres y profesores se han introducido algunas consignas ya conocidas por parte de estas asociaciones que supuestamente defienden los derechos de los autores. Para tratar de justificar su campaña en contra de las P2P, programas de intercambio de archivos hoy por hoy completamente legales en España, introducen elementos amenazadores para los usuarios: "Los programas de intercambio ilegal de archivos exponen a los usuarios a peligrosos contenidos no deseados, como virus, pornografía o imágenes violentas. El software de intercambio de archivos también puede comprometer tu seguridad y privacidad, al abrir el ordenador al mundo exterior y compartir lo que tienes almacenado en él". Al margen de ese empeño obsesivo por llamar ilegal a algo que no lo es según la legislación española, lo cierto es que, por las recientes polémicas surgidas en torno al uso que determinadas multinacionales hacen de las descargas "legales", parecen más peligrosas éstas que las supuestamente "ilegales".

Como se afirma en la Guía para madres y profesoras, se ha venido demostrando desde hace años que la propia industria del entretenimiento viene introduciendo falsos contenidos y virus en las p2p, aunque con escasos resultados. También se demostró que la discográfica Sony instalaba en los ordenador aplicaciones que les permitían acceder a datos sobre los comportamientos de los usuarios.

No es muy tranquilizador que empresas como Apple hayan tenido que dar explicaciones recientemente sobre una aplicación que permitía conocer datos de ubicación de los usuarios del iPhone. El propio Steve Jacobs afirmaba: "Cualquier persona que tenga acceso a este archivo único probablemente podría determinar la ubicación del usuario, el hogar, los negocios que frecuenta, los médicos que visita , las escuelas a las que sus hijos asisten, y los viajes que ha tomado en los últimos meses o incluso años." ¿Cuáles son entonces las herramientas verdaderamente peligrosas?

La debilidad de los sistemas cerrados frente al software libre se ha puesto de manifiesto estos días atrás con el ataque que ha sufrido Sony y su sistema Playstation 3, pirateado de forma masiva, obligando a su clausura durante varios días, mientras Sony finalmente ha tenido que admitir que los datos personales de millones de usuarios (datos bancarios, historiales de compras...) han podido ser robados. Sorprende, eso sí, dos cosas: que una multinacional como Sony no tenga los datos que proporcionan los usuarios de forma encriptada para evitar este tipo de actos; y que ante un hecho tan grave que afecta a más de 70 millones de usuarios hayan tardado una semana en lanzar una señal de peligro. El colectivo Anonymous, que ya había amenazado con acceder a los sistemas de Sony en represalia por la demanda que interpuso la multinacional contra el hacker George Hotz por haber bloqueado la Playstation 3 hace unos meses, se ha apresurado a afirmar que ellos no tienen nada que ver con esta intrusión pero, ¿alguien realmente lidera este colectivo como para afirmar taxativamente que no tiene que ver con sus amenazas? Y lo principal: ¿son realmente seguros entonces los sistemas "legales", especialmente cuando parece que no cumplen con las mínimas medidas de seguridad?

Pero lo más flagrante de la Guía para padres y profesores es la promoción publicitaria que se realiza en un documento supuestamente informativo (recordemos, elaborado por una ONG, es decir, sin ánimo de lucro aparentemente), de webs de descargas que gestionan las propias entidades colaboradoras. En la Guía se afirma: "También es muy interesante La Central Digital, distribuidora digital que agrega música, películas, videoclips, cortos, etc. y los "coloca" en las principales tiendas digitales de internet y móviles" (La Central Digital es una empresa del Grupo SGAE); "otra iniciativa es la web Filmotech, donde están disponibles miles de películas para su visionado en línea mediante un sistema de videoclub" (Filmotech es una iniciativa de EGEDA). Curioso que no se haga ninguna referencia, por ejemplo, a Filmin.com, un portal creado por productoras y distribuidoras independientes españolas que viene haciendo sombra desde hace meses a Filmotech. Otras que curiosamente tampoco se nombran en la Guía, o se les hace una mención residual a pesar de su gran relevancia, son Spotify, Grooveshark, Jamendo, Coda.fm, liberateca.net, etc.

Hace unas semanas, el documental con licencia Creative Commons Copiad malditos, de Stéphane M. Grueso ya puso de manifiesto cierta manipulación de la SGAE a través de su programa "educativo" Educar para crear, en el que se promovía información interesada respecto a los derechos de autor en centros de escolares, con la complicidad del Ministerio de Cultura y el Ministerio de Educación.

No parece que utilizar una Guía supuestamente informativa para promocionar empresas con ánimo de lucro gestionadas por las mismas entidades que la elaboran, sea la mejor forma de difundir los valores éticos de los derechos de autor, especialmente cuando tiene como destinatarios a los gestores de la educación. ¿O sí?

Cine apostólico: con la iglesia hemos topado

2011-04-25T01:07:00.000+02:00

En medio de una de las más profundas crisis que viven las religiones en general y el catolicismo en particular, el adoctrinamiento viene utilizando en los últimos años los cauces audiovisuales, en una suerte de tendencia hacia cierta moralina que trata de restaurar la fe a través del cine.

El segundo mejor estreno español del año fue la crónica sobre José María Escrivá de Balaguer que dirigió Roland Joffé bajo el título Encontrarás dragones, una película que no contaba con el apoyo explícito del Opus Dei pero que se produjo a través de una AIE (Agrupación de Interés Económico), especie de fondo de inversión aportado por un centenar de personas (aunque los productores se empeñaron en tratar de desligar la película de la propia "Obra", es fácil adivinar que buena parte de estos inversores son miembros o al menos simpatizantes de la misma). De hecho, tanto Ignacio Gómez-Sancha como Ignacio Núñez, los dos principales impulsores de la película, que lograron reunir los 25 millones de euros que costó, son miembros del Opus Dei. Pero, ¿es Encontrarás dragones una película dogmática que trata de difundir la figura del fundador de esta institución ? Realmente lo es, aunque camuflada como una historia dramática y épica, y con golpes de efecto como el de anunciar a bombo y platillo que su director, Roland Joffé, es un activista "de izquierdas y agnóstico". Pero no cabe duda que Encontrarás dragones lo que ha encontrado en España es una base de espectadores principalmente católicos que ya en las preventas impulsaron a la película en la taquilla, aunque finalmente no ha acabado siendo un éxito notable (tras un primer fin de semana bastante decente).

Encontrarás dragones está a la espera de sus ventas internacionales en el Festival de Cannes, y su próximo estreno en el mercado norteamericano, al que llega el 6 de mayo distribuida por Samuel Goldwyn Films, una de las productoras más activas en la difusión del cine apostólico.

Hace unos años, lograba un destacado éxito internacional la película Bella (2006), producida y protagonizada por el actor y activista anti-abortista Eduardo Verástegui, intérprete mexicano de telenovelas que un buen día abrazó la fe cristiana, para más tarde convertirse en un dogmático predicador en contra del aborto. Bella era, de hecho, un panfleto anti-abortista, burdo en su discurso demagógico, que logró un destacado respaldo en la taquilla, incluida España. La productora que impulsó Eduardo Verástegui con Alejandro Monteverde y Leo Severino, Metanoia Films, promueve "películas de entretenimiento que tengan un impacto positivo en el mundo". Sus proyectos no dejan lugar a dudas: Little boy, sobre la fe católica de un niño durante la Segunda Guerra Mundial o God's jester, una historia que se sitúa en un México post-revolucionario en el que los habitantes de un pueblo luchan por mantener su fe.

Actualmente se encuentra en cartelera Cartas a Dios (2009), de Eric-Emmanuel Schmitt, historia protagonizada por un niño enfermo de cáncer que expresa sus sentimientos a través de cartas que su mentora lanza al cielo diariamente. Lo mejor de la película es su intención de huir, en lo posible, del efecto lacrimógeno que podría tener la historia; lo peor es precisamente su tendencia al adoctrinamiento espiritual como única vía de salvación. O lo que es lo mismo: no se presenta la enfermedad como mal físico, sino como aliento espiritual. Lo cual, según para quién, no es ningún consuelo.

Decíamos que Samuel Goldwyn Films es una de las productoras norteamericanas más activas en esta suerte de resurrección del cine apostólico. El año pasado la revista Variety lanzó la noticia de que la productora estaba preparando una superproducción sobre la resurrección de Cristo (una especie de secuela de La pasión de Cristo), cuyo estreno se preveía para esta Semana Santa, pero que finalmente se encuentra en espera de finalizar la financiación.

En 2008, Samuel Goldwyn distribuyó Fireproof, de Alex Kendrick, protagonizada por Kirk Cameron (bastante en la sombra tras sus éxitos juveniles en Los problemas crecen). Se trata de la historia de un bombero con un matrimonio en crisis que encuentra en la fe su salvación. Fireproof es una de las producciones de la comunidad eclesiástica de Estados Unidos, y lograron convertirla en la producción independiente (entiéndase como fuera de los cauces de Hollywood) de mayor recaudación, con unos 33 millones de dólares en taquilla. Su director Alex Kendrick, y su productor, David Nixon, ya habían conseguido también una buena recaudación con Facing the giants (2006), que mezclaba catolicismo con fútbol americano.

De hecho, el estamento eclesiástico norteamericano, es uno de los más activos en esta recuperación del cine apostólico como elemento de difusión del mensaje cristiano. El año pasado la Iglesia Baptista de Sherwood produjo What if?, su película más ambiciosa hasta la fecha, dirigida por Dallas Jenkins y protagonizada por Kevin Sorbo (protagonista de la serie Hércules), una especie de ¡Qué bello es vivir! actualizado (salvando las distancia, claro) en el que un millonario ve ante sus ojos cómo habría sido su vida si hubiera seguido la doctrina cristiana, se hubiera casado con su amor de toda la vida y, en fin, hubiera renunciado al placer y el dinero. Se trata de una de las producciones en cadena puestas en marcha por la Igesia Baptista, que tiene previstos posteriores estrenos en 2011 y 2012 con presupuestos ajustados pero suficientes. La intención es clara, según sus responsables: "No se trata de ganar dinero. Se trata de trasladar el mensaje de Cristo al mayor número de personas posible".

El cine apostólico ha vuelto.

"The killing" vs. "Forbrydelsen": la sorpresa de la temporada

2011-04-17T20:32:00.000+02:00

AMC ha vuelto a dar en el clavo. Su particular concepto de la ficción televisiva ha dado tan buenos frutos como Mad men o Breaking bad, y ahora presenta una novedad basada en una exitosa serie danesa. Compararlas es un ejercicio recomendable.

La cadena de televisión AMC parece tener una idea de los dramas televisivos que difiere en buena medida de la de otros canales de prestigio. Ni qué decir tiene que Mad men o Breaking bad no son series que tengan un gancho comercial contundente (por su estilo, por su singular estructura narrativa, por su ritmo incluso), pero sí que han conseguido un público fiel que las ha convertido en producciones de culto.

El año pasado AMC apostó por una serie de espías, Rubicon, que sin embargo no terminó de cuajar lo que provocó su cancelación, unida al éxito que obtuvo la decepcionante The walking dead, que sí firmó por una nueva temporada. En realidad, Rubicon era una propuesta cuyo piloto se rodó al mismo tiempo que el de The killing. Y finalmente, para 2011 AMC ha decidido dar la oportunidad a este nuevo thriller que tiene su origen en una serie danesa de 2007.

Los resultados no han podido ser más positivos. Con una premiere de dos horas y un tercer capítulo ya emitido, The killing se consolida como una de las sorpresas de la temporada, frente a las producciones históricas (Camelot, The Borgias, Game of thrones) de las cadenas competidoras. The killing está basada en una producción creada por Soren Sveistrup en torno al asesinato de una joven y su investigación, introduciéndonos en la vida de un grupo de personas que de una u otra forma tienen que ver con la víctima: sus padres, sus compañeros de instituto, la carrera política de un aspirante a la alcaldía... Y es este punto de vista múltiple lo que plantea el mayor interés de la serie. Tampoco resulta novedoso, pero esta estructura compleja de personajes en torno a un asesinato o desaparición ha dado lugar a ejemplos interesantes en el ámbito televisivo: desde Twin Peaks hasta Five days, que por cierto coincide también en plantear los capítulos en torno a cada uno de los días posteriores al asesinato.

Un ejercicio interesante consiste en comparar los primeros capítulos de la serie original y su versión norteamericana, más que nada para no desvelar acontecimientos que en la versión actual aún no se han revelado. Coincidentes en buena parte de las tramas y los personajes principales, The killing tiene, frente a Forbrydelsen, la virtud de una mayor concisión, obligada por el hecho de que la temporada está compuesta por doce episodios frente a los veinte de la serie original. De forma que todo lo que nos cuentan en la versión danesa en los cuatro primeros capítulos, The killing se lo ventila en tres. La eliminación o conversión de algunas subtramas o incluso de alguna escena de acción no parece suponer ningún problema para el desarrollo adecuado de la historia.

Uno de los elementos más atractivos de la serie es la protagonista, una investigadora de aire normal (de esos que tanto gustan en los policíacos nórdicos) que se enfrenta a una compleja trama de asesinato justo cuando tenía decidido dejar su cargo para vivir una vida más tranquila. Ni qué decir tiene que las implicaciones de ese viaje son mucho más complejas en la serie original, que supone trasladarse desde Noruega hasta Suecia, mientras que en la norteamericana se queda en un simple traslado interior. Pero implica para la protagonista en ambos casos una ruptura radical que no termina de producirse. Tanto Sofie Grabol (Forbrydelsen) como Mireille Enos (The killing) aportan a sus personajes esa normalidad que sin embargo adopta un cierto sexto sentido para la investigación, y sin duda son ambas elecciones perfectas para las respectivas series.

Mireille Enos (Izq.) y Sofie Grabol (Der.)

The killing tiene en su formato visual una aportación decisiva. La presencia casi constante de la lluvia como recurso opresivo y atmosférico, que da a la película un aire más desasosegante, un poco en la línea de Seven, la propia Rubicon o el videojuego Heavy rain. La lluvia es siempre un elemento que provoca cierta tensión, pero en general podemos decir que The killing es mucho más oscura que Forbrydelsen. Igual que podemos decir que la versión danesa es bastante más cruda que la norteamericana.

No cabe duda que los policíacos nórdicos están de moda. Adaptaciones de series como Wallander o Forbrydelsen, o revisiones de éxitos como Los hombres que no amaban a las mujeres están exportando un singular planteamiento del thriller que, utilizando los resortes del policíaco clásico, deja también una particular forma de desarrollar sus historias. Si se hace bien, como parece que lo está haciendo The killing, puede dar lugar a productos interesantes que son complementarios de los originales.

Una curiosidad: la adaptación de la serie danesa ha mantenido la banda sonora original compuesta por Frans Bak para la serie. Sin duda un trabajo efectivo que funciona perfectamente tanto para la versión danesa como para la revisión de la AMC. Quizás sea también una forma distinta de cerrar acuerdos de adaptaciones.

Nota: Este ejercicio de comparación entre ambas series no es exclusividad nuestra. La web opinionless.com hace cada semana una interesante comparativa en paralelo entre las dos producciones. Estas son las dos primeras:

http://www.opinionless.com/forbrydelsen-vs-the-killing-week-one/

http://www.opinionless.com/forbrydelsen-vs-the-killing-week-two/

¿Algo está cambiando en la televisión en España?

2011-04-02T15:01:00.004+02:00

Mientras TVE mantiene su liderazgo con apuestas cinematográficas y de series de televisión nacionales, algunas cadenas privadas están modificando su oferta, centrándose en producciones televisivas de prestigio, y logrando índices de audiencia notables. ¿Algo está cambiando?

El caso más significativo es el de Antena 3, eterna cadena de televisión segundona que antes intentaba reflejarse en Tele 5 para lograr captar el mismo perfil de audiencia, y ahora parece haber apostado, en un interesante y agradecido cambio de maniobra, por la tendencia iniciada en la nueva televisión pública sin publicidad. A TVE le están yendo bien sus propuestas "de época" nacionales como las ya tradicionales Cuéntame cómo pasó y Amar en tiempos revueltos, o sus nuevas incorporaciones como La República o Gran Reserva.

Antena 3, que no olvidemos que en el terreno cinematográfico ha logrado importantes éxitos de taquilla en estos años (en 2010 recaudó nada menos que 29 millones de euros y este año va camino de superar esta cifra gracias al éxito apabullante de Torrente 4 y Encontrarás dragones), continúa su línea de ficción con producciones nacionales de buen resultado en audiencia como Bandolera, El secreto de Puente Viejo, El barco o Los protegidos, aunque también con algún batacazo notable como la adaptación de la novela de Arturo Pérez-Reverte La reina del Sur.

Pero lo que ha sorprendido en mayor medida, y es todo un hallazgo, ha sido la "arriesgada" apuesta que ha hecho la cadena privada por las series extranjeras de prestigio, con el estreno (y el liderazgo en audiencia) de series "british" como Downton Abbey y muy pronto la versión actual de Arriba y abajo, que en realidad es la sexta temporada de la mítica serie, que la BBC estrenó a finales de diciembre de 2010. El tropiezo se produjo el jueves pasado con The Pacific, el drama bélico de Steven Spielberg y Tom Hanks que debutó con un escaso 9% de share frente al 18% del estreno de la última temporada de Gran reserva en TVE. Precisamente, otra de las adquisiciones de la cadena ha sido Hermanos de sangre, la predecesora de The Pacific, pero mucho nos tememos que si sigue por esta línea, Antena 3 acabará estrenándola en sus canales temáticos como Nitro o Neox, adonde van a ir a parar algunas de las series que ha comprado este año.

Esta tendencia no parece casual. El seguimiento de las grandes producciones que la televisión por cable norteamericana o las cadenas británicas suelen estrenar cada año, es cada vez mayor en internet y en sus ediciones domésticas (DVD y bluray), que se producen antes incluso de su estreno en nuestras televisiones. Y precisamente las apuestas que han dado mejores audiencias a canales de segunda división como La sexta o Cuatro han sido este tipo de series. Recientemente en La Sexta con la decepcionante The walking dead y actualmente en Cuatro con la patosa Spartacus. Blood and sand, que a base de excesos y cuerpazos está enganchando a un buen número de espectadores.

En los próximos meses Antena 3 apostará por producciones como Sherlock (recién editada en DVD y una de las más recomendables apuestas de la temporada), The event (craso error dadas sus malas críticas y pobres audiencias en Estados Unidos) y Justified (interesantísimo policíaco que consigue salirse de la rutina habitual). Y entre las novedades prácticamente inéditas, ha adquirido Camelot, una producción de la cadena por cable Starz, que está tratando de hacerse un hueco entre los canales de prestigio serial como HBO o Showtime, y que este fin de semana está emitiendo sus primeros episodios. Sabiendo que se trata del canal responsable de Spartacus, seguro que promete escenas de alto contenido erótico, teniendo en cuenta además que detrás de esta adaptación se encuentran los responsables y algunos protagonistas de la expléndida The Tudors. También veremos en Antena 3 Juego de tronos, la nueva y esperadísima superproducción de HBO que se estrenará el 17 de abril y que en España pasará antes por Canal +.

La audiencia está respaldando el cambio de trayectoria de Antena 3, lo cual es gratificante. Pero algunas de estas series están planteando también una curiosa polémica, que tiene que ver especialmente con las escenas de sexo y violencia que se pueden ver en Spartacus. Se trata de la idoneidad de que este tipo de producciones se emitan "en abierto" en nuestro país, cuando en realidad son series producidas para canales de pago anglosajones, es decir, cadenas de televisión enfocadas a un público adulto que paga una cuota por ver un tipo de contenido que puede permitirse excesos. Pero ¿en España es permisible que tan alto grado de violencia (o de sexo) pueda verse en horario prime time? Personalmente, me parece un debate estéril si se cumplen los horarios establecidos por ley de forma adecuada. Pero siempre resulta esperanzador que sean este tipo de debates los que se abran en torno a la televisión.

La música de las nuevas series de televisión

Miércoles 5 de abril, 16:00 h. / Sábado 9 de abril, 11:00 h. (reposición)

Downton Abbey - John Lunn

Spartacus. Blood and sand - Joseph DeLuca

The Borgias - Trevor Morris
Camelot - Jeff Danna y Mychael Danna
Justified - Gangstatrass

El ¿triunfo? del cine español

2011-03-15T10:52:00.001+01:00

Torrente 4 ha cosechado en un fin de semana más récords que todo el cine español junto en los últimos años. Mejor estreno español de la historia, mejor estreno absoluto en 3D, superando a la mismísima Avatar... La Federación de Productores ha lanzado las campanas al vuelo pero... ¿no es preocupante que el cine español sostenga su cuota de mercado en tan solo uno o dos títulos al año?

Esta no es una crítica de Torrente 4. La saga, que comenzó con una inteligente visión cínica del tópico del españolito facha, fue degenerando en sus siguientes secuelas hasta una tercera entrega que resultó decepcionante hasta para los numerosos fans del personaje. Pero lo que ha conseguido Santiago Segura es algo inédito: crear una franquicia que cada cierto tiempo logra los mejores resultados del cine español.

Sus 8,3 millones de euros logrados en tres días dan cuenta de la inteligente estrategia de marketing de una película que, de entrada, ya superaba en sus 910 pantallas a cualquier otro estreno español. Y por supuesto acompañado por una personalizada campaña de promoción que tiene en su mentor, Santiago Segura, al mejor representante. Ni qué decir tiene que apostar por el 3D en medio de una oleada de producciones en este formato ha sido también un aliciente para muchos espectadores, y por supuesto, al ser más caras las entradas, ha aumentado considerablemente su recaudación.

Lo que está por ver es cómo se comportará la película en su segunda fin de semana. Según algunos expertos en esto de las taquillas, si Torrente 4 rebaja su caída de público (habitual siempre tras el estreno de los títulos más solventes) por debajo del 55% con respecto al primer fin de semana, entonces claramente se convertirá en la película española más taquillera de todos los tiempos.

El éxito abrumador de Santiago Segura, cuyo talento no se limita a la saga torrentiana, a pesar de ser ninguneado por la Academia de Cine este año por su destacada interpretación en El gran Vázquez, pone en evidencia sin embargo los principales problemas del cine español. Una industria que resiste cada temporada sólo gracias a determinados directores y determinadas películas. Si durante una temporada no estrenan ni Pedro Almodóvar, ni Alejandro Amenábar, ni Santiago Segura, entonces la cuota de pantalla del cine español acaba siendo triste.

Este año, al fenómeno Torrente se sumará el estreno de la última película de Pedro Almodóvar, La piel que habito, lo cual parece predecir una temporada más que positiva. FAPAE se ha lanzado inmediatamente a celebrar el éxito de Amiguetes Entertainment, la productora de Santiago Segura, pero quizás sería más sensato reflexionar sobre cuál es la lectura que se puede hacer de una industria con pies de barro.

Tiene razón Pau Brunet, de Boxoffice.es en que el éxito de Torrente 4 sigue la línea de la buena taquilla de producciones locales en Europa. Y pone los ejemplos de Nada que declarar, nuevo taquillazo en Francia de Danny Boon tras Bienvenidos al Norte; Kokowääh de Til Schweiger en Alemania; y Manuale d'Amore 3, de Giovanni Veronesi en Italia. Curiosamente, casi todas coinciden en tratarse de comedias creadas por cineastas que suelen dar en la diana de las buenas recaudaciones. El actor/director alemán Til Schweiger triunfó ya con Rabbit without ears y su secuela, repitiendo esquemas de comedia romántica. Y Veronesi ha encontrado también un filón en la representación melosa del romanticismo excesivo italiano.

Todas, incluido Torrente, coinciden también en su peculiaridad localista. Porque aunque Manuale d'amore o Bienvenidos al Norte no han funcionado mal en la taquilla española, por ejemplo, no han cosechado tanto fervor. Lo cual nos hace pensar: ¿entonces la solución ya no está, como se pensaba hace unos años, en imitar las pautas del cine de Hollywood, aunque con elementos locales? ¿Lo que triunfa realmente son los personajes y situaciones con las que los espectadores autóctonos se puedan sentir identificados? Esa es la gran incógnita.

Lo que parece cierto en estos momentos es que el cine europeo pasa por una situación de enroscamiento. Lo que los espectadores quieren ver son historias que conecten, casi siempre en clave de comedia, con su propia idiosincrasia. Y en eso Torrente juega con ventaja.

El día que tembló Japón: "Aftershock"

2011-03-12T00:22:00.001+01:00

Las casualidades son a veces terribles. El año pasado hablábamos de una de las películas más taquilleras en China: Aftershock, un drama que recordaba el devastador terremoto de 1976. Hoy, las impactantes imágenes con las que comienza la película nos recuerdan lo que se ha vivido en Japón, un país afortunadamente preparado para este tipo de desastres naturales. Recuperamos el comentario que hacíamos en octubre sobre este título inédito en nuestro país.

Las películas de Feng Xiaogang no han tenido un especial reconocimiento en Occidente. Ni falta que les hace, ya que la taquilla china solamente es capaz de rentabilizar una película con creces. De su no demasiado extensa pero sin duda certera filmografía, por estos lares conocemos la comedia El funeral del jefe (2001), que a pesar de sus referencias no terminaba de encajar bien su pretendida mordacidad humorística.

Seamos claros. El cine de Feng Xiaogang es en ocasiones simplón y esquemático, con tendencia a las concesiones que hagan falta para su comercialidad, temas sensibleros o de acción, pero con una capacidad para manejar la cámara que sin duda le hacen destacar entre muchas otras producciones orientales. Y hasta sus incursiones en el género wuxia (películas de artes marciales específicas de la cultura china), como en The banquet (2006) no han sido recibidas por la crítica occidental con el mismo fervor que las de Zhang Yimou o Ang Lee, pero sí han conseguido el beneplácito del público chino. Pero también hay que decir que el propio Feng Xiaogang afirma que sus películas tienen como destinatario el público oriental básicamente.

Aftershock (2010) es la última película de este inquieto realizador, y con ella ha logrado convertirse en la segunda más taquillera de la historia en China, que ya es decir. Todo un melodrama de larga duración que se acerca a uno de los momentos más dolorosos de la reciente memoria histórica de su país, cuando en 1976 tuvo lugar un terremoto que dejó en la región de Tangshan una cifra de 240.000 muertos. Aftershock contiene en su primera media hora (magnífico arranque con una invasión de libélulas que no hacen presagiar nada bueno) todos los elementos que la convierten en una de las mejores producciones de su director. No se trata de una típica película de catástrofes porque, al contrario de lo que suele ocurrir en esos casos, no nos introducimos en una historia que desemboca en un festival de efectos especiales. Aftershock, por el contrario, descarga todo su arsenal de efectos visuales (espléndidos) al comienzo, y se detiene a partir de ahí en la dramática trayectoria de sus protagonistas: una madre que ha tenido que decidir entre la vida de sus dos hijos y que soporta con resignación el sufrimiento como penitencia vital, y dos jóvenes marcados por los terribles acontecimientos vividos cuando eran niños.

La historia discurre entre el mortal seísmo de 1976 y el no menos catastófrico terremoto que en 2008 dejó 80.000 muertos en Sichuan, como los dos frentes dramáticos que subrayan el carácter de esta historia que termina, a fuerza de intentarlo, empañando los ojos del espectador.

A esta película le sobra algo de metraje y cierta intencionalidad por provocar los sentimientos del espectador, aunque sea de forma algo burda en ocasiones, con algunas interpretaciones un poco salidas de tono. Pero lo cierto es que consigue removernos las tripas con ese ascenso progresivo hacia un clímax que, lejos de ser un festival de fuegos de artificio visuales, se mueve por los vericuetos internos de los sentimientos. Y desde luego no puede ser más emocionante un desenlace no por esperado menos incisivo.

Ni qué decir tiene que el cine de Feng Xiaogang camina por los sosegados terrenos del cine simpático a los ojos del gobierno chino, con especial énfasis hacia el amor por la patria y la familia como elemento aglutinador de la vida. Pero, si se trata de producciones bien hechas como ésta, sus virtudes terminan sepultando el cinismo de su discurso patriótico.

Atlántida Film Fest: el otro cine

2011-03-09T11:18:00.068+01:00

Filmin ha desarrollado una interesante iniciativa para atraer la atención de los aficionados al cine. El Atlántida Film Fest ha propuesto durante un mes un paquete de películas que no han conseguido circular por los circuitos de exhibición tradicionales.

Cuando Álex de la Iglesia afirmaba en su discurso durante la ceremonia de los Goya que internet era presente, y no futuro, tenía razón. La posibilidad de acceder a un cine diferente, que ha sido ninguneado por los circuitos de exhibición tradicionales, es una realidad desde hace tiempo gracias a iniciativas como Filmin (en España) o Mubi y Netflix (a nivel internacional). Hay, por tanto, un universo cinematográfico paralelo al que, por menos que uno sea aficionado al cine diferente, es casi obligatorio adaptarse. Filmin (que está compuesto por algunas de las principales compañías de distribución independientes en cine y DVD) se ha espabilado en los últimos meses, con interesantes estrenos de películas que aún no han salido en DVD: véase el documental Bicicleta, cuchara, manzana, de Carles Bosch (ganador del Goya al Mejor Documental), Pan negro, de Agustí Villaronga o José y Pilar, de Miguel Gonçalves, sobre el escritor José Saramago.

Se pueden discutir o comentar algunas cosas relacionadas con estos nuevos y fascinantes formatos de exhibición. Que el streaming en HD, por ejemplo, que nos presenta Filmin en películas como Pan negro, no resulta tan fluido como quisiéramos (nuestra experiencia personal es la de continuos parones de carga, con una conexión a internet de tipo medio), aunque hay que reconocer que en general el visionado de películas en SD sí resulta diáfano, tanto desde el ordenador como desde la Playstation 3. La posibilidad últimamente de acceder a Filmin también desde el iPhone o el iPad ofrece una nueva dimensión a este formato.

En el caso de Mubi, que hace unos meses anunciábamos como una auténtica revolución gracias a su salto desde internet al menú directo de Playstation 3, ha sido más decepcionante. Porque a pesar de ofrecer un atractivo catálogo cinematográfico, sigue teniendo dos problemas principales: una cuota mensual más cara que la de Filmin, por ejemplo, y la imposibilidad de ver la mayor parte de las películas con subtítulos en español.

Otra de las iniciativas de Filmin para captar a suscriptores es la organización del Atlántida Film Fest, una muestra de películas de habla hispana inéditas en salas de cine que se ha podido ver entre el 5 de febrero y el 8 de marzo, sólo para suscriptores. Un amplio catálogo de títulos nos ha permitido a los aficionados acceder a algunas propuestas que se salen de los cauces convencionales del cine, para bien y para mal. Los premios otorgados esta semana garantizan la distribución en cines, en DVD y online de las películas ganadoras. En general, la muestra ha confirmado que buena parte de los títulos presentados resultan tan pedantes y tan soporíferos que sólo en circuitos "alternativos" tienen razón de ser. Nosotros hemos visto/sufrido algunos de ellos:

PEDANTERÍA

Caracremada, de Lluis Galter. Una de estas películas multipremiadas en los circuitos de la crítica catalana por su acercamiento poco convencional a la historia del último maqui de la posguerra. Su planteamiento, escaso de diálogos y distante y frío como ella sola, acaba resultando una auténtica tortura para cualquier espectador que quiere ver algo más que un personaje dando martillazos durante cinco minutos.

El árbol, de Carlos Serrano. Insoportable vehículo de seguimiento a un personaje que nos interesa cada vez menos conforme se desarrolla la película, una sucesión de paseos de aquí para allá, hablando con unos y con otros, que pretende ser el retrato de un hombre que va perdiendo todo lo que le hace humano, y que acaba siendo un pedante y agotador viaje interior.

Lodo, de Karlos Alastruey. O cómo tratar de ser surrealista siendo en realidad un coñazo. Escenas inacabables, personajes insoportables interpretados por actores incapaces de darles al menos algo de vida, situaciones imposibles en medio de una parafernalia visual que trata de demostrarnos que el director tiene cierta mirada elocuente.

VOLUNTARISMO

La vida sublime, de Daniel V. Villamediana. En esta película encontramos otra de esas planificaciones que parecen diseñadas para alejar al espectador de la historia. En este caso, vemos al protagonista, empeñado en comerse 90 sardinas como dicen que hizo su abuelo, comiendo una detrás de otra sin que sepamos cuándo el director descubrirá que existe una cosa que se llama elipsis. No obstante, este tratamiento casi documental sobre un joven que persigue la huella de su abuelo desde su Norte castellano hasta el luminoso Sur de Sevilla y Cádiz (homenaje reconocido a la inacabada El sur, de Víctor Erice), y que resulta una mirada reflexiva sobre el ser humano, tiene algunos momentos lúcidamente escritos.

Naufragio, de Pedro Aguilera. Ganadora de una Mención Especial en el Sevilla Festival de Cine Europeo, es una voluntariosa historia sobre inmigración con algunos elementos fantásticos que funciona a ratos, pero termina cayendo en algunos tópicos y se ve lastrada por ese naturalismo que se sostiene en actores no profesionales que aportan poco a la comprensión de sus personajes.
Mención Especial del Jurado

La Yuma, de Florence Jaugey. Cine nicaragüense que quiere ser Million dollar baby y se queda en otra crónica más de la pobreza y la delincuencia en Centroamérica. A la directora no se le puede negar cierta pasión en lo que cuenta, pero sus virtudes como cineasta son bastante menos llamativas que su negado trazo visual. No es cine pobre, es cine simple, previsible, básico. Esto puede gustarle a algunos. A otros, que hemos visto otras mil muestras de creaciones visuales de poco presupuesto que se acercan a la lucha de sus protagonistas por salir de un universo sembrado de droga y delincuencia, nos produce apatía.

Mami blue, de Miguel Ángel Calvo Buttini. No es gran cosa, pero esta comedia de la productora sevillana Jaleo Films que no ha conseguido distribución en cines, al menos es un soplo de aire fresco en medio de tanta pedantería. Buen trabajo de la inagotable María Alfonsa Rosso, en una road movie que a veces cae en el esperpento y otras logra momentos de perfecta armonía cómica (los menos, todo hay que decirlo), con apariciones estelares de Chus Lampreave o Ruth Gabriel. Funciona a ratos, a pesar de Fele Martínez.
Premio del Público

NI FU NI FA, SINO TODO LO CONTRARIO

La mirada de Ouka Lele, de David Gordon. Documental de formato televisivo solo recomendable para amantes o conocedores de la obra de Ouka Lele (no es mi caso). Sólo así suponemos que será soportable tanto rollo artístico. El director parece tan fascinado por el personaje que no termina de darse cuenta que hay vida más allá de la cámara, la de los espectadores que sufrimos su película.

Myna se va, de Sonia Escolano y Sadrac González. Se nos presenta como la película con el plano secuencia más largo del cine español. Unos 30 minutos que contienen la escena principal de una trama que básicamente parece construída para servir de envoltura a esa secuencia. Lo malo de esta historia que parece querer reflejarse directamente en el cine de Michael Haneke, es que todo es tan arbitrario, tan escasamente llamativo, tan pretendidamente sórdido, que resulta cansino. Algunos directores transmiten más con la mirada sutil que éstos con su aparente provocación.

CINE

Cuchillo de palo, de Renate Costa. Quizás el documental más interesante de la muestra. Presentado en el Festival de Cine Español de Málaga, donde obtuvo el Premio al Mejor Documental, este viaje interior de la directora tratando de descubrir la vida real de su tío, un homosexual que se suicidió tras la represión brutal que contra la comunidad gay realizó la dictadura en Paraguay, tiene una estructura perfecta, cuidada, que dosifica la información de forma precisa, casi como si se tratara de una historia de suspense. Y nos plantea personajes impactantes como ese padre machista, retrógado, pero al mismo tiempo con cierto aire bonachón, que no supo o no quiso comprender a su hermano, el número 41 de una lista de 108 homosexuales que formaban parte del primer registro efectuado durante la dictadura de Alfredo Strossner.
Mejor Película

Tom Zé. Astronauta libertado, de Igor Iglesias González. El director sabe que su documental se sostiene sobre la explosiva personalidad de Tom Zé, ese genio de la música brasileña que siempre ha rebuscado en su imaginación para experimentar. Estructurada sobre un taller de música impartido por Tom Zé en Gijón, la película describe con perfecto orden el desorden musical de este creador empeñado en mantener, a sus setenta y cuatro años, una personalidad insólita.

La mosquitera, de Agustí Vila. Nunca hubiera pensado que una producción de Eddie Saeta podría tener los resortes del cine argumental suficientes como para atraer nuestra atención. No es que esta película (por la que Emma Suárez ganó el Goya como Mejor Actriz) tenga personajes o una trama convencionales, pero resulta interesante este planteamiento excesivo que lleva a sus protagonistas a situaciones límite. Fallan algunos retratos, como el de la hermana que no soporta ser madre, pero contiene verdaderos hallazgos en la creación de escenas de certera ironía.

La revolución electrónica de las bandas sonoras

2011-03-05T21:32:00.000+01:00

El reciente Oscar a los ex-Nine Inch Nails ha abierto un camino a una nueva revolución en la concepción del universo sonoro de las películas. Como ya ocurriera en los años ochenta, el cine absorbe ahora los sonidos electrónico-ambientales para envolver sus historias.

No estamos hablando de nada nuevo, y es evidente que ha habido numerosas incursiones de cantantes o grupos que se han acercado con acierto al mundo de las bandas sonoras. Ahí están, por poner dos ejemplos dispares, los casos de Damon Albarn (Ravenous) o Nick Cave (The proposition, The road...). Sin embargo, parece claro que el éxito de la banda sonora de La red social propone una nueva mirada a la música de cine que, de hecho, ya está presente en otras películas.

Recientemente pudimos escuchar el excelente trabajo de los franceses Daft Punk para la prescindible revisión de Tron, injustamente descabalgada de las nominaciones a mejor banda sonora de este año. Hubiera resultado curiosa y excitante la competición entre Trent Reznor/Atticus Ross y Thomas Bangalter/Guy-Manuel de Homem-Christo. Pero nos quedamos sin ella. Personalmente, me parece más fascinante el trabajo de los franceses.

Los ex-componentes de Nine Inch Nails volverán a colaborar con David Fincher en la adaptación norteamericana de las novelas encabezadas por Los hombres que no amaban a las mujeres, así que parece clara su continuidad en el mundo del cine.

Por su parte, The Chemical Brothers lanza el 15 de marzo a través de iTunes su trabajo para la película Hanna, una historia de aventuras protagonizada por una adolescente, dirigida por Joe Wright. Cate Blanchet y Saoirse Ronan (descubierta en la anterior película del director, Expiación) encabezan el reparto. Esta es una pequeña muestra de la banda sonora:

Container Park by The Chemical Brothers by Hannamovie

Para el próximo verano se espera el estreno de Attack the block, otra de acción dirigida por Joe Cornish, uno de los guionistas de la adaptación al cine de Tintín que nos traerá Steven Spielberg este año. Para su banda sonora, composiciones a cargo del dúo londinense de música house Basement Jaxx.

El mundo del teatro también se ha visto invadido por los sonidos electrónicos con la versión teatral de Frankenstein que ha estrenado con gran éxito de crítica Danny Boyle. Esta revisión del mito tiene una particularidad: sus dos protagonistas (Johnny Lee Miller y Benedict Cumberbatch (el maravilloso Sherlock Holmes de la reciente miniserie de la BBC)) se turnan cada noche para interpretar a cada uno de los personajes, de forma que, dependiendo del día que vayas al teatro, te puedes encontrar con uno u otro dando vida al Dr. Frankenstein o al monstruo. Para arropar musicalmente esta apetitosa versión del clásico de Mary Shelley, nada menos que la banda sonora creada por el grupo británico de música electrónica Underworld. Esta es una pequeña muestra de su trabajo:

Dawn of Eden by Underworld